En una época en la que se habla de libertad y donde parece
que no existen límites para que vivamos sin restricciones, existe la paradoja
de que todos debemos pensar igual. Alfredo Hidalgo nos comparte sus reflexiones
acerca de ello desde la perspectiva universitaria.
Hacé click en el enlace para ver el programa.
https://www.rtve.es/play/videos/shalom/prisma-valores/16344090/
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Halina Birnbaum nació en 1929 en Varsovia, Polonia. Cuando
tenía 10 años, estalló la guerra y toda su vida se derrumbó ante sus ojos.
Junto a sus padres y hermanos fue enviada al Gueto de Varsovia hasta la
rebelión del año 1943. Escondidos en el búnker de la calle Mila, fueron
apresados y deportados a dos campos de concentración, Majdanek y Auschwitz.
Sobrevivió a las Marchas de la Muerte, y en 1947 llegó a Israel bajo el Mandato
británico. Hoy, a sus 96 años sigue contando su historia.
Hacé click en el reproductor para escuchar
el programa.
El sitio www.mandypatinkin.org
publicó su biografía.
Mandy Patinkin ha tenido la suerte de forjar una carrera
variada que incluye teatro, escenarios de conciertos, cine, televisión y como
artista discográfico. En su debut en
Broadway en 1980, Mandy ganó un premio Tony por su papel como Che en Evita de
Andrew Lloyd Webber, dirigida por Hal Prince, y fue nominado en 1984 por su
papel protagónico como George en el musical ganador del premio Pulitzer, Sunday
in the Park with George. Otros
créditos teatrales de Mandy incluyen: Compulsion, Paradise Found, The Tempest,
Enemy of the People, The Wild Party, Falsettos, The Secret Garden, The Winter's
Tale, The Knife, Leave It to Beaver is Dead, Rebel Women, Hamlet, Trelawney of
the 'Wells', The Shadow Box, The Split, Savages y Henry IV, Part I. En 1989, Mandy comenzó su carrera de
conciertos en el Public Theater de Joseph Papp en la ciudad de Nueva York.
Desde entonces, ha realizado giras (y continúa haciéndolo) con sus diversos
conciertos en solitario (Dress Concert, Mamaloshen, Celebrating Sondheim,
Diaries y Being Alive) por Norteamérica, en el West End de Londres, por
Australia y Nueva Zelanda, así como en Broadway y fuera de Broadway. En 1997,
realizó una presentación en Broadway con entradas agotadas de Mandy Patinkin in
Concert, y todas las ganancias se destinaron a cinco organizaciones benéficas,
y en 1999, mientras estaba de gira, Mandy terminó cada concierto dirigiéndose
al vestíbulo del teatro con una caja de cartón, pidiendo a los clientes que
vaciaran sus bolsillos para PAX, una organización de seguridad de armas, y
Médicos Sin Fronteras, en respuesta tanto al tiroteo de Columbine como a la
Guerra de Bosnia. Además de sus conciertos en solitario, Mandy ha creado
colaboraciones con artistas como la superestrella de la ópera Nathan Gunn en An
Evening with Mandy Patinkin & Nathan Gunn; con su querida amiga Patti
LuPone en An Evening with Patti LuPone and Mandy Patinkin , que ha estado de
gira desde 2007 y se presentó en Broadway en 2012; Bridges, un concierto con
músicos de varios países de Oriente Medio; y, más recientemente, The Last Two
People on Earth: An Apocalyptic Vaudeville, con Taylor Mac, y dirección y
coreografía de Susan Stroman. Entre
sus largometrajes se incluyen Before You Know It, Life Itself, Wonder, Wish I
Was Here, The Wind Rises, Smurfs: The Lost Village, Everybody's Hero, The
Choking Man, Pinero, The Adventures of Elmo In Grouchland, Lulu on the Bridge,
Men with Guns.
En televisión, Mandy ganó un premio Emmy en 1995 por su
actuación en la serie de CBS “Chicago Hope”, y protagonizó la serie de CBS
“Criminal Minds” y la serie original de Showtime “Dead Like Me”. Recientemente
completó ocho temporadas de la premiada serie original de Showtime “Homeland”
como el agente de la CIA Saul Berenson. Como artista discográfica en CBS
Records, Mandy lanzó dos álbumes en solitario, Mandy Patinkin y Mandy Patinkin
In Concert: Dress Casual. En 2019, en el
sello Nonesuch, Mandy grabó Children + Art, así como tres álbumes digitales Diary
January 2018, Diary April/May 2018 y Diary December 2018. También en el sello Nonesuch, Mandy ha
grabado Experiment, Oscar & Steve, Leonard Bernstein's New York, Kidults y
Mandy Patinkin Sings Sondheim. En 1998 estrenó su proyecto más personal,
Mamaloshen, una colección de canciones tradicionales, clásicas y contemporáneas
cantadas íntegramente en yiddish. La grabación de Mamaloshen ganó el Deutschen
Schallplattenpreis (el equivalente alemán del premio Grammy). Tan diversa como
ha sido su vida profesional, la educación de Mandy en el campo del activismo
social ha sido aún más variada y continúa evolucionando. Ha ayudado a recaudar
fondos para organizaciones que le son queridas, incluidas Brady Campaign, PAX,
Médicos Sin Fronteras, Association to Benefit Children, American Jewish World
Service, Search For Common Ground, National Dance Institute y ACLU. Mandy es
miembro de la junta directiva del Arava Institute y continúa trabajando con el
International Rescue Committee (IRC), destacando la difícil situación de los
refugiados en todo el mundo. Mandy reside en Nueva York con su esposa, la
actriz y escritora Kathryn Grody.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Over The
Rainbow.
 |
| Hadi Karimi |
A continuación, de Franz Schubert, la Sinfonía Nº 9 en Do Mayor D. 944, La Grande, en la versión de la Orquesta de la Escuela Cívica de Música “Claudio Abbado”, Orquesta Milán Clásica, dirigida por Renato Rivolta.
 |
Fotografía
de Arnie Goodman |
El sitio www.johnmayall.com
publicó su biografía.
Durante más de 50 años, John Mayall ha sido un pionero de la
música blues, lo que le ha valido el título de "El padrino del blues
británico". En 2013, John firmó con el sello del productor Eric Corne,
Forty Below Records, y desde entonces ha vivido un verdadero renacimiento
artístico y profesional, incluida su incorporación al Salón de la Fama del
Blues en 2016.
En su último single, "I'm as Good as Gone", el
Padrino del Blues Británico ofrece un ritmo profundo y funky para una canción
sobre el amor en los momentos finales. Escrita por el ganador del Grammy Bobby
Rush, la canción cuenta con la participación de la leyenda de la música
americana Buddy Miller en la guitarra barítono principal y Mayall mezclando en
el órgano Hammond B3. También están presentes la dinámica sección rítmica de
Chicago de Mayall, formada por Greg Rzab en el bajo y Jay Davenport en la
batería, junto con Carolyn Wonderland de Austin en la guitarra.
Al igual que en sus últimos álbumes, Mayall nuevamente
comparte las tareas de producción con el fundador de Forty Below, Eric Corne,
quien también se encarga de las tareas de ingeniería y mezcla.
El lanzamiento del sencillo, que se lanzará el 20 de
noviembre, coincidirá con el 87º cumpleaños de John y seguramente será motivo
de celebración en la comunidad del blues y más allá. Se espera que el álbum
completo salga en 2021.
Durante más de 50 años, John Mayall ha sido un pionero de la
música blues, lo que le ha valido el título de "El padrino del blues
británico". En 2013, John firmó con el sello del productor Eric Corne,
Forty Below Records, y desde entonces ha vivido un verdadero renacimiento
artístico y profesional, incluida su incorporación al Salón de la Fama del
Blues en 2015.
El último lanzamiento de Mayall, "Nobody Told Me",
de 2019, contó con una lista impresionante y diversa de guitarristas invitados,
todos favoritos personales de Mayall, incluidos Todd Rundgren, Little Steven
Van Zandt de The E Street Band, Alex Lifeson de Rush, Joe Bonamassa, Larry
McCray y Carolyn Wonderland, quien desde entonces se unió a la banda en la
gira.
El álbum fue grabado en el Studio 606 de Foo Fighters en la
misma legendaria consola Sound City Neve que sus antiguos protegidos de
Fleetwood Mac usaron para grabar partes del exitoso álbum Rumors.
“Este proyecto ha sido un verdadero trabajo de amor para mí
y no puedo esperar a que la gente escuche los fuegos artificiales que tuvieron lugar”,
sonríe Mayall. Nobody Told Me es un título apropiado para el ícono del blues
que sufrió un reciente e inesperado problema de salud poco después de grabar el
álbum. Pero, el aparentemente intemporal perro de la carretera, que es famoso
por no tomarse días libres y llevar su propio equipo de gira, ha recibido el
visto bueno y planea regresar a su agotadora agenda de gira habitual para
apoyar el lanzamiento.
El último lanzamiento de Mayall, Three for the Road de 2018,
incluye cortes extraídos de dos exuberantes conciertos grabados en vivo en
Alemania en 2017. "Con el sonido de un hombre con la mitad de su edad,
Three for the Road es un cóctel embriagador de temas originales y
'favoritos'". - Revista Goldmine. El título es un guiño al formato de trío
que se presentó en la gira mundial de Mayall de 2017, que incluye al bajista de
larga data Greg Rzab y al baterista Jay Davenport.
En 2016, Mayall lanzó Talk About That, en el que participó
Joe Walsh, miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll, en dos temas. La
revista People calificó el álbum como “una clase magistral de blues” y American
Songwriter lo elogió como “una nueva obra maestra de un hombre que ha hecho
obras maestras durante décadas”.
Para Joe Walsh, tocar en una sesión con uno de sus héroes
musicales también tenía un lugar especial. “Tocar con John Mayall ha sido una
de mis metas desde 1970”, afirma. “John tuvo una racha de GRANDES guitarristas
británicos (uno tras otro) con sus álbumes 'Bluesbreakers', y así fue como
muchos de nosotros en los Estados Unidos nos dimos cuenta de ellos. Clapton,
Peter Green, Mick Taylor... Los estudié a todos durante horas y, como resultado,
me convertí en un guitarrista mucho mejor. Los álbumes eran material legendario
y he querido trabajar con John durante años y años, preguntándome cómo sería”.
El lanzamiento de Talk About That llegó poco después del
aclamado internacionalmente Find A Way To Care de Mayall en 2015. “Los oyentes
que valoran un gusto lírico diverso y una buena dosis de música blues clásica”
disfrutaron de Find a Way to Care, un álbum que “cumplió en todos los niveles”
(Blues Rock Review), y A Special Life lanzado en 2014. “Yo fácilmente pondría
este entre los mejores trabajos de Mayall, y eso incluye 'Bluesbreakers with
Eric Clapton', 'A Hard Road' y 'Blues from Laurel Canyon!" (about.com)
En abril de 2015, John y Forty Below emocionaron al mundo
del blues con el lanzamiento del álbum histórico de los Bluesbreakers, Live In
1967, en el que aparecen los tres miembros originales de Fleetwood Mac: Peter
Green, John McVie y Mick Fleetwood. "Un tesoro hundido no mejora
mucho" (Classic Rock Magazine). Live in 1967 - Volume Two se publicó en
2016 y fue aclamado como una "segunda ración bienvenida" por Rolling
Stone y como una "escucha imprescindible" por Blues Music Magazine.
John Mayall nació el 29 de noviembre de 1933 y creció en un
pueblo no muy lejos de Manchester, Inglaterra. Fue allí, cuando era
adolescente, donde se sintió atraído por primera vez por los discos de 78 rpm
de jazz y blues de la colección de discos de su padre. Al principio, se trataba
de guitarristas como Big Bill Broonzy, Brownie McGhee, Josh White y Leadbelly.
Sin embargo, una vez que escuchó los sonidos de los gigantes del piano boogie
woogie Albert Ammons, Pete Johnson y Meade Lux Lewis, su deseo de tocar en ese
estilo fue todo lo que pudo pensar.
A los 14 años, cuando acudió a la Junior School of Art de
Manchester, tuvo acceso por primera vez a un piano y comenzó a aprender los
fundamentos de esta apasionante música. También encontró tiempo para seguir
aprendiendo a tocar la guitarra y, un par de años después, la armónica,
inspirado por Sonny Terry, Sonny Boy Williamson y Little Walter.
Después de dos años en la escuela de arte, se unió al
departamento de arte de unos grandes almacenes mientras comenzaba a crear su
propia colección de discos, que se convertiría en su fuente de inspiración. A
los dieciocho años, cuando debía cumplir el servicio militar, pasó tres años en
el ejército de ingenieros reales como empleado de oficina en el sur de
Inglaterra y en Corea, tocando siempre que tenía oportunidad. Como nadie
parecía estar interesado en este tipo de música, John se sintió bastante
extraño durante sus veinte años hasta que en 1962 apareció la noticia en la
revista musical británica Melody Maker de que Alexis Korner y Cyril Davies
habían abierto un club en Ealing dedicado a la música blues. Después de que el
auge del jazz tradicional británico de diez años casi hubiera terminado, una
nueva generación estaba lista para algo nuevo. Aparecieron los amplificadores,
las guitarras y las armónicas y aparecieron jóvenes entusiastas de todo el país
ansiosos por formar sus propios grupos.
Este fue todo el estímulo que John, con treinta años,
necesitaba y, tras dejar su trabajo de diseñador gráfico, se mudó de Manchester
a Londres y comenzó a reunir a músicos bajo el nombre de Bluesbreakers. Aunque
las cosas fueron difíciles al principio, la música despegó rápidamente gracias
a la popularidad de los Rolling Stones, Georgie Fame, Manfred Mann, The Animals
y Spencer Davis con un joven Steve Winwood. John también acompañó a grandes del
blues, John Lee Hooker, T-Bone Walker, Eddie Boyd y Sonny Boy Williamson en sus
primeras giras por clubes ingleses.
Después de un par de años y muchos cambios de personal, Eric
Clapton dejó los Yardbirds y John rápidamente le ofreció el trabajo como su
nuevo guitarrista. Aunque John ya había publicado un par de sencillos y un LP
en vivo para Decca, la ahora clásica colaboración entre Eric y John resultó en
el álbum clásico más vendido de todos los tiempos, John Mayall's Bluesbreakers
featuring Eric Clapton. Sin embargo, cuando entró en las listas de éxitos,
Clapton y el bajista Jack Bruce se habían ido para formar Cream. Así comenzó
una sucesión de futuras estrellas que definirían sus raíces bajo el liderazgo
de John antes de irse para formar sus propios grupos. Peter Green, John McVie y Mick Fleetwood se
convirtieron en Fleetwood Mac. Andy Fraser formó Free y Mick Taylor se
unió a los Rolling Stones.
En 1969, cuando su popularidad florecía en los EE. UU., John
causó un gran revuelo con el lanzamiento de un álbum acústico en vivo sin
batería titulado The Turning Point, del cual su canción "Room To
Move" estaba destinada a convertirse en un clásico del rock. Atraído por
el clima y la cultura de la Costa Oeste, John se mudó definitivamente de
Inglaterra a Laurel Canyon en Los Ángeles y comenzó a formar bandas con músicos
estadounidenses. A lo largo de los años 70, John se volvió aún más venerado por
sus muchas innovaciones de jazz, rock y blues con intérpretes tan notables como
Blue Mitchell, Red Holloway, Larry Taylor y Harvey Mandel.
En 1982, motivado por la nostalgia y los buenos recuerdos,
John decidió volver a formar los Bluesbreakers originales. Mick Fleetwood no
estaba disponible en ese momento, por lo que John contrató al baterista Colin
Allen para que se uniera a John McVie y Mick Taylor para un par de giras y una
película de concierto en video titulada Blues Alive. Entre los grandes
protagonistas estaban Albert King, Buddy Guy, Junior Wells y Etta James. Cuando
Mick y John regresaron a sus respectivas carreras, la reacción del público
había convencido a John de que debía honrar sus raíces de blues. En Los Ángeles,
seleccionó a sus candidatos para una nueva encarnación de los Bluesbreakers.
Lanzado oficialmente en 1984, incluía a futuras estrellas por derecho propio,
los guitarristas Coco Montoya y Walter Trout.
A lo largo de los años 80 y 90, la popularidad de John fue
creciendo cada vez más con una sucesión de álbumes dinámicos como Behind The
Iron Curtain, Chicago Line, A Sense of Place y Wake Up Call, nominado al
Grammy, que contó con artistas invitados como Buddy Guy, Mavis Staples, Albert
Collins y Mick Taylor.
En 1993, el guitarrista texano Buddy Whittington se unió a
los Bluesbreakers y, durante los siguientes diez años, energizó a la banda con
sus ideas únicas y ardientes. Al hacer su debut discográfico en el álbum
Spinning Coin de John, demostró estar más que a la altura de seguir los pasos
de sus ilustres predecesores. Le siguieron otros clásicos modernos; Blues For
the Lost Days y Padlock On The Blues, este último con una rara colaboración con
su amigo cercano, John Lee Hooker. En Along For The Ride, John volvió a formar
equipo con varios de sus antiguos compañeros, incluidos Peter Green, Mick
Taylor, Mick Fleetwood y John McVie, así como Billy Gibbons de ZZ Top, Steve
Miller, Billy Preston, Steve Cropper, Otis Rush, Gary Moore y Jeff Healey. La generación
más joven estuvo bien representada por las sensaciones de la guitarra
adolescentes Shannon Curfman y Jonny Lang. En 2002, Stories debutó en las
listas de blues de Billboard en el puesto número 1.
En una celebración del 70º cumpleaños en beneficio de UNICEF
en Liverpool, se filmó, grabó y lanzó un concierto en DVD y CD doble en
diciembre de 2003. Junto con los Bluesbreakers, participaron viejos amigos como
Eric Clapton, Mick Taylor y Chris Barber. La BBC también emitió un documental
de una hora sobre la vida y la carrera de John titulado The Godfather of
British Blues para coincidir con el lanzamiento de Road Dogs. En 2005, John
recibió un OBE en la lista de honores de la Reina. En la primavera de 2007, el
lanzamiento del álbum número 56 de John Mayall, In The Palace Of The King, fue
un álbum de estudio completo que honraba y rendía tributo a la música del héroe
de blues de John durante mucho tiempo, Freddie King. Todos obtuvieron
excelentes críticas, elogios de la crítica y del público y representaron la
maestría continua de Mayall del blues y su continua importancia en la música
contemporánea.
Además, durante los últimos diez años, John publicó
grabaciones en vivo en su propio sello en línea, Private Stash Records.
(Algunas aún están disponibles en su sitio web johnmayall.com). Incluyeron Time
Capsule (que contiene cintas históricas en vivo de 1957-62), UK Tour 2K, (de
una gira británica de 2000), Boogie Woogie Man, (una selección de actuaciones
en solitario), Cookin' Down Under, (un DVD en vivo de Australia) y No Days Off,
(otro espectáculo en vivo británico) y un conjunto de CD de 3 volúmenes de
actuaciones en vivo que abarcan los años 1970 a 1998 titulado Historic Live
Shows.
En octubre de 2008, John Mayall tomó la decisión de retirar
definitivamente el nombre de "Bluesbreakers" y empezar de nuevo. Fue
una ocasión triste decir adiós a Buddy Whittington y a los muchachos después de
veinte años de buena música y camaradería, pero las cosas habían llegado a otro
punto de inflexión. Esto causó un gran revuelo en los círculos del blues y dio
lugar a rumores sobre el retiro total. Afortunadamente para los fans, a
principios de 2009 Eagle Records llamó a John para que creara un nuevo álbum.
Sintiéndose mucho más renovado después de un par de meses fuera de la
carretera, formó una nueva banda para el proyecto.
Hace unos años, Whittington le había presentado a John a un
guitarrista texano, Rocky Athas, y recordó lo impresionado que había quedado en
ese momento. Afortunadamente, respondió a la llamada de John y estaba ansioso
por unirse al equipo para el álbum propuesto. Con la necesidad de una sección
rítmica de fuerza dinámica, Mayall recurrió al bajista Greg Rzab, quien
recomendó a su compatriota de Chicago Jay Davenport en la batería. Finalmente,
los tres chicos se juntaron con el tecladista Tom Canning y, a los dos días de
reunirse en Los Ángeles, el álbum Tough estaba listo. Habían pasado solo tres
días en el estudio y, desde su lanzamiento, y con un calendario creciente de
giras mundiales, nació una nueva era. Poco después de su lanzamiento, Canning
se fue para perseguir otros proyectos.
Una formación más reducida de cuatro miembros le dio a John
más espacio para desarrollarse como instrumentista y la química de la banda
alcanzó nuevas cotas. Durante los siguientes siete años, John y la banda
continuaron realizando giras extensas por todo el mundo y alcanzaron su
objetivo habitual de más de cien shows por año. En 2010, se filmó un concierto
en Londres y Live in London se lanzó como un CD doble y un DVD a través de
Private Stash.
Después de ser invitado a participar como artista invitado
en el álbum The Blues Came Calling de Walter Trout, John se reencontró con el
ingeniero y productor Eric Corne y quedó tan impresionado que le pidió que
grabara su próximo álbum, A Special Life. El álbum se lanzó en Forty Below
Records de Corne en 2014 y recibió excelentes críticas, seguido de una extensa
gira por Norteamérica, Europa y el Reino Unido para celebrar el 80° cumpleaños
de John.
A sus ochenta años, John siguió evolucionando con sus
actuaciones y grabaciones y coleccionando merecidos elogios. En 2016, fue
incluido en el Salón de la Fama del Blues. Ese mismo año, debutó con su formato
de trío con Rzab y Davenport, y grabó un álbum en vivo, "Three For The
Road", durante una gira europea. Su siguiente "primera vez" fue
seleccionar a Carolyn Wonderland para que se hiciera cargo de la guitarra en
2018. Esta fue la alineación de su última grabación de estudio, "The Sun
Is Shining Down", que fue nominada a Mejor Álbum de Blues Tradicional en
los Premios Grammy de 2022.
En 2022, John anunció el fin de sus "épicos días de
gira". Pero incluso en su retiro, John sigue inspirando a sus seguidores
con su vida de maravillosa música. En septiembre de 2023 se lanzará un tercer
volumen de su serie "Live in 1967", con Peter Green, Mick Fleetwood y
John McVie.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con So Many Roads, fragmento de una presentación en vivo el 7 de julio de 2008.
John Mayall con The
Bluesbreakers, y Gary Moore.
El sitio www.staimusic.com
publicó esta biografía.
Bruce Channel: Una leyenda del rock & roll
Cuando se habla de la música de los años 60, no se puede
dejar de lado a Bruce Channel, un talentoso cantante y compositor que destacó
en la época gracias a su particular estilo de rock & roll. A lo largo de su
carrera, Channel nos regaló algunas de las canciones más icónicas de la década,
cautivando a millones de fanáticos en todo el mundo. En este artículo, te
invitamos a conocer más sobre su historia y su legado.
Bruce Channel nació en Texas en 1940 y comenzó su carrera
musical en la década de los 50. Sin embargo, su gran éxito llegó en 1962,
cuando grabó Hey Baby, una canción que se convirtió en un hit inmediato y que
llegó a la cima de las listas de éxitos de varios países. La melodía pegadiza,
el ritmo bailable y la voz única de Channel convirtieron a esta canción en una
de las más representativas del rock & roll de la época.
A partir de entonces, Bruce Channel se mantuvo en la cima de
la industria musical durante varios años. Canciones como Keep On y Mr. Bus
Driver fueron igualmente bien recibidas por el público, y le permitieron
consolidarse como una figura de culto en el rock & roll.
A pesar de que Channel siempre tuvo una legión de
seguidores, su carrera comenzó a decaer en la década de los 70. No obstante, su
legado musical continuó influenciando a una gran cantidad de artistas de las
siguientes generaciones. En particular, su estilo vocal y su forma de
interpretar el rock & roll influyeron notablemente en artistas como John
Lennon y Ringo Starr.
Entre las canciones más representativas de Bruce Channel,
además de Hey Baby, se encuentran temas como Satisfied Mind, Go-Go Train y Come
On Baby. Cada una de ellas destaca por su energía, su ritmo trepidante y su
potencia vocal, convirtiendo a Channel en un maestro del género.
Si bien no se puede negar la importancia de Bruce Channel en
la historia del rock & roll, algunos críticos de la época opinaban que su
música era demasiado comercial, y que carecía de la profundidad y complejidad
de otros artistas de la época, como Bob Dylan o The Beatles. Sin embargo, lo
cierto es que el éxito de Channel se debió precisamente a su capacidad de
conectar con el público a través de canciones sencillas, pegajosas y que
invitan a la fiesta.
Con más de 50 años de trayectoria, Bruce Channel sigue
siendo una de las figuras más importantes del rock & roll. Su estilo vocal
y su habilidad para escribir canciones divertidas y pegajosas lo convierten en
un verdadero maestro del género, cuyo legado continúa influyendo a músicos de
todo el mundo. Si te gusta el rock & roll de los años 60, no puedes dejar
de escuchar a Bruce Channel, una leyenda de la música que siempre nos hará
bailar.
A continuación, celebramos su cumpleaños con Hey Baby.
Pedro Machado de Castro nació en La Habana, Cuba, el 27 de
noviembre de 1930, y murió en Guadalajara, México, el 17 de octubre de 2009. Músico
y crítico musical.
El sitio www.abc.es publicó
este recordatorio.
PEDRO MACHADO DE CASTRO
El 17 de octubre de 2009, a los 79 años y tras una larga
enfermedad, falleció en Guadalajara, Pedro Machado de Castro.
El compositor cubano nació en La Habana a finales del otoño
de 1930. En 1950, cuando finalizó sus estudios de bachillerato en letras,
ingresó en las Facultades de Derecho y Ciencias Sociales en la Universidad de
La Habana. Su extensa carrera musical comenzó ese mismo año; realizó sus
estudios musicales en el Conservatorio Carlos Alfredo Peyrellade y en el
Municipal de La Habana. Fue fundador y primer delegado General de las
Juventudes Musicales de Cuba en 1952 con la «bendición» de su fundador
internacional Don Marcel Cuvelier, creando los primeros Festivales
Universitarios de Música, lo que le permite entrar en contacto con músicos tan
destacados como Ernesto Lecuona y Gonzalo Roig. Mientras, colabora como crítico
musical en el diario «El Mundo» y en las emisoras «Radio Capital Artalejo» y
«Radio García Serra».
En el año 1961 se traslada a la República Federal de Alemania,
donde permaneció durante seis años trabajando con la firma Teldec de música
grabada, con la NDR de Hamburgo, con la revista española «Ritmo», la mexicana
«Audiomúsica» y «La Vanguardia» de Barcelona.
Se establece en Madrid en 1967, (ciudad donde recibió la
nacionalidad española), y colabora con el sello Hispavox y con «Radio Clásica».
Funda los cursillos de Apreciación Musical para enseñar a disfrutar mejor la
música, que alcanzan en 1996 su trigésima edición. Con la primera biografía
sobre Heitor Villa-Lobos, publicada en español, consigue la condecoración del
centenario del compositor otorgada por el Gobierno de Brasil. Desde 1996
colabora en «Radio Madrid FM» de la Cadena SER y realiza «notas al programa»
para importantes orquestas españolas. Mantuvo relaciones de gran amistad con
artistas de la talla de Ernesto Lecuona, Gonzalo Roig. Jorge Bolet o José Luis
Fajardo y en su extensa fonoteca conservaba las voces de sus amigos Henrik
Szering, Rubinstein, Markevitch, Pilar Lorengar, Alicia de Larrocha, López
Cobos, Miguel Ángel Gómez Martínez.
---
El sitio www.eurovision-spain.com
publicó esta biografía firmada por Javier Barquero.
Shlomo Artzi, Nació el 26 de Noviembre de 1949 en el Kibbutz
Alonei Abba en Mosahv (Israel). En general, su vida y la de su hermana Nava
Semel, que más tarde se hizo escritora, estuvo marcada por la dura experiencia
que sus padres atravesaron durante el Holocausto, del que lograron sobrevivir.
Además, su padre Yitzjak Artzi fue un militante sionista desde su juventud y
posteriormente parlamentario israelí. Cuando Artzi tenía ocho años, su familia
se trasladó al norte de Tel Aviv.
A temprana edad Artzi había demostrado habilidades
actorales, por lo que sus compañeros de clase confesaron que creyeron que se
convertiría en actor y no en músico. Sin embargo, a los 12 años de edad comenzó
a tocar la guitarra, actuando en el grupo scout al que pertenecía y en
reuniones sociales. A los 16 años comenzó ya a componer y escribir sus propias
canciones. En el primer año y medio de su servicio militar sirvió en el Cuerpo
de Artillería, pero luego se unió a la Lehakat Jeil Hayam, el conjunto musical
de la Marina israelí, del que tempranamente se convirtió en primera voz.
En 1970 tuvo la
oportunidad de presentarse en el Festival de la Canción Israelí, un certamen de
gran prestigio que se celebra con frecuencia anual. A pesar de vestir uniforme
militar cantó Ahavtía (Yo la quise), escrita por Tirza Atar y compuesta por
Yaakov Hollander, que luego se transformó en una de sus melodías clásicas y a
la sazón le valió el primer premio del concurso. La canción fue incluida en su
primer álbum Artzi aparecido en el mismo
1970 y fue reconocida como la más exitosa de las canciones que encabezaron las
listas de la radio Israelí. Aquel año, fue elegido por votación popular como
mejor Cantante del Año.
En 1975 fue elegido para representar a Israel en el Festival
de la Canción de Eurovisión con la canción At va'aní (Tú y Yo), escrita por el
legendario letrista y compositor israelí Ehud Manor y compuesta por el mismo
Artzi. Para sacar provecho del momento de esplendor del artista, su sello
discográfico prácticamente lo forzó a grabar un disco con el mismo título que
su canción en menos de dos semanas. Sin embargo, At va'aní tuvo que conformarse
con un 11º puesto en el festival con 40 puntos y el álbum constituyó un fracaso
de ventas.
Tras su paso por el certamen europeo, pasó por la peor etapa
de su carrera ya que sus discos Misjaquei 26 (Los juegos del 26) de 1975, Iesj
li ishá ialdá ulambretta ve'aní gar veTel Aviv (Tengo una esposa, una hija, una
Lambretta y vivo en Tel Aviv) de 1976 y Romansa upiut (Un romance y una oda) de
1977 no lograban el éxito esperado. En 1978, tras su larga racha de fracasos,
decidió grabar un último álbum al que tituló Gever holej le'ibud (Un hombre
yendo hacia la perdición). El éxito del disco motivó al cantante a continuar con una carrera musical que se prolonga
hasta la actualidad, y que alcanzó elevadas cumbre de éxito con los discos
Tirkod (Baila) de 1984 y Laila lo shaket (Una noche poco tranquila) de 1986,
que vendieron decenas de miles de copias y generaron recordados recitales en
parques y teatros de Israel. Además, en 1980
inauguró su propio programa, emitido por la radio del ejército de
Israel, Galei Tzahal. Od lo Shabat (Todavía no es sábado) que puede escucharse
hasta el día de hoy cada viernes a las 13:10 de Israel.
Sus siguientes trabajos le valieron una fama cada vez más en
aumento. Es uno de los cantautores de mayor trascendencia en la escena musical
de su país en las cuatro últimas décadas, vendiendo más de un millón y medio de
álbumes y su música se escucha en cada rincón del país, transformándolo en el
artista más popular y exitoso de Israel. Sus shows son especialmente
reconocidos por su intensidad y duración (algunos llegan a durar casi tres
horas). En ellos, se produce una interacción poco común entre el artista, la
banda y su público, estimulando las emociones a través de todos los sentidos.
Su música fusiona pop, rock y ritmos hebreos. Su último disco de estudio es
Shfuim (Cuerdos) data de 2007. En 2010 grabó un disco recopilatorio en directo.
Ha sido elegido por el público como el cantante de los 60 años del Estado de
Israel.
Actualmente vive en Tel Aviv con su segunda esposa. Tiene
tres hijos de su primer matrimonio.
Texto: Javier Barquero, "frajabarca". Noviembre
2015.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Anajnu lo
tzrijim, No necesitamos.
El sitio www.biografiasyvidas.com
publicó esta biografía.
Ramoncín
(Juan Ramón Martínez Márquez; Madrid, 1955) Cantante y
compositor español de rock cuya aparición a mediados de los setenta en el
panorama musical español llegó a desencadenar una verdadera revolución por lo
provocativo de su estética y las letras de sus canciones, más próximas
inicialmente al punk británico que al rock.
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| Ramoncín |
Criado en el barrio madrileño de Vallecas (El punk de Vallecas fue uno de sus primeros alias), sus primeras inquietudes artísticas le encaminaron a frecuentar los locales de ensayo de los grupos de teatro independiente. Pero la irrupción del punk le aproximó a la música y en 1978, poco después de haber debutado en el Ateneo de Madrid, apareció su primer álbum, titulado Ramoncín & WC.
Su actuación en un programa de la Televisión Española motivó
en su día la reacción de los sectores más conservadores de una sociedad
española en plena transición a la democracia. Por su contenido, temas como El
rey del pollo frito o Marica de terciopelo tuvieron difícil acceso a la mayoría
de emisoras, pero se convirtieron en himnos juveniles gracias a los conciertos
en directo, que pronto extendieron su fama.
En 1979 vio la luz Barriobajero, continuación perfecta de su
trabajo de debut, con ventas casi similares al primero, y en 1981 salió al
mercado Arañando la ciudad, en el que su propuesta punk inicial iba dando paso
a un rock más clásico. Entretanto, las nuevas formaciones de principios de los
ochenta (Radio Futura, La Mode, Golpes Bajos) se mostraban en general más
preocupadas por la estética e interpretaban letras menos comprometidas.
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| Portada de Barriobajero (1979) |
Así, en plena eclosión del pop español, los planteamientos de Ramoncín comenzaron a quedar un tanto desfasados, aunque siguió contando con numerosos seguidores. Durante unos meses, incluso, la prensa musical recogió la polémica entre partidarios de una y otra propuesta. Ramoncín seguiría manteniendo importantes índices de ventas con sencillos como Hormigón, mujeres y alcohol y Putney Bridge.
Acabada la etapa más creativa e innovadora de su carrera,
los constantes cambios de sello discográfico acabaron perjudicando el resultado
de trabajos como ¡Corta! (1982), Ramoncinco (1984), Como el fuego (1985), La
vida en el filo (1986) o Fe ciega (1988). Cada vez más alejado de la música,
comenzaron a ser frecuentes sus incursiones en la prensa o su presencia en
diversos programas de televisión (como comentarista o incluso como
presentador). A tales actividades se dedicaría principalmente tras la edición
en 1990 de su álbum en directo Al límite, vivo y salvaje.
Figura polifacética, Ramoncín se ha interesado también por
otras manifestaciones artísticas. En 1979 publicó el libro de poemas Animal de
ojos caídos, prologado por Francisco Umbral. Participó como actor en las
películas Verano infernal y Rossa del bar; e interpretó el papel de Theo Sarpo
en la obra teatral Piaf. Más tarde, en 1986, actuó y llevó la dirección musical
de Negro seco. En 1988 trabajó a las órdenes de Antonio Isasi-Isasmendi en El
aire de un crimen, película que se presentó a competición oficial en el
Festival de Cine de San Sebastián de ese año.
En enero de 1989 fue nominado como mejor letrista al premio
IberPop 89. Ya en los 90 publicó un diccionario del lenguaje de la calle, El
tocho cheli (1993), del que preparó una segunda edición, El tocho cheli II
(1996). Todavía en 2001 lanzó un nuevo disco, Ángel de cuero, un recopilatorio
en el que puede revisitarse su carrera musical a través de 25 canciones
grabadas entre 1978 y 1990.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus
grandes éxitos: Putney Bridge.
El sitio www.dbe.rah.es
publicó este recordatorio firmado por Víctor Pliego de Andrés.
Claudio Prieto Alonso
Biografía
Prieto Alonso, Claudio. Muñeca de la Peña (Palencia),
24.XI.1934 – Madrid, 5.IV.2015. Compositor.
Claudio Prieto empezó a estudiar Música con su tío Eloy
Alonso Martín y en su juventud trabajó tocando distintos instrumentos en
fiestas populares. En 1945, otro tío suyo, el padre Teófilo Prieto, agustino,
lo introdujo en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial para ampliar
su formación musical con el eminente musicólogo Samuel Rubio. Cursó casi todos
sus estudios de forma privada bajo la tutela de los directores de las bandas en
las que tocó y se examinó por libre en el Conservatorio Superior de Música de
Madrid, donde se tituló en composición en 1958. A partir de 1960 se trasladó a
Roma para perfeccionarse con Porena, Petrassi, Maderna y Evagelisti. En 1967
asistió al Curso de Verano en Darmstadt. De regreso a Madrid, simultaneó su
actividad compositiva con un empleo en Radio-2 de Radio Nacional de España.
Enseguida empezó a recibir premios importantes, entre los
que destacan el Premio Nacional de Composición del Sindicato Español
Universitario (1964), el Premio de Juventudes Musicales a la mejor obra de
música española compuesta en 1969, el Premio de la Radio Televisión Italiana
(1970), el Premio Internacional de Composición Oscar Esplá (1974), el Premio
Internacional de Composición Manuel de Falla (1976), el Trofeo “Arpa de Oro” en
el V Concurso de Composición de la Confederación Española de Cajas de Ahorros
(1979), el Premio Internacional de Composición Reina Sofía, de la Fundación
Ferrer Salat (1984), la Medalla de Oro de la Diputación de Palencia o el Premio
de las Artes de Castilla y León (1996).
En 1976 creó, con Ramón Barce, Agustín González Acilu,
Miguel Ángel Coria, Jesús Villa Rojo, Francisco Cano y Carlos Cruz de Castro,
la Asociación de Compositores Sinfónicos Españoles (ACSE). Desde 1987 es
consejero de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) y en 1993 fue
designado miembro del Consejo Nacional de la Música del Ministerio de Cultura.
Es, además, fundador y patrono de la Fundación para el Desarrollo de Palencia
(FUNDEPA).
La primera etapa creativa de Prieto es de “exploración y
libertad”. En ella evoluciona desde la música de cámara hacia la música
sinfónica. El proceso culmina con la Sinfonía 1 para coro y orquesta (1975),
que, según Tomás Marco, “merecería formar parte de ese repertorio español
básico de nuestras orquestas”.
Las dos primeras sinfonías enmarcan toda una segunda etapa
creativa (1976-1982) que el propio compositor define como “etapa
constructivista y formalista”.
Es en esta etapa cuando Prieto inicia la serie de sonatas
para distintos solistas y dúos instrumentales.
La revisión del bagaje sonoro de la cultura española y el
recurso de las citas libres y prácticamente invisibles para el oyente son
aspectos característicos de las obras de este período. En 1982, Prieto publica
algunas reflexiones teóricas en 14 compositores españoles de hoy.
A partir de la década de 1980, el maestro palentino se aleja
de las tendencias que caracterizan a otros miembros de su generación y asume
una estética que él mismo denomina “nuevo lirismo”. Este giro responde a una
búsqueda de coherencia consigo mismo y a un anhelo de comunicación con los
oyentes a través de la belleza. Con ello reivindica lo auditivo, al margen la
especulación abstracta, empleando la “biensonancia”.
Algunos críticos han denominado a esta tendencia
“neorromanticismo”. A partir de 1982, Prieto continúa el trabajo sinfónico con
Fandango de Soler (1984), Pallantia (1985), Fantasía Ibérica (1993) y aborda
una serie de conciertos que sintetizan la escritura orquestal y la solista, al
mismo tiempo que crece la serie de sonatas para uno o dos instrumentos. En los
últimos años el sentido expresivo se hace aún más patente en los títulos y
dedicatorias. La última etapa de Prieto se puede considerar de consagración,
pues se ha convertido en un compositor apreciado por el público, la crítica y
los intérpretes. Su catálogo incluye actualmente más de veinte obras
sinfónicas, una decena de conciertos, casi veinte sonatas y numerosas piezas de
otros géneros.
Hay cuatro rasgos que caracterizan el estilo de Claudio
Prieto. En primer lugar, la explotación de todos los recursos del colorido
instrumental, con gran imaginación sonora. En segundo lugar, la fluidez y
naturalidad del discurso en un sentido narrativo. Tercero, la inspiración unida
a una experiencia vital que llena toda su obra, grande o pequeña, de pasión y
poesía. Y, por último, el contenido expresivo relacionado con la naturaleza y
el paisaje o con distintos aspectos de la historia asimilada en la etapa
escurialense. Enrique Franco (El País, 24 de noviembre de 1984) ve así la
personalidad de Claudio Prieto: “Hombre de espíritu exigente y sin vanidad, ha
logrado lo más ambicioso para un creador: dar con el pulso, el tono y el
lenguaje de su propia personalidad a través de una música tan primorosa en su
artesanía como hermosa en su sonoridad. En una suerte de compromiso entre lo
intelectual y lo instintivo, entre lo lógico y lo mágico, la obra de Prieto
discurre por diversos cauces estilísticos para manar de una sola y abundante
fuente”. Para Tomás Marco (Historia de la música española, 1983: 237), la obra
de Prieto constituye “una producción muy valiosa y avanzada, sin necesidad de
apuntarse a la moda estética de cada año, y capaz de establecer una
comunicación intelectual y sensitiva con un auditor despierto”.
Obras de ~: Cuarteto de cámara, 1961; Pezzi per quartetto
d’archi para cuarteto de cuerda 1961; Canto de Antonio Machado para voz y
conjunto instrumental, 1961; Canciones para voz y piano, 1962; Movimientos para
violín y conjunto de cámara, 1962; Expresiones para orquesta, 1963; Contrastes
para orquesta, 1964; Improvisación para conjunto instrumental, 1965; Oda XIV
para voz y conjunto instrumental, 1966; Sonidos para cuarteto de cuerda, 1967;
Cuarteto 1 para cuarteto de cuerda, 1967; Solo a solo para flauta y guitarra,
1967-1978; Cuarteto en un movimiento 1969; Al-Gamara para conjunto
instrumental, 1969; Círculos para conjunto instrumental, 1970; Primera palabra
para orquesta de cámara, 1971; El juego de la música para quinteto de viento,
1971; Libertas-libertatis para orquesta de cámara, 1972; Nebulosa para
orquesta, 1972; Catedral de Toledo para orquesta, 1973; Reflejos para 4
clarinetes en Si bemol, 1973; Sugerencia para viola, 1973; Juguetes para
pianistas para piano, 1973; Hechos de la Pasión para conjunto instrumental,
1974; Cuarteto 2 para cuarteto de guitarras, 1974; Fantasía para violonchelo y
piano, 1974; Amplitudes para 3 mezzosopranos, 1975; Proverbios y cantares para
cuarteto vocal, 1975; Sinfonía 1 para coro y orquesta, 1975; Arambol para conjunto
instrumental, 1976; Sonata 1 para violín y piano, 1977; Preludio de verano para
6 percusionistas, 1977; Al poeta, al fuego, a la palabra para voz solista,
doble cuerda vocal y orquesta de cámara, 1978; Concierto 1 para orquesta, 1978;
Pieza caprichosa para piano, 1979; Coplas de Jorge Manrique para contralto y
clave o piano, 1979; LIM 79 para conjunto instrumental, 1979; Piezas
caprichosas para guitarra, 1980; A veces para quinteto de viento, 1980;
Recuerda... para flauta, 1980; Parodia para conjunto instrumental y
electrónica, 1981; Sonata 2 para clave, 1981; Sonata 3 para clarinete y piano,
1981; Turiniana para piano, 1982; Sinfonía 2 para orquesta, 1982; Serenata para
laúdes para cuarteto de laúdes, 1982; Marías para flauta dulce y clave, 1983;
Españolía para coro mixto a capella, 1983; Concierto imaginante para violín y
orquesta, 1984; Fandango de Soler para orquesta, 1984; Divertimento para
saxofón alto, 1984; Lindajara para violín y violonchelo, 1985; Pallantia para
orquesta, 1985; Concierto de Amor para violonchelo y orquesta, 1986; Trío en
sol para trompa, violín y piano, 1986; Cantata para un aniversario para
soprano, bajo, narrador, doble cuarteto vocal, cuarteto de cuerda y órgano,
1986; Sones de un percusionista para un percusionista, 1986; Lírica del Marqués
de Santillana para coro mixto a capella, 1986; Una página para Rubinstein para
piano, 1986; Trío en sol para violín, violonchelo y piano (2.ª versión), 1987;
Concierto mediterráneo para trompeta y orquesta, 1987; Canto al poeta de los
sonidos para violín, violonchelo y piano (1.ª versión), 1987; Sonata 4 para
violín, 1988; Sonata 5 para viola y piano, 1988; Sonata 6 para guitarra de 32
cuerdas, 1988; Cuarteto de primavera para cuarteto de cuerda, 1988; Sonata 7
para violonchelo, 1989; Concierto de otoño para corno inglés y orquesta, 1989;
Fantasía balear para guitarra, 1989; Trío en sol para violín, violonchelo y
piano (3.ª versión), 1989; Canto al poeta de los sonidos para violín,
violonchelo y piano (2ª versión), 1989; Sonata 8 para clarinete y percusión,
1990; Pensamiento para voz, flauta y piano, 1990; Sonata 9, Canto a Mallorca,
para guitarra, 1990; Sonata 10 para piano a 4 manos, 1990; Concierto del
Escorial para violín y orquesta de cuerda, 1990; Cuarteto de Alcalá, 1991;
Sonata 11 para contrabajo y piano, 1991; El desdén con el desdén, 1991; Caprice
for a Party, 1992; Suite Italia, para flauta, violonchelo y piano, 1992;
Contaba y contaba, para guitarra, 1992; Canciones para Magerit, 1993; Fantasía
ibérica, 1993; Caminado por la aventura, para ocho violonchelos, 1994; Ommagio
Petrassiano, 1994; La bella desconocida, para coro y orquesta, 1994; Al alto
espino, 1994; Ensoñaciones, 1994; Frübeck Symphonie, 1994; Toques de fiesta,
1994; Preludio a don Manuel, 1995; Meditación para piano, 1995; Sonata 12 para
piano, 1995; Preludio de luz y calor, para guitarra, 1995; Peñas arriba, Adagio
para gran orquesta, 1996; Obra poética, 1996; Vibraciones de la música, 1996;
In solidum, para dos guitarras, 1996; Sonata 13, Chenlo, para clave, 1997;
Sonata 14, Festera, para trompeta, 1997; Lecturas de la naturaleza, 1997;
Concierto de plenilunio, para saxofón y orquesta, 1997; Adagio de la Frübeck
Symphonie, 1997; FDB 65, 1998; Concierto filarmónico, 1998; Concierto de Soria
para flauta de pico y orquesta, 1998; Caminando por la aventura, ballet para
octeto de violonchelos, 1998; Balada en Fa para violín y piano, 1998; Danza
hispana para arpa y cuarteto de cuerda, 1998; Sonata 15, Imágenes de la
memoria, para acordeón, 1998; Sonata 16, “De un día para otro”, para trombón
tenor, 1998; Sonata 17. Quevediana, para violín y piano, 1999; Concierto
poético, para guitarra y orquesta, 1999; Navidad ’99, 1999; España 2000.
Entrada al nuevo milenio, 1999; Fuego azul, doble concierto para saxofón, piano
y orquesta de cuerda, 2000; Sonata 18, “Al aire de la Libertad”, para flauta
(flautín, flauta baja y voz), 2000; Caminos para voz y piano, 2000; ¡EA! Para
coro, orquesta de cuerda y percusión, 2000; Concierto poético para guitarra y
orquesta clásica, 2000; Himno a Guardo para narrador, coro y orquesta clásica,
2001; Mensajes, para coro y orquesta sinfónica, 2001; Partita del alma, para
guitarra, 2001; Rapsodia gitana, para guitarra, 2002; Preludio de cristal, para
guitarra, 2002; Cielo y Tierra, cuádruple concierto de arpas y orquesta
sinfónica, 2002; Sonata 19, “El calor humano”, para saxofón y piano, 2002;
Escala Dorada para orquesta, 2003; La luz de la palabra, trío de guitarras,
2003; La mirada abierta, fantasía para piano, 2003.
Escritos: “El compositor a través de sus andanzas y su
obra”, en E. Casares (coord.), 14 Compositores Españoles de hoy, Oviedo,
Servicio de Publicaciones de la Universidad, 1982, págs. 295-320.
Bibl.: T.
Marco, “Prieto Alonso, Claudio”, en S. Sadie (coord.), The New Grove Dictionary
of Music and Musicians, vol. XV, London, Macmillan Publishers, 1980,
pág. 227; T. Marco, Historia de la Música Española. Siglo xx, vol. VI, Madrid,
Alianza Editorial, 1983, págs. 237-238; M. de Santiago, Claudio Prieto,
Palencia, Caja de Ahorros y Monte de Piedad de Palencia, 1983; L. Hernández,
“Un compositor de vanguardia: Claudio Prieto”, en Revista Lea (La Escuela
Agustiniana) (Madrid), 21 (1985); Asociación de Compositores Sinfónicos
Españoles, Claudio Prieto, Catálogo de obras, Madrid, ACSE, 1987, págs. 230-232;
E. Rincón, “Claudio Prieto”, en F. R. Tranchefort (dir.), Guía de la Música
Sinfónica, vers. esp. de E. Rincón, Madrid, Alianza Editorial, 1989, págs.
887-890; E. Franco y A. González Lapuente, Claudio Prieto, Madrid, Sociedad
General de Autores y Editores, Sección de Publicaciones y Archivos, 1991 (col.
Catálogos de compositores españoles); V. Pliego de Andrés, Claudio Prieto.
Música, belleza y comunicación, Madrid, Instituto Complutense de Ciencias
Musicales, 1994; V. Pliego de Andrés y L. Prieto, “Claudio Prieto Alonso”, en
E. Casares Rodicio (dir.), Diccionario de la música española e
hispanoamericana, vol. VIII, Madrid, Sociedad General de Autores y Editores,
2001, págs. 948-955.
Víctor Pliego de Andrés
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con la Sonata 19 para Saxofón y Piano, denominada El Calor de lo Humano, en
la versión de David Hernando Vitores y Kayoko Morimoto.
El sitio www.mswritersandmusicians.com
publicó esta biografía firmada por Cassandra Thomas.
Betty Everett
Nacida el 23 de noviembre de 1939 en Greenwood, Mississippi,
Betty Everett se mudó a Chicago a finales de los años 50. Comenzó a tocar el
piano y a cantar en la iglesia a los nueve años y estas eran dos de sus actividades
favoritas. Cuando se mudó a Chicago, era una ciudad muy concurrida incluso
durante los años cincuenta y debido a su superpoblación, Betty tuvo que
afrontar sus primeros años de vida muy duros. Betty Everett grabó para varios
sellos locales, incluidos Cobra y Onederful, pero los grandes éxitos de Everett
llegaron cuando firmó con VeeJay Records.
Cuando era adolescente, Betty actuó con Muddy Waters y Magic
Sam. Betty Everett grabó The
Shoop Shoop Song [It's In His Kiss]. En la primavera de 1964, fue una de
las diez mejores canciones. Otras canciones como I Can't Hear You y Getting
Mighty Crowded no tuvieron tanto éxito. Cantó un dueto con otro conocido
cantante de la zona de Chicago llamado Jerry Butler, y Let It Be Me también llegó al top ten ese año. Hubo otros
duetos de Betty Everett y Jerry Butler. Uno fue su sencillo Smile y su LP
Delicious Together. There'll Come A Time fue su primera entrada en las listas
de soul, y llegó al número dos. También fue su último éxito entre los cuarenta
primeros.
En 1971, Betty tenía cinco canciones más que alcanzaron los
charts de soul en Uni y Fantasy. Recibió el premio BMI Pop en 1964 y 1991, y el
premio BMI R&B en 1964.
La canción por la que más se recuerda a Betty Everett fue
grabada en 1964 y se llamó The Shoop Shoop Song [It's In His Kiss]. Betty
Everett realizó una exitosa gira por Inglaterra a mediados de los años 60.
Betty Everett murió en agosto de 2001 a la edad de 61 años,
en su casa de Wisconsin.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus grandes éxitos: The Shoop Shoop Song.
 |
| Hadi Karimi |
A continuación, de
Franz Schubert, la Sinfonía Nº 9 en Do Mayor D. 944, La Grande, en la versión
de la Orquesta Sinfónica de la
Radio de Hesse, dirigida por Manfred
Honeck.
El sitio www.es.salvemusic.com.ua
publicó esta biografía.
Frank Duval biografía del compositor
Frank Duval - compositor, músico, arreglista. Compuso
composiciones líricas y probó suerte como actor de teatro y cine. Las obras
musicales del maestro han acompañado en reiteradas ocasiones a populares series
de televisión y películas.
Soñaba con ser actor. Frank estudió materias especiales y
asistió a una escuela de danza. Su debut como actor tuvo lugar en el escenario
del Teatro Kurfürsterdam. Entonces Frank solo tenía 12 años. Hasta finales de
los años 50, el actor aparecía de vez en cuando en el escenario del Elector
Dam.
Frank era un apasionado no solo del teatro, sino también del
arte musical. Estaba interesado en cantar y tocar instrumentos musicales. Junto
con su hermana, creó un dúo musical. Los artistas aparecieron juntos en el
escenario, interpretando hábilmente las obras populares de los clásicos
inmortales. Actuó bajo el seudónimo de Franco Duval.
A fines de los años 50, decidió posponer las lecciones de
música. Frank fue demasiado captado por el cine. En el año 59 del siglo pasado,
recibió las primeras propuestas para filmar musicales y largometrajes.
A mediados de los años 60, se le ofreció probar suerte como
productor. Empezó a trabajar en la televisión local. Luego compone
acompañamientos musicales para proyectos televisivos. Frank es autor de música
orquestal y otras obras musicales.
El camino creativo y la música de Frank Duval
Frank Duvall ha dedicado más de 10 años a crear bandas
sonoras para proyectos de televisión y películas. Todo comenzó después de que
escribiera la partitura musical de la serie de televisión Tatort. Cuando el
director Helmut Ashley escuchó la composición escrita por Frank, se dio cuenta
de que quería colaborar con este talentoso compositor. Invitó a Duval a
expresar el proyecto "Derrick".
Los años 80 fueron la era de la música disco. Por supuesto,
Frank era un clásico empedernido, y esto lo distinguió favorablemente del
entorno de los artistas disco. Sus composiciones para melómanos se han
convertido en un auténtico soplo de aire fresco. Las melodías del compositor
fueron sorprendentes en su pureza de sonido y penetración.
En 1981, presentó al público su segundo longplay. La
colección se llamó Angel of Mine. El álbum fue recibido calurosamente por
fanáticos y críticos musicales. El cálido recibimiento motivó al maestro a
lanzar otra colección. Hablamos del álbum Face to Face. Las composiciones que
encabezaron el álbum fueron llamadas conmovedoras y refinadas por la crítica.
Obras populares
Las tarjetas de visita del maestro fueron obras musicales:
Todesengel, Ángel mío y Caminos. Se realizó con éxito como compositor solista,
además, continuó componiendo obras para películas y series de televisión. Al
poco tiempo presentó las composiciones Lovers Will Survive y When You Where
Mine, que tampoco pasaron desapercibidas.
Los álbumes con composiciones de Frank Duval se lanzaron en
el territorio de su país natal con una frecuencia envidiable. Discos con
composiciones solistas alternados con colecciones de melodías de películas y
series de televisión.
La mitad y el ocaso de los años 80 estuvieron marcados por
el lanzamiento de Like a Cry, Time For Lovers, Bitte Lasst Die Blumen Lieben,
Touch My Soul Records. Los fanáticos admiran las obras de su compositor
favorito. Ya se han formado una impresión sobre el autor: para los fanáticos,
la música de Frank está saturada de soledad, romanticismo y melancolía.
En la etapa de creación de arreglos, Frank utilizó una
variedad de instrumentos musicales, desde un sintetizador hasta un piano
clásico. Colaboró activamente
con una orquesta sinfónica y
también grabó con músicos de rock.
Detalles de la vida personal del compositor.
Karin Huebner: se convirtió en la primera esposa oficial de
un maestro talentoso. Interpretó papeles en proyectos en los que Duvall trabajó
como compositora. Karin participó en el rodaje de la serie de televisión
Tatort. Intentaron no publicitar su relación y mantuvieron cierta distancia con
los periodistas. Este matrimonio no fue fuerte. Pronto Karin y Frank se
divorciaron.
Duval no se afligió por mucho tiempo y encontró consuelo en
los brazos de Kalina Maloyer. Se convirtió en la segunda esposa de Frank.
Kalina también estaba directamente relacionada con la creatividad. Estudió
bellas artes y estaba bien versada en música.
En las obras musicales creadas por Frank, a menudo se
escucha la voz de su segunda esposa. Actuaron juntos. Kalina es coautora de
algunas de las obras de Duval.
Después de su segundo matrimonio, Duval audazmente se llamó
a sí mismo un hombre feliz. En la persona de Kalina, encontró no solo a su
esposa, sino también a un colega. La pareja vive en la isla de Palma.
Frank Duval en la actualidad
En la década de los 90 se dedicó por completo a trabajar en
televisión. Durante este tiempo, dejó una huella creativa en más de 40
proyectos. La colección Visions, lanzada a mediados de los 90, se convirtió en
el principal trabajo de Frank de ese período.
Los LP lanzados en la década de 30 superaron las mejores
pistas de Duval que sonaron en películas. La discografía del compositor
impresiona por su riqueza y diversidad. Longplay Spuren se presentó en tres
discos. El disco resumió los últimos años de la vida creativa de Frank.
Actualmente, prefiere llevar un estilo de vida moderado. En
2021, es difícil encontrar entrevistas, videos o fotos recientes que muestren a
Duval haciendo alarde.
El compositor dedica tiempo a la caridad. Frank ayuda a
niños en la India a través de la Fundación Frank Duval. También organizó un
proyecto solidario para la Fundación FFD Chili Marca. Populares artistas
europeos brindaron una oportunidad para que los niños de países del tercer
mundo conocieran las artes más de cerca.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Living Like A
Cry.
