jueves, 6 de marzo de 2025

Canelita Medina


Rogelia Medina Romero, más conocida como Canelita Medina o Canelita, nació en La Guaira, Venezuela, el 6 de marzo de 1939, y murió en Caracas, Venezuela, el 4 de julio de 2023. Cantante.

El sitio www.clasica.latinastereo.com publicó este recordatorio.

"CANELITA" MEDINA

Rogelia Medina Romero es el nombre “de pila” de la cantante venezolana conocida en el mundo de la música latina como “Canelita” Medina; a quien dedicamos nuestra acostumbrada sección el salsero del mes de nuestra página.

Canelita Medina nació en el estado Vargas, llamado actualmente La Guaira, el 6 de marzo de 1939; se le conoce también como La Sonera del Caribe o La Sonera de Venezuela. De niña soñaba con ser cantante e imitaba a la recordada cantante cubana Celia Cruz. En un programa radial de talentos en Radio Continente, el tono de su voz llamó la atención de empresarios musicales que se interesaron en su talento y su hermosa y melodiosa voz.

Con el trascurrir del tiempo, en los años 50 y 60, Canelita Medina se especializó en los ritmos cubanos como La Guaracha, El Son cubano, El Son montuno, El Bolero, El Bolero Son y La Guajira; lo que la convirtió posteriormente, en los años 70 y 80, en una leyenda de la música afro caribeña, conocida posteriormente como Salsa.

Su carrera artística como profesional se inició en 1957 con La Sonora Caracas, con la cual realizó su primera grabación, un número con el título de su seudónimo, se llamó precisamente: “Canelita”; con la Sonora Caracas permaneció por espacio de siete años. En el año 1957, La Sonora Caracas realizó grabaciones para el sello Discomoda, junto a cantantes de la categoría de Bienvenido Granda, Víctor Piñero, Alberto Beltrán, y, el recordado Inquieto Anacobero Daniel Santos. Otro tema de La Sonera de Venezuela con La Sonora Caracas se tituló Hechicera grabado en 1958 para el sello Discomoda, por esa época Canelita interpretaba con la Sonora Caracas el repertorio de la Sonora Matancera.

La experiencia de Canelita con La Sonora Caracas le permitió participar en otras agrupaciones como “Pan con Queso y sus Tambores”, “Los Megatones de Lucho”, “Los Caribes” y “Estrellas Latinas” de La Guaira y el maestro Ray Pérez; (Las participaciones de Canelita con estas agrupaciones no necesariamente son grabaciones, son también presentaciones en conciertos y programas de radio y televisión, las cuales no siempre fueron grabadas y publicadas).

En el año 1966 su voz quedó registrada junto a la de Víctor Piñero en el álbum de la Orquesta de Pedro José Belisario: “Bésame Negro”. Rogelia Medina Romero se retiró parcialmente de la música por espacio de ocho años aproximadamente. A pesar de eso, La Sonera del Caribe participó en una grabación de Las Estrellas Latinas en 1971, el álbum se tituló Soroso y fue publicado por el sello Pyraphon Records, un LP que contiene los ritmos como Boogaloo, Guaguancó, Merengue y Salsa. Grabó nuevamente con Las Estrellas Latinas en el año 1974; un número titulado “La Cenicienta”, en el álbum titulado Las Estrellas Latinas, publicado por discos Victoria y Venus ‎– LPV-0138.

El regreso definitivo de La Sonera de Venezuela a la música, se dio como cantante del grupo “Federico y su Combo Latino”, del músico y director de orquesta Federico Betancourt, natural de Valencia, Venezuela. Con Federico Betancourt participó en la grabación de los álbumes: Sabor de 1977; Ayer Y Hoy de 1977; Mis Éxitos Y Mas... de 1978, Federico y Su Combo 78 de 1978, publicado por los sellos Foca Records, Discos Gas, el sello BASF y, posteriormente en 1982, algunos de estos temas fueron publicados por el sello Integra en el álbum No le digan; El Maestro de 1979 y Federico Y Su Combo, también del año 1979.

Con el álbum “Sones y guajiras”, se inicia la carrera musical de Canelita como solista, el cual se convirtió en un clásico de la música de Venezuela y de Latinoamérica. Entre los casi veinte álbumes que se han publicado de Canelita desde 1979; se incluyen Sonero Clásico De Caribe & Canelita, año 1980; Canela Y Naty ‎– La Experiencia Y El Futuro, año 1986; Imagen Latina & El Trabuco Venezolano, año 1989; Canelita Y Andy Durán ‎– En Concierto Tributo A Celia, año 2004 y Trina Medina, ¡En Vivo!, año 2006.

La voz de Canelita le ha ameritado éxito nacional e internacionalmente y es considerada como la Reina del Son en Venezuela, durante sus casi seis décadas de historia musical, su maravillosa voz ha quedado registrada en éxitos como: Ay, Simón; Bésame Negro, Besos Brujos, Canto a La Guaira, El Guajiro De Cunagua, Guajira Ven, Hoy la Rumba, Lamento Del Carretero, Noche triunfal, Quiéreme, Tanto Y Tanto, Tata Candela, Ven Bernabé, Y Donde Están Los Rumberos, entre muchos otros.

Durante su carrera tuvo la oportunidad de alternar con muchos de los grandes embajadores de nuestra música como lo son las orquestas América, Orquesta Aragón y La Sonora Matancera de Cuba, El Gran Combo de Puerto Rico, Los Hermanos Lebrón, Las Estrellas de Fania, La Sonora Ponceña, Richy Ray y Bobby Cruz, Johnny Pacheco, Celia Cruz, Oscar D' León y José Mangual Jr.

Nuestra cantante venezolana celebró medio siglo de música con un concierto titulado Canelita Medina, en Vivo 50 años de vida artística, publicado por el sello TM Producciones (Trina Medina Producciones), en el año 2010. Entre los temas de este trabajo tenemos: El que se va no hace falta, Tanto y Tanto, La Ruñidera, Soy Canela, El Son de mi Nación, La Alborada y Coco Seco.

De igual forma la máxima exponente del son cubano en Venezuela fue homenajeada en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela, en un emotivo concierto junto a tres generaciones de músicos, un trío y una orquesta sinfónica se unieron para celebrar sus 65 años de trayectoria musical de Canelita Medina, quien cantó a dúo con su hija, la también cantante Trina Medina.

En su extensa vida a artística, Canelita Medina, asistió a muchísimos festivales y conciertos como Festival de Salsa Internacional realizado en el Teatro Teresa Carreño; el Festival en Homenaje a Benny Moré realizado en la ciudad de Santiago Cuba, el Festival del Son en Curazao.

El presente trabajo en nuestra página es una aproximación a la vida y obra musical de la gran cantante venezolana Canelita Medina, como un homenaje a su extensa carrera artística, una de las más destacadas voces femeninas en nuestro firmamento musical, toda una embajadora de nuestra música en Venezuela y Latinoamérica.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Besos Brujos y Canto a La Guaira, con la participación de Trina Medina, en vivo en 1996.


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miércoles, 5 de marzo de 2025

Eddy Grant


Edmond Montague Grant, más conocido como Eddy Grant, nació en Plaisance, entonces Guayana británica, el 5 de marzo de 1948. Músico, cantante y productor.

El sitio www.todomusica.org publicó su biografía.

Eddy Grant

Nacido en la Guayana británica el 5 de marzo de 1948 (tiene 76 años de edad), Eddy Grant es un comprometido músico de reggae que creció escuchando músicas de influencia caribeña. Cuando tenía 12 años su familia se trasladó a Londres y comenzó a tener influencia de otros estilos, como el rock, el blues y el R&B.

Con 17 años formó parte del grupo The Equals, en el que tocaba la guitarra, junto a los hermanos Lincoln y Derv Gordon (voz y guitarra respectivamente) y los ingleses Patrick Lloyd (bajo) y john Hall (batería). The Equals conformaban una banda multiracial, muestra de la multiculturalidad de la capital británica y pronto se afirmaron como uno de los grupos de estas características más importantes del Reino Unido.

En 1967 The Equals firman contrato con la discográfica President Records y ese mismo año publican su primer sencillo, "I Won't Be There", integrado en su álbum debut "Unequaled Equals", que llegó a alcanzar la lista de los 10 discos más vendidos del Reino Unido. El álbum incluía otro sencillo de éxito de la banda, "I get so excited".

El segundo álbum de The Equals fue el titulado "Equals explossion", que no llegó a alcanzar el nivel de éxito de su predecesor en las listas británicas. A pesar e ello, la canción "Hold me closer" sí llegó a entrar en las listas de media Europa, alcanzando el número uno en varios países.

En 1968 publican un tercer álbum, "Sensational Equals", que resultó un sonoro fracaso. Un año después vuelven a intentarlo con el sencillo "Viva Bobby Joe" y en 1970 Eddy Grant monta su propia discográfica, Torpedo.

Sin abandonar The Equals, Eddy publican un sencillo en solitario, titulado "Let's Do It Together". Junto a los Equals, graba otro tema, "Black Skinned Blue Eyed Boys", alcanzando el Top 10 en las listas. Poco después, el corazón de Eddy Grant dijo basta, se resintió del estrés producido por tanta actividad desenfrenada y sufrió un infarto.

En 1972, tras replantearse su vida, decide a bandonar The Equals. La banda llevaba un tiempo trabajando sin él y su nivel de popularidad no era el mismo sin Eddy. También vendió su discográfica y creó un nuevo sello, The Coach House y se centró en la producción de trabajos para otros artistas.

Primer álbum de Eddy Grant

En 1977 él mismo se encerró en los estudios de grabación para editar su primer álbum en solitario, "Message Man", que con su sencillo "Hello Africa" representaba un estilo nuevo en Europa en aquella época.

El segundo álbum de Eddy Grant en solitario fue "Walking on Sunshine". Ninguno de estos dos trabajos obtuvo gran repercusión, al igual que el tercero, "Love in Exile".

Tuvo que esperar hasta 1981 para publicar su primer álbum de éxito, "Can't Get Enough", que contaba con canciones como "Can't Get Enough of You" y "Do You Fell My Love".

Un año después publica el álbum "Killer on the Rampage", con el que consiguió su mayor éxito, tanto en Reino Unido como en Estados Unidos. El sencillo "I Don't Wanna Dance" se aupó al primer puesto de las listas británicas y "Electric Avenue" alcanzó el segundo de las americanas.

En 1990 publica el álbum "Barefoot Soldier", que incluía una de sus canciones más conocidas, "Gimme Hope Jo'anna", una canción con un hondo mensaje político que Eddy Grant escribió para criticar el modelo racista del apartheid sudafricano.

En 1992 publica "Paintings of the Soul" para pasar a continuación a centrarse en tareas de producción. En los últimos años se ha dedicado a promocionar un nuevo estilo musical llamado Ringbang. En 2006 publica el álbum "Reparation", dedicado íntegramente a este estilo.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Electric Avenue.


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martes, 4 de marzo de 2025

Josep Maria Mestres Quadreny


Josep Maria Mestres Quadreny nació en Manresa, Barcelona, España, el 4 de marzo de 1929, y murió en su ciudad, el 18 de enero de 2021. Compositor, director de orquesta y docente.

El sitio www.vidaiconica.com publicó este recordatorio.

Biografía de José María Mestres Quadreny

José María Mestres Quadreny es un destacado compositor y director de orquesta español, reconocido por su contribución a la música contemporánea. Nació el 28 de marzo de 1933 en la ciudad de Barcelona. Desde una edad temprana, mostró un gran interés por la música, lo que lo llevó a estudiar en diferentes instituciones. Su formación musical se vio influenciada por diversos estilos y corrientes, lo que le permitió desarrollar un estilo propio y distintivo a lo largo de su carrera. A lo largo de su vida, Mestres ha trabajado en múltiples facetas de la música, desde la composición hasta la dirección de orquestas, lo que lo ha convertido en una figura clave en el panorama musical español.

Inicios y formación musical

Desde muy joven, José María Mestres Quadreny comenzó a mostrar un interés notable por la música. A los ocho años, empezó a estudiar piano, y su pasión por este instrumento lo llevó a explorar otros aspectos de la música. A medida que crecía, se dio cuenta de que quería profundizar en el mundo de la composición. Para ello, decidió estudiar en el Conservatorio del Liceo en Barcelona, donde tuvo la oportunidad de aprender de algunos de los mejores músicos de su tiempo. Su formación abarcó no solo el piano, sino también la teoría musical y la composición, lo que le permitió desarrollar una sólida base sobre la cual construir su carrera.

Durante su tiempo en el conservatorio, Mestres Quadreny se sintió atraído por las corrientes musicales más innovadoras de su época. La música contemporánea, en particular, le fascinaba, y comenzó a experimentar con diferentes técnicas compositivas. A medida que avanzaba en su formación, se interesó por la música electrónica, lo que lo llevó a explorar nuevas posibilidades sonoras. Este interés por la vanguardia musical se convirtió en una característica distintiva de su obra, que a menudo incorpora elementos de experimentación y modernidad.

Contribuciones a la música contemporánea

José María Mestres Quadreny ha sido un pionero en la música contemporánea en España. A lo largo de su carrera, ha compuesto una amplia variedad de obras que abarcan desde música de cámara hasta sinfonías orquestales. Su estilo se caracteriza por una búsqueda constante de nuevas sonoridades y formas musicales. Mestres ha trabajado con diferentes técnicas de composición, incluyendo la aleatoriedad y la música electrónica, lo que ha enriquecido su obra y la ha hecho destacar en el panorama musical contemporáneo.

Una de sus obras más reconocidas es «Música para instrumentos de viento», que refleja su habilidad para combinar diferentes timbres y texturas. En esta obra, Mestres utiliza una serie de técnicas de ejecución que desafían las convenciones tradicionales de la música de viento. Esta obra no solo ha sido bien recibida por la crítica, sino que también ha sido interpretada en numerosos festivales y conciertos, consolidando su reputación como uno de los compositores más innovadores de su generación.

Dirección de orquesta y enseñanza

Además de su faceta como compositor, José María Mestres Quadreny también ha destacado como director de orquesta. A lo largo de su carrera, ha dirigido diversas orquestas tanto en España como en el extranjero. Su enfoque como director se basa en la búsqueda de una interpretación auténtica y emocional de las obras que dirige. Esto lo ha llevado a colaborar con numerosos músicos y orquestas, lo que le ha permitido compartir su visión musical con un público más amplio.

La enseñanza también ha sido una parte importante de la vida de Mestres. A lo largo de los años, ha impartido clases en diferentes instituciones, donde ha compartido su conocimiento y experiencia con las nuevas generaciones de músicos. Su enfoque pedagógico se centra en la creatividad y la experimentación, animando a sus estudiantes a explorar su propia voz musical. Muchos de sus alumnos han continuado sus carreras en la música, llevando adelante la tradición de innovación y creatividad que Mestres representa.

Reconocimientos y premios

La obra de José María Mestres Quadreny ha sido reconocida tanto a nivel nacional como internacional. A lo largo de su carrera, ha recibido numerosos premios y distinciones por su contribución a la música. Estos reconocimientos no solo destacan su talento como compositor, sino que también reflejan su impacto en el desarrollo de la música contemporánea en España. Su trabajo ha sido premiado en diversas competiciones y festivales de música, lo que ha contribuido a consolidar su estatus como una figura clave en la música moderna.

Entre los premios más destacados que ha recibido se encuentran el Premio Nacional de Música y varios galardones en competiciones internacionales. Estos reconocimientos han sido un testimonio del respeto y la admiración que su obra ha generado en el ámbito musical. A medida que su carrera ha avanzado, Mestres ha continuado siendo una fuente de inspiración para otros músicos, demostrando que la música puede ser un medio poderoso de expresión y conexión.

Obras destacadas

La producción musical de José María Mestres Quadreny es vasta y variada. Entre sus obras más destacadas se encuentran composiciones para diferentes formatos, desde solistas hasta grandes orquestas. Su habilidad para adaptarse a distintos estilos y contextos ha dado lugar a una serie de piezas que son aclamadas por su originalidad y profundidad. Algunas de sus obras más conocidas incluyen «Sinfonía para orquesta», «Concierto para piano» y «Música para cuarteto de cuerda». Cada una de estas obras refleja su enfoque innovador y su compromiso con la exploración sonora.

Sinfonía para orquesta: Una obra que combina elementos tradicionales con técnicas contemporáneas.

Concierto para piano: Una pieza que destaca por su virtuosismo y su complejidad armónica.

Música para cuarteto de cuerda: Una obra que explora las texturas y los timbres de los instrumentos de cuerda.

Además de estas obras, Mestres ha compuesto música para teatro y cine, ampliando aún más su repertorio. Su capacidad para trabajar en diferentes contextos artísticos ha demostrado su versatilidad como compositor. Las colaboraciones con directores de cine y productores teatrales han permitido que su música alcance audiencias más amplias, llevando su visión musical a nuevas plataformas y formatos.

Influencia en la música española

La influencia de José María Mestres Quadreny en la música española es innegable. Su trabajo ha contribuido a la evolución de la música contemporánea en España, y su enfoque innovador ha inspirado a muchos músicos y compositores. A través de su obra y su enseñanza, ha fomentado un ambiente de creatividad y experimentación que ha permitido a las nuevas generaciones explorar nuevas direcciones en la música. Mestres ha sido un defensor de la música contemporánea, promoviendo su difusión y su comprensión entre el público.

Además, su participación en festivales y eventos musicales ha ayudado a dar visibilidad a la música contemporánea en España. Al presentar su obra y la de otros compositores, Mestres ha contribuido a crear un espacio donde la música moderna puede ser apreciada y entendida. Su compromiso con la música y su deseo de compartir su conocimiento han hecho de él una figura respetada y admirada en el ámbito musical.

Legado y futuro

El legado de José María Mestres Quadreny es una parte integral de la historia de la música contemporánea en España. Su obra continúa siendo interpretada y estudiada, y su influencia se siente en la música actual. A medida que nuevos compositores emergen en la escena musical, muchos de ellos han sido inspirados por su enfoque innovador y su dedicación a la experimentación sonora. Mestres ha demostrado que la música es un medio vivo que puede evolucionar y adaptarse a los tiempos, y su legado perdurará en las futuras generaciones de músicos.

Mirando hacia el futuro, es probable que la obra de Mestres siga siendo un punto de referencia para aquellos que buscan explorar nuevas direcciones en la música. Su compromiso con la creatividad y la innovación lo convierte en un modelo a seguir para muchos. A medida que la música contemporánea continúa evolucionando, el impacto de su trabajo y su visión musical seguirán resonando en la comunidad musical.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Impromptu per Homs, en la versión de Jordi Masó.


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lunes, 3 de marzo de 2025

Lys Assia


Rosa Mina Schärer, más conocida como Lys Assia, nació en Rupperswil, Suiza, el 3 de marzo de 1924, y murió en Zollikon, Suiza, el 24 de marzo de 2018. Cantante.

El sitio www.last.fm publicó su biografía.

Rosa Mina Schärer, conocida como Lys Assia (3 de marzo de 1926 en Lenzburg, Cantón de Argovia, Suiza) es una cantante suiza, ganadora del primer Festival de la Canción de Eurovisión celebrado en Lugano, en 1956.

El primer Festival de la Canción de Eurovisión se realizó en Lugano, Suiza el 24 de mayo de 1956. Ese año, se presentaron 7 países, cada uno de los cuales presentó dos canciones. Lys se encargó de defender las dos canciones suizas, de las cuales Lys Assia sería la campeona del concurso con la canción "Refrian". La otra canción que interpretó fué "Das alte Karussell". Tras su victoria, volvió a representar a Suiza en las dos siguientes ediciones del festival. En 1957 ocupó el penúltimo lugar con "L'enfant que j'étais", y en 1958 fué nombrada subcampeona con la canción "Giorgio".

Su estilo se basa en canciones lentas de amor con melodías de los años 50 y 60. Lys Assia cantó en las salas principales de París, Nueva York, Oslo, Estocolmo, Madrid, Buenos Aires, Basilea, entre otras. Lys tuvo la oportunidad de cantar para la Reina Isabel II de Inglaterra, para el desaparecido rey de Egitpo, Faruk, o para Eva Perón.

En 2011, con 87 años de edad Lys compitió en la gran final de Die Grosse Entscheidungsshow, que se celebró el 10 de diciembre. Ahora SF el ente público de Suiza ​​informa que Lys Assia usó el mismo vestido que llevó durante la final del Festival de Eurovisión 1956. A pesar de la expectación generada, quedó en 8ª posición de entre 14 finalistas, siendo el grupo Sinplus quien se alzó con la victoria.

Un año después, vuelve a presentarse candidata para representar a Suiza en el Festival de la Canción de Eurovisión 2013, con "All in your head" ("Todo está en tu cabeza"), un ''tema algo más moderno y rápido, actual' 'como ella lo describe, interpretado junto con el grupo rap NewJack. La canción llegó a la posición número 1 en Suiza, vendiendo más de 70 000 copias en dicho país.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Refrain.


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domingo, 2 de marzo de 2025

Shalom – Acto de Estado en memoria del Holocausto


Shalom – Acto de Estado en memoria del Holocausto

El acto de memoria del Holocausto y prevención de crímenes contra la Humanidad se celebró en el Senado. El acto tiene una doble finalidad: la de recordar los hechos acontecidos en este periodo negro de la historia, y la de prevenir que actos tan deleznables como los ocurridos vuelvan a suceder

Hacé click en el enlace para ver el programa.  

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/acto-estado-memoria-del-holocausto/16472533/ 

     

Lou Reed


Lewis Allan Reed, más conocido como Lou Reed, nació en Nueva York, Estados Unidos, el 2 de marzo de 1942, y murió en Southampton, Estados Unidos, el 27 de octubre de 2013.​ Guitarrista, cantante, compositor y poeta.

El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo firmado por Stephen Metcalf.

Revelaciones de la biografía más completa

de Lou Reed, el genio al que David Bowie 

rescató del olvido

Trabajaba en la empresa de su padre porque no lograba instalarse en la escena musical. 

Pero se convirtió en una de las estrellas de rock más importantes del siglo XX, y en 

un ícono de Nueva York.

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Lou Reed, fundador de The
Lou Reed, fundador de The Velvet Underground. (Photo by Michael Ochs Archives/Getty Images)

“Uncle Lou”, lo llamábamos mi amigo y yo; nos parecía correcto pensar en él así, porque no era el padre de nadie y “amigo” parecía una exageración. Pero un íntimo, aún así. O la ilusión de serlo.

La gran virtud de Lou Reed: The King of New York (Lou Reed: El rey de Nueva York), la nueva y excelente biografía de Will Hermes, es que en realidad se trata de dos biografías: la de un adolescente de los suburbios, aburrido y en algunos aspectos corriente, típico de la América de posguerra, y la de su alter ego -el decadente ostentoso, urbanita y ambicioso que siempre tiembla en el límite absoluto de la experiencia- creado por sus solitarias ensoñaciones.

El primero roza el estereotipo: papá empleado contable, mamá ama de casa; una casa de ladrillo de una sola planta en los suburbios de Long Island; jugar al stickball hasta el anochecer y volver a tiempo para la comida casera. Fue a la universidad y lloró cuando murió el presidente Kennedy. Pero la mitad del siglo exigía de Lewis Reed una normalidad que él era incapaz de proporcionar. Aquí había un chico frágil, tal vez disléxico, definitivamente deprimido, atraído sexualmente tanto por hombres como por mujeres. De ahí, Lou Reed, y su urgente necesidad de hacer rock and roll.

¿Cómo de muerto hay que estar por dentro para no sentir cierta nostalgia por esta parte de la biografía del rock? Antes de Internet, antes de Spotify, la música te sorprendía en un dormitorio a oscuras a través de ondas de radio samizdat. A Reed, curiosamente, no fue el rhythm and blues ni Elvis lo que más le atrajo, sino el doo-wop. The Solitaires, The Chantels, The Dorados... este catálogo de ensueño de los ya medio olvidados le enseñó a Reed una lección vital fundamental: sólo se necesitan cuatro acordes.

Reed y Bowie, una sociedad
Reed y Bowie, una sociedad virtuosísima. (Photo by KMazur/WireImage)

En un momento, Reed es un bobalicón artístico tocando la guitarra y, al siguiente, su grupo del instituto, The Jades, está grabando para una filial de Mercury Records. El grupo fracasó rápidamente, pero la experiencia le sirvió a Reed para curtirse como músico y líder. Estudió una temporada en la Universidad de Nueva York y luego en Syracuse, donde conoció a una de las dos influencias decisivas en su vida creativa: el poeta, cuentista y legendario escritor Delmore Schwartz.

Reed ya tenía un contracanon (El negro blanco de Norman Mailer, las historias de Glass de J.D. Salinger, Ornette Coleman) sonando en su cabeza, pero no hay sustituto para el heroísmo en carne y hueso. Schwartz dio a Reed el modelo perdurable del escritor como defensor anticomercial y mártir de su arte. Pronto llegó la graduación y la necesidad de comer. Reed aceptó un trabajo en una discográfica barata que vendía sus imitaciones de discos de rock-and-roll en Woolworth’s, un trabajo que le obligó a escribir canciones a destajo y con plazos muy ajustados.

Esta combinación de composición incesante y la melancolía de los bares de Schwartz le sirvió a Reed durante las tres décadas siguientes, empezando, por supuesto, con The Velvet Underground. Aquí Hermes es magistral, relatando los diversos elementos inverosímiles que confluyeron: Andy Warhol, la otra gran influencia de Reed y el Svengali de la banda, que creció aún más aburrido y solo que Reed y que, tras mudarse a Nueva York, aún aburrido y solo, creó la ciudad de los sueños de Reed; Nico, la diosa alemana del hielo a la que Warhol obligó a formar parte de la banda, cuyo canto etéreo de alguna manera hacía justicia a las melodías de Reed.

Y sobre todo, John Cale. Dos enemigos, un par de guitarras, un aspecto y unas habilidades imprescindibles, etc. -resulta familiar, dado el arquetipo de Lennon-McCartneyJagger-Richards, aunque quizá no debería. Los Beatles y los Stones surgieron del amor y la rivalidad inherentes a cualquier amistad temprana, mientras que los Velvet representaron la breve coincidencia, en el espacio y el tiempo, de dos visiones musicales relativamente maduras y totalmente opuestas.

"Lou Reed: The King of
"Lou Reed: The King of New York".

Cale era un miembro de buena fe de la vanguardia europea de Nueva York; tocaba la viola y, como los de su propio héroe, el compositor Le Monte Young, sus gustos se inclinaban hacia el canto monotonal. Reed, por su parte, escribía pegadizos jingles de cuatro acordes. Su fría y venenosa astucia sigue siendo siempre nueva.

El debut de los Velvet con All Tomorrow’s Parties y I’ll Be Your Mirror precedió en un mes a Revolver de Los Beatles. Muy pocos entendieron lo que estaban oyendo, pero los que acertaron lo hicieron, entre ellos un joven David Bowie que aún no era famoso. “Estaba escuchando un grado de frescura que no tenía ni idea de que fuera humanamente sostenible”, recordaría Bowie sobre The Velvet Underground & Nico, el primer álbum de la banda. “Extasiante. Uno tras otro, los temas se retorcían y deslizaban sus tentáculos alrededor de mi mente”. En el centro de todo, cuando Nico cedió el micrófono, estaba el canto-no canto de su vocalista-no cantante.

El anterior libro de Hermes, Love Goes to Buildings on Fire: Five Years in New York That Changed Music Forever, era un poema de amor y una etnografía de la escena musical neoyorquina de los años setenta, en todo su salvaje eclecticismo de polinización cruzada. Hermes aporta a Reed la misma mezcla única de rapsodia y desapasionamiento académico, de amor y escepticismo que define la mejor crítica. Se ha escrito mucho sobre Reed, pero sólo Hermes, en mi opinión, ha conseguido el equilibrio peculiar de Reed, de persona y farsante, exactamente correcto.

Y sólo alguien con un sentido de sí mismo peligrosamente frágil podría haber creado un personaje tan robusto. Si Reed escribió canciones imborrables, creó un alter ego igualmente imborrable: en parte Sade, en parte Lenny Bruce, todo un literato universitario; moderno, irónico, distante. Como él mismo reconoció, “Lou Reed” es más una idea que una persona real. “Yo creé a Lou Reed”, cita Hermes. “No tengo nada en común con él, pero puedo interpretarlo bien. Muy bien”.

Reed y Nico, juntos en
Reed y Nico, juntos en París. (Photo by Mick Gold/Redferns)

De ahí mi detalle favorito de todo el libro: agotado por las drogas y la rivalidad (por no hablar de la falta de ventas), y habiendo abandonado la banda, el notoriamente decadente vocalista llevó a su último concierto de los Velvets a su madre y a su padre, ¿Sid y Toby? ¿Otra vez? Como dice Hermes, los 60 se estaban acabando, Reed se acercaba a los 30 y no había alcanzado el estrellato del rock. Cuando salió Loaded, el último disco de los Velvets, y portador de la que Hermes y yo consideramos la mejor canción de rock and roll de todos los tiempos, “Sweet Jane”, Reed vivía en la habitación de su infancia y trabajaba en la empresa de su padre como mecanógrafo.

Pero Bowie, ahora mundialmente famoso, nunca olvidó la revelación de aquellos discos de los Velvets. Recogió a Reed de la pila de descartes y produjo su primer disco en solitario, Transformer. “Walk on the Wild Side”, con su riff de apertura, con dos bajos en armonía, se convirtió en el éxito que había evadido a los Velvet. Reed tenía ahora lo que toda aspirante a estrella del rock sueña en secreto: una marca imbatible.

Y así lo hizo durante los 40 años siguientes. Esta biografía está tan bien documentada como escrita; es minuciosa, inteligente, concienzuda y una delicia absoluta. Pero sufre en su tercio final por tratarse de Lou Reed, tótem viviente de la autenticidad. Como dice Hermes: “Su trabajo con los Velvet acuñó la sensibilidad del rock neoyorquino: lírica y musicalmente contestatario, intelectual, sabelotodo, descaradamente romántico”. Perfectamente dicho y cierto. Aun así, lo último que le debemos a una figura así es una deferencia política.

Con algunas encantadoras excepciones, los discos en solitario de Reed eran con demasiada frecuencia pretenciosos desechos, actitudinales con un fino barniz de originalidad. Y lo que es peor, se convirtió, a juzgar por el extenso reportaje de Hermes, en una celebridad más que montaba un escándalo épico cuando no se salía con la suya, en el estudio o en el bar. En el espíritu del propio hombre, ¿se me permite decir que a menudo esta persona me parecía patéticamente fea? Y puedo añadir como coda: gracias, Uncle Lou, por enseñarme a decir lo que pienso de esta manera. Te quiero y te echo de menos.

Fuente: The Washington Post 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Perfect Day.


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sábado, 1 de marzo de 2025

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Charlotte Knobloch.


El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Charlotte Knobloch.

Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se emite por Radio Sefarad.

Charlotte Knobloch: embajadora de la memoria

TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON CECILIA LEVIT – Charlotte Knobloch nació en Munich en 1932. Su padre, Fritz Neuland, era un prestigioso abogado y senador de Baviera. En la noche del 9 al 10 de noviembre el régimen nazi coordinó una oleada de violencia antisemita conocida como “la noche de los cristales rotos”. Su padre es detenido y llevado al campo de Dachau. Charlotte será escondida por el ama de llaves. Su padre Fritz y Charlotte sobreviven a la guerra y permanecerán a lo largo de toda su vida en Munich. Ambos dedicaron sus esfuerzos a reconstruir la comunidad judía de Munich después de la Shoá. Charlottte tiene 93 años y continúa trabajando para educar a las nuevas generaciones. Su proyecto de realidad virtual recrea la “noche de los cristales rotos” para guiar a las nuevas generaciones a una comprensión más profunda de lo que sucedió antes, durante y después de la Kristallnacht.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.


Roger Daltrey


Roger Harry Daltrey nació en Shepherds Bush,​ Londres, Reino Unido, el 1 de marzo de 1944.​ Músico, cantante, compositor, productor y actor.

El sitio www.thewho.com publicó su biografía.

Si hay un miembro de The Who que puede considerarse el fundador del grupo, ese es el cantante Roger Daltrey. Nacido en Shepherd's Bush, un suburbio del oeste de Londres, el 1 de marzo de 1944, Roger formó por primera vez el grupo que se convertiría en The Who en 1961 mientras estaba en la escuela secundaria Acton County Grammar School, reclutando a John Entwistle y posteriormente aceptando la propuesta de John de que Pete Townshend se uniera. En aquellos días, Roger, cuyo trabajo diurno era trabajar en una fábrica de chapa metálica, incluso fabricó las guitarras de la banda, y fue su energía y ambición lo que impulsó al grupo durante sus años de formación. Esa misma energía, junto con su determinación inquebrantable, ha sostenido al grupo durante períodos de incertidumbre desde entonces.

Los primeros gustos musicales de Roger se inclinaron por el blues y el R&B, que formaban el repertorio de canciones de sus primeros años como The Detours, así como por el rock'n'roll de los años cincuenta, que se refleja en sus interpretaciones excepcionales de versiones de The Who tan conocidas como "Summertime Blues" de Eddie Cochran y "Shakin' All Over" de Johnny Kidd & The Pirates. Cuando Pete Townshend se convirtió en el compositor del grupo, Roger se convirtió en el portavoz de sus letras e ideas. Al mismo tiempo, contribuyó al sentido del espectáculo del grupo desarrollando su habilidad única para hacer girar el cable del micrófono como si fuera un lazo y, en la época de Tommy en 1969, se convirtió en uno de los símbolos sexuales más emblemáticos del rock con sus rizos dorados, su pecho desnudo y sus abrigos de ante con flecos.

La era Tommy vio a Roger madurar enormemente como vocalista, y en ninguna parte fue esta madurez más evidente que en Who's Next , ya sea en las melodías de las hermosas "Behind Blue Eyes" y "The Song Is Over" o, en el otro extremo, el grito tortuoso que culmina en "Won't Get Fooled Again". En Quadrophenia, la segunda y más ambiciosa ópera rock de Pete, Roger pudo aplicar todas sus nuevas habilidades en temas de rock como "5.15" o baladas potentes como "Love Reign O'er Me", que desde entonces se ha convertido en un escaparate de conciertos para su excelente voz.

En este sentido, Roger se convirtió en Tommy, el niño sordomudo y ciego de la imaginación de Pete, y por lo tanto era natural que asumiera el papel en la adaptación cinematográfica de Ken Russell de la ópera rock en 1975, por la que recibió una nominación al Globo de Oro. Esto a su vez llevó a Roger a desarrollar una carrera simultánea como actor de cine mientras continuaba cantando con The Who. Otros créditos cinematográficos a lo largo de los años incluyen Lizstomania de Ken Russell, el papel principal en McVicar, Lightning Jack con Paul Hogan, Teen Agent y numerosos papeles en dramas televisivos. Más recientemente apareció en el programa de televisión estadounidense CSI de CBS, que usa canciones de Who como tema musical, como cinco personajes separados y de diferente invención, uno de ellos una mujer afroamericana de mediana edad. Otras apariciones en televisión estadounidense incluyen Lois & Clarke (Superman), Midnight Caller, William Tell , Sliders y Highlander, así como Leprechauns para Celtic Leprechaun Ltd y The Bill, el drama policial de televisión británico de larga duración. También ha narrado una serie para History Channel, en la que atravesó dificultades extremas similares a las que enfrentaron los colonos pioneros en Estados Unidos y otros lugares.

Roger también ha cultivado una carrera como cantante fuera de The Who, comenzando en 1973 cuando se encontró en Top Of The Pops de la BBC, el programa de televisión de mayor éxito del Reino Unido en ese momento, promocionando el sencillo "Giving It All Away", que alcanzó el número cinco en las listas de éxitos del Reino Unido. Era una canción de su primer álbum en solitario Daltrey, lanzado ese mismo año, al que le siguieron los álbumes que incluyen Ride A Rock Horse (1975), One Of The Boys (1977), la banda sonora de McVicar (1980), Parting Should Be Painless (1984) y After The Fire (1985).

Roger ha aparecido en el escenario fuera de The Who en muchas ocasiones, y su concierto en solitario de 1994 en el Carnegie Hall de Nueva York, con la Orquesta Juillard, fue el evento con mayor venta en la historia del recinto. Al año siguiente apareció en el escenario como el Hombre de Hojalata en una producción de El Mago de Oz en el Lincoln Center, y en 1998 protagonizó a Scrooge en Un Cuento de Navidad en el Madison Square Garden. También ha actuado con sus amigos The Chieftains, la banda tradicional irlandesa, y ha realizado giras por el mundo con la British Rock Symphony interpretando una variedad de clásicos del rock.

Además de ser uno de los patrocinadores originales de Nordoff Robbins, The Who ha recaudado muchos millones para una multitud de organizaciones benéficas a lo largo de su carrera.

Desde el año 2000 es mecenas de la Teenage Cancer Trust, una organización benéfica que construye pabellones especializados para adolescentes con cáncer en el Reino Unido. Ese año, Roger tuvo la idea de montar el primer espectáculo en el Royal Albert Hall de "The Who & Friends", que, gracias a la venta de entradas y a los ingresos por la venta de un DVD y un CD, recaudó más de 1,2 millones de libras esterlinas. Como resultado, Roger recibió un premio humanitario en 2003 de la revista Time. Los espectáculos de la Teenage Cancer Trust durante los meses de marzo y abril se han convertido en un evento anual consolidado y muy esperado en el Albert Hall. En febrero de 2005, la Reina le concedió a Roger la Orden del Imperio Británico en el Palacio de Buckingham por sus servicios a la música y a las buenas causas.

Como miembro de The Who, Daltrey fue incluido en el Salón de la Fama de la Música del Reino Unido en 2005. En diciembre de 2008, él y Pete Townshend fueron honrados con los premios culturales más prestigiosos de Estados Unidos como receptores de la 31ª edición anual de los Kennedy Center Honors en Washington, DC, de manos del entonces presidente de los Estados Unidos, George W. Bush. Este fue uno de los muchos premios que se otorgaron a Roger y/o Pete Townshend por sus contribuciones a la música, entre ellos el Premio James Joyce de la Sociedad Literaria e Histórica del University College de Dublín (2009), el Premio Steiger (Alemania) a la excelencia en la música (2011) y un título honorífico de la Universidad de Middlesex en reconocimiento a sus contribuciones a la música (2012). Daltrey y Pete Townshend recibieron el premio al mejor álbum clásico por Quadrophenia en los premios Classic Rock Roll of Honour Awards en el Roundhouse, el 9 de noviembre de 2011. El 24 de marzo de 2011, Roger y su banda interpretaron Tommy en un espectáculo del Teenage Cancer Trust en el Royal Albert Hall de Londres, acompañados de imágenes que encargó a estudiantes de la Universidad de Middlesex. Durante el año siguiente, realizó una gira con Tommy por Estados Unidos, Europa y Japón.

Después de tocar en el legendario Super Bowl en 2010 y cerrar los Juegos Olímpicos en 2012, The Who continuó con su trabajo benéfico tocando un concierto en enero de 2011 para recaudar dinero para ensayos de un nuevo tratamiento contra el cáncer llamado PDT. Luego, en diciembre de 2012, tocaron en el Hurricane Sandy Benefit en Nueva York y en enero de 2014 tocaron un set para apoyar la organización benéfica Stand Up To Cancer. Siempre persiguiendo su misión de devolver algo a los adolescentes, "sin los cuales", como dijo, "no tendríamos carrera", en noviembre de 2012 Roger, con Pete Townshend a su lado, lanzó Teen Cancer America. La organización benéfica ahora está establecida en los EE. UU., con oficinas en Los Ángeles y unidades dedicadas al cáncer adolescente que se están abriendo en hospitales de todo el país.

Entre noviembre de 2012 y marzo de 2013, The Who realizó una gira con una producción de Quadrophenia & More en estadios de Estados Unidos y el Reino Unido, con espectáculos adicionales en París y Ámsterdam. Roger dirigió la puesta en escena y los elementos visuales del espectáculo él mismo, retomando su antigua responsabilidad de secuenciar los conciertos de The Who y elegir las canciones que tocaría el grupo, un papel que siguió desempeñando durante la gira The Who Hits 50! de 2015-16.

En 2014, Roger grabó un álbum, Going Back Home with Wilko Johnson, que, para deleite y sorpresa de todos, alcanzó el número 2 en las listas de éxitos del Reino Unido. En 2017 y 2018, continuó su gira en solitario por los EE. UU. con miembros de la banda de gira The Who, incluido Simon Townshend. El verano de 2018, Roger, la banda y una orquesta de 45 integrantes interpretaron Tommy de The Who ante audiencias con entradas agotadas en todo Estados Unidos, al mismo tiempo que lanzaban su primer álbum en solitario en 26 años, As Long As I Have You .

En el verano de 2018, Roger realizó una gira por los EE. UU. con miembros de la banda The Who (Simon Townshend, Frank Simes, Loren Gold, Jon Button y Scott Devours) interpretando Tommy de The Who acompañados por algunas de las principales orquestas sinfónicas de los EE. UU., Entre ellas, Boston Pops, la Orquesta Sinfónica de Detroit y la Filarmónica de Chicago, cada una dirigida por Keith Levenson.

En octubre de 2018, la esperada autobiografía de Roger Thanks A Lot Mr Kibblewhite fue publicada con gran éxito por Blink Publishing (Reino Unido) y Henry Holt (Estados Unidos). En 2018 también se lanzó su primer álbum en solitario en 26 años, así como una gira en solitario con orquesta de Tommy en los Estados Unidos que tuvo un gran éxito. Roger también organizó un evento benéfico en Los Ángeles para Teen Cancer America con Ed Sheeran, Van Morrison, Don Maclean, Jewel y la banda solista de Roger que recaudó 2 millones de dólares para su organización benéfica.

En 2019, The Who volvió a la carretera con una orquesta de 46 miembros que realizó una gira por los Estados Unidos y tocó en el estadio de Wembley en julio. En junio, Roger celebró el 50 aniversario del lanzamiento de Tommy con una grabación en vivo de su gira en solitario Orchestral Tour de 2018, seguida de otro espectáculo benéfico repleto de estrellas en Los Ángeles para Teen Cancer con The Who, Foo Fighters, Pink y Kenny Loggins que recaudó otros 2 millones de dólares para la organización benéfica. En diciembre, se lanzó un nuevo álbum de The Who, WHO, que recibió una gran aclamación de la crítica y se ubicó en el segundo puesto en los Estados Unidos y el tercero en el Reino Unido. Ese mismo mes, fueron los primeros artistas en ser honrados con una piedra en el nuevo Paseo de la Fama de la Música de Camden antes de que la pandemia impidiera a The Who hacer sus giras por el Reino Unido y los Estados Unidos en 2020.

Por muy ocupado que esté con su trabajo en solitario y sus proyectos benéficos, el grupo que formó en el Sulgrave Road Youth Club en Shepherds Bush a los 16 años siempre será su primer amor. Incluso más que sus colegas, ha sido Roger quien ha hecho todo lo posible para mantener la bandera de The Who en alto durante aquellos períodos en los que Pete sintió la necesidad de buscar salidas creativas en otro lugar, y el respeto que se ha ganado de los fans de The Who como resultado es algo que aprecia profundamente.

Esto nunca fue más evidente que cuando, en 1995, Roger se tomó el tiempo de reunir generosamente a una banda para que apareciera en la primera Convención Británica de Who, organizada por fans de Who para fans de Who, en Shepherd's Bush, la zona de Londres donde nació y que se ha convertido en sinónimo de la banda. Cuando el grupo improvisado, que incluía a John Entwistle y al hermano de Pete Townshend, Simon, abandonó el escenario, Roger miró el mar de rostros. "Gracias", dijo, genuinamente conmovido por la ocasión. "Nos han dado una vida maravillosa".

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Giving It All Away.


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Wolfgang Amadeus Mozart. Cuarteto con Piano Nº 1 en Sol Menor K. 478. André Previn, en piano; Masafumi Hori, en violín; Ryo Sasaki, en viola; y Ryoichi Fujimori, en violonchelo.


A continuación, de Wolfgang Amadeus Mozart, el Cuarteto con Piano Nº 1 en Sol Menor K. 478, en la versión de André Previn, en piano; Masafumi Hori, en violín; Ryo Sasaki, en viola; y Ryoichi Fujimori, en violonchelo.


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