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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Inés Gebhard Paulus nació en Santiago de Chile, Chile, el 31
de octubre de 1913, y murió en Valdivia, Chile, el 24 de mayo de 2007. Pianista
y profesora
El sitio www.scielo.cl publicó
este recordatorio firmado por Leonardo Mancini.
Revista Musical Chilena, Año LXII, Enero-Junio, 2008, N°
209, pp. 100-101
IN MEMORIAM
Inés
Gebhard Paulus (1913-2007)
El 24 de mayo de 2007 falleció en Valdivia la distinguida
pianista y profesora Inés Gebhard Paulus, cuya fecunda trayectoria en el campo
del arte y la docencia ha dejado profundas huellas en la ciudad donde ejerció
por casi 40 años.
Santiaguina de nacimiento y formación, ella adoptó a
Valdivia como el lugar en que desarrollaría profesionalmente su talento, hasta
llegar a ser considerada "todo un símbolo en la cultura valdiviana desde
mediados del siglo XX", como se ha dicho con motivo de su fallecimiento.
Inició sus estudios musicales a los cuatro años con su tía
Sor Victoria Paulus, continuándolos con el presbítero y compositor Pedro
Valencia Courbis. En 1928 ingresó al Conservatorio Nacional en el que tuvo como
profesores a Pedro Humberto Allende y Domingo Santa Cruz, entre otros Fue
especialmente distinguida por su maestra Rosita Renard, que patrocinó sus
primeras audiciones públicas y la consideró entre el grupo destacado de alumnos
que presentaron las 32 sonatas para piano de Beethoven, bajo su dirección.
Instalada en Valparaíso desde 1941, inició su actividad
profesional como profesora de Educación Musical en los más importantes colegios
de la ciudad, en los que además, organizó y dirigió coros juveniles.
Paralelamente, realizó frecuentes conciertos de piano solo, los cuales fueron
patrocinados por la Sociedad Amigos del Arte, institución de fomento artístico,
a la que ingresó desde su llegada y que posteriormente presidiría con gran
acierto en varias ocasiones. Conviene señalar que, en el seno de Amigos del
Arte, se gestó la semilla que daría origen a la creación de la Universidad
Austral de Chile. En 1945 Inés Gebhard fundó su propia academia de música cuyos
estudios eran avalados por el Conservatorio Nacional, imponiéndose de inmediato
por la alta calidad de su enseñanza. En 1955 esta academia es incorporada,
junto a otras más antiguas, al Conservatorio de Música de la Facultad de Artes
que así se convierte en la primera escuela de la primera Facultad de la
naciente Universidad Austral de Chile. Aquí ella desarrolló una larga y
fructífera labor como directora del Conservatorio de Música, como directora
técnica del Departamento de Teclado, además de profesora de piano y otras
asignaturas, en diferentes niveles. Igualmente, cumplió funciones administrativas
como prodecana y decana en su Facultad y posteriormente se desempeñó como
directora de extensión de la Universidad, cargo en el cual se mantuvo hasta su
jubilación, en 1982.
Junto a esta amplia labor docente y administrativa, ella se
dio tiempo para hacer música, realizando conciertos solistas y participando en
selectos grupos de cámara. Entre éstos se recuerda al Trío Pro Arte, formado
por ella junto al chelista francés Robert Livon y al violinista argentino Pedro
de Lores, a comienzos de los años 70. Igualmente exitosa fue su larga
asociación con el violinista Manuel Bravo, con quien conformó un dúo que
cultivó obras de los más importantes compositores. Con ambos conjuntos realizó
permanentes presentaciones en Valdivia y otros centros artísticos, especialmente
de Talca, Concepción, Temuco, La Unión y Osorno. De una de las actuaciones con
Manuel Bravo en ésta última ciudad, se recuerda la excelente crítica que le
hiciera en el diario local el Dr. Alberto Goldschmidt, famoso por su
inconformismo. La verdad es que todos los grupos de cámara integrados por la
maestra Gebhard siempre gozaron de una gran acogida de la crítica y del público
sureño aficionado. Hay que destacar que en sus programas habituales, junto a
los grandes de la música universal, siempre hubo espacio para las obras de
autores chilenos. Así, también se recuerdan las actuaciones de conciertos para
piano y orquesta realizadas con la Orquesta de Cámara de la Universidad Austral
y la Orquesta Sinfónica de Chile bajo la dirección de Agustín Cullell y Víctor
Tevah respectivamente.
Tan valiosa y dilatada labor recibió el reconocimiento y la
gratitud de todos. Fue así como la Ilustre Municipalidad de Valdivia en el año
1966, le otorgó la Medalla de Oro en reconocimiento a los servicios prestados
al arte y la cultura de la ciudad. Por su parte, la Universidad Austral la hizo
acreedora de la Medalla de Plata en 1980, en atención a sus 25 años de
servicios distinguidos.
Finalmente, ya retirada en el año 2004, en el marco de las
festividades por el Cincuentenario de la fundación de la Universidad, recibió
sendos homenajes públicos del Conservatorio y la Universidad, que culminaron
con un concierto en su honor realizado en el Aula Magna. También fue
galardonada por la Dirección de Extensión, junto a otros académicos eméritos,
en un acto solemne denominado "Forjadores del Sur". Al tiempo de
recibir estos merecidos homenajes, la maestra cumplía 91 años.
Su deceso se produjo en esa ciudad tres años después. Su
nombre está firmemente ligado al importante desarrollo alcanzado por la
actividad cultural y artística de Valdivia en la segunda mitad del siglo XX,
que se consolida con la creación de la Universidad Austral, cuya viga maestra
habría de ser, en lo fundacional, el Conservatorio de Música, al cual ella dedicó
sus mejores esfuerzos desde el primer día.
Steve Rushton es un artista británico. Rushton nació en
Frimley Park Hospital en Surrey, Inglaterra. Se subió a un escenario a los 7
años y así se introdujo en el mundo de la música gracias a su padrastro, es un
gran fan de Elvis.
Carrera musical
Mr. Cheerful
Steve fue compositor, guitarrista y vocalista de la banda
Mr.Cheerful. Esta banda tenía influencias de artistas como Elvis y Green Day.
Participaron en el festival de Eurovisión Junior en 2003. Steve no continuó en
Mr. Cheerful cuando se unió a la banda británica pop punk Son of Dork.
Son Of Dork
Steve Rushton es el exbajista, cantante y percusionista de
la banda de punk pop británica Son Of Dork. La banda tenía dos top 10 hits en
el Reino Unido. Sin embargo, tras dos años de inactividad en la banda, en el
año 2008 decidió dejar la banda declarando, "Nunca tome una guitarra y la
deje colgada en una pared acumulando polvo durante dos años y estoy
harto".
Hollywood Records
Solo
En 2008, Steve se embarcó en una carrera solista y firmó con
Hollywood Records. Fue a vivr a Los Ángeles para crear su álbum debut que
llegaría ser publicado a mediados de 2009. Su primer sencillo, Emergency, se
escuchó por primera vez en Radio Disney en el mes de marzo y formó parte de la
banda sonora de la película de Disney "La montaña embrujada". El
sencillo se puede descargar en iTunes y escucharlo en Radio Disney. El
videoclip de Emergency puede verse en las páginas de Steve de Youtube o
Myspace.
Disney
En 2008, Steve se convirtió en un miembro más de Disney y ha
colaborado en los soundtracks de algunas películas de esta compañía.
Hannah Montana: La Película
Steve se pidió llevar a cabo dos de sus canciones de éxito
"Game Over" y "Everything I Want" en la nueva película de
Miley Cyrus, Hannah Montana: La película.
Race to Witch Mountain
Emergency, primer sencillo de Steve en solitario, aparece en
la banda sonora de esta película de Disney.
G-Force
Grabó una canción con videoclip incluido para la película.
En busca de Santa Can
También grabó la canción "Santa claus is coming to town"
de banda sonora para la película "En busca de Santa Can".
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Emergency.
Jonathan Stewart Vickers, más conocido como Jon Vickers,
nació en Prince Albert, Saskatchewan, Canadá, el 29 de octubre de 1926, y murió
en Ontario, Canadá, el 10 de julio de 2015.
Tenor.
El 26 de octubre de 1926 nació en Prince Albert,
Saskatchewan (Canadá) el gran tenor Jon (Jonathan Stewart) Vickers, fallecido
en Ontario el 10 de julio de 2015. Paradojas de la vida, ese mismo 10 de julio
de 2015, coincidió con el 90 cumpleaños de Nicolaï Gedda, otros de los grandes
tenores del pasado siglo, quien nos dejó tristemente el pasado 8 de enero a los
91 años. Vickers y Gedda fueron compañeros de reparto en una serie de
representaciones de La novia vendida de Bedřich Smetana, que tuvieron lugar en
1978, en el Metropolitan neoyorkino.
El año 1926 produjo una excelente cosecha lírica, ya que,
además de Vickers, nacieron las sopranos Joan Sutherland y Leonie Rysanek,
también la mezzo Rita Gorr; con todas ellas, el tenor canadiense llegó a
coincidir en los escenarios en diferentes momentos de su carrera, sobre todo
con la austriaca Leonie Rysanek, compañera de innumerables veladas operísticas
tanto en títulos wagnerianos como La Walkiria y Parsifal, en óperas verdianas
como Aida y Otello o en la Salomé de Richard Strauss.
La voz de Vickers era oscura, no especialmente bella, pero
de gran musicalidad, con un amplio y contrastado fraseo, buena gama de graves,
ancho centro y unos agudos que se expandían con facilidad hasta el si bemol. A
pesar de poseer una voz voluminosa, podía apianarla hasta convertirla en un
leve susurro. Pero, fundamentalmente, era un gran actor, capaz de darle
relevancia dramática a cada frase y cada palabra cantada, con una actuación
escénica de altísimo nivel, que penetraba de lleno en la psicología de cada uno
de los personajes que interpretaba. María Callas coincidió con Vickers en una
serie de representaciones de la Medea de Luigi Cherubini, llegando a decir:
“Por fin, he encontrado un tenor capaz de combinar una excelente línea de canto
con una gran actuación escénica”.
Una larga e intensa carrera
Jon Vickers fue el sexto de ocho hermanos, hijos de un
maestro y predicador de la Iglesia Metodista. En su casa había un buen ambiente
musical, pero los escasos recursos económicos de la familia -era la época de la
gran depresión en EE UU, que también afectó a Canadá- le obligaron a
compatibilizar sus estudios con trabajos físicos en granjas, donde, aparte de
conseguir ingresos para su familia, fue adquiriendo una gran corpulencia
física. Aficionado al canto, desde muy joven actuaba en los servicios
religiosos. Terminada la Segunda Guerra Mundial intentó sin éxito ingresar en
la universidad para iniciar estudios de medicina. Entonces, con 20 años, se
puso a trabajar en unos grandes almacenes donde mostró sus habilidades
comerciales, llegando a ser un buen vendedor. Pero su gran afición era el
canto, logrando en 1950 una beca para estudiar en el Conservatorio de Toronto,
donde tuvo como profesores a George Lambert y Hermann Geiger-Torel.
Su primera actuación tuvo lugar en 1951, en un concierto en
el Conservatorio de Toronto. Ya, en 1953, y para la radio canadiense en
Toronto, tuvo ocasión de cantar el personaje de Sellem en The Rake’s Progres de
Stravinski y Ferrando del Così fan tutte de Mozart. Su debut teatral se produjo
en la Ópera de Toronto, en 1954, cantando el duque de Mantua de Rigoletto. Al
año siguiente, en ese mismo teatro, interpretará el Alfredo de La Traviata, don
José de Carmen, y también Canio de I Pagliacci, en una producción televisiva.
En 1956 realizará sus primeras actuaciones fuera de Canadá
con dos nuevos roles: Jasón de Medea y Florestán de Fidelio, que interpretará
en forma de concierto, respectivamente en Filadelfia y Nueva York. También ese
mismo año, tendrá oportunidad de tener una audición en Londres con David
Wesbter, el máximo responsable de la Royal Ópera House (Covent Garden), quien
le contratará por tres años como miembro estable del teatro londinense,
produciéndose sus primeras actuaciones en el curso de una gira por varias
ciudades inglesas, primero en Cardiff, en marzo de 1957, añadiendo a su
repertorio un nuevo personaje, el Riccardo del verdiano Un ballo in maschera,
que también interpretará en Manchester y Southampton, junto al don José de
Carmen, con el que, finalmente debutará en el Covent Garden en abril de aquel
mismo año, completando aquella primera temporada en el teatro londinense con la
incorporación de dos nuevos personajes: Eneas de Los Troyanos de Héctor Berlioz
y Radamés de Aida, a los que añadirá, ya en 1958, don Carlo de la ópera
homónima verdiana y Samson de Haendel.
En agosto de ese mismo año se producirá un gran
acontecimiento en la incipiente carrera de Jon Vickers, con su debut en el
Festival Bayreuth, interpretando el Siegmund de La Walkiria en el famoso Anillo
del Nibelungo de 1958. Completará aquella temporada con su debut en la Ópera de
Dallas interpretando Jasón de Medea junto a María Callas.
En 1959 debutará en las óperas de Viena y San Francisco, con
La Walkiria y Aida respectivamente. En el Covent Garden interpretará por
primera vez Parsifal. El año 1960 marcará sus primeras actuaciones en el Teatro
alla Scala de Milán con Florestán de Fidelio y en el Metropolitan neoyorkino
con Canio de I Pagliacci, iniciando una larga e intensa relación con ese
teatro, donde intervendrá durante 22 temporadas hasta 1987. También en 1960 se
producirá su debut en la Ópera de Chicago con La Walkiria, teatro en el que
seguirá actuando en sucesivas temporadas hasta 1986.
En el Teatro Colón de Buenos Aires cantará por primera en
1963, debutando dos personajes que serán esenciales en su repertorio: el Otello
verdiano y Samson de Samson et Dalila de Camille Saint Saëns. También en el
teatro bonaerense, en 1971, interpretará por primera vez otro de sus grandes
personajes, el wagneriano Tristán junto a la Isolda de Birgit Nilsson. En
julio-agosto de 1964 volverá al Festival de Bayreuth para cantar cuatro
funciones de Parsifal, con dirección de Hans Knappertsbuch. Su debut en el
festival de Salzburgo se producirá en 1966, con Carmen, volviendo al año
siguiente con La Walkiria y Carmen, siempre con dirección de Herbert von
Karajan.
En 1973 acudirá por primera vez al Festival de Orange para
cantar Tristán, volviendo al año siguiente para debutar en dos nuevos roles,
insertos en muy diferentes repertorios: el Pollione de la belcantista Norma de
Bellini y Herodes de la Salomé de Richard Strauss. La versatilidad del tenor
canadiense se puso de nuevo de manifiesto al incorporar un nuevo personaje de
ópera barroca, el Nerone de L’Incoronazione di Poppea de Claudio Monteverdi, en
siete exitosas representaciones que tuvieron lugar en la Ópera de París, en
enero-febrero de 1979.
Su debut en España se producirá en el Palau de la Música de
Barcelona en 1979, donde tendrá un extraordinario éxito con dos funciones en
versión de concierto de Tristán e Isolda, volviendo de nuevo a ese mismo
auditorio en 1981 para cantar Parsifal. Su tardío debut en el Liceu de
Barcelona se producirá en 1985 con Samson et Dalila, y con esta ópera misma
tendrán lugar en 1987, sus últimas apariciones escénicas, respectivamente en el
Metropolitan y la Ópera de Denver en Colorado. Se retirará definitivamente en
mayo de 1988, con dos actuaciones en Canadá, con la Orquesta de Kitchener
(Ontario), cantado en forma de concierto el acto II de Parsifal. Desde entonces
se dedicará a labores docentes, contando entre sus alumnos con el tenor
canadiense Ben Heppner.
Un gran tenor wagneriano
Jon Vickers fue uno de los grandes tenores wagnerianos de la
segunda mitad del siglo XX. Siegmund de La Walkiria será el rol que más veces
interpretará en escena durante toda su carrera, manteniéndolo en su repertorio
hasta, prácticamente, el final de la misma. Lo debutará en el famoso Anillo del
Nibelungo de 1958, en Bayreuth, con dirección de Hans Knappertsbusch, junto a
la poderosa Sieglinde de Leonie Rysanek y la magnífica Brünhilde de Astrid
Varnay, su actuación en aquella ocasión será notable. Puede escucharse a través
de YouTube la grabación completa de aquella Walkiria.
Vickers irá dándole recorrido teatral a su Siegmund,
debutándolo en el Covent Garden, Ópera de Viena y Metropolitan de Nueva York.
Por tanto, cuando en 1961, lo graba en estudio para el sello DECCA, ya tenía el
personaje bastante madurado, y ello se hace notorio al escucharlo en el dúo
final del acto I “Winterstürme wichen dem Wonnemond”, cantado de manera
extraordinaria con una voz luminosa, firme y viril de auténtico héroe, cuyo
gran volumen sobrepasa la tupida orquesta, empastando muy bien con la exquisita
soprano holandesa Grè Brouwenstijn, quien interpreta una Sieglinde de
vulnerable feminidad y expresión romántica.
Parsifal fue el segundo rol wagneriano incorporado por
Vickers, ya desde un temprano 1959 en el Covent Garden, y que en 1964 le supuso
el regreso a Bayreuth, en cuatro funciones dirigidas Hans Knappertsbuch.
Vickers estuvo sencillamente espléndido y con una prestación claramente
superior a la ofrecida por la mezzo sueca Barbro Erikson en el rol de Kundry.
Existe una toma en directo de aquel evento, remasterizada en CD por el sello
Golden Melodran. Parsifal nunca fue grabada en estudio por Vickers, aunque
existen varias tomas en directo, como la realizada en 1982 en el Gran Teatro de
Ginebra, con la excelente dirección de Horst Stein, al frente de la Orquesta de
Suisse Romande, y la notable Kundry de Ivonne Minton. Esta grabación puede
escucharse completa en YouTube.
Existe una toma en directo -lamentablemente- de muy
complicada localización, realizada en 1979 en el Metropolitan, dirigida por
James Levine, donde Vickers estaba acompañado por la extraordinaria Kundry de
Christa Ludwig. De manera más nostálgica puede señalarse otra toma en directo,
de abril de 1985, también realizada en el Metropolitan, con dirección de James
Levine, donde Jon Vickers compartía reparto con la Kundry de Leonie Rysanek, su
compañera en tantas brillantes veladas operísticas desde aquella Walkiria de
1958 en Bayreuth.
La tercera gran creación wagneriana del tenor canadiense fue
el Tristán, que cantó por primera vez en el Teatro Colón de Buenos Aires, junto
a la extraordinaria Isolda de Birgit Nilsson, en el transcurso de cuatro
representaciones en septiembre de 1971, con dirección de Horst Stein. Una de
aquellas funciones fue tomada en directo y comercializada en CD por el sello
VAI. Al poco tiempo, Herbert von Karajan realizó una grabación de estudio para
Deutsche Grammophon, con la excelente interpretación de Vickers, junto a la
inadecuada Isolda de Helga Dernesch y la magnífica Brangaene de Christa Ludwig.
Pero, para ver y escuchar las extraordinarias interpretaciones de Vickers y
Nilsson, es preciso contemplar la toma en video realizada en el Festival de
Orange de 1973, con la Orquesta Nacional de L’Ortf dirigida por Karl Böhm, y
comercializada en DVD por el sello Hardy Classic. En YouTube pueden verse
fragmentos de esa grabación, como el impresionante final del acto I, cuando se
funden las voces de Nilsson y Vickers. Resulta auténticamente fascinante
escucharles el largo dúo de amor del acto II, con ese canto suave, de intenso
lirismo y extrema musicalidad, donde las voces se complementan, se responden,
cantan al unísono, integradas en el fascinante sonido orquestal, ofreciendo
momentos auténticamente sublimes.
De manera muy ocasional, solamente en cuatro funciones que
se representaron en el Metropolitan en 1965, Vickers interpretó el Erik de El
holandés errante, junto a la Senta de Leonie Rysanek.
Aparte de sus creaciones wagnerianas, y dentro del
repertorio alemán, Florestán de Fidelio de Beethoven, fue otra de las grandes
creaciones del tenor canadiense, siendo uno de los personajes que más veces
interpretó a lo largo de toda su carrera. Existen dos grabaciones de estudio
realizadas para el sello EMI. La primera data de 1962, con la excelente
dirección de Otto Klemperer al frente de la Orquesta Philharmonia, y en ella
encontramos a un Vickers en óptima forma vocal, y con esa inmensa capacidad
dramática que siempre le caracterizó, acompañado por la gran Christa Ludwig
como Leonora. La otra grabación data de 1970, con dirección de Herbert von
Karajan al frente de la Filarmónica de Berlín; en ella Vickers muestra una
creación aún más madurada de Florestán, esta vez acompañado de la Leonora
cantada por Helga Dernesch, de voz excesivamente lírica para las grandes
demandas dramáticas de este personaje. Birgit Nilsson fue la Leonora ideal, por
vocalidad y empuje dramático, siendo la compañera de Vickers, cuando debutó con
esta ópera en el Teatro alla la Scala de Milán en 1960, y también en numerosas
funciones en el Metropolitan. Leonie Rysanek también fue una magnífica Leonora
y cantó en varias ocasiones Fidelio junto a Vickers. Y, de nuevo, es preciso
acudir a una toma en video realizada en el Festival de Orange de 1977, con
Zubin Metha dirigiendo a la Israel Philharmonic Orchestra, donde puede
contemplarse la imponente actuación de Vickers en la gran escena del arranque
del acto II, donde se incluye la brillante introducción orquestal, seguida del
recitativo-aria “Gott! Welch Dunkel hier!… In des lebens Frühling”, y también
el precioso dúo “O namenlose Freude”, con la discreta Leonora de Gundula
Janowitz. Ambos fragmentos están disponibles en YouTube.
Sus brillantes incursiones en el repertorio italiano
Cuando Jon Vickers comenzó en 1957 su relación con el Covent
Garden fue incluyendo en su repertorio una serie de roles verdianos como
Riccardo de Un ballo in maschera, don Carlo o Radamés de Aida. La
interpretación de don Carlo le supuso un gran triunfo cuando lo cantó por
primera vez en el Covent Garden, en 1958, en la famosa producción de Luchino
Visconti, dirigida musicalmente por Carlo María Giulini, habiendo quedado una
toma en directo de aquel evento, donde el tenor canadiense se muestra en un
magnífico estado vocal, realizando una gran interpretación del infortunado
infante de España, con un reparto que incluía a la elegante y exquisita soprano
holandesa Grè Brouwenstijn como Elisabetta de Valois, al siempre teatral Tito
Gobbi como el Marqués de Posa, una discreta Fedora Barbieri como Eboli y al
imponente Felipe II, interpretado por Boris Christoff.
Radamés fue otra magnífica creación de Vickers, que llegó a
cantar en numerosas ocasiones en los más importantes teatros del mundo. Se le
puede escuchar en su grabación de estudio para DECCA de 1962, con la suntuosa
Aida de Leontyne Price, junto a la vehemente Amneris de Rita Gorr y el violento
Amonasro de Robert Merril, con la excelente dirección de Georg Solti al frente
de la Orquesta de la Ópera de Roma.
Sin duda, Otello es su gran personaje verdiano, donde podía
conjugar una adecuada vocalidad, siguiendo todas las indicaciones de la
partitura, y su gran capacidad escénica. Su primera aproximación al moro
veneciano se produjo en una grabación de estudio para RCA realizada en 1960,
con Tullio Serafin al frente de la Orquesta de la Ópera de Roma, junto a la
notable Desdémona de Leonie Rysanek y el truculento Yago de Tito Gobbi. Lo
interpretará por primera vez sobre un escenario en el Teatro Colón de Buenos Aires,
en mayo de 1963, junto a la exquisita Desdémona de la soprano búlgara Raina
Kabaivanska y el notable Yago barítono canadiense Louis Quilico. En noviembre
de ese mismo año volverá a cantarlo en la Ópera de San Francisco, con la
excelente Desdémona de Sena Jurinac y el Yago de Tito Gobbi. Se pueden escuchar
en YouTube las grabaciones completas de la función bonaerense y la de San
Francisco, que muestran a un Vickers en plena forma vocal, y ya dominador de
los resortes dramáticos requeridos por este complejo personaje. Famosa es la
filmación de Otello, dirigida escénicamente por Herbert von Karajan, en 1974,
donde se puede escuchar la voz de Vickers en conjunción con su extraordinaria
actuación escénica, bien acompañado por la espléndida Desdémona de Mirella
Freni, quien luce una voz vibrante y luminosa, con una sensacional actuación en
el dúo de amor con Otello, del final de acto I. Peter Glossop interpreta un
Yago de sutil actuación escénica y muy discreta vocalidad. Esta filmación fue
comercializada en DVD por Deutsche Grammophon, con una banda sonora proveniente
de la grabación de estudio para EMI, realizada el año anterior, con Karajan al
frente de la Filarmónica de Berlín, e idénticos intérpretes.
La aparición en 2011 de una grabación de Otello, comercializada
en DVD por Sony, procedente de una retransmisión televisiva realizada en
directo desde el Metropolitan, en octubre de 1978, y dirigida por James Levine,
nos muestra una interpretación teatral de Jon Vickers, aún más imponente que en
la filmación de Karajan, acompañado por la excelente actuación escénica de
Renata Scotto como Desdémona. En el monólogo “Dio! mi potevi scagliar”, Vickers
está realmente impresionante, con una interpretación plena de matices, donde
muestra el sufrimiento y desesperación que le afligen, con un canto
declamatorio alternando frases en piano y forte. Vuelve a estar extraordinario
en el monólogo final “Niun mi tema”. En esa función también tiene una destacada
actuación Cornell McNeill como Yago. Los fragmentos comentados pueden
contemplarse en YouTube.
Su otro gran papel de repertorio italiano fue el Canio de I
Pagliacci, que incorporó a su repertorio muy tempranamente, en 1955, durante su
primera etapa en Canadá, en una representación para la televisión, pudiéndose
contemplarse en YouTube los fragmentos “Vesti la giubba” y “No! Pagliaccio non
son!” donde Vickers ya dotaba de gran nervadura dramática al infortunado
personaje. Fue uno de los títulos que más veces interpretó a lo largo de su
carrera. Su impresionante interpretación de Canio, puede contemplarse en una
película dirigida por Herbert von Karajan, en el Palacio Ghiaccio de Milán en
mayo y junio de 1968, con una banda sonora grabada paralelamente en el Teatro
alla Scala de Milán, con Karajan dirigiendo a la orquesta de ese teatro, donde
Vickers estaba acompañado por la excelente Nedda de Raina Kabaivanska, el
discutible Tonio de Peter Glossop y el magnífico Silvio de Rolando Panerai.
Esta filmación fue comercializada en DVD, por Deutsche Grammophon.
De la ópera francesa a Peter Grimes
Jon Vickers afrontó con auténtica maestría varios personajes
del repertorio francés. En primer lugar hay que citar el don José de Carmen,
uno de los papeles que más veces interpretó a lo largo de su carrera. Para
poder enjuiciar su gran interpretación de don José es preciso contemplar la
filmación de 1967 del Festival de Salzburgo dirigida por Herbert von Karajan al
frente de la Filarmónica de Viena.
Vickers realizó una gran creación del personaje de Eneas en
Les Troyens de Héctor Berlioz que interpretó en gran número de ocasiones a lo
largo de su carrera. En 1969 participó en la referencial grabación de estudio
para Philips, con la Orquesta de la Royal Opera House dirigida por Colin Davis,
con un brillante elenco vocal que incluía el Dido de la mezzo francesa
Josephine Veasey. Escuchar el famoso dúo “Nuit d’ivresse et d’extase infinie!”
del acto IV en las voces de Veasey y Vickers es todo un deleite canoro. Sansom,
de Samson et Dalila de Camille Saint Saëns, es el otro gran personaje del
repertorio francés cantado por Jon Vickers, esencial durante toda su carrera y
que cantó por primera vez en una grabación de estudio para EMI, de 1962, con
Georges Prêtre al frente de la Orquesta de la Ópera de París.
De la ecléctica galería de personajes en la carrera de Jon
Vickers, una de sus más portentosas creaciones fue la Peter Grimes de la ópera
homónima de Benjamin Britten, que cantó por primera vez en el Metropolitan en
1967, dirigido por Colin Davis. Peter Grimes parece escrito para las características
vocales y teatrales de Vickers (aunque su interpretación nunca fue del agrado
de Britten), capaz de plasmar toda la gama de emociones que emanan de este
personaje, en especial su salvajismo y marginalidad. En 1978 lo grabará en
estudio para Decca, con dirección de Colin Davis y con la Ellen Orford de
Heather Harper, su compañera habitual en muchas representaciones de esta ópera.
La interpretación de Jon Vickers resulta excepcional. En 1981, fue tomada en
video y comercializada en DVD por Decca, una representación en el Covent
Garden, de nuevo con dirección de Colin Davis, donde se puede visualizar la
impresionante capacidad teatral de Vickers.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento con
el aria La fleur que tu m'avais jetée, de la ópera Carmen, de Georges Bizet, junto
a la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Herbert Von Karajan.
Cornelia Froboess nació el 28 de octubre de 1943 en Wriezen,
localidad junto a la actual frontera polaca, debido a que su madre, Margaretha,
había huido allí de los bombardeos de Berlín. Su padre, Gerhard Froboess, sería
con el tiempo un famoso compositor de Schlager y su tío, Harry Arias Froboess,
era actor doble especialista de riesgo. Así pues, La Pequeña Cornelia, como fue
conocida en su etapa infantil, llevaba en la sangre los genes artísticos cuando
debutó en mayo de 1951, con sólo 8 años de edad, con la canción de su padre
Pack die Badehose ein, que este había compuesto para el famoso coro infantil
Schöneberger Sängerknaben y cuyos directores habían rechazado. Conny se
convirtió así en estrella infantil, haciéndose muy popular por sus
intervenciones en la radio, la incipiente televisión y, sobre todo, su trabajo
como actriz que comienza ese mismo año de 1951 con su debut en la película
Sündige Grenze. Rodará 12 películas más a lo largo de los años 50, normalmente
haciendo de sí misma (su personaje se suele llamar Conny), destacando los
filmes Große Starparade (1955), Der lachende Vagabund (1958), Wenn die Conny
mit dem Peter (1958) o Hula-Hopp, Conny (1959). Este último año comienza sus
clases de interpretación en Berlín con Marlise Ludwig, edita su primer single,
Mister Music, que llega al puesto 16 de las listas alemanas, y es premiada con
el León de oro de Radio Luxemburgo por la canción I Love You Baby.
Conny edita la friolera de 15 singles entre 1959 y 1961,
llegando todos ellos a las listas de éxitos de su país, hasta que en diciembre
de este mismo año graba Zwei kleine Italiener, tema que presenta al Deutschen
Schlager-Festspiele en 1962 en Baden-Baden, en el que consigue el triunfo y
determina su designación como representante alemana en Eurovisión 1962 con ese
mismo tema. Aunque en Luxemburgo sólo quedó en sexta posición, Zwei kleine
Italiener fue un éxito internacional que se tradujo a varios idiomas y fue
interpretado por artistas consagrados de la época, como Connie Francis.
Mientras continúa su trabajo como actriz, evolucionando
hacia el cine adolescente junto a su pareja artística, Peter Kraus(“Peter”), en
películas como Conny und Peter machen Musik (1960) o Schlagerraketen – Festival
der Herzen (1960), así como otras “en solitario” como Mariandl (1961), Der
Vogelhändler (1962), Der Musterknabe (1963) o Hilfe, meine Braut klaut (1964).
Musicalmente evoluciona hacia el rock and roll reinante y se apunta éxitos como
Lady Sunshine und Mr. Moon, Drei Musketiere, o Lippenstift am Jacket, muchos de
ellos a dúo con Peter Alexander, Rex Gildo, Will Brandes o el mencionado Peter
Kraus. No obstante a lo largo de los sesenta Conny va abandonando cada vez más
su faceta como cantante para centrarse en la de actriz, y así Schreib es in den
Sand será su último single, editado en 1967. Posteriormente las reediciones de
sus singles en recopilatorios han sido muy numerosas, siendo la última hasta el
momento Made in Germany, de 2007.
Así, desde entonces, ya reconvertida en Cornelia Froboess,
se convierte a lo largo de los años en una de las actrices fundamentales del
cine, el teatro y la televisión alemanes. En cine protagoniza decenas de
películas, como Rheinsberg (1967), Kaltes Fiever (1984), Der Sommer des Samurai
(1986) y se hará especialmente popular por su papel de Pia Michelis en la serie
de televisión Praxis Bülowbogen (1987-1996). Durante nada menos que treinta
años participa en otra serie, Der Alte, de 1980 a 2010 y recibió varios
premios, entre ellos el Telstar, por su participación en otra famosa serie,
Angst hat eine kalte Hand (1996). En 1999 presta su voz a la leona Zira en la
película de Disney El Rey León 2. Su último trabajo hasta el momento ha sido en
la recién estrenada Ostwind, de 2013. En 2010 estuvo en el jurado del 60º
Festival Internacional de Cine de Berlín. Su labor en teatro no ha desmerecido
en absoluto, abordando incluso papeles dramáticos como la Maria Estuardo de
Schiller, Lulu de Wedekind o la protagonista de Die Frau vom Meer de Ibsen,
papel por la que recibió el galardón Gertrud-Eysoldt-Ring (Anillo de Gertrude e
Isolda). También ha interpretado musicales como My fair lady. De 1972 a 2001
fue miembro permanente del Münchner Kammerspiele. (Teatro estudio de Múnich) y
desde 1985 es miembro de la Academia de las Artes de Berlín.
Por todos estos años de trabajo los premios recibidos por
Conny han sido inumerables e incluyen además de los mencionados el premio
Hersfeld en 1973, la Cruz del Mérito de la República Federal de Alemania
(1987), el Pro meritis scientiae et litterarum (2004), la Bayerischer
Maximiliansorden para las ciencias y las artes (2005) y el Premio especial de
cultura del estado de Baviera (2010).
Cornelia se casó en 1967 con Hellmuth Matiasek, antiguo
director del Teatro Estatal de Braunschweig y del Gärtnerplatztheater de
Munich. Tienen dos hijos, Agnes y Kaspar y viven en Wendelstein en los Alpes
Bávaros.
Texto: Javier Velasco, “Javiquico”. Septiembre de 2013
A continuación, celebramos el cumpleaños de Cornelia
Froboess, con uno de sus grandes éxitos, Zwei kleine Italiener.
En SHALOM hoy les descubrimos el pasado judío de Burgos de
la mano de Eloy López Zamanillo, quien a través de su libro El Burgos
Desconocido, nos presenta aspectos inéditos de una de las juderías más
importantes de la Edad media española.
María de la Concepción Bautista Fernández, más conocida como
Conchita Bautista, nació en El Arenal, Sevilla, España, el 27 de octubre de
1936. Cantante y actriz.
María Concepción Bautista Fernández (Sevilla, 27 de octubre
de 1936) es la segunda de cinco hermanos, hija de un agente comercial y una ama
de casa. Hizo su primera actuación con sólo 7 años, cobrando 25 pesetas. Tras
pasar por varias academias de flamenco y estudiar interpretación, pasó a formar
parte del Grupo de Cante y Baile de Educación y Descanso. Debutó en el teatro
Álvarez Quintero en una serie de galas dominicales dirigidas al público
infantil y comenzó a ser una voz conocida en varios concursos y programas
radiofónicos de variedades, como Conozca usted a sus vecinos y, sobre todo,
Cabalgata de fin de semana. Su integración en las compañías de Pepe Pinto y
Angelillo la permitieron recorren primero Andalucía y después toda España a lo
largo de la década de los cincuenta.
Tras asentarse en Madrid en 1953, el cine fue su siguiente
paso debutando en Fuego en la sangre (1953), de Ignacio F. Iquino, rodando
siete películas en la década de los 50, siendo de destacar La reina mora
(1955), adaptación de la zarzuela homónima situada en su Sevilla natal y La
venganza (1957), de Juan Antonio Bardem, que fue la primera película española
nominada a los Oscar. A la vez empieza a grabar en 1958 singles y ep’s de
canción andaluza que la hacen una voz muy conocida a través de la radio y también
de la televisión, medio en el que debuta como presentadora del programa Musical
14:05.
En 1961 gana en Barcelona el concurso organizado por RNE
para designar el primer representante español en Eurovisión, papel que
desempeña muy dignamente en Cannes consiguiendo un noveno puesto con Estando
contigo, que más tarde será un gran éxito en la voz de Marisol. A partir de
este momento su estilo derivó un poco hacia el pop sin perder sus raíces en la
copla y la canción andaluza, especialmente tras su fichaje con la discográfica
Belter en 1965, compañía con la que seguirá durante muchos años. Así, empieza a
promocionarse por América, debutando en este continente en Caracas en 1961 y
visitando también México, Argentina y muchos otros países latinoamericanos en los
siguientes años, así como Estados Unidos, donde trabaja por tres meses seguidos
con constantes apariciones en televisión. En 1962 protagoniza la película
Escuela de seductoras, más en la línea de la comedia que del cine folklórico
que había sido su tónica hasta entonces.
En 1965 triunfa en Gran Parada, programa que designa su
segunda participación eurovisiva con Qué bueno, qué bueno, que se queda con
cero puntos en Nápoles. Ello no influye en absoluto en su carrera posterior:
sigue grabando discos hasta bien entrados los 90 (su último disco sin contar
recopilatorios es Por ti, de 1992), continúa su trabajo como actriz hasta la
película A mi las mujeres ni fu ni fa de 1971 o la serie de la televisión
catalana Mare i fill societat anónima (1980) y, sobre todo, aparece
constantemente en Television, ganando un premio Ondas en 1969 como presentadora
del programa Esta noche con… También forma parte del “Equipo” que obtiene el
primer premio para España en Singing Europa 1969 en Holanda, junto a Los Mismos
y Cristina. Repetirá triunfo con el tándem formado por Peret, Guillermina
Motta, Nuria Feliu y Pedro Gene en el Festival de Knokke, Bélgica, al año
siguiente. Su éxito en el Festival de Sopot, Polonia, es tal que se convertirá
en una de las cantantes españolas más conocidas en el país eslavo, regresando
muchas veces a dar recitales allí. También ha actuado en lugares como Grecia,
Italia y Turquía.
La cantante tuvo una hija, María del Mar, fallecida a los 14
años en 1975 a causa de un tumor cerebral, lo que provocó que perdiera la
ilusión por cantar e incluso por vivir. Este hecho provocó una larga temporada
retirada de los escenarios e incluso de la vida pública. La cantante nunca
reveló la identidad del padre de su hija.
Raparece en los escenarios
a finales de los 90, un tiempo en el que la copla no pasaba por su mejor
momento, Conchita seguía evocando en sus galas su habitual repertorio, que
mantuvo durante más de cuarenta años. Cuando ella misma percibió que su voz ya
no era la misma decidió retirarse. Era el año 2005 y había cumplido una
meritoria carrera musical siendo una reconocida figura en su género.
Su última aparición pública fue en 2013, en la
multitudinaria despedida de Sara Montiel. Vive discretamente en una tranquilo
barrio de Madrid, pero se mantiene activa acudiendo al gimnasio, conduciendo su
propio vehículo y saliendo a cenar con amigos como Raúl Sender y Concha Velasco
y Mantiene una memoria excelente.
Texto: Javier Velasco, “Javiquico”. Septiembre de 2013.
Actualizado por Javier Barquero, “frajabarca”. Junio de
2019.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus
grandes éxitos: Estando Contigo, en 2002.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Emil Fish: un reto diario
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Emil Fish nació en 1934 en Bardejov, una pequeña ciudad en el
este de Eslovaquia donde un tercio de la población era judía. Cuando comenzó la
Segunda Guerra Mundial, los nazis ordenaron que se detuvieran a los judíos de
Bardejov para enviarlos a Auschwitz. Emil, su madre y su hermana fueron
enviados al campo de Bergen Belsen y liberados en 1945. Emil se estableció en
Los Ángeles, estudió ingeniería y se convirtió en promotor inmobiliario y
empresario de residencias de ancianos. En 2005, abandonó la mayor parte de su
negocio para centrarse en proyectos, entre ellos, escribir y dar conferencias
sobre el Holocausto. También fundó la Escuela Fish de Estudios del Holocausto
en la Universidad Yeshiva. Emil tiene 90 años y vive en Los Ángeles.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Keith Lionel Urban nació en Whangarei, Nueva Zelanda, el 26
de octubre de 1967. Cantante.
El sitio www.excelsior.com.mx
publicó este artículo firmado por Lucero Calderón.
Keith Urban; tres décadas de historia
El músico y esposo de la actriz Nicole Kidman estrena su
décimo álbum de estudio con lo que celebra 30 años de carrera
Lucero Calderón | 25-11-2020
CIUDAD DE MÉXICO.
Aunque ha vivido en una especie de montaña rusa emocional
desde que se supo de la pandemia, Keith Urban, el esposo de la actriz Nicole
Kidman, con quien ha estado casado desde hace 14 años, se dio el tiempo de
crear y darle forma a su décimo material discográfico The Speed of Now Part 1,
del que se han desprendido los temas Polaroid, Superman y Change Your Mind.
“Me gusta escuchar nueva música, conocer distintas
propuestas musicales y dejarme inspirar por ellas. Creo que el 80 por ciento de
lo que escucho es de nuevas bandas o cantantes, siempre trato de descubrir
cosas nuevas y creo que este álbum tiene una gran influencia de nueva música,
sumado a esas cosas que me definen como soy hoy en día y que tiene que ver con
mi vida personal, mi parte espiritual y la música. Todo eso es lo que está
captado en este álbum”, explicó el músico”
El pasado 26 de octubre, Keith Urban, quien ha fungido como
jurado de American Idol, así como de La voz Australia, festejó su cumpleaños 53
años al lado de su esposa Nicole Kidman y de sus dos hijas: Sunday Rose, de
doce años, y Faith Margaret, de 10 años. Para este hombre, quien durante muchos
años enfrentó problemas de adicción al alcohol y las drogas, su familia ahora
es lo más importante.
“Me siento muy afortunado y lleno de suerte al venir de una
familia muy unida en donde siempre estuvieron presentes mi madre, mi hermano y
mi padre, así que la familia siempre ha sido importante para mí, para nosotros.
Mi esposa fue criada de igual manera en una familia muy unida y para nosotros
eso es muy importante que tratamos siempre de mantener”, explicó el intérprete
de clásicos como Blue Ain’t Your Color, Somebody Like You y You’ll Think of Me”.
Es padre de dos jovencitas que están creciendo en un
contexto en el que cada vez se habla más del papel igualitario que deben tener
las mujeres en los distintos ámbitos profesionales.
“Sólo puedo hablar como esposo y como papá de dos
jovencitas. Creo que eso es muy importante, pues la igualdad lo es todo y es
imperativa. La igualdad es como siempre ha tenido que ser, busco eso y eso es
parte de la revolución que estamos viendo cada vez más”, comentó Urban.
Con respecto al balance que tiene de este 2020 y de cómo va
a terminar este año, Keith Urban, quien se ha caracterizado por una melena
corta y despeinada que le enmarca un rostro que parece no envejecer, comentó
que si algo ha desarrollado es la paciencia.
“Ha sido un año como ningún otro en mi vida, como en la de
muchas personas.
Es muy pronto para hablar de los efectos que traerá en mí,
pero sí creo que este 2020 me ha enseñado a ser más paciente. De todos modos sí
me siento sumamente agradecido por todo lo que he podido hacer. Si tuviera que
definirme en este 2020 te podría decir que soy muy humano, que he cometido
errores, que he tenido aciertos, que a veces tengo miedo y otras veces me
siento optimista. Tengo todos los colores de la paleta humana y estoy en
proceso de trabajo”, relató esto último con una sonrisa.
Finalmente, y tras una charla de 15 minutos, se le preguntó
a Urban si tenía alguna película o serie favorita protagonizada por su esposa
Nicole Kidman, a lo que sin pensarlo contestó que aquella que hace poco estrenó
en HBO junto a Hugh Grant. “Aunque hay muchas, te puedo decir que The Undoing.
Es maravillosa”, remató Keith Urban.
EL DATO
Conócelo
Nació el 26 de octubre de 1967, en Nueva Zelanda
Empezó a tocar la guitarra a los seis años
En sus 20, viajó a Estados Unidos para comenzar una carrera
musical
Posee cuatro Premios Grammy
En 2006 ingresó a una clínica de desintoxicación debido al
consumo descontrolado de cocaína
Es esposo de la actriz Nicole Kidman
A continuación, celebramos el cumpleaños de Keith Urban, con
Chuck Taylors.
A continuación,
de Franz Schubert, la Sinfonía Nº 9 en Do Mayor D. 944, La Grande, en la
versión de la Orquesta Sinfónica de Xalapa, dirigida por Martin Lebel.
John Roy Anderson, más conocido como Jon Anderson, nació en Accrington,
Lancashire, Reino Unido, el 25 de octubre de 1944. Cantante, compositor y
músico.
JON ANDERSON es, sin duda, una de las voces más reconocibles
del rock progresivo como vocalista principal y fuerza creativa detrás de Yes.
Anderson fue el autor y una de las principales influencias creativas detrás de
la serie de épicas producidas por Yes y su papel en la creación de piezas tan
complejas como Close to the Edge, Awaken y, especialmente, The Gates of
Delirium fue fundamental para el éxito de la banda. Además, Anderson fue
coautor de los mayores éxitos del grupo, incluidos I've Seen All Good People,
Roundabout y Owner Of A Lonely Heart.
Jon nació como John Roy Anderson en Accrington, Lancashire,
Inglaterra, el 25 de octubre de 1944, hijo de Albert y Kathleen Anderson, de
ascendencia escocesa (por parte de padre) e irlandesa (por parte de madre).
Anderson eliminó la h de su nombre de pila en 1970.
Carrera temprana
En 1962, Anderson se unió a The Warriors, donde él y su
hermano Tony compartían el papel de vocalista principal. Dejó esta banda en
1967, lanzó dos sencillos en solitario en 1968 bajo el seudónimo de Hans
Christian Anderson y luego cantó brevemente para la banda The Gun. En marzo de
1968, Anderson conoció al bajista Chris Squire y se unió a él en un grupo
llamado Mabel Greer's Toyshop, que incluía al guitarrista Peter Banks.
Yes
Anderson, Squire y Banks formaron posteriormente Yes, con el
baterista Bill Bruford y el tecladista Tony Kaye. Su álbum debut homónimo se
publicó en 1969. Entre los cambios de formación (Rick Wakeman reemplazaría a
Kaye en 1971 y Alan White reemplazaría a Bruford en 1972), Jon permaneció en el
grupo hasta 1980, y este período se conoce ahora como el período clásico de
Yes. Jon fue una importante fuerza creativa y líder de la banda durante todo el
período (se describe a sí mismo como el "capitán del equipo" y "catalizador";
apodado por sus compañeros de banda Napoleon por su diminuta estatura y
liderazgo de la banda) y es reconocido como el principal instigador de la serie
de épicas producidas por Yes en ese momento. Su papel en la creación de piezas
tan complejas como Close to the Edge, Awaken y especialmente The Gates of
Delirium es central, a pesar de sus limitadas habilidades instrumentales. Yes
lanzó 11 álbumes aclamados por la crítica (incluido un álbum en vivo,
'Yessongs' y una compilación temprana, 'Yesterdays') entre 1969 y 1979,
incluidos títulos clásicos como 'Fragile' (que contenía el primer éxito de la
banda, "Roundabout"), 'Close To The Edge', 'Tales from Topographic
Oceans', 'Relayer' y 'Going For The One'.
Jon se reincorporó a la banda reformada Yes en 1983, que
produjo su álbum de mayor éxito comercial, '90125', con el recién llegado
Trevor Rabin. Después de un segundo álbum, 'Big Generator', y varias giras
mundiales, Jon se marchó de nuevo en 1988, debido a la continua búsqueda de un
gran éxito comercial y de difusión en la radio. En 1989, Anderson y otros
antiguos miembros de Yes formaron el grupo Anderson, Bruford, Wakeman, Howe
(ABWH), al que se sumó el bajista Tony Levin, que había tocado con el baterista
Bill Bruford en King Crimson. Después del exitoso primer álbum de ABWH, una
serie de acuerdos comerciales hicieron que ABWH se reuniera con los miembros
actuales de Yes (Squire, Rabin, White, Kaye), que habían estado fuera del ojo
público mientras buscaban un nuevo cantante principal. La banda resultante, de
ocho miembros, asumió el nombre de Yes, y el álbum 'Union' (1991) se armó a
partir de varias piezas de un segundo álbum de ABWH en proceso, así como de
grabaciones en las que Yes había estado trabajando, sin Anderson. Siguió una
gira exitosa, pero la formación de ocho miembros de Yes nunca grabó un álbum
completo juntos antes de separarse en 1992. Aunque siguieron muchos más cambios
de personal, Anderson permanecería con la banda hasta 2004. La formación
'90125' grabó un álbum más en 1994 titulado 'Talk'. La formación 'clásica'
(Anderson, Squire, Wakeman, Howe, White) se reformó con 'Keys To Ascension'
(1996) y Keys to Ascension 2 (1997). Wakeman fue reemplazado por Igor
Khoroshev, quien apareció en 'Open Your Eyes' (1997) y 'The Ladder' (1999)
junto con el guitarrista Billy Sherwood. El álbum 'Magnification', lanzado en
2001, fue el segundo álbum que Yes grabó con una orquesta; el primero fue 'A
Time And A Word' en 1970. En 2002, Rick Wakeman regresó a la banda para
celebrar su 35° aniversario con una gran gira mundial. La banda dejó de hacer
giras en 2004, en parte debido a problemas de salud relacionados con Anderson y
Wakeman.
Estilo vocal y lírico
Es un error muy extendido pensar que Jon Anderson canta en
falsete, una técnica vocal que produce notas altas y etéreas de forma
artificial utilizando únicamente los bordes ligamentosos de las cuerdas
vocales; sin embargo, Jon Anderson no canta en falsete. Su voz normal al cantar
(y al hablar) está naturalmente por encima del rango de tenor. En una
entrevista de 2008 con el Pittsburgh Post-Gazette, Jon afirmó: "Soy un
tenor alto y puedo cantar ciertas notas altas, pero nunca podría cantar en
falsete, así que salgo y las llevo a lo alto". También es conocido por
cantar con su acento original de Lancaster.
Anderson también es responsable de la mayoría de las letras
y conceptos de temática mística que forman parte de muchos lanzamientos de Yes.
Estos elementos son componentes cruciales del sonido clásico de Yes. Las letras
se inspiran con frecuencia en varios libros que Anderson ha disfrutado, desde
'Guerra y paz' de Tolstoi
hasta 'Siddhartha' de Hermann Hesse. Una nota a pie de página en 'Autobiografía
de un yogui' de Paramahansa Yogananda inspiró un álbum
doble completo 'Tales from Topographic Oceans' (1973). Los temas recurrentes
incluyen el ecologismo, el pacifismo y el culto al sol.
Fuera de Yes...
En 1970, Anderson apareció como cantante invitado en el
álbum 'Lizard' de King Crimson, en la canción Prince Rupert Awakes. La melodía
estaba fuera del alcance del entonces vocalista del grupo, Gordon Haskell.
En septiembre de 1975 Anderson apareció en el álbum de
Vangelis 'Heaven and Hell'.
En 1979, Anderson compuso la banda sonora del ballet
Ursprung, que formaba parte de un conjunto de tres obras de danza tituladas
colectivamente Underground Rumours, que fue encargado e interpretado por el
Scottish Ballet. El coreógrafo fue Royston Maldoom, el diseñador de vestuario y
escenografía fue Graham Bowers y el diseñador de iluminación fue David Hersey.
Los bailarines principales fueron Andrea Durant y Paul Russell.
A principios de 1980, cuando Anderson y Wakeman dejaron Yes,
Jon Anderson comenzó a grabar de nuevo con Vangelis y, en el verano de 1980,
Jon y Vangelis habían publicado "Short Stories", seguido en noviembre
por el álbum en solitario de Jon "Song of Seven" y una importante gira
por el Reino Unido con The New Life Band. Jon grabaría cuatro álbumes
celebrados con el ganador del Oscar Vangelis, cada uno de los cuales vendió más
de un millón de copias en todo el mundo.
En 1981, Anderson apareció en el álbum conceptual de Rick
Wakeman '1984'.
En 1982, Anderson lanzó el álbum Animation, en el que
participaron Jack Bruce, David Sancious y Simon Phillips. Luego siguió una gira
importante que incluyó una transmisión radial en vivo de alto perfil en King
Biscuit Flower Hour.
En 1983, Anderson apareció en In High Places de Mike
Oldfield, del álbum 'Crises', así como en otra canción llamada Shine (en 2010,
la voz de Jon de "In High Places" se sampleó en la canción "Dark
Fantasy" de Kanye West de su CD 'My Beautiful Dark Twisted Fantasy'). En
1983, Anderson también apareció en el álbum 'Outbound' de Bela Fleck and the
Flecktones, en el que también participó Adrian Belew.
En 1984, Anderson apareció en la canción Cage Of Freedom de
la banda sonora de 1984 de una reedición de la película muda de Fritz Lang 'Metropolis'.
En 1985, la canción de Anderson This Time it Was Really
Right apareció en la banda sonora de la película St. Elmo's Fire. También cantó
Silver Train y Christie en la banda sonora de la película Scream for Help.
Junto con Tangerine Dream, Anderson apareció en la canción Loved by the Sun
para la película Legend dirigida por Ridley Scott. Jon también lanzó el álbum
navideño aclamado por la crítica Three Ships ese año (reeditado en 2007 con
pistas adicionales).
La película de 1986 'Biggles: Adventures in Time' presenta
una canción cantada por Anderson.
En 1987 Anderson cantó Moonlight Desires en el álbum de
Gowan 'Great Dirty World'.
En 1988 Anderson lanzó el CD 'In the City Of Angels' y cantó
la canción Stop Loving You en el álbum de Toto 'The Seventh One'.
En 1992, Anderson apareció en el álbum de Kitaro 'Dream',
añadiendo letras y voces a tres canciones: Lady of Dreams, Island of Life y
Agreement. Jon realizó una gira por el lejano oriente y los EE. UU. con Kitaro
en 1992.
En 1993, Anderson apareció en la canción Along The Amazon,
que coescribió para el álbum homónimo del guitarrista Charlie Bisharat.
En 1994, Anderson publicó dos álbumes: 'Deseo' y 'Change We
Must'. También cantó en el videojuego infantil Tuneland de 7th Level.
En 1995 Anderson lanzó 'Angel's Embrace', su primer CD
compuesto principalmente de música instrumental ambiental y de meditación.
En 1996 Anderson lanzó el CD 'Toltec'; un álbum compuesto
por 13 temas divididos en tres partes que cuenta la historia de los Toltecas,
un concepto nativo americano de un grupo de personas que han estado por toda la
tierra, existiendo dentro de diferentes culturas a lo largo de los siglos.
En 1997 Jon lanzó dos álbumes: 'The Promise Ring', un CD de
canciones de inspiración celta, y 'Earth Mother Earth', un trabajo grabado en
el estudio casero de Anderson, donde toca la mayoría de los instrumentos y está
acompañado en la voz por su esposa Jane.
En 1998 Anderson lanzó 'The More You Know'; una exploración
de su música más comercial.
En 1999, Anderson apareció en la canción The Only Thing I
Need de Act 4Him; fue grabada para un álbum multigrupo llamado 'Streams'.
En 2004, Anderson actuó con la Orquesta Juvenil
Contemporánea de Cleveland. El concierto fue grabado, pero sólo se publicó para
los miembros de la orquesta.
En 2005, Anderson se embarcó en una serie de exitosas giras
en solitario. Ese mismo año se publicó el DVD en directo Tour of The Universe.
En 2006, Anderson apareció con la Orquesta Transiberiana
(East Coast Troupe) durante dos espectáculos el 16 de diciembre en Filadelfia,
Pensilvania, para tocar Roundabout.
En 2007, Anderson colaboró con
su voz en el álbum Culture of Ascent del grupo de rock progresivo
estadounidense Glass Hammer y apareció como parte de un conjunto vocal en la
canción Repentance del álbum Systematic Chaos de Dream Theater. En 2007,
Anderson realizó una gira por los Estados Unidos e Inglaterra con The Paul
Green School of Rock Music.
En 2008, Anderson apareció en la canción Sadness of Flowing,
que coescribió para el álbum 'Namah' de Peter Machajdik. Hizo contribuciones
similares en una remasterización del álbum 'ZKG' de Tommy Zvoncheck. Una de las
pasiones de Jon Anderson es la pintura y utiliza su arte como un canal más para
su creatividad y expresión personal. Su obra de arte está disponible para ver
en su sitio web oficial.
A lo largo de 2009 y 2010, Jon Anderson realizó una gira en
solitario por Estados Unidos y Europa, y en 2010 realizó una gira por el Reino
Unido con su ex compañero de la banda Yes, Rick Wakeman. Anderson y Wakeman
lanzaron el álbum aclamado por la crítica 'The Living Tree' en 2010 en
Voiceprint Records / Gonzo MultiMedia, Reino Unido. El 24 de mayo de 2010, Jon
compartió el escenario con la Cleveland Contemporary Youth Orchestra de 112
miembros y el coro de estudiantes de 60 miembros. El concierto fue filmado y
mostrado en HDNet.
En la primavera y el verano de 2011, Anderson realizó una
gira por el noreste de los Estados Unidos con un público repleto; la gira fue
un gran éxito. El 14 de junio de 2011 marcó el lanzamiento oficial del nuevo
álbum de Jon Anderson, 'Survival & Other Stories', en Voiceprint Records /
Gonzo MultiMedia. El álbum recibió excelentes críticas de críticos y fans de
todo el mundo, además de una importante difusión en radio. Dos nuevas canciones
escritas por Jon, con música de Michael Mollure, tituladas "The Highest
Pass" y "Waking Up" fueron incluidas en la película "The
Highest Pass" estrenada en agosto de 2011. En el otoño de 2011, Jon
Anderson y Rick Wakeman se reunieron para una gira por el noreste de los EE.
UU. y algunas fechas en Canadá. Una vez más, la gira fue un gran éxito entre
los asistentes a los conciertos y la prensa musical. Actualmente se están
preparando planes para más fechas en los EE. UU. y el Reino Unido en apoyo del
reciente lanzamiento del CD "Anderson / Wakeman - The Living Tree In
Concert Part One" (que presenta temas en vivo de la gira del dúo por el
Reino Unido en 2010) en Gonzo MultiMedia, Reino Unido.
El 25 de octubre de 2011, el 67.º cumpleaños de Jon
Anderson, se lanzó digitalmente su última obra maestra musical, una obra de 21
minutos titulada "OPEN". OPEN es un regreso a la composición de larga
duración por la que Jon Anderson es más conocido ("Close To The
Edge", "Gates of Delirium", Revealing y "Awaken"), un
emocionante viaje musical de 21 minutos; un esfuerzo pionero que entrelaza
temas melódicos y armónicos intrincados dentro de un marco de música clásica,
al tiempo que muestra la voz icónica de Anderson y sus melodías atemporales. En
muchos sentidos, OPEN es un regreso a las raíces musicales de Jon Anderson, ya
que la música de Yes fluye continuamente por sus venas, lo que hace que sea
natural volver a escucharla de vez en cuando. Junto con la maravillosa
orquestación de su vecino y buen amigo Stefan Podell, en OPEN se exploran más a
fondo los mensajes de paz, amor, luz y libertad, lo que hace que escucharla sea
una experiencia edificante y alegre.
De 2016 a 2018, Jon Anderson unió fuerzas con sus ex colegas
de Yes Rick Wakeman y Trevor Rabin para realizar una gira por los EE. UU. y
Europa, primero como "Anderson, Rabin y Wakeman" (ARW) y luego como
"Yes Featuring ARW".
En 2019, Jon lanzó un álbum en solitario titulado '1000
Hands: Chapter One' de forma limitada, seguido de un lanzamiento más amplio en
2020. El álbum incluía música originaria de las sesiones de principios de los
90 junto con material recién escrito y grabado, interpretado por un elenco de
músicos estelares. Una gira por los EE. UU. con '1000 Hands Band' siguió al
lanzamiento inicial.
Durante 2021-22, Jon se mantuvo ocupado interpretando música
de Yes en vivo durante la gira con The Paul Green Rock Academy Band, un
conjunto de jóvenes músicos de entre 10 y 18 años.
En 2023, Jon salió de gira por los EE. UU. con The Band
Geeks para su aclamado "Yes Epics & Classics Tour".
En 2024, Jon y The Band Geeks grabaron su primer álbum,
"True", y se embarcaron en una segunda gira por Estados Unidos.
Sitio web oficial de Jon Anderson: www.JonAnderson.com
Rafael Álvarez Ovalle nació en San Juan Comalapa, Guatemala,
el 24 de octubre de 1858, y murió en la Ciudad de Guatemala, Guatemala, el 26
de diciembre de 1946. Compositor, flautista, guitarrista, pianista y violinista.
El sitio www.congreso.gob.gt
publicó este recordatorio firmado por José Castellanos.
RENDIMOS HOMENAJE AL AUTOR DE LA MÚSICA DEL HIMNO
Viernes, 08 de septiembre de 2023
San Juan Comalapa, municipio de Chimaltenango, conocido como
“La Florencia de las Américas”, es un lugar netamente agrícola y en donde
prevalece el arte, la cultura y riqueza natural; también es la tierra que vio
nacer a ilustres artistas como al maestro Rafael Álvarez Ovalle, autor de la
música del Himno Nacional de Guatemala.
Ahora, por la conmemoración del 202 aniversario de la
Emancipación Política de la República de Guatemala, el 15 de septiembre,
enaltecemos a esta tierra ungida que fue la cuna del compositor de la música de
nuestro Himno, considerado uno de los más hermosos del planeta, el cual fue
cantado por primera vez, de forma oficial en 1897, hace exactamente 132
años.
El municipio se fundó en 1524, tiene un área territorial de
76 kilómetros cuadrados y se encuentra en los altos de Guatemala, ubicado en la
Región Norte del país y se encuentra a 80 kilómetros de la ciudad de Guatemala.
San Juan Comalapa, también destaca por su gente, un pueblo maya de hablantes
del idioma Kaqchikel, con un 47 por ciento son mujeres y 53 hombres; con el
pasar del tiempo, su población, en su mayoría son comerciantes.
Comalapa se caracteriza por su clima templado, sus muros muy
coloridos, los atractivos turísticos, de gran producción agrícola y es un lugar
místico en su patrimonio cultural y natural, el municipio ha sufrido daños
severos por el terremoto de Guatemala de 1976, pero su gente ha sabido salir
adelante ya en la actualidad es un pueblo desarrollado y de crecimiento local
económico.
El máximo representante de “La Florencia de las Américas” es
el insigne maestro Rafael Álvarez Ovalle, autor y compositor de la música del
Himno Nacional de Guatemala, que, el 15 de septiembre de 1911, el presidente
Manuel Estrada Cabrera, le rindió un homenaje la composición de la música del
Himno de Guatemala y fue condecorado con la Medalla de Oro.
Rafael Álvarez Ovalle nació el 24 de octubre de 1858, su
padre fue Rosendo Álvarez e Ildefonsa Ovalle. Fue su progenitora quien le
enseñó a temprana edad el arte de la música, siendo joven se ocupó por escribir
partituras de himnos, valses, sones, mazurcas, música religiosa y aprendió a
tocar instrumentos musicales.
William Rodríguez, presidente del Centro de Promoción
Cultural y Deportivo “Rafael Álvarez Ovalle”, narró que el maestro Rafael
Ovalle se inspiró y ejecutó con un manejo implacable varios instrumentos de
música como la flauta, el piano, la guitarra y el violín, y contaba con un oído
pernicioso para la composición musical; es un personaje icónico y memorable,
fue reconocido en su época por sus grandes éxitos y dotes musicales y a lo
largo de sus 88 años de edad, y en la actualidad es muy recordado.
Agregó que el padre del maestro Ovalle don Rosendo Álvarez
tuvo que trasladarse por motivos de trabajo y se fue con su familia a vivir al
municipio de Santa Lucía Cotzumalguapa, Escuintla, dejo vendida su casa, y en
1874 falleció don Rosendo y a los 12 años de edad Rafael Álvarez, lo sustituyó
en el cargo de director de la escuela de música de Santa Lucía, contrajo
matrimonio con Anita Minera de García, con quien procreó ocho hijos. El maestro
murió en la ciudad de Guatemala el 26 de diciembre de 1946.
Destacó que en 1960 el Presidente de la República, el
General Miguel Ydígoras Fuentes, le tenía mucho cariño a Comalapa, recibió una
solicitud de vecinos para organizar una Casa Cultural en Comalapa, para comprar
la casa donde nació Álvarez Ovalle, el mandatario ordenó la compró de la casa
donde nació el maestro Ovalle, la casa fue vendida por Q3 mil 400, se compró el
20 de febrero de 1961.
En la actualidad el inmueble se resguarda 718 obras
musicales, una urna donde descansan los restos del maestro Rafael Álvarez
Ovalle, hay un museo de sus obras, hay instrumentos musicales como un piano, un
violonchelo, una guitarra, libros, sombreros, trajes, muebles y colecciones
propiedad de del maestro Rafael Álvarez Ovalle.
Como todos los cantos patrios del continente, el Himno de
Guatemala ha pasado por vicisitudes adversas después de intentos infructuosos
de ser modificada su versión original. En 1887 las autoridades de ese entonces
convocaron a un concurso más y en el certamen participaron distinguidos
compositores y el triunfo fue adjudicado a la música original del maestro
Ovalle y con esa música se cantó el “Himno Popular” durante nueve años.
El artista guatemalteco Rafael Álvarez Ovalle, fue autor de
más de 200 composiciones musicales, entre otras obras musicales conocidas está
La Tuna (Pasodoble) O salutaris, Mis Tataranietos, Marcha Fúnebre “El
Nazareno”, entre otras.
La Casa de la Cultura se ubica en la 1 avenida 1-19 zona 3
de San Juan Comalapa, la primera casa del maestro Ovalle, en su interior
funciona un museo, donde se exhiben ropa, sombreros, libros y 718 obras
musicales del autor del Himno Nacional; cada año el 24 de octubre, por el
natalicio del célebre guatemalteco, realiza desfile de bandas escolares a nivel
nacional y participan de otros países.
San Juan Comalapa también es la tierra del célebre artista
Andrés Curruchich Cúmez, quien fue un primer pintor primitivista y del arte
popular o naif de Guatemala, que con su gran talento ha plasmado diversos
retratos de la vida cotidiana de la comunidad con sus importantes obras, que
datan a mediados del siglo XX.
Así es San Juan Comalapa, tierra bendita por Dios, donde el
desarrollo comunitario y económico también se basa en la producen lechugas de
variedad como colochas, mantequillas, entre otras esto es por medio del método
Hidropónica.
Por: José Castellanos
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con
En Marcha, en la versión de Dennis Tuquer.
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