domingo, 3 de mayo de 2015

Georges Moustaki



Giuseppe Mustacchi, más conocido como Georges Moustaki, nació en Alejandría, Egipto, el 3 de mayo de 1934 y murió en Niza, Francia, el 23 de mayo de 2013. Músico multi instrumentista y cantautor. 

El sitio www.mcnbiografias.com publicó este recordatorio

Moustaki, Georges (1934-2013) Cantautor griego nacionalizado francés,  nacido en Alejandría el 3 de mayo de 1934 y fallecido en Niza el 23 de mayo de 2013.

Georges Moustaki, nacido Yussef Mustacchi, era hijo de padres griegos instalados en Egipto. Su padre era librero y su madre ama de casa. Estudió en el Liceo Francés de Alejandría y su interés por la cultura francesa le llevó a trasladarse a París tras finalizar el bachillerato en 1951. 

Desde muy joven compaginó su trabajo como vendedor de libros a domicilio con sus actuaciones en locales. En Bruselas se le pudo escuchar en el cabaret La Rose Noire, donde presentó sus primeras canciones: Eden Blues, Le bar des cinq parties du monde, junto a temas de Léo Ferré (Le parvenu) y Georges Brassens (Putain de toi). 


Años más tarde regresó a París y allí pudo cantar en el local llamado L´Echelle de Jacob, cuya estrella de aquellos días era el célebre Jacques Brel, así como en la Colombe, en la Boîte à Chansons y el Collège Inn, tres locales de moda en el París de la década de los años cincuenta.

Fue aumentando su repertorio con los temas Gardez vos rêves y Les orteils au soleil entre otros. En esa misma década conoce a uno de sus ídolos musicales de su juventud, Henri Salvador, que pondrá música a uno de sus temas (Il n´y a plus d´amandes) y al guitarrista Henri Crolla, primo de Django Reinhardt, que será quien le presente a Edith Piaf.

Tras escucharle, la famosa cantante le pidió que escribiera canciones para ella. En 1958, Piaf grabó Eden Blues, Les orgues de barbaire y Le gitan et la fille. Más tarde Moustaki, mientras vivía un apasionado romance con la gran dama de la canción francesa, escribió para ella la letra del famoso tema Milord, con música de Marguerite Monnot. 
  
Muy pronto otros cantantes siguieron el ejemplo de Edith Piaf y quisieron que Moustaki compusiera para ellos. Tal fue el caso de Dalida (La fille aux pieds nus), Yves Montand (De Shanghaï à Bangkok), Juliette Gréco (Madame) o Barbara (Vous entendrez parler de lui), con quien mantuvo una gran amistad y junto a la qué cantaría posteriormente en numerosas ocasiones La longue dame brune, escrita para ella en 1967.


Su carrera discográfica dio comienzo en 1960 al realizar una grabación bajo el nombre artístico de Eddie Salem, son orchestre et ses chanteurs arabes. Las canciones incluidas en el disco poseían matices egipcios, griegos y orientales. 

A finales de la década de los sesenta el actor Serge Reggiani le pidió que compusiera diversos temas para él, ya que había decidido iniciar su carrera como cantante. Los temas de Moustaki Sarah, Ma liberté y Madame Nostalgie, entre otros, contribuyeron al éxito de Reggiani como cantante.

Pero hubo que esperar hasta 1969 para que Moustaki saltara a la fama también como intérprete gracias a la canción Le Métèque, que en principio fue lanzada al mercado en un single, pero que al año siguiente fue editada junto a otros temas en un LP que ganó el Prix de l´Académie Charles-Cros. 

Ese mismo año tuvo lugar su debut como cantante en la prestigiosa sala Bobino de París. Alllí grabó un disco en directo con canciones inéditas hasta el momento como La Pierre y Donne du rhum à ton homme. 

 
En 1971 protagonizó la película de Jacques Poitrenaud Mendiants et Orgueilleux, basada en una novela de Albert Cosseri y un año más tarde finalizó su álbum Danse, que incluía dos temas de su compatriota Mikis Theodorakis. 

También en 1972 realizó un viaje a Brasil para participar en el Festival Internacional de Música Popular de Río de Janeiro. Allí trabó amistad con el escritor Jorge Amado y con músicos como Elis Regina, Chico Buarque y Gilberto Gil, que le hicieron descubrir e interesarse por el lenguaje de la bossa nova. 

Fruto de este viaje es su álbum Declaration, en el que pueden escucharse claras influencias de la música brasileña. Entre 1975 y 1977 realizó giras por Japón, Alemania y Egipto, y más tarde, en 1979, actuó tres semanas en el Teatro Olympia de París.

Los inicios de la siguiente década le llevaron a unirse al grupo holandés Flairk, con los que grabó el disco Moustaki & Flairk en 1982. Después viajó a la isla de Reunión para participar en el Festival del Océano Índico y en 1985 obtuvo la nacionalidad francesa. 

Al año siguiente dejó de grabar con la compañía Polydor para pasar a hacerlo con Blue Silver, que acogió su nuevo disco Joujou. El álbum era producto de su colaboración con Maxime le Forestier, con el cantante español Paco Ibáñez, así como con los acordeonistas Joe Rossi y Richard Galliano.
 
 
En 1988 editó un álbum doble grabado en vivo en el Théâtre Dejazet de París y un año más tarde publicó su libro de recuerdos Les Filles de la Mémoire, con prefacio de Jorge Amado.
 
En la década de los noventa tuvo lugar su primera y exitosa actuación en Varsovia, además de sus actuaciones en París, ciudad en cuya Isla de San Luis reside. El año 1992 fue de gran importancia para la carrera artística de Moustaki ya que, además de sacar al mercado su disco Méditerranéen, obtuvo el prestigioso Prix National de la Chanson de Francia. 

Además, diversas canciones de Moustaki han formado parte de bandas sonoras para el cine (La Fiancée du Pirate y Le Temps de Vivre son dos buenos ejemplos), obras de teatro (Les Caprices de Marianne) o programas de televisión.

En 2000 publicó su autobiografía titulada Fils du brouillard y fue nombrado embajador de la cultura de la paz por la UNESCO. En 2005 publicó Vagabound, una grabación con evidentes toques de música brasileña, de la que el músico francés reconoce su fascinación. 

En diciembre de ese mismo año, por su parte, publicó el libro Chaque instant est toute une vie, otro libro de memorias en el que, entre otras muchas vivencias, cuenta sus relaciones con Edith Piaf, Dalida, Barbara, Yves Montand o Henri Salvador.


Recordamos a Georges Moustaki, con dos grandes éxitos: Ma liberte y Les musiciens.





sábado, 2 de mayo de 2015

Ludwig van Beethoven, la Sonata para Violoncello y Piano Nº 3 en La mayor Op. 69.


La Sonata para Violoncello y Piano Nº 3 en La mayor Op. 69, de Ludwig van Beethoven fue compuesta en 1808, está dedicada al barón Ignaz von Gleichenstein, y fue interpretada por primera vez en marzo de 1809 por Nikolaus Kraft en violonchelo y Dorothea von Ertmann en piano.

A continuación, de Ludwig van Beethoven, la Sonata para Violoncello y Piano Nº 3 en La mayor Op. 69, en la interpretación de Jacqueline Du Pré en violonchelo y Daniel Barenboim en piano.

Giacomo Meyerbeer



Yaakov Liebmann Beer, más conocido como Giacomo Meyerbeer, nació en Tasdorf, Alemania, el 5 de septiembre de 1791 y murió en París, Francia, el 2 de mayo de 1864. Compositor 

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Giacomo Meyerbeer (O Jakob Liebmann Meyer Beer; Tasdorf, actual Alemania, 1791-París, 1864) Compositor alemán. 

La grand-opéra francesa, subgénero caracterizado por su temática histórica, gran aparato escénico y preeminencia coral y orquestal, tiene en Giacomo Meyerbeer a su representante más destacado. 

Antes de recalar en París, donde iba a conquistar sus mayores triunfos, este compositor había iniciado su carrera como músico dramático en su Alemania natal, con una serie de obras que no despertaron gran interés. 

Establecido en Italia desde 1816, allí compuso seis óperas en el estilo italiano, el éxito de la última de las cuales, Il crociato in Egitto (1824), le valió la posibilidad de estrenar París. 

Roberto el diablo (1831) significó su debut en la escena francesa, así como el inicio de su colaboración con el dramaturgo y libretista Eugène Scribe. Los hugonotes (1836) y El profeta (1849) le convirtieron en una celebridad mundial. Su última obra, La africana, fue estrenada póstumamente en 1865.


 
A continuación, de Giacomo Meyerbeer, el Quinteto para Clarinete y cuerda en Mi Bemol Mayor, en la versión de Dieter Klöcker en clarinete; Daniel Stabrawa y Christian Stadelmann en violines; Niethard Resa en viola, y Jan Diesselhorst en violoncello.


Alessandro Scarlatti


Alessandro Scarlatti nació en Palermo, Italia, el 2 de mayo de 1660 y murió en Nápoles, Italia, el 22 de octubre de 1725. Compositor.


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Alessandro Scarlatti (Palermo, actual Italia, 1660 - Nápoles, 1725) Compositor italiano. 

Padre de Domenico Scarlatti, su carrera como compositor tuvo como principal referente la ópera, género al que proporcionó más de sesenta títulos (sin contar su participación en numerosas obras de otros autores) que le convirtieron en el principal representante de la escuela operística napolitana, caracterizada por sus argumentos clásicos y su sucesión de recitativos secos y arias da capo. 

Siendo todavía muy niño se estableció con su familia en Roma, donde inició los estudios musicales. En esta ciudad se dio a conocer en 1679 con la ópera Gli equivoci nel sembiante. Tras este primer período romano (en el que, desde 1680, sirvió como maestro de capilla de la reina Cristina de Suecia), en 1684 Scarlatti se trasladó a Nápoles, ciudad en la cual se estableció al servicio del virrey, salvo estancias más o menos largas en Florencia y Roma. 

Así, en 1702, partió a Florencia con la idea de obtener la protección del gran duque Fernando de Médicis, que no consiguió; aceptó posteriormente el cargo de maestro auxiliar de capilla de Santa María la Mayor en Roma (1707), pero regresó a Nápoles después de que el Papa ordenara el cierre de los teatros por razones morales. 

Tras ello prácticamente permaneció en Nápoles hasta el fin de sus días, dedicado a la composición y a la enseñanza. Los melodramas que escribió a partir de 1708, la mayoría para el teatro de San Bartolomeo, señalan posiblemente la fase más afortunada de su carrera artística. 

Alessandro Scarlatti poseía una inspiración fácil y abundante; además de numerosas cantatas y serenatas destinadas a las fiestas de la corte napolitana y otras solemnidades, compuso multitud de óperas para los escenarios de Roma y Nápoles. Gli equivoci nel sembiante (1679), La Rosaura (1690), Il Pirro e Demetrio (1694), Il Mitridate Eupatore (1707), La principessa fedele (1710), Il Tigrane (1715), Il trionfo dell’onore (1718) y La Griselda (1721) son algunos de sus trabajos para la escena. 

Autor prolífico, cultivó también el oratorio y la música instrumental, igualmente con admirables resultados. De entre sus páginas de música sacra son dignas de mención la Misa Clementina I y una Messa (en mi menor) para el cardenal Ottoboni. En la Navidad de 1707 compuso en Roma la bella Messa (en la mayor), con acompañamiento de dos violines y bajo continuo. De 1722 es el salmo Memento Domine David, compuesto al parecer tras una visita al santuario de Loreto.


A continuación, de Alessandro Scarlatti, La Folia, en la versión de Beatrice Martin, en clave.



viernes, 1 de mayo de 2015

Homenaje a Ben Molar


En Siempre Argentina Conexión Español, le rendimos un homenaje al recientemente fallecido Ben Molar. Junto a Fernando Iranzi, conversamos con Ruben Brener.

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Diego Rodríguez - Pablo Abarca


 
Ben Molar nació en Buenos Aires, el 3 de octubre de 1915 y murió en su ciudad, el 25 de abril de 2015. Autor, compositor, productor musical, promotor artístico, y creador del Día Nacional del Tango.



Aniversario del estreno de la ópera Las bodas de Fígaro, de Wolfgang Amadeus Mozart


Las bodas de Fígaro, o Le nozze di Figaro, es una ópera bufa en cuatro actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en italiano de Lorenzo da Ponte, basado en la pieza de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais, Le mariage de Figaro.

Fue el propio Mozart quien le sugirió el tema a Lorenzo Da Ponte, y este le entregó el libreto terminado en julio de 1785. La ópera se estrenó en Viena, el 1 de mayo de 1786, bajo la dirección del mismo compositor.

El Emperador José II de Habsburgo concedió la licencia para representarla como ópera, a pesar de estar prohibida como obra de teatro. Da Ponte y Mozart redujeron a cuatro los cinco actos del original y transformaron la historia, evitando las alusiones sociales y políticas que podían ser problemáticas; en su lugar, profundizaron en la caracterización de los personajes.

Las bodas de Fígaro está considerada como una de las mejores creaciones de Mozart y una de las óperas más importantes de la historia de la música. 

 
A continuación, de Wolfgang Amadeus Mozart, la ópera en cuatro actos Las bodas de Fígaro, en la versión de Hermann Prey como Fígaro; Mirella Freni en el papel de Susanna; Diertrich Fischer-Dieskau como el Conde de Almaviva; Kiri Te Kanawa como la Condesa de Almaviva, y María Ewing en el rol de Cherubino, junto al Coro y la Orquesta Filarmónica de Viena, todos dirigidos por Karl Bhöm.




La acción se desarrolla en Sevilla, España, en el palacio del Conde y la Condesa Almaviva, a fines del siglo XVIII.

Acto I

Susanna y Fígaro están preparando su boda (Duettino: Cinque, dieci...), y él arregla la habitación que el conde les ha regalado para quedarse con Susanna pero Fígaro cree que es porque él le consiguió a Rosina hace muchos años, (Duettino con recitativo: Se a caso madama la notte ti chiama), ella se encuentra perturbada: el Conde quiere tomar a Susanna antes que su esposo volviendo a un derecho que él mismo abolió, y se lo ha hecho saber por medio del maestro de música, Don Basilio. Así se inicia la acción: Fígaro decide ponerse en guardia contra el Conde de Almaviva (Cavatina: Se vuol ballare signor Contino), que es la parte más importante de la opera, de quien fuera cómplice para conquistar a Rosina, ahora Condesa de Almaviva. Mientras tanto Marcellina, el ama de llaves del palacio, y Don Bartolo, el doctor en leyes, planean casar a la dama con Fígaro, en cumplimiento a un contrato hecho tiempo atrás. Él la ayudará, como venganza por su Rosina perdida (Aria: La vendetta). Luego ambos enfrentan a Susanna, saliendo Marcellina herida en su orgullo: su edad era mucho mayor que la de Susana (Duetto: Via resti servita). Aparece luego el paje Cherubino, quien está huyendo del Conde de Almaviva, el cuál quiere castigarlo por haber hallado al paje con una de sus vasallas favoritas, Barbarina, y es perseguido por Don Basilio. Le cuenta a Susanna su confusión amorosa (Aria: Non so più cosa son cosa faccio). Entra el Conde de Almaviva, quien le da una moneda a Susanna pero luego escuchan una voz que es Don Basilio, el maestro de música, quien enreda la situación al revelar que el Paje mira a la Condesa en una forma especial. El conde de Almaviva, que se había escondido, sale enfurecido, y decide desterrar a Cherubino (Trío: Cosa sento!). El Conde de Almaviva explica lo de Barbarina y el paje, y al mostrar cómo lo encontró, lo descubre ahora escondido en la cama que les dio el Conde de Almaviva a Susanna y a Figaro. El Conde de Almaviva le dice a Don Basilio que le avise a Fígaro, pero Susanna amenaza con mostrar la moneda de oro que el conde de Almaviva le dio en su oferta amorosa y entonces el Conde de Almaviva le dice a don Basilio que no vaya. Entra Fígaro con el velo de Susanna en la mano y con los jóvenes del pueblo a pedir permiso para su boda (Coro: Giovani liete), el conde de Almaviva posterga la boda de mala gana y manda a Cherubino a sevilla, y le dice a Cherubino que abrace a Susanna antes de irse y entonces Cherubino la abraza pero Figaro le dice que el tiene algo que decir antes de que se vaya (Non più andrai farfallone amoroso) y el acto termina mientras Susanna le enseña la moneda a Fígaro.

Acto II

La condesa lamenta las infidelidades de su esposo, Porgi, amor, qualche ristoro (Dame, amor, algún remedio). Llega Susanna y le dice que le cuente lo que ha pasado. La condesa le dice a Susanna que vaya por Fígaro. Fígaro sugiere que vistan a Cherubino de chica para burlar al conde, y la condesa le pregunta a Susanna que qué le parece; Susanna le responde que no está mal. Sale Fígaro por Cherubino, quien está vestido de oficial. A instancias de Susana canta a la condesa su amor, Voi che sapete che cosa è amor (Vos que sabéis qué es el amor). La condesa y Susanna le disfrazan de mujer, y citan al conde a una entrevista con Susanna, a la que en realidad asistirá Cherubino, Susanna ve que Cherubino trae una venda en el brazo y la condesa de Almaviva le pregunta que qué ha pasado. Luego Susanna se va probar su vestido de boda a su cuarto y después de que ella se va aparece el conde de Almaviva, y Cherubino se tiene que encerrar en una habitación. El conde de Almaviva pregunta a la condesa de Almaviva con quien hablaba y ésta le dice que era Susanna que se fue a probar su vestido de boda a su cuarto. La condesa y el conde escuchan un ruido que Cherubino hizo y el conde intenta derribar la puerta. Mientras, Susanna, también escondida, aprovecha que el conde y la condesa se ausentan en busca de una llave maestra, ayuda a salir de la habitación a Cherubino que se lanza por la ventana rompiendo una maceta del jardinero Antonio y Susanna se pone en el lugar de Cherubino. Finalmente, la condesa confiesa al conde que es Cherubino quien está ahí, pero al abrir la puerta, aparece Susanna, y tanto la condesa como el conde se quedan muy sorprendidos. Entonces, la condesa, reponiéndose, le dice que fue una artimaña para poner celoso al conde pero ahora la condesa de Almaviva esta sentimental y el conde de Almaviva le dice a Susanna que lo ayude a calmarla y luego ya se calma. Entra Fígaro buscando a Susanna, la condesa y al conde para ir a celebrar la boda pero el conde le pide paciencia, ya que quiere interrogarle. Entra el jardinero, Antonio, quejándose de que alguien rompió sus macetas al saltar de una ventana. Fígaro dice que fue él el que saltó pero el conde le dice que por qué salto y figaro le dice que porque se asusto y el conde le dice que por que´se asusto y figaro le dice que porque estaba esperando a Susanna pero escucho un ruido y se asusto y salto y se lastimo el pie, pero Antonio muestra un papel que perdió el que saltó por la ventana, que resulta ser las credenciales de Cherubino como oficial. Fígaro dice que Cherubino se lo había dado porque faltaba un sello, pero el conde no queda convencido con la explicación. En ese mismo momento, aparece Don Bartolo, Marcellina y don Basilio de nuevo, que reclaman al conde el cumplimiento de su demanda: la boda de la señora con Fígaro.

Acto III

El conde reflexiona sobre la situación confundido por los eventos precedentes ("Che imbarazzo è mai questo"). Incitada por la condesa, Susanna entra en escena y acuerda ver al conde más tarde esa noche, aunque en realidad es la misma condesa la que planea encontrarse con el conde disfrazada de Susana. Cuando Susana sale, el conde la escucha decir a Fígaro que ya ha ganado el caso (Hai giá vinta la causa). Dándose cuenta de que ha sido engañado, decide vengarse de Fígaro haciéndole casarse con Marcelina o pagar una gran cantidad de dinero.
El notario Don Curzio exige a Fígaro el cumplimiento del contrato con Marcellina (É decisa la lite), o pagarle una gran suma de dinero, pero como éste no tiene, le obliga a casarse con ella. Fígaro se excusa diciendo que él es de familia noble, y que no puede casarse sin una autorización de sus padres desconocidos, porque le robaron de pequeño unos bandidos, y los espera encontrar en 10 años. Como prueba de esta nobleza, dice que tiene una señal en su brazo, que Marcelina y don Bartolo reconocen. Marcelina dice que Fígaro es su hijo, que desapareció al poco de nacer, y que don Bartolo es su padre y que figaro se llama rafaelo, pero figaro se puso figaro porque él no sabía que se llamaba rafaelo, así que ya no tiene que casarse con ella ("Riconosci in questo amplesso"). Cuando llega Susanna, y ve abrazados a Marcellina y Fígaro, le golpea en la cara, y Marcelina, junto con todos los demás, le explican la nueva situación.
La Condesa dicta a Susana una carta para el Conde de almaviva, para confundir a su marido ("Canzoneta sull'aria"). llegan al escritorio del conde de almaviva y la condesa de almaviva le da un alfier a susanna para que cierre la carta y le dice que le ponga atrás de la carta que tiene que ser devuelto el alfiler, mientras, entran un grupo de campesinas para ofrecerle flores a la Condesa de almaviva, entre las que se encuentra Cherubino vestido de mujer pero a la condesa y a susanna se les hace conocido cherubino y entonces la condesa le pregunta a barbarina, que también le esta ofreciendo flores, que quien es cherubino y barbarina le dice que es su prima que vino a la boda de susanna y figaro. Antonio, el jardinero, y el Conde descubren a cherubino. Luego llega figaro por las damas para la boda y por susanna, pero el conde de almaviva le dice a figaro que si va a bailar con el tobillo lastimado y figaro le dice que si que ya casi no le duele y luego el jardinero le enseña a cherubino.
Se celebra la boda entre Fígaro y Susanna y entre Don Bartolo y Marcelina, y durante el baile, Susana pasa al conde de almaviva la nota que escribió dictada por la Condesa de almaviva, fijando una cita para esa noche y cuando el conde de almaviva esta abriendo la carta se pica con el alfiler, y luego le dice a barbarina que le devuelva el alfiler a la bella susanna pero luego el jardinero le pega a barbarina y entonces barbarina pierde el alfiler. La aguja con la que está prendida la carta, debe ser devuelta, en señal de conformidad. El plan es que esa noche no se encuentre con Susanna o con Cherubino, sino que se encuentre con la Condesa de almaviva, así que ésta intercambia su ropa con Susanna.

Acto IV

Fígaro sorprende a Barbarina buscando la aguja que sellaba la carta, ya que el Conde de almaviva se la había dado a Barbarina para que se la diera a Susanna, y ésta la había perdido. Fígaro entonces sabe, por Barbarina, que Susanna se ha citado con el Conde porque barbarina le dijo a figaro que el conde le dijo a que le devolviera el alfiler a la bella susanna, pero ignora el plan. Enfadado, invita a don Bartolo y a don Basilio a ser testigos de esa cita (Recitativo ed Aria: "Tutto è disposto). Llegan la Condesa y Susana, con los trajes intercambiados, y se produce un encuentro complicado:
Cherubino, que había quedado con Barbarina, ve a la Condesa, que iba disfrazada de Susanna, e intenta besarla, pero en ese momento llega el Conde, y es él quien recibe el beso. Éste le responde con un bofetón, que recibe Fígaro, que se había acercado para ver qué pasaba. Cuando Cherubino y Fígaro se van ("Partito é al fin l'audace"), el Conde comienza a seducir a la Condesa, pensando siempre que es Susana, lo que enfurece a Fígaro, quien lanza un grito y asusta al Conde. Él y su esposa disfrazada salen hacia el bosque, dejando a Fígaro desolado. De repente aparece Susana, y Fígaro piensa que es la Condesa. Para vengarse del Conde, Fígaro comienza a cortejarla, aun cuando la reconoce por su voz, ("la volpe vuol sorprendermi") lo que hace que Susanna se enfurezca, ya que no se dio cuenta que había sido reconocida por su esposo, Fígaro. Cuando se da cuenta ("pace, pace, mio dolce tesoro"), la pareja se abraza y figaro le pone el zapato a susanna. Escuchan la voz del Conde, que entra buscando a Susana. Fígaro y Susana deciden entonces continuar con el plan de engañar al Conde, y Fígaro comienza a cortejar a la Condesa falsa, lo que enfurece al Conde, que confunde a Susanna con la Condesa. Llama auxilio (Finale: "Gente, gente, all'armi, all'armi") y aparecen don Bartolo y don Basilio, junto con Antonio y Marcellina. Todos juntos pide perdón al Conde, pero él se niega, hasta que aparece la Condesa, dejando a todos muy sorprendidos. El conde pide perdón a su esposa, por sus sospechas y por su mala conducta. La Condesa le perdona y acaba el acto con una alegre fiesta.

Hugo Alfvén



Hugo Emil Alfvén nació en Estocolmo, Suecia, 1 de mayo de 1872 y murió en Falun, Suecia, el 8 de mayo de 1960. Compositor, director de orquesta, violinista, pintor y escritor.

Estudio en el Conservatorio de Estocolmo entre 1887 y 1891 con el violín como instrumento principal, recibió lecciones privadas de composición por parte de Johan Lindegren, y se ganaba la vida tocando el violín en la Ópera Real de Estocolmo y en la Hovkapellet, la orquesta sueca de la corte.

Posteriormente estudió técnica del violín en Bruselas y aprendió dirección de orquesta en Dresde, fue violinista y profesor de composición del Conservatorio de Estocolmo, y en 1908 fue elegido miembro de la Academia Real de Música. 

A partir de 1910 fue director de música de la Universidad de Upsala, puesto que ocupó hasta 1939, y dirigió el coro estudiantil masculino Orphei Drängar, con el que viajó por Europa.

Alfvén es uno de los compositores más importantes de Suecia junto con Franz Berwald y Wilhelm Stenhammar. De temperamento romántico, notablemente influido por Wagner y Strauss, utilizó el folclore de su país introduciendo en sus rapsodias temas de danzas típicamente suecas. Sus sinfonías, de estructuración clásica, lo muestran como un hábil orquestador.

La producción musical de Hugo Emil Alfvén, es muy vasta y comprende obras para piano, música de cámara, oberturas, marchas; 5 Sinfonías, poemas sinfónicos, rapsodias suecas, melodías y lieder; 10 cantatas para solo, coro y orquesta; cantatas para coro de hombres y orquesta, y música para películas.


 
A continuación, de Hugo Alfvén, la Rapsodia Sueca Nº 1 Op.19, Midsommarvaka, en la versión de la Orquesta Sinfónica de Islandia, dirigida por Petri Sakari.




Novedades editoriales de mayo de Ediciones B



GALEANO. La biografía
Fabián Kovacic

“Aquella noche me di cuenta de que yo era un cazador de palabras. Para eso había nacido. Esa iba a ser mi manera de estar con los demás después de muerto y así no se iban a morir del todo las personas y las cosas que yo había querido.”
Así se definía Eduardo Galeano, y así eligen definirlo también las páginas de este libro. Cazar palabras como un modo de perpetuarse en los demás y también de retener en su vida las cosas y las personas más amadas.
Para Fabián Kovacic, periodista y autor de esta vigorosa semblanza de Eduardo Galeano, ha sido un medio y un fin. El fin es relatar la vida y la obra de una de las figuras más destacadas de la literatura latinoamericana, y a la vez es un medio porque su relato sirve para pintar otros paisajes: el del Uruguay de comienzos del siglo XX, que se despertaba por entonces al mundo en ebullición que había dejado la Segunda Guerra Mundial; los dramáticos cambios políticos y sociales en Latinoamérica a partir de la Revolución Cubana. Así, junto con Galeano, crece también, evoluciona y se explica ante los ojos del lector la vida cultural, política y económica del “país de la serena calma y los recuerdos amables”. En un constante intercambio entre fondo y foco, alternan aquí Galeano y la historia de América Latina, una dando forma siempre a la otra.
Un juego de cajas chinas de donde emerge la figura de un hombre político, de un periodista, de un escritor que ha entramado como pocos el transcurrir de una vida con la historia grande.
 
CASUAL MENTE
Martín Tetaz

El azar y la psicología en la economía, la política y muchas cosas más.
¿Hasta qué punto nuestros éxitos y fracasos dependen de factores aleatorios o se deben a nuestra capacidad y esfuerzo? ¿Cuánto pesa la casualidad en nuestras vidas? ¿Y en la economía? ¿En la política? ¿En los deportes? ¿Existe la suerte en el amor? ¿Sirven las cábalas? ¿Realmente existen las personas que son yeta o mufa?
Nuestro cerebro es una máquina de buscar regularidades y patrones, diseñada para ignorar el azar y reaccionar ante la más mínima tendencia, aunque esta sea en realidad una racha absolutamente fortuita. Como consecuencia de ello prejuzgamos, generalizamos y etiquetamos todo con voracidad sin pensar en el rol de la casualidad.
Coronamos campeones, votamos presidentes, abandonamos parejas y hacemos negocios confundiendo permanentemente el ruido con la señal. Cuando atravesamos una racha positiva devenimos en ganadores pero nos hundimos en pensamientos negativos cuando nos toca transitar episodios de mala fortuna.
Casual Mente es un apasionante viaje a las neurociencias del azar, que nos enseña a pensar estratégicamente y a tomar mejores decisiones en un mundo incierto donde los resultados muchas veces dependen de la suerte.
El economista Martín Tetaz nos muestra en estas páginas brillantes y provocadoras cómo el azar domina parte de nuestras vidas y qué hacemos los seres humanos –desde el origen de los tiempos- para sostener la ilusión de dominarlo

Presentación en la Feria del Libro de Buenos Aires el 8 de mayo a las 20.30hs. Sala A. Bioy Casares. Presenta Facundo Manes
 
100 VECES STONES
José Bellas & Fernando García

Historias argentinas de sus majestades satánicas.
Argentina y es imposible de formular en cualquier otro lugar del plane­ta. Porque ser stone, además de escucharlos y preferirlos por sobre Los Beatles o lo que fuera es solamente aquí, entre nosotros, una forma de parecer. 100 veces Stones es la historia, contada por muchas voces, de cómo el gusto por la música de Jagger y Richards terminó creando una subcultura que no tiene paralelo y cuya persistencia justificó desde formas de vestir, tocar rock y ocupar la ciudad hasta la multitudinaria llegada del grupo recién en los 90. José Bellas y Fernando García fueron iniciados en la secta stone entre fines de los 70 y principios de los 80 y ahora vuelven sobre sus pasos para escuchar en otras voces (Juanse, Bobby Flores, Diego Capusotto, entre tantos) la construcción de su propia obsesión. La lengua universal, el ícono más contundente de la historia del rock, y su dialecto: el nuestro.


EL PRÍNCIPE LESTAT
Anne Rice
Crónicas Vampíricas

El Príncipe Lestat representa el fascinante regreso de Anne Rice, reinventora del género vampírico. Una nueva y apasionante novela, una vuelta de tuerca en su cosmología vampírica, un thriller escalofriante e hipnótico.
El Príncipe Lestat arranca allí donde concluía Lestat el Vampiro hace más de un cuarto de siglo, para ofrecernos un nuevo mundo de espíritus y fuerzas oscuras a partir de los personajes, leyendas y tradiciones de las Crónicas Vampíricas.
El mundo de las criaturas de la noche está sumido en una crisis: los vampiros han proliferado sin control y ahora han empezado a producirse pavorosos incendios en todo el mundo. Algunos vampiros ancianos, despertados de su sueño bajo tierra, obedecen las órdenes de una Voz que los incita a quemar indiscriminadamente a los jóvenes no muertos, rebeldes que rondan por ciudades como París, Bombay, Hong Kong, Kyoto y San Francisco.
La novela se mueve desde el Nueva York y la Costa Oeste actuales hasta el antiguo Egipto, pasando por la Cartago del siglo IV, la Roma del siglo XV y la Venecia del Renacimiento. En ella, nos reencontramos con personajes inolvidables como Louis de Pointe du Lac; el eternamente joven Armand, cuyo rostro recuerda el de un ángel de Botticelli; Mekare y Maharet, Pandora y Flavius; David Talbot, vampiro y guardián del secreto de la Talamasca , y Marius, el auténtico Hijo de los Milenios, así como otras nuevas y seductoras criaturas, reunidas en esta descomunal, exuberante y ambiciosa novela, para averiguar quién o qué es la Voz , y descubrir qué pretende y por qué…
Y en el centro del libro, el vampiro peligroso y rebelde, la gran esperanza de los no muertos: el deslumbrante Príncipe Lestat.
El Príncipe Lestat ha tenido una extraordinaria acogida por parte de los lectores, que la han impulsado a los primeros puestos en las listas de best sellers estadounidenses.
Noche Vampírica en la Feria del Libro de Buenos Aires el 10 de mayo a las 19hs.Stand Ediciones B – Lanzamiento oficial, cosplay, performance y sorteos


MUÑECAS CHINAS
Lisa See

Un retrato fascinante de la vida como mujer estadounidense de origen chino en las décadas de 1930y 1940.
Lisa See, la aclamada autora de El abanico de seda, Dos chicas de Shangai y Sueños de felicidad (Bruguera, 2012) ha conseguido el reconocimiento mundial por su maestría a la hora de retratar las intrincadas relaciones entre mujeres, siempre marcadas por el hilo invisible del destino.
Pero nunca antes había ahondado en la amistad de tres mujeres. Ahora nos ofrece la fascinante historia de tres chicas de muy distinto origen que, entre 1938 y 1948, luchan juntas por cumplir sus sueños en el club más glamoroso de San Francisco, hasta que el ataque japonés de Pearl Harbor, tan lejos de ellas, pone en peligro sus ambiciones, y hasta sus vidas, cuando una traición inesperada lo cambia todo. 
 
LOS INOCENTES
David Baldacci

Will Robie hace preguntas y siempre agarra a su presa, pero quizá acaba de cometer el primer error de su carrera.
Una novela electrizante, en la que David Baldacci vuelve a demostrar por qué es uno de los autores más destacados del género de acción y suspense y sus libros siempre alcanzan los primeros puestos de las listas de best sellers estadounidenses.
David Baldacci es uno de los grandes nombres del género thriller contemporáneo; su obra ha sido traducida a treinta y cuatro idiomas y se publica en más de ochenta países.
 
PÁNICO
Lauren Oliver

La nueva novela de la autora de la saga best seller mundial Delirium y Si no despierto
Pánico comenzó como tantas otras cosas en Carp, un pueblo de doce mil habitantes en medio de la nada: porque era verano y no había nada más qué hacer.
Heather nunca pensó que competiría en Pánico, el legendario juego en que solo  participan estudiantes del último curso. Los riesgos son elevados y la recompensa lo es aún más. Pero cuando descubre algo y a alguien por los que vale la pena luchar, Heather se da cuenta de que es más valiente de lo que imaginó.
Dodge nunca ha tenido miedo de Pánico. Su secreto lo anima y conduce a lo largo de todo el juego; está seguro de que así será. Pero lo que no sabe es que él no es el único que guarda un secreto. Todos tienen algo por lo que jugar.
Para Heather y Dodge el juego traerá consigo nuevas alianzas, revelaciones inesperadas y la posibilidad del primer amor para ambos, y a la vez les hará comprender que a veces aquello que tememos es lo que más necesitamos.
 
AXEL
Club de fans
Una vida sencilla…y maravillosa 

El camino de Axel estuvo marcado por su pa­sión por la música desde pequeño, cuando, a la hora de la siesta, entretenía cantando a sus primas más grandes. Y aunque no todo le fue fácil, nunca pudo apartarse de ese camino.
Como una novela de aventuras, este recorri­do por la vida de Axel seguramente te lle­vará a admirarlo más. Y si quedara alguien que no lo conoce, es la mejor oportunidad para hacerlo.
Además, en estas páginas, sus fans de toda América Latina cuentan cómo conocieron a Axel. Y te desafiamos con tests para que demuestres qué tan fan eres.
 
TAYLOR SWIFT
Ronny Bloom

¡El libro más completo sobre la estrella favorita del rock actual!
¡La historia de Taylor Swift es una historia de ensueño! La niña mimada de la música country pasó de ser una estrella en este género a ser una estrella del rock, todo gracias a su empeño y su talento. Desde su debut con el sencillo «Tim McGraw», su carrera ha despegado vertiginosamente. Taylor es una chica súper popular: sus álbumes llegan al número uno, aparece como estrella invitada en diversas series de televisión y es protagonista de muchas portadas de revista. Y aquí te lo contamos todo, hasta en los más mínimos detalles, incluyendo la información más reciente… ¡y geniales fotos de la rubia preferida del rock!




Novedades editoriales de mayo, del Grupo Editorial Penguin Random House


El detalle de las novedades en el siguiente enlace:

 http://issuu.com/prensapenguinrandomhousege/docs/ne05_2015_baja_redes



jueves, 30 de abril de 2015

George Balanchine


Giorgi Melit'onis dze Balanchivadze, más conocido como George Balanchine, nació el 22 de enero de 1904 y murió el 30 de abril de 1983. Maestro de ballet y coreógrafo.

El sitio www.danzaballet.com publicó este recordatorio


Biografía de George Balanchine

Coreógrafo y bailarín estadounidense de origen ruso, nacido en San Petersburgo el 22 de enero de 1904.
Georgi Melitonovitch Balanchivadze, mejor conocido por su nombre artístico de George Balanchine fue “bautizado” así por Serguei Diaghilev al considerar que su apellido era muy difícil de pronunciar para un occidenta.

El pensamiento coreográfico de Balanchine es un crisol en donde se fusionaron distintas influencias que van desde el gran academicismo de Marius Petipa (1818-1910), pasando por la ruptura que instaura Mijail Fokine (1880-1942) hasta uno de los vanguardistas del ballet ruso de los años veinte: Kasyan Goleizovski (1892-1970).

Hijo del compositor Meliton Balanchivadze y María Nikolayevna Vassilyeva, ingresó en 1914 a la Escuela de Ballet de Petrogrado. (Luego conocida como la Escuela de Ballet del Teatro Maryinski). Fueron sus maestros, Pavel Gerdt (1844-1917) y Samuel Constantinovitch Andreyanov.

En 1921 se graduó con honores. Ese mismo año se incorporó al Cuerpo de Baile del Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet, compañía que primero fue conocida como el Ballet del Teatro Maryinski, posteriormente como el Ballet Kirov, ahora Ballet de San Petersburgo. Su primer obra se titula “La noche”, un pas de deux basado en una partitura de Anton Rubinstein creada alrededor de 1920.


En 1923, Balanchine y algunos de sus compañeros de generación fundan el Ballet Joven, una agrupación para la cual coreografió diversas obras, y que se disolvió rápidamente. En 1924 es autorizado a salir de la Unión Soviética para realizar una gira a Europa Occidental. En Londres es visto por Serguei Diaghilev (1872-1929), el trascendental fundador de los Ballets Rusos, quien lo invitó a audicionar para su ingreso a la compañía.


En 1925, Balanchine se integra a los Ballets Rusos. Si bien se destaca como bailarín sufre una lesión en la rodilla que lo obliga a concentrarse como coreógrafo. Como tal crea once coreografías: “El canto del ruiseñor” y “Barabau” (1925), “Romeo y Julieta”, “Jack in the box”, “El triunfo de Neptuno” y “La Pastoral” (1926), “La gata” (1927), “Apolo musageta” y “Los dioses mendigos” (1928), “Le Bal”, y “El hijo pródigo” (1929). Al desintegrarse los Ballet Rusos, Balanchine participa en varios proyectos y actúa junto al Ballet Real de Dinamarca, el Ballet de la Ópera de París, los Nuevos Ballets Rusos y los Ballets Rusos de Montecarlo.

En 1933 funda Les Ballets una agrupación de cortísima existencia. Para esta compañía crea seis obras, entre ellas el último trabajo conjunto de Kurt Weill (1900-1950) y Bertolt Brecht (1898-1956) titulado “Los siete pecados capitales de los pequeños burgueses” (1933), obra cuya trama ocurre en siete ciudades de Estados Unidos.

Ese mismo año –a los 29 años de edad-, acepta la invitación de Lincoln Kirstein (1907-96) de formar una gran compañía y academia de ballet en América. Así nace la School of American Ballet que inicia sus actividades en 1934. Ese mismo año realiza la coreografía “Serenata”. En 1935 crea el American Ballet que rápidamente se convierte en la compañía oficial de la Ópera Metropolitana. En la segunda mitad de la década del treinta Balanchine realiza diversos trabajos para Hollywood y Broadway.


En 1941, Balanchine y Kirstein fusionan temporalmente el Ballet Caravan (compañía que ya existía desde 1936) con el American Ballet resultando así el American Ballet Caravan para emprender una gira que dura cinco meses a Sudamérica, llevando en el repertorio obras tan importantes como “Concierto Barroco” y “Ballet Imperial” (1941). Entre 1944 y 1946, Balanchine es contratado por los Ballets Rusos de Montecarlo durante la dirección de Sergei Denham para sustituir a Massine.

En este periodo crea “Danzas concertantes” (1944), “Night Shadow” (1946) entre otras. En 1946 Balanchine y Kirstein crean el Ballet Society, una pequeña compañía que estrena “Los cuatro temperamentos” (1946), y “Orfeo” (1948) entre otras obras. Invitada a formar parte del New York City Center of Music and Drama la compañía se convierte en el actual New York City Ballet en 1948. Desde entonces y hasta su muerte en 1983 Balanchine se desempeña como maestro y principal coreógrafo del NYCB.

En 1948 debuta el NYCB con “Concierto Barroco”, “Orfeo”, “Sinfonía en Do” y “El Palacio de Cristal”. En 1950, realiza su primera gira a Europa. En 1962, son invitados a la Unión Soviética presentándose en el Teatro Kirov. En 1964 se instalan en el New York State Theatre en el Lincoln Center, construido de acuerdo con varias de las sugerencias hechas por Balanchine. En 1982 crea su última coreografía “Variaciones para orquesta” (1982).


El pensamiento coreográfico de Balanchine es un crisol en donde se fusionaron distintas influencias que van desde el gran academicismo de Marius Petipa (1818-1910), pasando por la ruptura que instaura Mijail Fokine (1880-1942) hasta uno de los vanguardistas del ballet ruso de los años veinte: Kasyan Goleizovski (1892-1970). 

Su legado consta de más de 425 piezas, muchas de ellas consideradas como obras maestras, tales como “Los cuatro temperamentos”, “Tema y variaciones”, “Sinfonía en Do”, “Joyas”, “Agon” y “Sinfonía en tres movimientos”. A esta herencia debe sumarse la creación del NYCB. 

Balanchine ha sido considerado por la crítica especializada “el arquitecto principal del ballet en los Estados Unidos”, gracias a él “la gran academia se transformó en un juego bastante más dinámico, geométrico, bien alejado de las languideces románticas”.

Fue condecorado con la Legión de Honor de Francia, el galardón del Kennedy Center, el ser miembro del Salón de la fama del entretenimiento en Hollywood, Caballero de la Orden de Dannegbrog, obtuvo la medalla de oro de la Sociedad Nacional de Artes y Letras de Estados Unidos y de manera póstuma, la Medalla Presidencial de la Libertad, el máximo honor que puede ser concedido a un civil en Estados Unidos. Este coreógrafo ruso-norteamericano utiliza un amplísimo espectro musical que va de Juan Sebastián Bach (1685-1750) a Iannis Xenakis (1922-2001). 

Muere en Nueva York el 30 de abril de 1983. 



A continuación, recordamos a George Balanchine, con su coreografía Serenata, con música de Piotr Illich Tchaikovsky, en la interpretación del New York City Ballet.