El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo firmando por Agustín Cosovschi.

CULTURA

El idish, la lengua que no se murió

La exitosa miniserie “Unorthodox” muestra un mundo en el que el idish, también conocido como yiddish, no es un residuodel pasado ni un objeto de estudio académico sino la materia cruda sobre la que se construye la vida de una comunidad. Esta nota ofrece una breve historia de la ecléctica lengua de los judíos europeos que muchos dieron por extinguida y también habla del presente en el que su sonido sigue vibrando en formas insospechadas

Por Agustín Cosovschi

11 de abril de 2020

Una imagen de la boda de Esty en "Unorthodox". La serie de Netflix es uno de los grandes hits de la cuarentena obligada por el coronavirus

En unos pocos días, la miniserie Unorthodox se convirtió en uno de los hits de la cuarentena: los medios y las redes se llenaron de comentarios al respecto, con algunas voces subrayando el carácter represivo de las comunidades ortodoxas y celebrando la valentía de Esty Shapiro (el personaje protagonizado por Shira Haas), mientras que otros expresan en cambio su asombro e incluso cierta sospecha por la forma crítica en que la nueva producción de Netflix representa el mundo de los hasidim. Una de las principales virtudes de Unorthodox es justamente esa: nos muestra lo poco que se sabe de la vida judía entre no judíos, y lo poco que se sabe de la vida ortodoxa entre los seculares. Pero además, la miniserie consiguió algo que hasta hace poco parecía imposible: despertar la curiosidad por el idish, una lengua que hasta hace ayer muchos consideraban muerta y que otros ni siquiera distinguían del hebreo. Como Unorthodox, ambas ideas están bien lejos de la realidad.

Alfabeto idish

La historia del idish es la historia de las comunidades judías ashkenazis, aquellas que se asentaron en Europa central durante los siglos que siguieron a la huida de los judíos de la tierra de Israel, y que durante la Edad Media tardía se desplazaron progresivamente hacia Europa del Este. En esas comunidades, la vida era bilingüe. El hebreo ocupaba un lugar de prestigio y superioridad espiritual: era la lengua de los antiguos israelitas y de los textos sagrados, y era en ese idioma que los judíos conducían las actividades sagradas. En cambio, el idioma de la vida diaria y de los escritos profanos era una lengua germana que los judíos habían adoptado a lo largo de siglos de vida europea; una lengua bastante cercana en su vocabulario al alemán moderno, pero con estructuras distintas y con un sinnúmero de palabras preservadas del hebreo y otras tomadas de las lenguas eslavas que dominaban en Europa del Este, como el polaco y el ruso. Esa lengua ecléctica y dinámica, surgida de la fusión y la combinación de todos esos elementos dispares, es el idish.

Moses Mendelssohn (Shutterstock)

Con el pasar de los años, la cultura en lengua idish comenzó a tomar fuerza, sobre todo a partir de la introducción de la imprenta en hebreo en Europa del Este en el siglo XVI. Ensayos, libros de cuentos y tratados históricos en idish comenzaron a imprimirse con caracteres hebreos en toda la zona de cultura ashkenazi entre Holanda y Ucrania. La aparición de movimientos religiosos ortodoxos jasídicos en el siglo XVIII, que comenzaron a atribuir un valor sagrado a textos escritos en idish, contribuyó a aumentar el prestigio de la lengua. En cambio, la llegada de la Haskalah, el movimiento de los judíos ilustrados encabezado por figuras como Moisés Mendelssohn, vino a repudiar este ascenso del idish: para los intelectuales más seculares de la época, los judíos debían abandonar esa lengua extraña y ecléctica, considerada apenas una jerga, y adoptar en cambio el alemán o el ruso como lengua social, política y cultural, preservando el hebreo en el mundo sagrado.

Luba Kadison, Maurice Schwartz y Berta Gersten durante la adaptación de una obra teatral del escritor I L Peretz (1945)

Pero el proyecto de los maskilim fracasó. Hacia fines del siglo XIX, la abrumadora mayoría de los judíos, en especial en los bordes occidentales del Imperio Ruso donde constituían una población de más de cinco millones de personas, seguía reconociendo como su lengua madre al idish y apenas hablaba algunas palabras de ruso. Era el signo de una falta de integración a la vida rusa que no en menor medida se explicaba por el insistente antisemitismo en la región y por las numerosas restricciones legales que el imperio de los Romanov mantenía sobre los judíos. Es así que a partir de fines del siglo XIX, inspirados por un imaginario menos racionalista y más romántico, nuevas generaciones de intelectuales y activistas comenzaron a promover el uso del idish en la prensa, en la literatura, en el teatro y en la cultura en general.

Sholem Aleijem, uno de los grandes nombres de la literatura en idish

Para las primeras décadas del siglo XX, el idish había ganado un estatuto impensado, siendo la lengua de escritores de cada vez mayor renombre como Sholem Aleijem y I. L. Peretz y de movimientos políticos de orientación secular y socialista como el Bund, que ganaron cada vez más peso luego de la revolución de 1905 en Rusia. Un punto alto de esta historia fue la conferencia de Czernowitz de 1908, en la que un grupo de intelectuales idishistas, entre otros Peretz y el filósofo Chaim Zhitlowsky, proclamaron al idish como lengua nacional de la nación judía, bregando por el desarrollo de instituciones culturas y educativas en idish. La fundación del instituto YIVO en Vilna en 1925 como academia de lengua y cultura destinada a preservar, estudiar y eventualmente regular el uso del idish fue otro punto clave en la historia del idioma y sus hablantes.

Isaac Leib Peretz (I.L. Peretz), gran escritor en idish

Con todo, las tensiones nunca dejaron de aflorar con aquellos como el ensayista Ahad Ha’am, quienes consideraban que el hebreo debía convertirse en la lengua total de la nación judía, o el sionista socialista Ber Borochov, quien defendía la idea de que el hebreo debía ser la lengua judía en Palestina y el idish, la lengua oficial en la diáspora.

Hersch Dovid Nomberg, Chaim Zhitlovsky, Scholem Asch, Isaac Leib Peretz y Abraham Reisen durante la Conferencia de Czernowitz, de 1908

El punto de inflexión fue, sin embargo, el Holocausto judío, que el idish designa hasta hoy con la palabra khurbn y (en castellano, “destrucción”). El exterminio de una parte significativa de los hablantes de idish por parte de la Alemania nazi y sus colaboradores, en especial en Polonia, donde los judíos representaban casi un 10% de la población del país, así como la dispersión de los judíos europeos a partir de la Segunda Guerra Mundial, tuvieron el doble efecto de fragmentar a la población de habla idish y de reforzar la legitimidad de Israel como proyecto político hegemónico para la nación judía.

Acto de la Juventud del Bund, Varsovia, 1932

A lo largo de las décadas siguientes, con la adopción el hebreo como lengua oficial del Estado de Israel y con la progresiva asimilación de las comunidades judías en los diversos países que los acogieron después de la khurbn, y a pesar de los esfuerzos de muchos para mantener viva la vida intelectual y cultural en idish, la lengua perdió sin embargo mucha de su fuerza y visibilidad. Para muchos, el idish se convirtió así en una reliquia, apenas el residuo de un mundo desaparecido.

El sionista socialista Ber Borochov defendía al hebreo como lengua oficial en Palestina y el yiddish como lengua de la diáspora

Pero las apariencias engañan. Todavía hoy, en el mundo académico y universitario, numerosos departamentos dedicados a los estudios judíos y a la cultura de Europa del Este siguen enseñando y transmitiendo el idish. Durante los últimos años, incluso un cierto revival hipster ha aparecido entre los más jóvenes, llevando a intelectuales y artistas a ponerse en contacto con el idioma. Además, gracias a instituciones como el Yiddish Book Center en Estados Unidos y la Maison de la Culture Yiddish en París, así como a diversos diarios y revistas como el clásico Forverts que se edita en inglés y en idish, la lengua y la cultura de los judíos ashkenazis se sigue difundiendo y sigue conectando diferentes generaciones de judíos, e incluso de no judíos.

Una vieja portada del diario "Forverts" o "The Forward", que aún se publica en idish y en inglés

Pese a todo, en la mayoría de estos ámbitos el idish conserva un carácter un tanto erudito. La mayoría de estas instituciones usan el idish en su forma estandarizada y literaria, que mezcla rasgos de los diferentes dialectos que existían tradicionalmente en Europa del Este. Pero existe un lugar en donde el idish no se usa como una lengua culta, ni académica; un lugar en donde el idish sigue siendo la lengua de la vida cotidiana y donde, como todas las lenguas, cambia, evoluciona y se transforma día a día: las comunidades judías ortodoxas, muchas de las cuales siguen viviendo en idish tal como lo hacían hasta 1945.

Dos hombres leen el "Forverts"

Este el mundo de Esty Shapiro en Unorthodox: una comunidad satmar en Williamsburg donde el idish no sólo sigue siendo la lengua corriente, sino que además, como en todos lados donde se instaló, sigue cambiando y tomando prestadas palabras y figuras de las lenguas que la rodean. Gracias a la asesoría de Eli Rosen, los diálogos de Unorthodox siguen al detalle el dialecto del idish que se cultiva en Williamsburg. El uso de la lengua no solamente refleja las raíces húngaras de esa comunidad, sino también la fuertísima influencia del inglés en la lengua de los hasidim en Estados Unidos.

Imagen de una cena familiar en "Unorthodox"

Esty, su familia y sus amigos hablan con marcas típicas del idish húngaro, entre otras cosas poniendo íes donde el idish literario pondría úes (algo que se hace también en otros dialectos), alterando ligeramente algunos imperativos y coordinando los verbos reflexivos de una forma distinta a la estándar. Pero además, usan constantemente palabras en inglés (“du bist geven azoy excited far dem!” = “estabas tan entusiasmado al respecto!”, o “s’iz geven der greste mistake in mayn leybn” = “fue el error más grande de mi vida”) y construyen verbos mezclando palabras en inglés y terminaciones en idish, como changen (“cambiar”).

Entre sus muchos méritos, la serie tiene el de ofrecernos una ventana hacia un mundo en idish tan desconocido como fascinante. En Unorthodox el idish no es un residuo pétreo del pasado, ni un objeto noble de estudio académico: todo lo contrario, es la materia cruda sobre la que se construye la vida diaria de una comunidad. Y más importante aún: como la lengua en general, el idish de Unorthodox es un terreno de experimentación, de innovación, de transformación y de interacción con el mundo que lo rodea. Ese idish que algunos quisieron matar y que otros dejaron morir, pero que los hasidim se encargan día a día de mantener vivo, es la prueba misma de que la historia no se detiene ni siquiera en las comunidades más cerradas y de que nadie puede aislarse por completo de su contexto.

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Aniversario del estreno de Un Réquiem Alemán Op. 45, de Johannes Brahms.

Un Réquiem Alemán Op. 45, para soprano, barítono, coro y orquesta de Johannes Brahms, está basada en una meditación sobre la vida y la muerte a partir de textos bíblicos. Se estrenó de forma parcial en la Catedral de San Pedro, en Bremen, el 10 de abril de 1868, que correspondió a un Viernes Santo, y de forma completa al año siguiente, en la Gewandhaus de Leipzig. Posteriormente, se interpretó por toda Europa y el autor comenzó a ser considerado como un compositor de importancia.​

En 1861 comenzó con los primeros esbozos de la obra, y a partir de 1866, tras la muerte de su madre y luego la de su protector Robert Schumann, se dedicó a completar el trabajo. Se trata de una mixtura entre la cantata y el oratorio, donde la sensibilidad está muy próxima a la misericordia, la compasión y el optimismo,​ lo que la aleja del réquiem en sentido litúrgico, así como de la Misa de difuntos o de una intencionalidad sacra. Para esta obra, el compositor se acercó a las enseñanzas del luteranismo, con una selección de textos bíblicos que eluden referencias a la vida eterna, al juicio final o a un Dios castigador.

A continuación, recordamos el estreno de: Un Réquiem Alemán Op. 45, de Johannes Brahms, en la versión de Christiane Karg, soprano, Michael Nagy, barítono, junto al Coro y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt, dirigida por David Zinman.

Matthias Georg Monn

Johann Georg Mann, también conocido como Matthias Georg Monn, nació en Viena, Austria, el 9 de abril de 1717, y murió en su ciudad, el 3 de octubre de 1750. Compositor, organista y profesor de música.

Se sabe poco sobre sus datos biográficos, pero se conocen sus nombramientos como organista, al principio en Klosterneuburg, cerca de Viena. Posteriormente, fue nombrado en el mismo puesto en Melk en Baja Austria y en la Karlskirche en el distrito Wieden de Viena. Fue uno de los fundadores el Movimiento Preclásico Vienés, junto con Georg Christoph Wagenseil, Leopold Mozart y Josef Starzer, entre otros, que estudiaron a fondo los principios del contrapunto tal como los practicaron Johann Sebastian Bach y Johann Joseph Fux, pero también realizaron un cambio del estilo barroco formalista, a la música galante más simple y elegante.

El catálogo de sus obras contiene 16 sinfonías, cuartetos, sonatas, misas, conciertos para varios instrumentos, y composiciones para violín y teclado. Un concierto para clavecín fue arreglado y transcripto para violonchelo por Arnold Schoenberg, para Pablo Casals. Se lo conoce como el Concierto para Violonchelo y Orquesta Re Mayor de Monn – Schoenberg, y fue grabado por Jacqueline Du Pre, y por Yo-Yo Ma, entre otros.

A continuación, recordamos a Matthias Georg Monn, con la Sinfonía en Si Mayor, interpretada por la Camerata Bern, dirigida por Thomas Füri.

Escualo - Astor Piazzolla - Salut Salon

Claudio Merulo

Claudio Merlotti, más conocido como Claudio Merulo, nació en Correggio, Italia, el 8 de abril de 1533, y murió en Parma, Italia, el 4 de mayo de 1604. Compositor, organista, y editor.

Se conoce poco de sus primeros años de su vida, estudió en su ciudad  con Tuttovale Menon, un madrigalista que trabajó en la corte de Ferrara,  también estudió con el organista Girolamo Donato. Tiempo después se instaló en Venecia, donde se hizo muy amigo de Costanzo Porta. En 1556 fue nombrado organista de la catedral de Brescia, en 1557 fue designado organista en la Basílica de San Marcos en Venecia, uno de los puestos musicales más prestigiosos de toda Italia. Entre sus obras se destacan las Canciones de tablatura para órgano al estilo francés, Ricercare de tablatura para órgano, Tocatas de tablatura para órgano, entre otras. También compuso motetes, misas y obras para varios instrumentos.

A continuación, recordamos a Claudio Merulo, con la Toccata prima del quinto tono, en la versión de Marco Mencoboni en clave.

El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo de opinión, firmado por Claudio Avruj.

OPINIÓN

Pésaj, mandato de memoria y transmisión

Por Claudio Avruj

7 de abril de 2020

Una noche como hoy, en la víspera de Pésaj del año 1943, se produjo el Levantamiento del Gueto de Varsovia, el acto de heroísmo más emblemático por parte de los judíos durante el Holocausto.

A lo largo de todo el período en que se extendió la política antisemita de persecución y exterminio por parte del régimen nazi, hubo resistencia y oposición. Los judíos pelearon en unidades de partisanos, fueron a las luchas subterráneas, crearon organizaciones, hicieron sabotajes, e incluso editaron y distribuyeron publicaciones. Además de los esfuerzos educativos, sociales y culturales que se llevaron a cabo para dignificar la vida durante la segunda guerra mundial.

En cada gueto hubo grupos, la mayoría sionistas y socialistas. Jóvenes que sentían que de todas maneras serían condenados y preferían morir luchando, sabiendo que no podían cambiar el rumbo de la historia y que nada, excepto el honor, podía salvarse.

Pero en ningún caso esta fe se hizo más fuerte que en el Gueto de Varsovia, donde se contemplaron los actos de mayor heroísmo de toda la guerra.

En este día de Pésaj, setenta y siete años atrás, a las siete de la mañana, los nazis entraron al gueto para su aniquilamiento. Los judíos, con cócteles molotov y escasas armas, les hicieron frente. Defendieron y atacaron desde las terrazas de y las ventanas. Lucharon casa a casa. Al mando, como Comandante de la Organización Judía de Combatientes, estaba Mordechai Anielewicz de 23 años de edad.

Cuatro días después de iniciado el levantamiento le escribió su última carta a su amigo Yitzhak Zukerman: “El sueño de mi vida es un hecho. La autodefensa en el gueto es una realidad. La resistencia armada judía y la venganza son hechos. He sido testigo de la magnífica heroica lucha de los hombres judíos en el combate”. Finalmente, veinte días después, una fuerza de cinco mil nazis arrasaron el gueto. Trece mil judíos fueron asesinados durante la resistencia y cerca de sesenta mil fueron capturados y deportados. El gueto se convirtió en un inmenso cementerio.

Esta noche los judíos celebramos Pésaj, la fiesta de la libertad como lo venimos haciendo desde hace más de 3000 años. Este año, alrededor de la mesa que en la mayoría de las casas no será amplia y numerosa por la cuarentena que debemos cuidar, y donde muchos la vivirán en dolorosa soledad, repetiremos una vez más el seder (orden), de la misma manera que lo hicieron a través del tiempo nuestros mayores, en las crisis, en las persecuciones, durante la Inquisición y en la Shoa cumpliendo y honrando el mandamiento sagrado de transmisión que se expresa en la frase “y le contarás a tus hijos”. Lo hacemos porque entendemos que la memoria es central en nuestra identidad milenaria.

Festejamos nuestra libertad, pero también recordamos nuestra esclavitud. Como afirma el Rabino Sergio Bergman: “Ejercitamos la memoria no sólo del momento en que nuestros antepasados salieron de Egipto, sino que, en ese acto, cada generación y cada uno de nosotros es liberado una y otra vez del Egipto en el que vive, al que se somete o es sometido”.

El día del levantamiento fue el 15 de Nisan, pero se conmemora oficialmente el 27 de dicho mes, que es el primero en el calendario hebreo. La distancia de las fechas fue establecida justamente en respeto de los ocho días que corresponden a Pésaj.

El recuerdo del levantamiento del Gueto de Varsovia está consagrado como Iom HaShoa ve Hagvura por el Parlamento de Israel (Knesset) desde 1951, y es el día que el pueblo judío en el mundo se hermana para honrar a sus seis millones de víctimas y mártires.

Yerushalmy sostiene que cuando se dice que un pueblo recuerda en realidad se alude a que el pasado ha sido activamente transmitido a la presente generación, y que este pasado ha sido aceptado como significativo.

En esta noche, al recordar la salida de Egipto, los judíos hacemos de Pésaj primordialmente un ejercicio de educación. Recordamos y reflexionamos sobre el valor de la libertad y la vida volviendo a comprometernos en honrarlas.

“La Torá nos impone el concepto de ‘Zajor’, recordar, la memoria. Recordar con la palabra, con la boca. Expresarme. Hablo de lo que recuerdo, para que ese recuerdo se mantenga en mí y me trascienda. Pero si no lo hablo, quedaré prisionero de mi recuerdo. Un recuerdo hablado es libertad constante”, dice el Rabino Mordejai Maarbi.

En la noche de Pesaj los judíos del mundo celebramos la libertad reafirmando nuestro compromiso de defenderla y fortalecerla. En nuestros plegarias y meditaciones honramos la memoria de toda nuestra historia reafirmando nuestra identidad y pertenencia.

* Ex secretario de Derechos Humanos y Pluralismo Cultural de la Nación - Presidente Honorario del Museo del Holocausto

Ravi Shankar

Ravi Shankar nació en Benarés, Uttar Pradesh, India, el 7 de abril de 1920, y murió en San Diego, California, Estados Unidos, el 11 de diciembre de 2012. Compositor y sitarista.

De adolescente tocó el sitar en la compañía de baile clásico de su hermano mayor Uday Shankar, y también con la de Anna Pávlova. En 1938 pasó a estudiar con su gurú Allaudin Khan, el fundador de la Escuela de música clásica hindustani. En 1939 tuvo su primera presentación en público en la India. En 1944 comenzó a componer y realizó  grabaciones en el sello HMV. Entre 1949 y 1956 fue director musical de All India Radio, de Nueva Delhi. A partir de 1954 obtuvo reconocimiento fuera de India, después de su presentación en la Unión Soviética, y posteriormente en Europa, y en acontecimientos importantes como el Festival de Edimburgo, así como en salas como el Royal Festival Hall.

En 1965 George Harrison, miembro de The Beatles, comenzó a experimentar con el sitar. Ambos se encontraron y se hicieron amigos, lo que contribuyó a aumentar la fama de Ravi Shankar como estrella pop, y como el maestro de George Harrison. Su carrera cobró un nuevo impulso, lo invitaron a tocar en diversos lugares. En 1967 en el Festival Pop de Monterey, en 1969 en el Festival de Woodstock, y en 1971 en el Concierto para Bangladesh. En 1974 acompañó a George Harrison en la gira por Estados Unidos.

Como compositor escribió 2 conciertos para sitar y orquesta, obras para sitar y violín, que interpretó junto con Yehudi Menuhin, música para el flautista Jean Pierre Rampal, para el maestro del shakuhachi, Hozan Yamamoto, y para el virtuoso del koto, Musumi Miyashita. Compuso música para películas y ballets clásicos en la India, Canadá, Estados Unidos y Europa, entre las que se destacan Chappaqua, Charly, Gandhi, y Apu Tryology. En 1987 grabó para el sello Private Music, Tana Mana, con lo que ingresó en el género New Age, con una combinación única de instrumentos tradicionales y música electrónica. También trabajó con Philip Glass, que reconoció la influencia positiva en su carrera, y los dos colaboraron para producir Passages, una grabación de obras en las cuales cada uno adaptó temas compuestos por el otro. En 2004 compuso la parte de sitar para Orión. En 1998 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música. Ravi Shankar tuvo dos hijas, la cantante Norah Jones y Anoushka Shankar, una de las más destacadas intérpretes de sitar de India.

A continuación, recordamos a Ravi Shankar, en una presentación junto a su hija Anoushka, durante la celebración del Día Nacional de la India en Birmingham, Reino Unido.

André-Cardinal Destouches

André Cardinal Destouches nació en París, Francia, el 6 de abril de 1672, y murió en su ciudad, el 7 de febrero de 1749. Compositor.

Se educó en el Collège Louis-le-Grand, de los jesuitas. Posteriormente ingresó en la armada, después al ejército y en 1692 participó en el asedio de Namur. Descubrió su talento musical mientras no estaba ocupado en combate. Estudió con André Campra, a quién reemplazó en el puesto de superintendente de la música. En 1697 la ópera Issé fue interpretada en Fontainebleau para Luis XIV. El rey quedó impresionado y dijo haber apreciado su música tanto como la de Jean-Baptiste Lully. Después de una serie de óperas exitosas y el comienzo de su productiva colaboración con el libretista Pierre-Charles Roy, en 1713 el Rey lo nombró Inspector General de la Real Academia de Música. En 1725, Luis XV lo nombró superintendente de música de la Cámara Real. Con el comienzo de Los conciertos públicos en París, se interpretaron algunas de sus obras como De Profundis, la cantata Sémélé, y el motete para coro grande O dulcis Jesu. Con la muerte de Michel Richard Delalande en 1726, asumió el control de la Música Real.

A continuación, recordamos a André-Cardinal Destouches, con un fragmento de la ópera Issè, en la versión de los solistas: Judith Van Wanroij, Mathias Vidal, y Thomas Dolié, junto al Ensamble Les Surprises, dirigidos por Louis-Noël Bestion de Camboulas.

Shalom - Chmilenik rescata su pasado judío

                       

   
   

       
       
       
       
            Chmilenik rescata su pasado judío

Suma Paz

Suma Paz nació en la Ciudad de Santa Fe, Argentina, el 5 de abril de 1938, y falleció en la Ciudad de buenos Aires, Argentina, el 8 de abril de 2009. Cantora, poeta, y guitarrista.

El Diario La Nación, en su edición del 9 de abril de 2009, publicó este recordatorio.

Murió Suma Paz, el canto de la pampa

Era la discípula dilecta de Atahualpa Yupanqui

9 de abril de 2009  

Ayer, a los 70 años, la cantante Suma Paz falleció en una clínica porteña víctima de un accidente cerebrovascular. Están de luto la pampa, el paisano y su paisaje. Se extinguió la voz, el eco del canto y de la guitarra. Ha muerto Suma, en silencio, sin dar aviso ni tiempo.

Se nos fue otro modelo. Un modelo para el canto; un modelo del folklore. No buscó multitudes ni clamorosos aplausos. Le bastó con ser honesta, con esparcir en silencio las semillas de belleza y el canto con fundamento.

Dos misiones fundadoras y fundamentales asumió Suma Paz en su larga trayectoria como genuina intérprete del canto y la guitarra. Una, rescatar, difundir, defender y dignificar el canto de la pampa argentina; otra, seguir la huella luminosa trazada por su maestro, don Atahualpa Yupanqui. Ambas se alzaron, en su voz, con suprema coherencia artística, con profunda convicción, con honestidad y seriedad profesional.

Como pocas veces en la historia del folklore argentino, la ética y la estética se dieron la mano y marcharon obstinadamente juntas.

Suma no fatigó las grandes salas de esta megalópolis ni las de nuestras grandes ciudades. Su recorrido predilecto fueron los pueblos olvidados y su gente. Con ellos se entendía de maravillas en diálogos entrañables, intercambiando lecciones de vida. Licenciada en letras y poeta mayor, prefirió contar con gente sencilla en sus recitales para entregarle un canto transido de emoción telúrica y para desgranar pensamientos medulares sobre la condición del hombre, sobre sus convicciones, sobre la reivindicación de un cancionero en extinción que los medios ignoran o desechan.

¿Quién, si no Suma Paz, cultivó celosamente y a cada paso las palabras y cadencias de la música nativa regional de la pampa, como son la milonga pampeana, el estilo, la huella, el triunfo, la cifra para alimentar la memoria colectiva?

¿Quién, como ella, fue desgranando ese cancionero sin levantar la voz, trepada apenas en los bordoneos de su guitarra, sentadita siempre y abrazando con ternura a ese instrumento de las seis cuerdas, que fue su mejor compañía?

Todo, en su vida, fue admirable. Desde sus roles de esposa y madre hasta su dedicación absoluta a un repertorio de medulares contenidos poético-musicales que jamás abandonó, pese a las tentaciones del mercado discográfico y de la industria del espectáculo. De este modo, Suma Paz nos deja el ejemplo de artista insobornable. Pocos conocieron su don de poetisa. Por eso permanecen escondidos unos versos que se empinaron desde las raíces de nuestra tierra hasta alcanzar las cumbres del idioma.

Sus restos fueron velados ayer en una ceremonia íntima y serán inhumados esta mañana en la Chacarita.

Una gran cantora

·  Nelly Omar. "Suma era tan humilde, su estilo, su forma de ser. Siempre le decía que sabía hacer las cosas sureras mejor que yo. Ella se dedicó a pleno a ese estilo, tanto es así que la propuse a ella para que fuera a cantar a la Casa de Gobierno cuando me hicieron un homenaje. Era una señora muy querida".

·  Argentino Luna. "Suma quedará en la memoria de quienes la amaron y de quienes la vieron andar con su canto, elegante en su decir, justa en su pensamiento; le tengo un gran respeto por su estatura artística".

A continuación, recordamos a Suma Paz, con su interpretación de la canción La flecha, de Atahualpa Yupanqui y Pablo del Cerro.

Eugène Bozza

Eugène Joseph Bozza nació en Niza, Francia, el 4 de abril de 1905, y murió en Valenciennes, Francia, el 28 de septiembre de 1991. Compositor, violinista y director de orquesta.

Estudió violín con su padre. En 1915 la familia emigró a Italia y a los 11 años ingresó al Real Conservatorio de Santa Cecilia en Roma. En 1922 regresó a Francia, y entró en el Conservatorio de París, para estudiar violín, dirección de orquesta y composición. Entre 1939 y 1951 fue director de la Ópera Cómica y entre 1951 y 1975 dirigió la Ècole Nationale de Musique, en Valenciennes. Posteriormente se dedicó por completo a la composición.

Como compositor escribió óperas, ballets, obras sinfónicas y corales, pero fundamentalmente música de cámara para formaciones e instrumentos solistas diversos, y para casi todos los instrumentos de viento y cuerdas. Su música de cámara muestra un gran conocimiento de las particularidades de cada instrumento, a veces requiriendo grandes habilidades técnicas de los intérpretes, pero sin perder el estilo expresivo y melódico típico de la música de cámara francesa del siglo XX. En 1934 ganó el Premio de Roma por su obra La légende de Roukmāni, una cantata basada en una leyenda india, que después se convirtió en famosa por su gran éxito. También ganó el Premio de violín y el de dirección orquestal.

A continuación, recordamos a Eugène Bozza, con Tres piezas para la música nocturna, en la versión del Ensemble Corrélatif, integrado por Christian Strube en flauta; Marion Klotz en oboe, Matthias Beltz en clarinete, y Anne Weber-Krüger en fagot.

Wolfgang Amadeus Mozart, Réquiem en Re Menor K. 626

A continuación, de Wolfgang Amadeus Mozart, la misa de Réquiem en Re Menor K. 626, en la versión de Elisa Bonora, Soprano; Erika Fonzar, mezzo soprano; Raffaele Giordani, tenor; Marco Bussi, bajo; junto a la Accademia Corale Vittore Veneziani della Città di Ferrara y la Orchestra Città di Ferrara, dirigida por Stefano Squarzina.

Lili Kraus

Lili Kraus nació en Budapest, Hungría, el 3 de abril de 1903, y falleció en Asheville, Carolina del Norte, Estados Unidos, el 6 de noviembre de 1986. Pianista.

Estudió en la Academia de Música Ferenc Liszt, y en el Conservatorio de su ciudad natal con Zoltán Kodály y Béla Bartók. En la década de 1930 se perfeccionó con Severin Eisenberger, y Eduard Steuermann en Viena, y en Berlín con Artur Schnabel. Gracias a su colaboración con Szymon Goldberg en giras por todo el mundo, alcanzó fama internacional. Fue una gran intérprete de las obras para piano de Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. En 1939 huyó del nazismo y debutó en Estados unidos. 

En 1943, durante una gira por Asia, fue capturada en Java e internada en un campo de concentración japonés hasta 1945. Después de la guerra se estableció en Nueva Zelanda, se dedicó a la enseñanza y continuó realizando giras internacionales. Entre 1967 y 1983 enseñó en Fort Worth, y después se instaló en Asheville, donde falleció en 1986.

A continuación, recordamos a Lili Kraus, con su interpretación de la Fantasía Grazer en Do Mayor D. 605a, de Franz Schubert.

Jack Buchanan

Walter John Buchanan, más conocido como Jack Buchanan, nació en Helensburgh, Escocia, Reino Unido, el 2 de abril de 1891, y murió en Londres, Inglaterra, Reino Unido, el 20 de octubre de 1957. Actor, cantante, productor y director.

En 1912​ debutó en el teatro británico, en 1917 se inició en el cine con películas mudas, y en 1924 se presentó en Broadway. Representó tanto en el cine como en el teatro, a la figura del clásico hombre inglés. Trabajó alternadamente en Estados Unidos y en Inglaterra, tanto en teatro como en cine.

En 1921 logró uno de sus grandes éxitos actuando en la revista A a Z de André Charlot, donde apareció con Gertrude Lawrence. Entre sus números en el programa estaba And Her Mother Came Too de Ivor Novello, que se convirtió en la canción de Buchanan. Con ese espectáculo debutó con éxito en Broadway en 1924.

Otros papeles protagonistas incluyen Monte Carlo en 1930, Smash and Grab en 1937 y The Gang's All Here en 1939. En 1938 protagonizó el musical This'll Make You Whistle en Londres, al tiempo que filmaba la versión cinematográfica. La película se estrenó mientras se representaba la versión teatral, por lo que compitieron entre sí las dos producciones. 

También produjo varias películas, incluyendo Happidrome en 1943 y The Sky's the Limit que también dirigió. En 1953 encabezó junto a Fred Astaire y Cyd Charisse el elenco de The Band Wagon, y se constituyó en un gran éxito.

A continuación, recordamos a Jack Buchanan junto a Fred Astaire en: I Guess i'll have to change my plan, de la película The Band Wagon.

Escualo - Ástor Piazzolla - Leandro Curaba en violín, y la Orquesta Sinfónica Provincial de Rosario, dirigida por Lautaro Mura

Alberta Hunter

Alberta Hunter nació en Memphis, Tennessee, Estados Unidos, el 1 de abril de 1895, murió en Isla Roosevelt, Nueva York, Estados Unidos, el 17 de octubre de 1984. Cantante.

En 1917 hizo exitosas giras por Londres y París. Cuando regresó a los Estados Unidos se estableció en Chicago pero en 1928 trabajo junto a Paul Robeson en el primer Show Boat en Londres. En París reemplazó brevemente a Josephine Baker. En 1938, con el advenimiento del fascismo en Europa, regresó a los Estados Unidos, y se ofreció como voluntaria en la Segunda Guerra Mundial, entreteniendo a las tropas en Casablanca y años más tarde en Corea. En 1954 trabajó en Broadway junto a Eartha Kitt, pero se retiró de los escenarios a la muerte de su madre, y se dedicó a la enfermería. Retornó después de 10 años a instancias de Chris Albertson.

En 1977 se jubiló como enfermera, y fue invitada por Barney Josephson para actuar en su local "La Cocina". Estaba previsto que las presentaciones duraran 2 semanas, pero debido al éxito logrado, pasó a un calendario abierto, devolviéndole la popularidad a los 82 años.​ Hizo giras por Europa y Sudamérica y cantó hasta días antes de su muerte en el Cookery Club de Greenwich Village.

En 1988 Stuart Goldman realizó un documental sobre su vida titulado Alberta Hunter: My Castle's Rockin'. Alberta Hunter está considerada como una de las mejores representantes del estilo junto a Ma Rainey, Bessie Smith y Ethel Waters con quien trabajó en el Teatro Empire en 1940.

A continuación, recordamos a Alberta Hunter, con 2 canciones: Without A Song y Somebody, Sweetheart.