Hola, soy Leonardo Liberman.
Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo efemérides y temas de interés general.
Podes mandarme tu comentario al E-mail elmiradornocturno@gmail.com
Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Augusto Algueró Dasca nació en Barcelona, España, el 23 de
febrero de 1934, y murió en Torremolinos, Málaga, España, el 16 de enero de
2011. Compositor, arreglador
y director de orquesta.
Es el autor de grandes éxitos como 'La chica ye-yé', 'Penélope', 'Noelia' y 'Tómbola'
Madrid -
El compositor y director de orquesta Augusto Algueró ha muerto hoy a los 76 años mientras dormía a causa de una parada respiratoria en Torremolinos (Málaga), donde residía desde hace unos años, informa en un comunicado la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE). Los restos mortales de Algueró, conocido también por su larga trayectoria como arreglista, serán trasladados a Madrid, donde mañana quedará instalada la capilla ardiente en una de las dependencias de la SGAE, organismo del que era socio y miembro de la Junta Directiva, para que los ciudadanos puedan despedirse de "una de las figuras "más importantes de la música popular de todos los tiempos", añade la nota. A lo largo de su carrera compuso mas de 500 canciones y cerca de 200 bandas sonoras para el cine y la televisión.
Algueró, que nació en Barcelona el 23 de febrero de 1934 y compaginó sus estudios musicales en el Conservatorio Municipal de su ciudad natal con los estudios de Medicina, comenzó su carrera musical a principios de la década de los cincuenta, con tan sólo 16 años. La gran mayoría de sus canciones fueron compuestas sobre letras de Antonio Guijarro y cantadas por famosos artistas españoles fueron un éxito. Así su nombre se hizo muy popular en España y en América. Fueron muchos cantantes los que solicitaron su colaboración y compuso para los Cinco Latinos, Connie Francis, Marisol, Elsa Baeza, Rocío Jurado o Juan Manuel Serrat.
En cine, teatro, televisión...
Para Serrat compuso Penélope, un clásico indiscutible del repertorio del cantautor catalán, que apareció por primera vez en 1969, y con el que el cantante consiguió en el Festival de Río de Janeiro, el premio a la mejor interpretación, mientras que Algueró recibió el galardón a la mejor composición. Suyos son también otros importantes temas, pertenecientes ya al imaginario colectivo, como Noelia (Nino Bravo), Tómbola (Marisol) y La chica ye-yé (Concha Velasco).
De su mente salieron también la banda sonora de un centenar de películas y series de televisión como El ruiseñor de las cumbres con Joselito o Zampo y yo, con Ana Belén. Entre las últimas composiciones que hizo para el cine están, Torrente, el brazo tonto de la ley (1998), primera película como director de Santiago Segura, y Primer y último amor (2002), de Antonio Giménez Rico. Colaboró en unas 50 obras de teatro, entre las que se figura Mamá, quiero ser artista, con Concha Velasco.
Como compositor y director, representó a España en los festivales de Eurovisión y de la OTI. Compuso la canción con la que España participó por primera vez en Eurovisión, en 1961, Estando contigo, interpretada por Conchita Bautista, y el exitoso Vivo cantando, con el que ganó Salomé ese certamen, en 1969.
Entre otros premios, Algueró recibió en 2005 de manos del presidente de la Academia, Eduardo Bautista, el Premio de Honor en reconocimiento "a su brillante trayectoria profesional y a su decisiva contribución a la música popular". "La música es el lenguaje más universal que existe y a ella le he entregado mi vida entera", afirmó entonces. El compositor se casó en 1961 con la popular actriz Carmen Sevilla, de la que se separó 10 años después. Fruto de este matrimonio es su hijo Augusto Algueró, apadrinado por Marisol y el Cordobés. En 1986 contrajo nuevo matrimonio con Natividad Benito. En abril de 2003 salió a la venta el disco Homenaje, integrado por 17 temas compuestos por Algueró y cantados por artistas tan dispares como María Jiménez, Fangoria o Papá Levante.
A continuación, lo recordamos en el día de su fallecimiento, con uno de sus grandes exitos: Penélope, en la versión de Joan Manuel Serrat.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Eva Heyman: infancia, una palabra herida
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Eva Heyman es una niña judía de 13 años que nació ycreció en Hungría. Eva escribe un diario
personal, allí relata todo lo que sucede a su alrededor, la llegada de los
alemanes a Hungría, el gueto, las humillaciones y también el amor y la
solidaridad. El diario presenta un rostro, una vida, algo mucho más
comprensible para nosotros que los casi 440.000 judíos húngaros que fueron
deportados a Auschwitz, o los seis millones de vidas judías truncadas por el
Holocausto.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
A continuación, de Wolfgang Amadeus Mozart, el Concierto
para Piano y Orquesta Nº 21 en Do Mayor K. 467, en la versión de Maria Tipo, y
la Orquesta del Mozarteum de Salzburgo, dirigida por Hans Graf.
Hoy les presento el 2º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, dedicado a Bedřich Smetana, con la Sinfonía Festiva en Mi Mayor Op. 6,
y El Moldava, segundo Poema Sinfónico del Ciclo Mi Patria.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Luísa Rosa de Aguiar Todi nació en Setúbal, Portugal, el 9
de enero de 1753, y murió en Lisboa, Portugal, el 1 de octubre de 1833. Mezzosoprano.
Fue discípula de Davide Peres, en Lisboa. En 1777 se
presentó en Madrid, donde cantó la ópera
Olimpiade de Giovanni Paisiello. Al comienzo de su carrera adoptó el apellido
Todi cuando contrajo matrimonio con Francesco Saverio Todi. Poseía una
magnífica voz, y tenía una hermosa figura, además de un gran temperamento
dramático. Disfrutó durante muchos años del favor y la admiración sin límites
del público, y en las principales cortes de Europa. Durante varios años fue la
artista predilecta de la emperatriz Catalina I, y del rey de Prusia. En París, actuaba
con regularidad, donde tuvo un grupo muy entusiasta de seguidores, que
rivalizaban con los admiradores de la célebre Madama Mara, y se enfrentaban en
la Ópera en encarnizadas batallas.
Hudson Woodbridge, más conocido como Tampa Red, nació en Smithville,
Georgia, Estados Unidos, el 8 de enero de 1900 (aunque algunos autores dan las
fechas de 1903 o, incluso, 1908), y murió en Chicago, Illinois, Estados Unidos,
el 19 de marzo de 1981. Guitarrista, pianista y cantante de blues.
Huérfano desde muy pequeño, vivió con su abuela, en Tampa,
Florida. Aprendió a tocar guitarra con un vecino de la familia, y adoptó la
técnica slide. En 1922 llegó a Chicago como en músico ambulante, donde se
profesionalizó, junto con el pianista de Ma Rainey, Georgia Tom Dorsey, con el
que formó un grupo, de sonido urbano y sofisticado, que en 1928, grabó varios
temas para el sello Vocalion. Más inclinado al blues, posteriormente formó su
propio grupo con Big Maceo en el piano, sustituido más tarde por Little Johnny
Jones. Tras firmar un contrato con el sello Bluebird Records, se convirtió en
una de las estrellas del blues de Chicago, y alcanzó gran popularidad. Entre
1940 y 1946, logró éxitos de ventas importantes, y amplió su banda con saxos o
clarinete, batería y armónica, trabajando con Sonny Boy Williamson II y Big Walter
Horton. Con este grupo acompañó al cantante Elmore James, en conciertos y en
grabaciones. En 1956 falleció Frances,
su mujer y mánager, y entró en una depresión profunda y fue internado.
Posteriormente grabó algún disco más, quedó fuera de circulación, hasta su
muerte. Tampa Red es esencial en la historia del blues, creador del blues de
banda de Chicago, junto a Big Bill Broonzy. Muchos temas suyos se encuentran
entre los más versionados, como es el caso de Sugar Mama, Anna Lee o Sweet Little
Angel. Su estilo de guitarra, nostálgico, lánguido y aterciopelado, tuvo una
influencia enorme sobre toda una generación de guitarristas de blues, como
Muddy Waters, Earl Hooker o Robert Nighthawk y le valió el sobrenombre de El
mago de la guitarra. Sus composiciones eran un claro reflejo de la música
popular de la época, y reflejaban muy bien la realidad de la vida de los negros
en Chicago.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus éxitos: Sweet Little Angel.
A continuación, de Wolfgang Amadeus Mozart, el Concierto
para Piano y Orquesta Nº 21 en Do Mayor K. 467, en la versión de Murray
Perahia, y la Orquesta de Cámara Inglesa.
Alberto Aguilera Valadez, más conocido como Juan Gabriel,
nació en Parácuaro, Michoacán, México, el 7 de enero de 1950, murió en Santa
Mónica, California, Estados Unidos, el 28 de agosto de 2016. Cantante,
compositor, arregladr, productor musical, músico, filántropo y actor.
–Lo más difícil fue haber nacido, lo demás es más sencillo–
Considerado uno de los mejores compositores mexicanos de
todos los tiempos.
Canciones: Así fue, Querida, Amor eterno...
Género: Ranchera, bolero, pop latino, baladas
Padres: Gabriel Aguilera Rodríguez y Victoria Valadés Rojas
Hijos: Joao Gabriel, Joan Gabriel, Luis Alberto Aguilera,
Hans Gabriel, Jean Gabriel, Iván Gabriel
"Mis pensamientos, mis sentimientos, mi espíritu están
todos en español"
Juan Gabriel
Juan Gabriel nació el 7 de enero de 1950 en Parácuaro,
Michoacan.
Familia
Hijo de Gabriel Aguilera Rodríguez y de Victoria Valadés
Rojas, ambos campesinos.
Bautizado como Alberto, en honor al personaje de una
historia cubana, El derecho de nacer, llamado Albertico Limonta, de moda
gracias a una radionovela de la XEW.
Fue el menor de un total de diez hermanos; Rosa, quien murió
casi recién nacida; Virginia, su única y consentida hermana; José Guadalupe,
Gabriel, Pablo, Miguel (ya fallecido) y tres Rafaeles que también murieron.
Casi recién nacido, su padre quemó un pastizal con la
intención de volver a sembrar posteriormente; el fuego invade otras
propiedades, y angustiado por el problema, sufre un shock y enferma. Tuvo que
ser internado en el entonces tristemente célebre manicomio de La Castañeda, en
la Ciudad de México. Se cuenta que ahí murió, aunque hay testigos que dicen que
se escapó. Este hecho inspiraría a Juan Gabriel para escribir la canción De sol
a sol. A los siete meses de edad fue llevado a Ciudad Juárez, donde transcurrió
su niñez.
Juan Gabriel
A los cuatro años, ingresó como interno en la escuela de
mejoramiento social para menores, más conocida como El tribunal, donde
permaneció por espacio de ocho años. A los siete años conoce a Juan Contreras
de Zacatecas, maestro de hojalatería, quien le enseño a trabajar. Consideró a
su maestro como un padre. En recuerdo a este hombre, posteriormente adoptaría
el nombre de Juan; y Gabriel, en memoria de su padre.
Cantante
Su primer nombre artístico fue Adán Luna. Entonces debutó
con la canción María la bandida, de José Alfredo Jiménez, acompañado por el
mariachi de Gil Soledad y su banda. Antes de grabar como solista, trabajó
haciendo coros de grandes figuras de la canción como Roberto Jordán, Angélica
María, Estela Núñez y César Costa.
Prisión
Fue acusado de robo e internado casi año y medio en el penal
de Lecumberri. De tal experiencia surgió más tarde la película Es mi vida,
protagonizada por él mismo. Ahí tuvo la oportunidad de conocer, por medio del
director de la cárcel, a Queta Jiménez La Prieta Linda, quien no solo abogó por
él para que fuera puesto en libertad por falta de pruebas, sino que también lo
puso en contacto con la RCA para después llevar a cabo sus primeras
grabaciones. Fue la primera intérprete que le grabó una canción bajo el título
de Noche a noche.
Canciones
El 11 de junio de 1971 firmó contrato con RCA Víctor e
inició la grabación de su primer disco, Un alma joven, en el que incluyó su
primer gran éxito, No tengo dinero. Antes de ser aceptado en RCA Víctor, lo
rechazaron en CBS, Musart y Peerless.
Las canciones Lágrimas y lluvia, Mis ojos tristes y Amor
eterno las dedicó a la memoria de su madre, quien falleció el 27 de diciembre
de 1974. Entre otras propiedades que se le conocen a Juan Gabriel está la vieja
y magnífica casona de ciudad Juárez, donde había trabajado su madre en el
servicio doméstico.
Noa Noa
Compuso en 1980 El Noa Noa, tema en homenaje al salón de
baile homónimo donde debutó en 1966, cantando una canción de Armando Manzanero.
Por primera vez en la historia de la revista norteamericana
Billboard, Juan Gabriel debutó en el Primer lugar del Hot Latin Trak, con el
tema El Palo del álbum El México que se nos fue.
Reconocimiento
En el año 2009, la Academia Latina de la Grabación le nombró
Persona del Año del Latin Grammy, y según LARAS, vendió más de 100 millones de
álbumes, además de componer unas 1500 canciones.
Composiciones
Han interpretado sus composiciones los cantantes: Rocío
Dúrcal, Isabel Pantoja, Julio Iglesias, Rocío Jurado, Pimpinela, Chayanne, Marc
Anthony, Placido Domingo, Selena, Chavela Vargas y muchos otros más.
Su último concierto fue la noche del viernes 26 de agosto de
2016 en Los Ángeles, California, como parte de la gira 'MeXXIco es todo'.
Hijos
Fue padre de un hijo biológico, Iván Gabriel, y cuatro hijos
adoptados: Alberto Aguilera Jr., Joan Gabriel, Hans Gabriel y Jean Gabriel.
Muerte
Juan Gabriel, falleció a causa de un infarto a las 11:43 am,
hora local, del domingo 28 de agosto de 2016, en su casa de Santa Mónica,
California, tenía 66 años.
Sabías que...
Éxitos
El cantante tuvo una gran colección de éxitos. Su legado
musical incluye canciones como "Amor Eterno", "Querida" y
"Se me olvidó otra vez", además de varios homenajes.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Se me olvidó otra vez.
"La voz de
un fumador ronco, un estilo de piano que va del honky-tonk al palacio del tango
y al cabaret tony, y la cosmovisión de un romántico degradado han convertido a Paolo
Conte en un compositor muy conocido en Italia". (The New York Times)
Nacido en Asti,
una pequeña ciudad productora de vino en el norte de Italia, Paolo Conte ha
tenido una pasión por el jazz y las artes visuales desde su época escolar. La
composición de canciones comenzó de manera espontánea, casi instintiva: primero
él y su hermano Giorgio, y luego solo él, escribirían canciones inspiradas en
libros, películas y el desarrollo imaginativo de la experiencia real. Trabajó
durante varios años como abogado. Su carrera como intérprete comenzó a pequeña
escala como vibráfono en bandas locales.
Sin embargo, en
la segunda mitad de la década de 1960 sus composiciones llamaron la atención y
los cantantes populares comenzaron a grabar su música. Por primera vez el
público escuchó estas extrañas e insólitas canciones: "La pareja más linda
del mundo" y "Azzurro" (cantada por Adriano Celentano),
"Junto a ustedes ya no estoy" (Caterina Caselli), " Trípoli 69
"(Patty Pravo)," México y nubes "(Enzo Jannacci)," Génova
para nosotros "y" Onda su onda "(Bruno Lauzi), y muchas otras.
La propia carrera
discográfica de Paolo Conte comenzó en 1974, con su álbum debut, Paolo Conte.
Por primera vez, el público escuchó esa voz lánguida, caminando
despreocupadamente por la cuerda floja de la melodía, narrando fragmentos
poéticos de breves encuentros, repentinos entusiasmos y recuerdos nostálgicos.
Un año después, se lanzó un segundo LP (también llamado Paolo Conte) con otra
colección de canciones en la misma línea. Con estos dos discos Paolo Conte
había debutado en público como cantautor.
Obtuvo un amplio
reconocimiento público en 1979 con Un Gelato Al Limon y Paris Milonga, que se
presentaron en 1981 en un “Conte Day” especial, organizado por el Club Tenco en
San Remo. El año siguiente vio la edición de Appunti Di Viaggio, una colección
de canciones que proporcionaba un rico repertorio de canciones de concierto.
Paolo Conte
volvió a ser el centro de atención en 1984 con su primera grabación CGD, un
álbum con el conocido título de Paolo Conte, que recibió críticas entusiastas.
Siguió este lanzamiento con una serie de conciertos exitosos en el Théâtre de
Ville de París, recibiendo elogios de la crítica en toda Francia. Luego terminó
su gira con conciertos con entradas agotadas por toda Italia. La atmósfera
entusiasta de esta gira se capturó en un álbum doble en vivo, titulado Concerti
lanzado en 1985.
Con el
lanzamiento de otro disco doble, Aguaplano, en 1987, Paolo amplía su abanico
artístico, introduciendo nuevos elementos en su obra. Con el lanzamiento de
"Aguaplano", Paolo realizó una gira por el extranjero tocando en
Canadá, Francia, Holanda (donde recibió discos de oro y platino), Alemania,
Bélgica, Austria, Grecia y España, sin mencionar dos noches en el histórico
Blue de Nueva York. Note Club Después de la gira, se lanzó un álbum en vivo (Live)
grabado en el Spectrum de Montreal, y un video (Nel cuore di Amsterdam) grabado
en Theâtre Carré.
Después de una
breve pausa, Paolo Conte lanzó un nuevo álbum, Parole D'amore Scritte A
Macchina (1990), que introdujo un nuevo conjunto de canciones compuestas recientemente
y reveló otro lado de Paolo Conte, un nuevo enfoque musical que incluía
coristas y experimentación electrónica.
El retrato de
Paolo Conte en la portada del disco fue obra de Hugo Pratt, un amigo. En 1982,
Conte escribió la música para la representación teatral de Corto Maltese. Ese
mismo año, Hugo Pratt ilustró 20 de las canciones de Paolo Conte para un libro
que le dedicó el editor Lato Side.
Además de su
éxito como artista discográfico, Paolo Conte también es reconocido como una
figura destacada en la escena cultural y literaria. En 1991 recibe el premio
Librex-Guggenheim “Eugenio Montale per la poesia”, en la categoría “Versos para
la música”.
El siguiente
álbum, Novecento (octubre de 1992), marcó un regreso a un estilo más familiar,
el Conte vintage, de hecho. Las experimentaciones de "Parole D'amore"
se habían dejado de lado en favor de una espléndida banda capaz de sugerentes
ecos de jazz y musicales como comentarios sobre los famosos ritmos, melodías y
letras de Conte: ritmos elegantes, seductores o incluso borrachos que se
tambalean en el jazz caliente. , o tangos de bar; música de recuerdos a medias
verdaderos, a medias sueños; fragmentos poéticos de colores, imágenes y
fantasías.
La importancia de
los conciertos de Conte se muestra en el álbum doble "Concerti" en
1985 y "Paolo Conte Live" en 1988, así como en dos cintas de vídeo
"Nel Cuore Di Amsterdam" (1989) y "Live In Montreux"
(1991), luego por su CD de 19 pistas llamado Tournée , una selección de
actuaciones grabadas en vivo en 1991, 1992 y 1993.
En 1993,
Allemandi publicó una colección de sus canciones, “Le Parole di Paolo Conte”.
En 1995 lanzó Una
Faccia In Prestito, en la que trabajó en estrecha colaboración con el bajista
Jino Touche, el percusionista Daniele Di Gregorio y el acordeonista y
multiinstrumentista Massimo Pitzianti con contribuciones en temas individuales
de otros miembros de su banda.
La colección The
Best Of Paolo Conte se publicó en Europa en 1996. Las 20 canciones incluidas en
el álbum conforman la primera antología verdadera de la carrera de Conte:
canciones que tienen un lugar en la historia de la canción italiana: “Azzurro”,
“ Bartali ”,“ Genova per noi ”,“ Boogie ”y“ Via con me ”, todos interpretados
en el estilo instantáneamente reconocible de Conte. Además de las pistas más
conocidas, también se incluyen algunas de las favoritas del autor, entre las
que se encuentran “Neglected Colleagues”, “Max” y “Gong Oh”. En 1998, la
colección se lanzó por primera vez en los Estados Unidos bajo el sello
Nonesuch, y fue seguida por una gira de gran éxito (Nueva York, Boston, Los
Ángeles, San Francisco). The Best of Paolo Conte fue votado como récord
del año por The New Yorker y Rolling Stone.
En 1998, un nuevo
álbum doble en vivo, Tournée 2, continuó donde lo dejó el anterior álbum
“Tournée”, y fue publicado en respuesta a las solicitudes entusiastas y
repetidas del público. Ninguna de las pistas de este álbum doble se había
lanzado previamente como versiones en vivo. Temas como el instrumental “Swing”,
“Legendary”, “Irresistible” (con voz de Ginger Brew), “Roba da Amilcare” y
“Nottegiorno” aparecen por primera vez en el disco.
En 1999 fue
nombrado “Cavaliere di Gran Croce” de la República de Italia.
En noviembre de
2000, Razmataz fue lanzado con gran éxito de crítica en Europa en CD y DVD (con
un montaje de 1800 dibujos de Conte acompañados de música y diálogos). Este es
un boceto para una 'revista' musical ambientada en el París de la década de
1920, el lugar de encuentro de las vanguardias europeas y la nueva música
negra. Conte pasó dos años de gira por Europa con conciertos con entradas
agotadas que incluyen canciones de su proyecto, a veces combinadas con
exposiciones de sus dibujos.
Paolo Conte
regresó a los Estados Unidos nuevamente a fines de febrero y principios de
marzo de 2001 para una segunda gira por América del Norte tocando en grandes
salas de conciertos en Nueva York, Washington DC, Boston, Chicago, San
Francisco y Los Ángeles.
En mayo de 2001
en Francia fue nombrado "Chevalier dans l'ordre des arts et letters".
También recibió
un título honoris causa en literatura moderna de la Universidad de Macerata en
2003, donde pronunció una conferencia titulada “Los tiempos de inspiración”: la
tarde. La motivación oficial del premio expresa en el mejor de los casos todo
el refinamiento de la obra y el arte de toda la vida de Paolo Conte:
"Por haber
traducido a un lenguaje totalmente original, de gran textura textual y poética,
tipos, lugares, situaciones, historias y atmósferas de aspectos del imaginario
contemporáneo".
En abril de 2003,
se lanzó Reveries en todo el mundo, una colección de 16 canciones clásicas de
Conte, 12 de las cuales fueron regrabadas y reorganizadas para acercarlas al
estilo de interpretación de sus muy apreciados conciertos.
Después de haber
sido lanzado en Estados Unidos por Nonesuch, el álbum también fue publicado en
el resto del mundo.
2003 fue también
el año en el que se publicó un estuche dedicado a Paolo Conte como parte de la
serie Einaudi Parole e Canzoni. Esto incluyó el libro "Si Sbagliava da
Professionisti", en el que Conte hizo comentarios raros sobre algunas de
sus canciones. La introducción está escrita por Andrea Camilleri y la ganadora
del Oscar Nicola Piovani. La caja también contiene un DVD, producido por Renzo
Fantini, en el que Paolo Conte habla de su arte en una larga entrevista en
video, otro hecho poco común.
Nueve años
después de su último álbum de nuevas canciones, Elegía fue lanzado en 2004, con
13 nuevos temas del cantautor Asti. Un disco de gran madurez artística, por la
calidad poética y musical de las canciones que son verdaderamente originales en
cuanto a composición. En una búsqueda de expresividad artística esencial, Conte
canta sobre la elegía de la vida, o mejor, de una vida que vale la pena vivir.
En 2005 se lanzó
Paolo Conte Live Arena di Verona en CD y DVD. El tracklist es el mismo en ambos
(el concierto en la Arena de Verona), con las mismas canciones, ocho de las
cuales no estaban disponibles en versión en directo: las seis de
"Elegia" más "La Donna d'Inverno" y " Jugar". El
CD también contiene una nueva canción, “Cuanta Pasión”, grabada en estudio con la
contribución del guitarrista Mario Reyes de la familia Gypsy Kings y de la
cantante española Carmen Amor.
El 24 de mayo de
2007 obtuvo el título honoris causa en pintura por la Academia de Bellas Artes
de Catanzaro, donde impartió una conferencia titulada “Razmataz - La Bellissima
Negritudine”.
El 25 de junio de
2008, el concierto “Paolò Symphonique” hizo su debut en Lyon, Francia. Este fue
un proyecto musical propuesto por el Auditorio de Lyons y la Orquesta Nacional
de Lyons dirigida por Bruno Fontaine.
Cada concierto
incluye una primera parte con Paolo Conte actuando con su histórico grupo y una
segunda parte en la que se les une la gran Orquesta Sinfónica. El repertorio
incluye muchas canciones conocidas y algunas nuevas. Tras el debut en Lyon, las
primeras fechas de esta nueva aventura musical son el 31 de julio de 2008 en
Atenas con la Orquesta Sinfónica de la Radio TV Griega (ERT) y el 5 y 6 de
septiembre de 2008 en París con la Orquesta Nacional de Ile de France y en
Venecia. Como fecha única en Italia: 31 de julio de 2009 Piazza San Marco.
El 5 de
septiembre de 2008 se presentó a la prensa el nuevo disco de Paolo Conte,
Psiche. Producido por Renzo Fantini para Platinum y distribuido mundialmente
por primera vez por Universal, el álbum contiene 15 canciones nuevas y es
verdaderamente fuera de lo común, una de las más importantes de la carrera de
Paolo Conte. Entre Amor y Psique, el Maestro elige Psique porque es más
terrenal y sobre todo tiene más cuentos que contar. Las canciones del álbum
parecen creadas para la contemplación, como si estuvieran frente a una pintura
maravillosa. Recordando otra de las grandes pasiones de Paolo Conte, la
pintura, en el caso de Psiche podríamos hablar de canciones pictóricas.
El 11 de octubre
de 2010 se presentó a la prensa internacional el nuevo disco Nelson de Paolo
Conte .
El álbum,
dedicado a Renzo Fantini, ha sido producido por Rita Allevato para Platinum y
distribuido mundialmente por Universal. El álbum contiene canciones en
italiano, francés, español y napolitano. Una nueva elección estilística del
autor para 'colorear' la música, creando una atmósfera única a través del
sonido de la palabra.
El 25 de enero de
2011, Paolo Conte recibió el honor más importante otorgado por la ciudad de
París: la Grande Médaille de Vermeil.
El 8 de noviembre
de 2011, la nueva antología de Paolo Conte, Gong-Oh, fue lanzada en todo el
mundo.
El álbum contiene
una colección de 17 canciones clásicas de Conte, una nueva canción La musica è
pagana y una regrabación de la famosa Via con me.
En junio de 2014
se ha estrenado Paolo Conte The Platinum Collection, una gran nueva colección
con motivo del cuadragésimo aniversario del lanzamiento del primer disco en el
que el artista se presenta a lo largo de su carrera a través de 51 grandes
éxitos.
En octubre de
2014 se lanzó Snob, producido por Rita Allevato para Platinum y distribuido
mundialmente por Universal.
El álbum contiene
15 nuevas canciones: un regreso a los orígenes de la música y textos que han
hecho de Paolo Conte un artista apreciado en todo el mundo. Un retorno que es
también, inevitablemente, evolución e investigación en curso; exploración de
paisajes sonoros y palabras que, como los viejos trouvailles, además de revelar
significados insólitos, son formados en imágenes y sonidos pictóricos.
El 14 de octubre
de 2016 se lanzará Amazing Game, su primer álbum de música instrumental,
producido por Rita Allevato para Platinum y distribuido mundialmente por Decca.
El álbum consta
de grabaciones realizadas en distintas épocas (desde los años 90 hasta la
actualidad), para bandas sonoras de producciones teatrales y con fines de
estudio y experimentación. Muchas partituras destacadas y mucha improvisación.
A continuación,
celebramos su cumpleaños, con uno de sus éxitos: Via Con Me.
Elizabeth Neville, más conocida como Elizabeth
"Libba" Cotten, nació en Chapel Hill, Carolina del Norte, Estados
Unidos, el 5 de enero de 1895, y murió en Siracusa, Nueva York, Estados Unidos,
el 29 de junio de 1987. Cantante, guitarrista y compositora.
Lugar de nacimiento Chapel Hill, Orange County, North
Carolina, Estados Unidos
Fallecido 29 Junio 1987 (con 92 años)
Una de las artistas más influyentes del revival del
folk-blues de los '60. Dueña de una frágil, vaciante y exquisita voz, y una
herodoxa forma de tocar la guitarra fue inspiración para generaciones de
guitarristas acústicos que le siguieron los pasos.
Cotten nació en Chapel Hill, Carolina del Norte a principios
de 1893, su padre era minero y su madre sirvienta y lavandera. Comenzó con el
banyo a los ocho años para luego pasar a la guitarra de su hermano, que tomaba
a escondidas acostándola sobre su regazo mientras iba construyendo su
particular estilo. Es que Cotten es zurda y al aprender con una guitarra para
derechos las cuerdas le quedaban invertidas. Llama mucho la atención verla
tocar y su sonido es en verdad único. A los doce años estaba trabajando como
empleada doméstica ayudando a su madre y tres años más tarde se casaba y daba a
luz su primer hijo. Se unió a la Iglesia y dejó casi por completo la guitarra
tocando solo en raras ocasiones durante los siguientes 25 años. Sin embargo una
serie de extraños acontecimientos la llevó a tener que mudarse a Washington
principios de 1940 y por casualidad conoció en un negocio a la familia del
legendario Charles Seeger quienes le propusieron empleo como doméstica cuidando
a sus hijos Pete, Peggy y Mike.
El trabajo con los Seegers hizo que Cotten se involucrara de
nuevo con la música y además la animaron a grabar, sobretodo Mike quien le
produciría su primer disco en 1957 cuando ella tenía 66 años. El disco fué
editado por sello Folkways y se llamó "Folksongs and Instrumentals".
Una de las canciones, "Freight Train", que Cotten había compuesto
cuando solo tenía 11 años, se convirtió en un "top five" en el Reino
Unido y le aseguró sendos conciertos, convirtiendose en la canción principal de
los festivales folk de la década del 60, dicho tema fue interpretado en vivo
por artistas como Greateful Dead y Bob Dylan.
El gran interés en su música la movió a escribir nuevo
material que se plasmó en su segundo álbum. Sus presentaciones en vivo fueron
en aumento, y sus shows evolucionaron ya que al canto y guitarra le sumó
historias sobre su vida y también guiaba a la audiencia a cantar sus canciones.
Sus conciertos en el circuito folk fueron legendarias por su gracia, modestia y
sabiduria, sin mencionar su extraña habilidad con la guitarra A traves de los
años sumó más y más canciones de su juventud y por supuesto nuevo material.
Cotten no se retiró del trabajo como mucama sino hasta 1970. De hecho no se
dedicó activamente a las giras sinó hasta finales de esa década. Hacia el final
de su carrera obtuvo dos merecidos reconocimientos con un Grammy y el premio a
las Artes ("National Endowment for the Arts National Heritage Fellowship
Award"). Elizabeth Cotten falleció el 29, de Junio de 1987.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con Freight Train.
Hoy les presento el 1º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, dedicado a Josef Mysliveček con el Cuarteto de Cuerdas en Do Mayor, el
Coro Rendi Alle Selve, de la ópera Il Bellerofonte, la Sinfonía en Mi Bemol
Mayor, el Concierto para Flauta en Re Mayor, y el Concierto para Violonchelo en
Do Mayor.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Giovanni Giacomo Gastoldi nació en Caravaggio, Italia, en
1554 o 1555, y murió en Milán, Italia, el 4 de enero de 1609. Compositor y
maestro de capilla.
Nacimiento: c 1554 - Caravaggio, cerca de Cremona, Italia
Murió: 4 de enero de 1609
Giovanni Giacomo Gastoldi fue un compositor italiano. Se le
registra por primera vez en Mantua en 1572 como subdiácono en la Basílica
Palatina de S. Bárbara. Al año siguiente fue ascendido al cargo de diácono,
cargo que ocupó al menos hasta 1574. A fines de 1575, poco antes de ser
ordenado, se le concedió a Gastoldi una mansionaria en S. Bárbara. Desde
septiembre de 1579 hasta agosto de 1587 enseñó contrapunto a los novicios de la
basílica; los registros lo mencionan como cantante por primera vez en 1581. En
1582 el cardenal Carlo Borromeo solicitó que se le permitiera a Gastoldi
ingresar a su servicio en Milán; El duque Guglielmo Gonzaga respondió que de
ninguna manera se permitiría ser privado de los talentos de Gastoldi. Tanto en
ese año, como en 1585-1586, Gastoldi actuó como maestro di cappella en lugar de
Wert, que había caído enfermo; en 1588 sucedió a Wert como maestro di cappella,
cargo que mantuvo hasta su muerte. Para la interpretación de Il pastor fido de
Guarini, presentada en 1598, Gastoldi compuso el Ballo della cieca (II; ii), un
momento notoriamente difícil en la obra que había derrotado intentos anteriores
de producirla; La ambientación de Gastoldi fue publicada en su Quarto libro de
madrigali de 1602. Uno de sus últimos encargos en la corte fue componer música
para uno de los intermedi ideados para acompañar a L'Idropica de Guarini,
realizada en 1608 como parte de las extensas celebraciones del matrimonio del
príncipe Francesco Gonzaga con Margarita de Saboya. En su testamento Gastoldi
dejó su colección de música sacra al capítulo de S. Bárbara y sus ediciones de
madrigales a Fulvio Gonzaga, marqués de Vescovato y dedicatario de la Messe e
motetti… libro primo de 1607.
Las composiciones más populares de Giovanni Giacomo Gastoldi
durante su vida, y durante algún tiempo después de su muerte, fueron sus
ballettos, de los que publicó dos conjuntos: uno para cinco voces y otro para
tres. La colección de cinco voces, publicada en 1591, se reimprimió unas 30
veces, tanto en Venecia como en el norte de los Alpes (la última hasta 1657).
El éxito de estas obras debe atribuirse a su sencillez y sintonía. Se reparten
en dos secciones repetidas, cada una de las cuales termina con un estribillo;
sus texturas son fuertemente homofónicas y, según la portada, debían ser
cantadas, interpretadas y bailadas. Cada balletto lleva un título
característico (por ejemplo, Il Piacere, La Bellezza, Amor Vittorioso), pero no
hay ningún intento de representar estas características en la música y, de
hecho, sería difícil hacerlo dadas las limitaciones del género. El libro
termina con una mascherata de seis voces y un coro de ocho voces; ambos son
probablemente restos de obras teatrales. Los ballettos a tres voces, aunque se
reimprimían con menos frecuencia, seguían gozando de una enorme popularidad.
Están escritas en un estilo similar al de la colección anterior (que
efectivamente se conciben como tríos con las partes internas agregadas para
completar la textura), y al igual que ellos, estaban destinados a ser bailados.
La afición por los estilos de escritura más ligeros también es evidente en
otras publicaciones seculares como el Primo libro de madrigali a sei voci (que
concluye con otra pieza teatral, la Danza de pastoriescrito para dos coros a
cuatro voces) y los dos libros de canzonettas.
A pesar de la indudable popularidad de los ballettos, la
mayor parte de los esfuerzos de Giovanni Giacomo Gastoldi como compositor se
dirigieron a la composición de música sacra, algunos de los cuales también
gozaron de aceptación en el mercado. Este aspecto de su producción, a veces
pasado por alto, no solo refleja su carrera en S Barbara, sino también su
compromiso con el idealismo de la Contrarreforma, del tipo que propugna Carlo
Borromeo, con su énfasis en la accesibilidad. El Missarum quatuor vocibus liber
primus, por ejemplo, está diseñado para los recursos y capacidades de un coro
modesto, mientras que el Psalmi ad vesperas in totius anni, que se reimprimió
cinco veces, se basa en una mezcla de homofonía y contrapunto simple, y muestra
poco interés por la inflexión cromática, incluso en el De Profundis; este libro
incluye el ajuste Magnificat de séptimo tono de Wert y está dedicado al abad de
S Barbara. La homofonía también predomina en el Salmi intieri… libro secondo a
seis voces, a veces fusionado con pasajes falsobordone como en las Vísperas de
Monteverdi de 1610. El más popular de todos fue su Integra omnium solemnitatum
vespertina psalmodia, ajustes de los textos de salmos más frecuentes, que se
reimprimió hasta 1705. Los más simples son los salmos a dos voces de 1609, una
secuencia de 14 ajustes junto con un Magnificat, mientras que la colección de
1601 para ocho voces utiliza técnicas de doble coro y alternatim; una
especialidad de la práctica de S Barbara. Estas publicaciones sugieren que
Gastoldi apuntaba a un amplio mercado que incluía, como algo prioritario, coros
de modestas ambiciones. Los Messe e motetti, por otro lado, se describen
explícitamente como un monumento a la música interpretada en Porticuolo (ahora
Portiolo). Los contenidos son más grandiosos y vienen equipados con una
partitura de órgano.
A continuación, lo recordamos en el día de su fallecimiento,
con Vezzosette nymphe e belle, interpretado durante el Festival Gloria Domini
Concert Madrigal.
Henriette Sontag nació en Koblenz, entonces Sacro Imperio
Romano Germánico, actual Alemania, el 3 de enero de 1806, y murió en Tlalpan,
Ciudad de México, el 17 de junio de 1854. Soprano.
Henriette Sontag, nombre original Gertrud Walpurgis Sonntag,
(nacida el 3 de enero de 1806, Koblenz, P. [ahora en Alemania] - falleció el 17
de junio de 1854, Ciudad de México, México), ópera y soprano de concierto
alemana que gozó de gran aclamación tanto antes y después de una pausa de 19
años en su carrera.
Hija del actor Franz Sonntag y la cantante Franziska
Martloff Sonntag, recibió una formación teatral temprana e interpretó papeles
juveniles tanto en obras de teatro como en óperas en Alemania y en Praga, donde
su madre se mudó después de la muerte de su padre. Durante varios años estudió
en el Conservatorio allí, haciendo su debut operístico adulta en 1821 como
princesa en Jean de Paris de François-Adrien Boieldieu. Después de escucharla
actuar en La donna del lago de Gioacchino Rossini en Viena en 1823, Carl Maria
von Weber le pidió que creara el papel principal en su Euryanthe. La
presentación de estreno más tarde ese año fue un triunfo tanto para el cantante
como para el compositor. En 1824 cantó los estrenos de la Novena Sinfonía y
Missa Solemnis de Ludwig van Beethoven en Viena y durante los años siguientes
realizó una gira por Berlín, París, Londres y la mayoría de los otros grandes
centros europeos.
En 1828, Sontag se casó en secreto con el conde Carlo Rossi
de Cerdeña, cuya carrera diplomática como embajador en La Haya se vio
comprometida por el matrimonio hasta que el rey de Prusia le otorgó una patente
de nobleza. Después de que el matrimonio fuera reconocido públicamente en 1830,
cedió a las presiones de los compañeros de su marido y renunció al escenario.
Durante 19 años apareció raramente en conciertos privados y benéficos. En 1849,
sin embargo, la agitación política en Cerdeña puso fin tanto a la carrera diplomática
de su marido como a la jubilación de Sontag. Aceptó un contrato de seis meses
para cantar en el Her Majesty's Theatre de Londres y luego realizó una gira por
Gran Bretaña y Francia. En 1850 creó el papel de Miranda en La tempesta de
Fromental Halévy. En Londres y, tras una gira triunfal por Alemania, se
trasladó en 1852 a Estados Unidos. Hizo su última aparición, como Lucrezia
Borgia en la ópera Gaetano Donizetti, durante una gira por México, donde
sucumbió al cólera durante una epidemia.
James Cecil Dickens, más conocido como Little Jimmy Dickens, nació en Bolt, Virginia Occidental, Estados Unidos, el 19 de diciembre de 1920, y murió en Nashville, Tennessee, Estados Unidos, el 2
de enero de 2015. Cantante.
James Cecil Dickens irrumpió en la escena de la música
country nacional a finales de la década de 1940, con una serie de novedosas
canciones humorísticas tipificadas por "Take an Old Cold 'Tater (and
Wait)" (1949), "I'm Little but I" m Loud ”(1950),“ Country Boy
”(1949) y“ A-Sleeping at the Foot of the Bed ”(1950).
NACIMIENTO: 19 DE DICIEMBRE DE 1920 - MUERTE: 2 DE ENERO DE
2015
LUGAR DE NACIMIENTO: BOLT, VIRGINIA OCCIDENTAL
Su pequeña estatura física (cuatro pies, once pulgadas), su
gran voz y su estilo atrevido lo convirtieron en uno de los favoritos de los
fanáticos del country desde hace mucho tiempo.
Nacido en el seno de una gran familia de West Virginia,
Dickens obtuvo su primera experiencia en la radio en la estación de radio local
WJLS en Beckley, con artistas como Mel Steele, Molly O'Day y Johnnie Bailes.
Durante la década de 1940, Dickens presentó sus propios programas de radio en
lugares como Fairmont, West Virginia; Indianápolis; Cincinnati; Topeka; y
Saginaw, Michigan. Roy Acuff lo escuchó por primera vez en Cincinnati, en 1947,
y lo llamó la atención tanto de los funcionarios de Grand Ole Opry como de Art
Satherley en Columbia Records. Después de apariciones especiales en el Opry,
Dickens firmó con Columbia el 16 de septiembre de 1948 y se unió al Opry poco
después. Logró el éxito rápidamente, en el estudio y en el escenario de Opry.
En el Opry, Hank Williams le dio a Dickens el apodo de
Tater, del éxito de Dickens "Take an Old Cold 'Tater (and Wait)".
Poco después de unirse al programa, Dickens se hizo cargo de la banda de Paul
Howard, que incluía a los guitarristas Jabbo Arrington y Grady Martin (más
tarde, Jimmy "Spider" Wilson y Howard Rhoton), y al bajista Bob
Moore. Llamada Country Boys, la banda de Dickens se hizo conocida por su
maestría musical de primer nivel y por su sonido pionero de guitarra gemela.
Más tarde, Dickens contrató al joven guitarrista de acero Buddy Emmons y al
guitarrista Thumbs Carllile.
"Jimmy quería un tono específico de las
guitarras", recordó Rhoton en 1997, para las notas del liner de la caja de
Bear Family, Country Boy. “Jimmy estaba
muy consciente de lo que estaba pasando todo el tiempo. Le gustaba el tipo de
respaldo de una sola cuerda y hot-licks, mientras cantaba las cosas de ritmo
rápido. Era el único artista en aquellos días con el que podías tocar de esa
manera".
El sonido innovador e instantáneamente identificable de
Dickens y los Country Boys atrajo a muchos oyentes de radio a la señal WSM-AM
(650) los sábados por la noche.
"Enciendan todas sus radios, sé que esperarán",
suplicó el rey del bluegrass Jimmy Martin en "Grand Ole Opry Song",
un disco de 1956 que Martin regrabó como la primera pista del clásico álbum de
1972 de Nitty Gritty Dirt Band. ¿No se
romperá el círculo? "Escuche al pequeño Jimmy Dickens cantar 'Take an Old,
Cold' Tater and Wait '".
“Grand Ole Opry Song” también reconoció a grandes del
country como Bill Monroe, Minnie Pearl y Ernest Tubb. Con la muerte de Dickens,
Martin y los veintidós artistas de Opry mencionados en la canción se han ido.
Dickens no solo influyó en el sonido de la música country,
también tuvo un impacto en su sentido de la moda. En 1949, se convirtió en la
primera persona del Opry en usar un traje diseñado por el sastre con sede en
Los Ángeles, Nudie Cohn. A principios de la década de 1950, Cohn adornó algunos
trajes de Dickens con pedrería y Dickens se convirtió en la primera estrella de
Opry en brillar.
A finales de la década de 1950, Dickens grabó algunos temas
de rockabilly, incluidos "Salty Boogie", "Blackeyed Joe's"
y "(I Got) a Hole in My Pocket" (más tarde un éxito de Ricky Van
Shelton). Otros números novedosos conocidos de Dickens incluyen "Hillbilly
Fever", "Bessie the Heifer", "Hot Diggity Dog" y
"Cold Feet". También interpretó baladas románticas, como "Sólo
tengo que verte una vez más" y "El ramo de mi corazón", pero sus
éxitos novedosos los eclipsaron.
Después de su éxito # 9 con Boudleaux y "Out Behind the
Barn" de Felice Bryant en 1954, Dickens no colocó otra canción en la lista
de países hasta "The Violet and a Rose", en 1962. Dejó el Opry para
hacer una gira con Philip Morris Country Music Show en 1957, pero regresó en
1975. Su mayor éxito llegó en 1965 con una nueva canción novedosa, "May
the Bird of Paradise Fly Up Your Nose", que alcanzó el puesto n.° 1 y pasó
al n.° 15 en el pop listados. A partir de entonces, Dickens colocó sencillos de
Columbia regularmente en las listas, hasta 1972. Se mudó a Decca Records en
1967 y a United Artists en 1971. De sus canciones posteriores, "Country
Music Lover" en 1967 tuvo la clasificación más alta en las listas, pero
junto con sus clásicos novedosos, la recitación sentimental "Raggedy Ann
(Has sido toda una muñeca)" conservó la mayor popularidad entre sus fans.
En el nuevo siglo, Dickens estaba entre los artistas más
conocidos y queridos de Opry, y se desempeñó como embajador del programa,
presentando segmentos, celebrando la corte en su camerino y, a veces,
incorporando nuevos miembros a la familia Opry. (Para incorporar a Trace Adkins
de seis pies y seis pulgadas cara a cara en 2003, Dickens se subió a una
escalera de mano). Se hizo amigo de la estrella del country contemporáneo Brad
Paisley, apareciendo a menudo en los videos de Paisley y en cameos cómicos
durante el Paisley. -presentaba los premios CMA y grababa temas de comedia en
los álbumes de Paisley como miembro de “Kung Pao Buckaroos”, con George Jones,
Bill Anderson y otros.
El locutor de Grand Ole Opry y personalidad en el aire de
WSM, Eddie Stubbs, escribió extensas notas en la caja de Country Boy,
examinando las contribuciones descomunales del hombrecito. “Jimmy Dickens es,
sin lugar a dudas”, escribió Stubbs, “uno de los más grandes artistas, showmen,
maestros de ceremonias, embajadores de buena voluntad, troupers, cantantes de
melodías novedosas e intérpretes de baladas country que la industria de la
música country haya conocido. "
- Ivan M. Tribe y Peter Cooper
A continuación, lo recordamos en el día de su fallecimiento,
con uno de sus éxitos: May The Bird Of Paradise Fly Up Your Nose.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Mietek Stupnik, un canto a la vida
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Mietek Stupnik, nació en Zambrow, provincia de Bialystok, el 15
de febrero de 1917, en el seno de una familia judía. Cuando estalló la guerra
Mietek, junto a dos de sus hermanos se refugiaron en los bosques de Budy
Pniewskie. Las heladas, los peligros, las persecuciones no pudieron vencer su
deseo de sobrevivir. Gracias a la ayuda de campesinos polacos lograron salvar
sus vidas y emprender un nuevo camino en la Argentina.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Carlos Prieto (Ciudad de México, 1 de enero de 1937) es un
violonchelista, escritor y académico mexicano.
Prieto comenzó a tocar el violonchelo a los cuatro años,
estudiando con el chelista húngaro Imre Hartman, y posteriormente con Pierre
Fournier en Ginebra y Leonard Rose en Nueva York. Después estudió ingeniería y
economía en el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT). Hizo estudios de violonchelo en
la Universidad Estatal de Moscú.
Se ha dedicado a la música, llegando a convertirse en uno de
los chelistas más respetados. Interpreta con frecuencia las obras compuestas
para él mismo por otros compositores latinoamericanos, estadounidenses y
europeos. Prieto toca un
violonchelo Stradivarius, llamado Piatti por Carlo Alfredo Piatti, y que el
propio intérprete apoda
afectuosamente Chelo Prieto. Es promotor de la música contemporánea para
violonchelo de compositores de América Latina, Estados Unidos y Europa. Aparte
de su exitosa carrera como chelista, Carlos Prieto también es un destacado
escritor.
Fue amigo durante muchos años de Igor Stravinsky. Cuando
Stravinsky regresó por primera vez a Rusia en 1962, tras cincuenta años de
ausencia, Prieto, que en ese momento estaba estudiando en ese país, lo acompañó
durante su histórica estancia en Moscú. Conoció también a Shostakovich y ha
estrenado su Concierto No. 1, Opus 107, en diversas ciudades de México y
España.
Miguel León-Portilla, Eduardo Lizalde y Ramón Xirau
propusieron a Carlos Prieto para ser miembro de número de la Academia Mexicana
de la Lengua, de esta forma, fue elegido el 13 de enero de 2011 para ocupar la
silla XXII, tomó posesión de la misma el 26 de enero de 2012 en la sala Manuel M.
Ponce del Palacio de Bellas Artes. Su discurso de ingreso fue "Variaciones
sobre Dmitri Shostakóvich y
otras consideraciones", el cual fue respondido por Miguel León-Portilla.
Durante la ceremonia ofreció un concierto a los asistentes interpretando la
obra sonata de Shostakovich para violonchelo y piano y la obra "Solfa de
Pedro" del compositor novohispano Manuel de Sumaya.
Ha tocado con orquestas tales como la Royal Philharmonic
Orchestra de Londres, la Orquesta Sinfónica de Berlín, la Orquesta de cámara de
Europa, la Orquesta Nacional de España,
la Orquesta de Radio Televisión
Española, la Orquesta de Cámara de Moscú, la Camerata de San Petersburgo,
la American Symphony Orchestra, la Orquesta Nacional de Irlanda, la Orquesta
Nacional de Buenos Aires, la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela y
muchas más. Ha sido invitado a muchos de los más importantes teatros mundiales:
el Carnegie Hall y el Lincoln Center de Nueva York, Kennedy Center de
Washington; Symphony Hall de Boston; Dorothy Chandler Pavilion de Los Angeles;
Roy Thomson de Toronto; Barbican Hall y Wigmore Hall de Londres; Salle Gaveau y
Salle Pleyel de París; la Sala de la Filarmónica de San Petersburgo; el
Conservatorio de Moscú; el Auditorio Nacional de Madrid; la Sala Ferenc Liszt de Budapest; la gran Sala de
Conciertos de Pekín; el
Centro Artístico de Shanghái; los festivales de Europalia,
Granada, Berlín, Beijing etc.
Es también miembro del Consejo Asesor de Música y Teatro del
Instituto Tecnológico de Massachusetts, del Consejo Asesor de las Bellas Artes
de la Universidad de Texas en Austin, miembro titular del Seminario de Cultura
Mexicana y miembro de número de la Academia Mexicana de la Lengua. Es creador
emérito del Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA). Fue Presidente de la
Fundación del Conservatorio de las Rosas, el más antiguo conservatorio del
continente americano. Cada tres años el Conservatorio de las Rosas, y el
Consejo Nacional para la Cultura y las Artes de México llevan a cabo el
Concurso de Violonchelo Carlos Prieto.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con su
interpretación de la Suite Nº 1 en Sol Mayor para Violonchelo BWV 1007, de Johann
Sebastian Bach.
A continuación, de Wolfgang Amadeus Mozart, el Concierto
para Piano y Orquesta Nº 21 en Do Mayor K. 467, en la versión de Ronald
Brautigam, y la Orquesta Filarmónica de los Países Bajos, dirigida por Edo de
Waart.
