Robin Trower

Robin Trower nació en Catford, Londres, Reino Unido, el 9 de marzo de 1945. Guitarrista, cantante y compositor.

El sitio www.robintrower.com publicó su biografía.

Pocos discutirían que el título del último álbum de Robin Trower –'No More Worlds To Conquer'– es un buen resumen de la huella que ha dejado en el universo musical. Pero, como él mismo nos recuerda, no debe malinterpretarse como que su misión está siendo cumplida. "Definitivamente siento que todavía estoy avanzando", considera, "con la guitarra, las canciones y todo lo demás".

Durante más de seis décadas, la carrera de Robin Trower no ha conocido límites. A sus 76 años, el guitarrista británico puede reflexionar sobre un recorrido en el que ha plantado banderas en toda la esfera musical y ha desempeñado todos los papeles imaginables. Ha sido la fuerza impulsora detrás de los íconos de los sesenta Procol Harum. La estrella solista transatlántica que llenó estadios estadounidenses con Bridge Of Sighs en 1974. El colaborador y miembro ocasional de un supergrupo. El compositor veterano cuyo último período aún rebosa de inventiva.

Con la voz y el bajo del fallecido Jim Dewar, junto con el asombroso trabajo de guitarra de Trower que ha influenciado a todos, desde Steve Lukather hasta Opeth, 'Bridge Of Sighs', disco de oro en ventas en Estados Unidos, es quizás su álbum estrella.

“En cada álbum hago lo mejor que puedo en ese momento. Creo que de eso se trata. Me fijo metas y cada canción tiene que estar a la altura de ellas”, reflexiona.

“Lo que suele pasar es que toco la guitarra por diversión y de repente surge una idea”, continúa. “Luego buscas una letra que surja de la música y mejore el estado de ánimo. Es maravilloso cuando has recorrido todo el camino desde el principio con la primera pequeña idea de guitarra que se convierte en una canción y, finalmente, consigues una pista terminada, y es algo así como lo escuchaste en tu cabeza”.

Volviendo a recurrir a su fiel equipo de herramientas compuesto por una Fender Stratocaster y un amplificador Marshall, el trabajo de Trower con la guitarra no tiene edad, ya sea en el duro corte de “Ball Of Fire”, “Losing You y Cloud Across The Sun”, o en los lentos y sordos wah de la canción principal y “Deadly Kiss”. “Cada canción tiene que funcionar como un sonido”, dice, “así como también como música y todo lo demás. Soy muy particular con los tonos de guitarra. Vuelvo loca a la gente, pero al final, vale la pena todo el esfuerzo”.

En “Waiting For The Rain To Fall”, la interpretación de Trower es cristalina como una gota de rocío, mientras que el doloroso final, “I Will Always Be Your Shelter”, ofrece un solo cuyo toque magistral es tan convincente como cualquier otra canción de su catálogo. “Ese es un verdadero punto culminante para la interpretación”, asiente. “Y 'Waiting For The Rain To Fall', creo que está influenciada por Tamla Motown. Es un poco descentrado para mí hacer una canción así. Pero creo que es algo potente. Espero que este álbum sorprenda a la gente”.

Una vez más, Trower también se ocupa del bajo, pero como sirviente de la canción por encima de su propio ego durante toda su vida, no dudó en contratar a otros músicos. “Livingstone Brown tocó el bajo en tres temas y Chris Taggart está en la batería”, explica. “Es un baterista maravilloso y ha hecho los últimos tres o cuatro álbumes. Y comencé a darme cuenta, después de intentar cantar estas canciones yo mismo, de que vocalmente no estaba a la altura. Richard Watts ha hecho un gran trabajo con las voces. Tiene un instrumento fantástico, un cantante con mucho sentimiento, y está dispuesto a hacer que las cosas sean exactamente como las escucho en mi cabeza. La otra gran cosa de tener a Richard es que hay bastantes canciones en este álbum que no podría tocar y cantar en vivo al mismo tiempo”.

“Fue difícil, pero me alegro de haberlo hecho”, considera. “Este álbum es una evolución. Espero que eso sea lo que siempre ocurre con mi música. Hay un gran paso entre Bridge Of Sighs y ahora. Es como todo. Cuanto más trabajas en algo, en teoría, mejor deberías ser. Y definitivamente siento que este álbum es una de las mejores cosas que he hecho nunca”.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Bridge of Sighs.

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El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Faivel Wichter.

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Faivel Wichter.

Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se emite por Radio Sefarad.

Faivel Wichter: el sol de primavera

TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON CECILIA LEVIT –Francisco (Faivel) Wichter nació en Maski, Polonia en 1926. Su padre era zapatero y su madre ama de casa. Tiene cinco hermanos y constituyen una familia numerosa y rica en tradiciones. Cuando estalla la guerra, la familia huye para encontrar diferentes escondites pero nada de esto podrá salvar sus vidas. Solo Feivel sobrevive a la Shoá gracias al empresario Oskar Schindler que le dio trabajo en la fábrica de cacerolas en Cracovia. Cuando acaba la guerra, llega a la Argentina con su esposa y allí comienza su segunda vida. Escribió su historia en un libro titulado “El Undécimo Mandamiento”. Falleció a los 99 años en febrero de 2025.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Tapio Rautavaara

Tapio Rautavaara nació en Nokia, Pirkkala, Finlandia, el 8 de marzo de 1915, y murió en Oulunkylä, Helsinki, Finlandia, el 25 de septiembre de 1979. Atleta, cantante y actor de cine.

El sitio www.allmusic.com/apor Jason Birchmeier

Biografía de Tapio Rautavaara por Jason Birchmeier

Tapio Rautavaara es una leyenda del canto finlandés con más de 300 canciones en su haber, cuya carrera discográfica se extendió desde 1946 hasta 1979. Nacido el 8 de marzo de 1915 en Nokia, Finlandia, saltó a la fama inicialmente como medallista de oro en lanzamiento de jabalina en los Juegos Olímpicos de Verano de 1948 en Londres. Al año siguiente cantó un par de sencillos de éxito, "Reissumies ja Kissa" y "Päivänsäde ja Menninkäinen". Había comenzado su carrera como cantante unos años antes, en 1946, pero no había conseguido un sencillo de éxito hasta 1949, en parte gracias a su nueva celebridad como medallista de oro olímpico. Su mayor éxito se produjo a principios de los años 50, cuando publicó algunos de sus grandes éxitos, entre ellos "Kulkuri ja Joutsen", "Isoisän Olkihattu", "Ontuva Eriksson", "Sininen Uni" y "Juokse Sinä Humma". Mientras tanto, también fue una estrella en la pantalla grande, habiendo debutado en el cine como actor en 1945 con Vain Sinulle. Al igual que con su canto, su mayor éxito como actor fue durante la década de 1950, cuando protagonizó una larga lista de películas. Aunque Rautavaara pasó de moda durante la revolución cultural de los años 60, se mantuvo activo durante esa década y la siguiente. De hecho, estuvo activo hasta su muerte el 25 de septiembre de 1979, en Helsinki; sufrió una hemorragia cerebral después de una caída. La trágica muerte de Rautavaara enriqueció su legado como icono finlandés y, en años posteriores, su catálogo anterior se reeditó una y otra vez en una serie de recopilaciones de grandes éxitos y exhaustivas cajas para coleccionistas. Las más notables de estas recopilaciones posteriores son En Päivääkään Vaihtaisi Pois - Sata Levytystä Vuosilta 1946--1979 (1995), una caja de cinco CD reeditada para su reedición en 2004, y Kulkurin Taival (2008), una gigantesca caja de 14 CD.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Juokse sinä humma.

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Wolfgang Amadeus Mozart. Cuarteto con Piano Nº 1 en Sol Menor K. 478. James Weaver, en fortepiano; Jaap Schröder, en violín; Judson Griffin, en viola; y Kenneth Slowik, en violonchelo.

A continuación, de Wolfgang Amadeus Mozart, el Cuarteto con Piano Nº 1 en Sol Menor K. 478, en la versión de James Weaver, en fortepiano; Jaap Schröder, en violín; Judson Griffin, en viola; y Kenneth Slowik, en violonchelo.

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Townes Van Zandt

Townes Van Zandt nació en Fort Worth, Texas, Estados Unidos, el 7 de marzo de 1944, y murió en Nashville, Tennessee, Estados Unidos, el 1 de enero de 1997. Cantautor y guitarrista.

El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por Kurt Wolff.

Biografía de Townes Van Zandt

Con una voz discreta que rebosaba silenciosamente de melancolía, humor y perspicacia, Townes Van Zandt fue un icono de la composición de canciones estadounidense. Sus canciones se convertirían en éxitos para otros artistas, pero los problemas de abuso de sustancias, los problemas con las discográficas y la mala suerte en general hicieron que pasara la mayor parte de su vida como una figura de culto en el mejor de los casos, vagando por el mundo tocando en pequeñas salas hasta su temprana muerte a los 52 años. Van Zandt fue respetado y admirado por sus contemporáneos durante su vida, particularmente por una gran racha de discos que grabó a principios de los años 70, entre los que se incluyen High, Low and in Between y The Late Great Townes Van Zandt. Su legado crecería después de su muerte, con varios libros y proyectos documentales que examinan la trágica belleza que tocó tanto su arte como su vida.

Van Zandt nació en Fort Worth, Texas, el 7 de marzo de 1944. Su padre trabajaba en el sector petrolero y la familia se mudaba mucho (a Montana, Colorado, Minnesota, Illinois, entre otros lugares), lo que explicaba sus respuestas a veces vagas a las preguntas sobre su "origen". Pasó un par de años en una academia militar y un poco más de tiempo en la universidad en Colorado antes de abandonar sus estudios para convertirse en cantante de folk. (Van Zandt volvió a menudo a Colorado en los años siguientes y pasó veranos enteros, según dijo, solo en las montañas a caballo).

Vive en el Barrio Antiguo

Consiguió sus primeros conciertos remunerados en el circuito folk de Houston a mediados de los años 60, tocando en clubes como Sand Mountain y Old Quarter (donde en 1973 grabó uno de sus mejores álbumes, Live at the Old Quarter, publicado cuatro años después). Durante esta época conoció a cantantes como Guy Clark (que se convirtió en su amigo de toda la vida y compañero de gira habitual), Jerry Jeff Walker y la leyenda del blues Lightnin' Hopkins, que tuvo una gran influencia en la forma de tocar la guitarra de Van Zandt en particular.

Por el bien de la canción

Otro compositor de Texas, Mickey Newbury, vio a Van Zandt en Houston una noche y pronto le consiguió un concierto de grabación en Nashville (con Jack Clement como productor). Las sesiones se convirtieron en el álbum debut de Van Zandt, For the Sake of the Song, publicado en 1968 por Poppy Records. Los siguientes cinco años fueron los más prolíficos de la carrera de Van Zandt, ya que Poppy lanzó los álbumes Our Mother the Mountain, Townes Van Zandt, Delta Momma Blues, High, Low and in Between y The Late Great Townes Van Zandt. Estos incluían joyas como "For the Sake of the Song", "To Live's to Fly", "Tecumseh Valley", "Pancho and Lefty" y muchos más que lo han convertido en una leyenda en los círculos de composición de canciones estadounidenses y europeos.

En 1973, grabó sesiones que pretendían continuar con esta prolífica carrera. Las canciones iban a ser lanzadas como séptimo álbum Seven Come Eleven, pero las discusiones sobre facturas impagas entre su manager y el estudio finalmente resultaron en que el ingeniero del estudio nunca recibiera compensación por su trabajo y reaccionó borrando las cintas. En ese momento, Van Zandt ya había adquirido el hábito del consumo regular de heroína y el consumo problemático de alcohol, y sus tiempos productivos comenzaron a disminuir.

Zapatos voladores

Van Zandt se mudó a Nashville en 1976 a instancias de su nuevo manager, John Lomax III. Firmó un nuevo contrato con Tomato Records y en 1977 lanzó Live at the Old Quarter, un álbum doble (y el primero de varias grabaciones en vivo) que contenía muchas de sus mejores canciones. En 1978, Tomato lanzó Flyin' Shoes ; la larga lista de músicos en ese álbum incluía a Chips Moman y Spooner Oldham.

En mi ventana

Van Zandt no volvió a grabar durante casi una década, pero siguió de gira. Se mudó a Texas brevemente y volvió a Nashville a mediados de los 80. Durante esa década, sus canciones comenzaron a aparecer como versiones bien recibidas por artistas de country y folk. Merle Haggard y Willie Nelson tuvieron un éxito country número uno con "Pancho and Lefty" en 1983, y versiones de sus canciones también aparecieron en interpretaciones de Emmylou Harris, Jimmie Dale Gilmore, Nanci Griffith y muchos otros. En 1987, Van Zandt volvió al negocio con su octavo álbum de estudio, At My Window, que salió a la venta en su nuevo sello, Sugar Hill. Para entonces, la voz de Van Zandt había bajado a un registro más bajo, pero el tono desgastado y algo cansado de la carretera era tan puro y expresivo como siempre. Dos años después, Sugar Hill lanzó Live & Obscure (grabado en un club de Nashville en 1985), y dos álbumes en vivo más (Rain on a Conga Drum y Rear View Mirror) aparecieron en sellos europeos a principios de los 90. En 1990, Van Zandt realizó una gira con los Cowboy Junkies y escribió una canción para ellos, "Cowboy Junkies Lament", que apareció en el álbum Black Eyed Man del grupo (junto con una canción que los Junkies escribieron para él, "Townes Blues").

Canciones de carretera

Sugar Hill publicó Roadsongs en 1994, en el que Van Zandt versionó canciones de Lightnin' Hopkins, Bruce Springsteen, los Rolling Stones y otros, todas grabadas en el soundboard durante conciertos recientes. A finales de ese mismo año, Sugar Hill publicó No Deeper Blue, el primer álbum de estudio de Van Zandt desde 1987. Van Zandt lo grabó en Irlanda con un grupo de músicos irlandeses. Van Zandt cantó todas las canciones, pero solo tocó la guitarra en una.

Los últimos derechos: la vida y la obra de Townes Van Zandt

Un año y medio después del lanzamiento de No Deeper Blue, Van Zandt murió de un ataque cardíaco debido a años de abuso de sustancias el 1 de enero de 1997; tenía 52 años. Los lanzamientos póstumos incluyeron colecciones como Last Rights: The Life & Times of Townes Van Zandt y Anthology: 1968-1979, así como álbumes como Abnormal de 1998 y Far Cry from Dead del año siguiente, que incluían canciones inéditas.

Al principio...

En abril de 2003, el sello de Houston Compadre publicó una colección de demos de Van Zandt que datan de 1966, dos años antes de su debut oficial, con el título In the Beginning.... En 2004, llegó el documental dirigido por Margaret Brown Be Here to Love Me: A Film About Townes Van Zandt. Utilizando material de archivo y nuevas entrevistas con sus amigos, familiares y compañeros, la película inspeccionó la corta y turbulenta vida del cantante y las impresiones duraderas que dejó su música. A lo largo de la década de 2000, habría un resurgimiento del interés por la música y la enigmática vida de Van Zandt, impulsado por trabajos cinematográficos como Be Here to Love Me, así como varios libros y una gran cantidad de artículos de revistas y cobertura de prensa que revisaban el impacto de sus canciones y su historia. En 2019, se lanzó más material de archivo en forma de Sky Blue. Esta colección de demos se grabó en 1973 cuando Van Zandt estaba de viaje por Georgia e incluía dos canciones originales nunca antes escuchadas, así como versiones y originales que verían un lanzamiento adecuado en álbumes de estudio.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con If I Needed You.

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El Diario La Nación, en su edición digital, publicó este artículo de opinión firmado por Edgardo Zablotsky

 

El antisemitismo del silencio

• 6 de marzo de 2025
• 00:05
• 5 minutos de lectura

PARA LA NACIONEdgardo Zablotsky

Un cartel muestra la imagen de Shiri Bibas, cuando permanecía como rehén (AP Foto/Mahmoud Illean)Mahmoud Illean - AP

El 7 de octubre de 2023 marcó un quiebre. La masacre perpetrada por Hamas, con una brutalidad que no condice con la condición de ser humano, evocó los capítulos más oscuros de la historia. Sin embargo, lo que sucedió después fue igualmente revelador. Mientras muchos lo observaban con horror, otro fenómeno emergía, menos explícito pero no menos inquietante: el antisemitismo del silencio.

No se trata del antisemitismo burdo de quienes justifican o celebran la violencia contra quien es judío. Tampoco del que se manifiesta en pintadas, profanaciones de tumbas, ataques físicos o discursos inflamados, como los vergonzosos eventos acaecidos en prestigiosas universidades norteamericanas. Se trata de una forma más sutil, más insidiosa, pero igualmente corrosiva: el antisemitismo de quienes eligen callar.

En la Argentina, país con una de las comunidades judías más grandes del mundo, el silencio se hizo sentir con una intensidad dolorosa. Intelectuales, referentes sociales y políticos que, en otras circunstancias, no dudan en repudiar cualquier manifestación de violencia o discriminación, de pronto se tornaron esquivos. Muchos callaron ante la masacre de civiles israelíes, ante la toma de rehenes, ante las atrocidades documentadas por los propios perpetradores, aún ante un hecho puntual que emocionalmente podría haberlos afectado por su cercanía, como los sádicos asesinatos de Kfir y Ariel Bibas, un bebe de pocos meses y un pequeño, cuya única culpa fue haber nacido judíos.

El antisemitismo del silencio es particularmente peligroso porque, a diferencia del odio abierto, se disfraza de neutralidad, de equilibrio, o peor aún de afirmar que el antisemitismo no existe. Pero, ¿desde cuándo el asesinato de niños, la violación de mujeres y la tortura de ancianos son justificables? Es absurda la pregunta en sí misma; intentar justificar lo injustificable no es más que un ejercicio de hipocresía e insensibilidad.

Este silencio no es ingenuo ni inocente. Es un mensaje. Comunica que la vida judía tiene un valor relativo, que su sufrimiento es menos digno de ser repudiado, que su asesinato puede ser contextualizado.

El peligro del antisemitismo del silencio radica en su capacidad de normalizar lo inaceptable. Cuando las voces que deberían marcar un límite se apagan, los extremos avanzan. La historia nos ha mostrado repetidamente lo que ocurre cuando la indiferencia se convierte en la norma: la violencia se vuelve tolerable, el odio se institucionaliza y, finalmente, se traduce en acción.

¿Cómo enfrentarlo? La educación de nuestros niños y jóvenes es el único antídoto contra uno de los prejuicios más antiguos de la humanidad. El gobierno argentino, al decretar duelo nacional envió un mensaje claro: las atrocidades llevadas a cabo por Hamas no son un hecho más, sino un inimaginable crimen que debe ser recordado y repudiado.

Sin embargo, cabe preguntarse: ¿se explicó en las escuelas el motivo del duelo? ¿Se aprovechó la ocasión para reflexionar sobre el antisemitismo y sus peligros, o se optó pasar el tema por alto?

Lamentablemente, en muchas aulas, la respuesta ha sido el silencio. Si bien hubo excepciones, en gran parte del sistema educativo el duelo transcurrió sin explicación alguna. No hubo un esfuerzo sistemático por utilizar el contexto con el fin de educar sobre el antisemitismo. La omisión no puede ser vista como un simple descuido, tiene un significado en sí mismo.

Sin una enseñanza clara y comprometida, el antisemitismo seguirá reproduciéndose generación tras generación. No es un problema nuevo ni una mera cuestión coyuntural, es uno de los prejuicios más antiguos de la humanidad y que, como quedó en evidencia tras los ataques del 7 de octubre de 2023, sigue latente en el mundo y en nuestra propia sociedad. Si queremos que las nuevas generaciones crezcan en una cultura de respeto y tolerancia, las instituciones educativas deben asumir un rol fundamental en la enseñanza de la verdad histórica y la condena inequívoca de la barbarie.

Las escuelas tienen la responsabilidad ineludible de formar ciudadanos críticos, capaces de identificar y rechazar las manifestaciones del odio. Esto implica no solo estudiar el Holocausto como un evento histórico, sino también analizar el antisemitismo en sus distintas formas: el que se expresa abiertamente en ataques violentos y el que se oculta tras eufemismos, dobles estándares o indiferencia cómplice.

Hoy, más que nunca, es urgente que el sistema educativo aborde estos temas con seriedad y profundidad. Nuestros chicos y jóvenes deben aprender que la negación del sufrimiento judío, el silenciamiento de su dolor y la relativización de crímenes atroces son expresiones de antisemitismo. Deben comprender que la convivencia democrática se sustenta en el reconocimiento del otro, en la empatía y en la defensa intransigente de los derechos humanos.

No hay atajos ni soluciones mágicas, la educación es el único antídoto contra el antisemitismo. Solo la educación puede sentar las bases de una sociedad libre de prejuicios y de odios ancestrales. Depende de nosotros garantizar que las generaciones futuras no repitan los errores del pasado. Porque el antisemitismo no desaparecerá solo: es necesario combatirlo con memoria, con conocimiento y con una educación que no deje margen para la indiferencia.

El vergonzoso silencio no es una opción. No condenar el antisemitismo, en cualquiera de sus formas, es explícitamente justificarlo, es hora de admitirlo, pues está sucediendo hoy en todo el mundo y también en la Argentina, antes de que la indiferencia allane el camino a nuevas atrocidades.

No hay excusas ni margen para la neutralidad. Si la educación no asume su papel en la transmisión de la memoria y la condena del antisemitismo, las imágenes de Shiri, Kfir y Ariel Bibas, cuyas vidas fueron destruidas por una barbarie que no condice con la condición humana, se desvanecerán en el olvido. No debemos permitir que ello nunca suceda.

Miembro de la Academia Nacional de Educación y Rector de la Universidad del CEMA

Por Edgardo Zablotsky

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