Hola, soy Leonardo Liberman.
Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo efemérides y temas de interés general.
Podes mandarme tu comentario al E-mail elmiradornocturno@gmail.com
Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Johann Andreas Herbst nació en Núremberg, Alemania, fue bautizado
el 9 de junio de 1588, y murió en Fráncfort del Meno, Alemania, el 24 de enero
de 1666. Compositor y teórico musical.
En 1614 se convirtió en maestro de capilla en Butzbach, en
1618 en Darmstadt, y en 1623 en Fráncfort del Meno. Entre 1636 y 1644 regresó a
Núremberg, para ocupar el cargo de Kapellmeister de la Frauenkirche.
Posteriormente volvió a Fráncfort del Meno, donde permaneció hasta su muerte.
Su período más productivo fue durante su estadía en Núremberg y su regreso a
Frácfort del Meno, época en la que escribió sus tratados teóricos, Música práctica,
un manual sobre el arte del canto, con particular énfasis en el arte de la
ornamentación de buen gusto, y Música poética, un manual sobre el arte de la
composición que incluía ejercicios de contrapunto y de cómo musicalizar los
textos. Ambos fueron escritos en alemán y cubren temas de gran importancia para
los músicos. Durante ese tiempo compuso la mayor parte de su música sacra, como
motetes, cantatas, corales, entre muchas otras obras. Utilizó las técnicas
barrocas traídas de Italia por Hans Leo Hassler y Heinrich Schütz.
A continuación, recordamos a Johann Andreas Herbst, con Danket
dem Herrn a 12 voces, en la versión del Ensemble Weser-Renaissance Bremen, dirigido
por Manfred Cordes.
Hans Leo Hassler nació en Núremberg, Alemania, el 26 de
octubre de 1564, y murió en Fráncfort del Meno, Alemania, el 8 de junio de 1612.
Compositor y organista.
De familia de organistas, estudió con Friedrich Lindner y
Leonard Lechner. En 1584 viajó a Venecia para profundizar sus conocimientos con
Andrea Gabrieli. A fines de 1585, se dirigió a Augsburgo, donde ocupó el cargo
de organista de cámara de Octavian II Fugger. Esos años fueron muy prolíficos,
y su reputación como organista y compositor creció notablemente. En 1600 fue
nombrado Kappelmeister, pero su influencia fue limitada por ser él protestante
y la ciudad mayoritariamente católica. Gracias a sus conocimientos y habilidad,
se relacionó con muchos organeros, que lo llamaban para probar nuevos
instrumentos. Era conocida su pericia como diseñador de órganos, y diseñó un
órgano automático. A partir de enero de 1602, estaba en contacto con el
emperador Rodolfo II al que, en varias ocasiones, solicitó privilegios para los
órganos automáticos que había inventado, y éste lo nombró como Sirviente
imperial de primera clase. Entre 1604 y 1608 residió en Ulm. Posteriormente fue
organista de cámara del príncipe elector Christian II de Sajonia en Dresde. Desde
el punto de vista de la composición fue partidario de la asimilación del arte
italiano a la moda, al que le unía menos la expresividad del madrigal, que la
dulzura de la canzonetta y del ballet con canto. El estilo de sus lieder es sencillo
y lírico. En el campo de la música religiosa compuso varias obras como los Cánticos
espirituales, escritos al estilo de una fuga, los Salmos y canto cristiano,
compuesto a 4 voces, los Cantos de iglesia, salmos y canciones sagradas, a 4
voces, el responso de Navidad a 6 voces, Verbum caro factum est, entre muchas
otras.
A continuación, recordamos a Hans Leo Hassler en el día de
su fallecimiento, con Verbum Caro Factum Est, en la versión del Heritage HS
Concert Choir.
Jaime Laredo nació en Cochabamba, Bolivia, el 7 de junio de
1941. Violinista, violista y director de orquesta.
El sitio www.vso.org publicó
esta información
Jaime Laredo
Actuando durante más de seis décadas ante audiencias de todo
el mundo, Jaime Laredo se ha destacado en los múltiples roles de solista,
director, recitalista, pedagogo y músico de cámara. Desde su impresionante
debut orquestal a la edad de once años con la Sinfónica de San Francisco, se ha
ganado la admiración y el respeto del público, los críticos y los demás músicos
con sus actuaciones apasionadas y pulidas. Ese debut inspiró a un crítico a
escribir: '”En la década de 1920 fue Yehudi Menuhin; en la década de 1930 fue
Isaac Stern; y anoche fue Jaime Laredo. Su educación y desarrollo estuvieron
muy influenciados por sus maestros Josef Gingold e Ivan Galamian, así como por
el entrenamiento privado con los maestros eminentes Pablo Casals y George
Szell. A la edad de diecisiete años, Jaime Laredo ganó el prestigioso concurso
Queen Elisabeth of Belgium, lanzando su ascenso a la fama internacional. Con
2009 marcando el 50 aniversario de su premio, tuvo el honor de formar parte del
jurado para la ronda final de la competencia.
En la temporada 2015/2016, Laredo realizó una gira con su
esposa, la violonchelista Sharon Robinson, dando los estrenos europeos del
Concierto doble para violín y violonchelo de André Previn, con los comisarios
de la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen y la Orquesta de cámara sueca. Las
actuaciones norteamericanas de este trabajo recibieron elogios. 2015/2016
también incluyó la realización de compromisos con la Vermont Symphony, la
Westchester Philharmonic y en el Carnegie Hall con la New York String
Orchestra. 2016 marca el quinto año de la tenencia de Laredo en la facultad de
violín en el Instituto de Música de Cleveland. Laredo continúa de gira como
miembro del Kalichstein Laredo-Robinson Trio en un recital para actuaciones del
Triple Concierto de Beethoven. Entre sus numerosos premios, el trío fue nombrado
Musical America's Ensemble of the Year 2002.
En temporadas pasadas, Laredo ha dirigido y actuado con la
Sinfónica de Chicago, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Sinfónica de Seattle,
la Filarmónica de Los Ángeles, la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de
San Francisco, la Sinfónica de Pittsburgh, la Sinfónica de Detroit, la
Sinfónica de San Luis, la Orquesta de Cleveland y la Orquesta de Filadelfia
Entre muchos otros. En el extranjero, ha actuado con la London Symphony, la BBC
Symphony, la English Chamber Orchestra, la Academy of St. Martin-in-the-Fields,
la Royal Philharmonic y la Scottish Chamber Orchestra, que dirigió en dos giras
estadounidenses y en su debut en el Festival de Hong Kong. Sus numerosas
grabaciones con el SCO incluyen "Four Seasons" de Vivaldi, que se
mantuvo en las listas de éxitos de ventas británicas durante más de un año.
Durante quince años, Laredo fue violista del cuarteto de
piano formado por el reconocido pianista Emanuel Axe, el célebre violinista
Isaac Stern y el distinguido violonchelista Yo-Yo Ma, sus colegas cercanos y
colaboradores de música de cámara. Juntos, el cuarteto grabó casi todo el
repertorio de cuarteto de piano en el sello SONY Classical, incluidas las obras
de Beethoven, Mozart, Schumann, Fauré y Brahms, por las cuales ganaron un
premio Grammy.
Laredo ha grabado cerca de cien discos, recibió el Premio
Deutsche Schallplatten y recibió siete nominaciones al Grammy. Los discos de
Laredo en CBS y RCA han incluido las sonatas Bach completas con el fallecido
Glenn Gould y un álbum de dúos KOCH International Classics con la Sra. Robinson
con obras de Handel, Kodaly, Mozart y Ravel. Sus lanzamientos en el sello
Dorian incluyen los trabajos completos de Schubert para violín y piano con
Stephanie Brown, y Virtuoso !, una colección de violines favoritos codificados
con la pianista Margo Garrett. Laredo también ha grabado extensamente con el
trío Kalichstein-Laredo-Robinson. El lanzamiento más reciente del Trio sobre
Azica, "Passionate Diversions", incluye el Piano Trio, el Septeto y
el quinteto escrito para ellos por Ellen Taaffe Zwilich. Laredo también ha
lanzado un álbum con Sharon Robinson y la Vermont Symphony titulado
"Triple Doubles", que incluye tres conciertos dobles dedicados al
dúo.
Un proyecto reciente titulado "Two x Four" celebra
la relación entre el profesor y el alumno a través de la música. Con su colega
y ex alumna Jennifer Koh, Laredo interpretó los conciertos dobles de JS Bach,
Philip Glass y dos conciertos recién comisionados de los compositores Anna
Clyne y David Ludwig con Delaware Symphony, la orquesta IRIS, Chicago Symphony,
Vermont Symphony, Los Ángeles. Orquesta de Cámara, y la Orquesta Curtis. La
grabación de este aclamado proyecto fue lanzada por Cedille Records en 2014.
En la demanda mundial como director y solista, Laredo, quien
ocupó el cargo de Director Musical de la Orquesta Sinfónica de Vermont desde
2000, y completó su segunda temporada como Director Principal de la Filarmónica
de Westchester. En 2009, el Sr. Laredo y su esposa fueron nombrados Directores
Artísticos de la Serie de Música de Cámara Linton en Cincinnati, Ohio. Nacido
en Bolivia, Jaime Laredo reside en Guilford, VT y Cleveland, OH.
A continuación, celebramos el cumpleaños de Jaime Laredo,
que junto a Daniel Shapiro en piano, interpretan de Ludwig van Beethoven, la Sonata
para Violín y Piano Nº 10 en Sol Mayor Op. 96.
Maysa Figueira Monjardim, más conocida como Maysa Matarazzo,
o Maysa, nació en São Paulo, Brasil, el 6 de junio de 1936, y murió en Niterói,
Río de Janeiro, Brasil, el 22 de enero de 1977. Cantante, compositora y actriz.
El sitio www.ecured.cu publicó este
recordatorio
Maysa Matarazzo. A lo largo de su carrera realizó una
discografía con más de 25 álbumes, convirtiéndose en una de las artistas más
destacadas de la música popular brasilera y en el puente histórico entre el
samba-canción y la bossa nova.
Biografía
Nacio en el seno de una familia tradicional del Espírito
Santo que luego se mudó a Río de Janeiro.
En 1947 la familia se radicó en Bauru, en el interior del
estado paulista, hasta que más adelante volverían a instalarse en la capital
estatal. Era nieta del Barón de Monjardim, que fue cinco veces presidente de la
provincia de Espíritu Santo.
Estudió en el tradicional colegio paulista Assunção y en el
Sacré-Cœur de Marie, en São Paulo.
Se casó a los 17 años con el empresario André Matarazzo, a
su vez diecisiete años mayor que ella, amigo de sus padres y miembro de una
acomodada familia ítalo-brasileira, de cuya unión nació su hijo Jayme Monjardim
Matarazzo, quien de grande se hizo director de cine.
La cantante grabó el primer álbum, lanzado 20 de noviembre
1956 por RGE, que luego dejó de ser un estudio de jingles publicitarios
grabaciones para convertirse en uno de los sellos más importantes de Brasil.
Después de dos años de matrimonio, Maysa Matarazzo y Andrés,
que se opuso a la trayectoria artística de la esposa se separaron. El fin del
matrimonio profundamente sacudió la cantante, que lleva a depresión.
Se trasladó a Río de Janeiro, donde comenzó a relacionarse
con la "clase de bossa nova".
Tuvo varias relaciones amorosas, entre ellas, con el
compositor Ronaldo Bôscoli, el empresario español Miguel Azanza, el actor
Carlos Alberto, el maestro Julio Medaglia, entre otros.
En la década de 1970 incursionó en el mundo de las
telenovelas y del teatro, participando en producciones como O Cafona, Bel-Ami y
el espectáculo Woyzeck de Georg Büchner.
Desde 1972 vivía sola en una casa ubicada en la playa de
Maricá, donde pasaba los fines de semana.
Su muerte se produjo en un trágico accidente
automovilístico, precisamente cuando iba camino a su casa de la playa, a alta
velocidad. En una de sus últimas anotaciones personales en su diario había
escrito:
Hoy es noviembre de 1976, soy viuda, tengo 40 años, 20 de
carrera y soy una mujer sola.
¿Que dirá el futuro?
Estilo musical
Las canciones y composiciones que integraron el repertorio
fueron escogidas a medida de su timbre de voz, marcada por la melancolía y la
tristeza, al punto de tornarse emblemática del género fossa o samba-canción.
El género ha sido comparado con el bolero, por la exaltación
del amor-romântico o por el sufrimiento de un amor no correspondido. El legado
de Maysa, se encuentra entre la bossa nova y el samba-canción. compuso 30
canciones en una época en la que pocas mujeres componían.
Tenía un estilo de canto intimista, a partir de una técnica
gutural, de profunda tensión afectiva.
Entre sus interpretaciones antológicas se encuentran Chão de
estrelas Sílvio Caldas y Orestes Barbosa.
El estilo influenció fuertemente a su generación, haciéndose
notable en cantores y compositores, como Ângela Rô Rô, Leila Pinheiro, Fafá de
Belém, Simone, Cazuza y Renato Russo.
Carrera
En 1956 fue invitada por el productor Roberto Côrte-Real a
grabar un disco, durante una reunión familiar.
El disco tuvo un éxito considerable y fue difundido en las
radios paulistas y cariocas. Poco a poco, la carrera de Maysa fue tomando un
carácter profesional, hecho que afectó la relación con su marido André
Matarazzo y finalmente llevó al divorcio.
En 1957 grabó su segundo disco Maysa, mientras que su tema
Ouça, se volvía un éxito estruendoso. Simultáneamente fue contratada por el
canal TV Record.
En 1958, ya divorciada, se mudó a Rio de Janeiro, en aquel
entonces capital federal del Brasil, donde fue contratada por el canal TV Rio.
Lanzó entonces su tercer álbum con el título de Convite para ouvir Maysa II. El
disco fue muy elogiado por los críticos y fue un éxito notable de ventas, con
la canción Meu mundo caiu como el tema del año, volviéndose la cantante mejor
paga del país.
En 1960 y 1961 realizó varias presentaciones en los Estados
Unidos, donde grabó el legendario álbum Maysa sings songs before dawn Columbia
Records.
En 1963 realizó un histórico concierto en el Teatro Olympia
de París.
En 1966 participó en el II Festival de la Música Popular
Brasilera organizado por el canal TV Record, y en el I Festival Internacional
de la Canción.
En 1968 grabó también en un simple la canción inédita Pálida
ausencia, de Luis Eduardo Aute y cantó tres temas de Ennio Morricone incluidos
en la banda sonora del film hispano-italiano Go-Go Giuliano Montaldo, 1968, con
Janet Leigh y Klaus Kinski.
En 1969 estrenó Maysa Especial con Ítalo Rossi en el canal
TV Tupi de Río de Janeiro y realizó el espectáculo A Maysa de hoje La Maysa de
hoy), grabado también en disco, con un gran éxito de crítica y público,
haciéndolo uno de los espectáculos más famosos de la historia de la música
brasilera.
En 1970 lanzó su álbum Ando só numa multidão de amores Ando
sola en una multitud de amores, considerado el mejor de su carrera, aunque no
tuvo el éxito de ventas que se esperaba.
En 1971 en la telenovela O Cafona de la Rede Globo,
interpretando el personaje de Simone, su alter-ego. Su personaje se hizo
famoso, al igual que la novela que marcó una época para la televisión
brasilera, ganó por ese trabajo el premio a la mejor actriz de reparto Coadyudante
de Ouro.
Ese mismo año integró el elenco de la telenovela Bel-Ami de
la TV Tupi, interpretando el papel de Márica, pero, insatisfecha con su
personaje y el rumbo de la trama, terminó abandonando la obra.
Desde fines de [[1972], se apartó del medio artístico y se
retiró a vivir en una casa sobre la playa, localizada en el municipio de
Maricá, litoral fluminense.
Allí vivió hasta el fin de su vida en compañía de su novio,
el actor Carlos Alberto. Durante este período, casi no grabó discos ni
presentaciones, y limitó sus apariciones en los medios de comunicación.
En 1975 realizó su última temporada en locales musicales, en
la boite Igrejinha, de São Paulo.
A continuación, recordamos a Maysa en el día de su
nacimiento, con 2 de sus grandes éxitos: Ouça y Chega de Saudade.
A continuación, de Ludwig van Beethoven, el Concierto para Violín,
Violonchelo y Piano en Do Mayor Op. 56, en la versión de Abel Tomàs en Violín,
Arnau Tomàs en Violonchelo y Hyo-Sun Lim en piano, junto a la Orquesta
Sinfónica de Galicia, dirigida por Víctor Pablo.
Ronnie Dyson nació en la ciudad de Washington, Estados
Unidos, el 5 de junio de 1950, y murió en Filadelfia, Pensilvania, Estados
Unidos, el 10 de noviembre de 1990. Cantante y actor.
Se crio en Brooklyn, Nueva York, donde cantó en el coro de
la iglesia. A los 18 años ganó el papel principal en la producción de Broadway del
musical Hair. En 1969 integró el elenco de la película Putney Swope, en 1970
continuó su carrera en cine con un papel en el film La Salvación. También grabó la canción If You Let
Me Make Love To You Then, Why Can't I Touch You? y alcanzó en puesto 8 del Top
10 del Billboard Hot 100 chart. En 1971 grabó When You Get Right Down To It. Posteriormente
trabajó con el productor Thom Bell, con el que logró una serie de éxitos
continuados. En 1973 grabó Just Don't Want To be Lonely, que fue un gran éxito.
Con el sello Columbia aparecieron 3 discos: One Man Band en 1973, Love In All
Flavors en 1977, y en 1979 If the Shoe
Fits. Para finales de la década de 1970 su salud comenzó a deteriorarse. En
1982 salió a la venta Cotillion, All Over Your Face de 1983, y See the Clown de
1990, fueron sus últimos trabajos.
A continuación, recordamos a Ronnie Dyson en el día de su nacimiento, con uno de sus éxitos: Just Don't Want To be Lonely.
Baldemar Huerta Medina, más conocido como Freddy Fender,
nació en San Benito, Texas, Estados Unidos, el 4 de junio de 1937, y murió en
Corpus Christi, Texas, Estados Unidos, el 14 de octubre de 2006. Cantante.
A los 5 años improvisó una guitarra casera con una lata de
sardinas y alambres. A los 10 años ganó su primer premio para aficionados en la
emisora KGBS-AM con la canción Paloma Querida, de José Alfredo Jiménez, y gano
una canasta de alimentos con un valor de 10 dólares. A los 16 años se enroló en
la Marina de Estados Unidos, donde permaneció por un espacio de tres años.
Pronto regresó a Texas y comenzó a cantar en clubes nocturnos, preferentemente
ante público latino. En 1957 era conocido como The Bebop Kid. Posteriormente
lanzó 2 temas cantados en español Don't be cruel de Elvis Presley, y Jamaica
Farewell de Harry Belafonte, lo que le dio cierto grado de fama entre el
público hispano. En 1959 adoptó en nombre artístico de Freddy Fender, pero no
fue el único. Por esos años grabó la canción Holy One u Only One bajo el nombre
de Scotty Wayne. En 1961 registró en México la balada blues, Wasted Days and
Wasted Nights con el grupo Los Rogers. A principio del mismo año, lanzó un
disco Rock N Roll, editado por el sello Falcon Records, con el nombre de Eddie
Medina y Los Shades. En 1974 grabó el simple Before The Next teardrop Falls, que
tuvo distribución nacional, y se convirtió en éxito en las listas de
popularidad de la música Country. Sus siguientes 4 simples incluyeron una nueva
versión para Wasted Days and Wasted Nights, y fueron éxitos número uno en las
listas de popularidad Country. Durante el resto de la década y hasta 1983 logró
colocar 21 éxitos de música Country. A lo largo de su carrera ganó 3 Premios
Grammy y muchos reconocimientos.
A continuación, recordamos a Freddy Fender en el día de su
nacimiento, con uno de sus más grandes éxitos: Before The Next Teardrop Falls.
José Ynzenga y Castellanos, nació en Madrid, España, el 3 de
junio de 1828, y murió en su ciudad, el 28 de junio de 1891. Compositor.
El sitio www.dbe.rah.es
publicó este recordatorio firmado por Manuel Román Fernández
Inzenga Castellanos, José. Madrid, 3.VI.1828 – 29.VI.1891.
Pianista y compositor.
Su madre era cantante aficionada. De ella y de su padre
recibió sus primeras lecciones musicales. Cursó sus estudios en el
Conservatorio de Madrid. También, alternativamente, estudió latín, filosofía,
francés e italiano.
Fue protegido del duque de Osuna, brindándole su ayuda para
entrar en el Conservatorio de París, hasta donde viajó para ampliar su
formación. Tenía entonces sólo catorce años.
Bien recomendado, asimismo, por el embajador español en
Francia, el conde de Toreno, y por Martínez de la Rosa, compuso en sus primeros
meses parisinos algunas piezas musicales y actuó como pianista en varias salas
de conciertos, entre ellas la Pleyel. Tuvo el apoyo de Auber, que dirigía el
Conservatorio de la capital francesa, dándole clases de piano y ofreciéndole su
ayuda. Sin duda, gracias a él fue designado director auxiliar del grupo de
coros de la Ópera Cómica. En 1848, a causa de la Revolución Francesa, se vio
obligado a retornar a España.
En 1851 creó su primera composición importante, en
colaboración con Hernando y Olona, El campamento.
Por esa época fue nombrado archivero de la Sociedad del
teatro Lírico Español.
Fue autor de zarzuelas y composiciones teatrales, entre las
que sobresalen El confitero de Madrid (1851), El castillo encantado, La flor
del Zurguén y Los disfraces (1852), El amor por los balcones y El alma de
Cecilia (1853), La roca negra (1857), Una guerra de familia (1859) y Galán de
noche.
Otras obras suyas, no fechadas, son Batalla de amor, Oro,
astucia y amor, Cubiertos a cuatro reales, Conde y condenado, A casarse tocan,
Por seguir a una mujer, El secreto de una reina, y, en colaboración con
Gaztambide y Hernando, Don Simplicio Bobadilla, Un día de reinado, etc.
Mantenía con varios colegas una sociedad que regentaba el
teatro del Circo, en Madrid. Pero en vista de que sus obras, junto a las de
Oudrid y Hernando, tenían menos éxito que las que representaban los también
autores Gaztambide y Barbieri, se vio obligado a dejar a sus socios.
Consideraron en conciliábulo que no era justo que unos socios estrenaran obras
taquilleras y estuvieran obligados a compartir sus ganancias con otros que sólo
registraban pérdidas.
Fue también maestro de coros del teatro del Circo, en 1854,
año en el que, tras fracasar con su zarzuela El alma de Cecilia, se retiró unas
temporadas, dejando de componer, tras admitir que no acertaba con su limitada
inspiración.
Luego volvió a estrenar, en 1862, una zarzuela, basada en La
vida es sueño, de Calderón de la Barca, ¡Si yo fuera rey!, con libreto de Pina
y Pastorfido, la más popular y aclamada de su producción.
En lo sucesivo, apartado de sus labores de compositor de
música escénica, se dedicó a su tarea docente como profesor en la Escuela
Nacional de Música.
Obras de ~: El campamento; con Hernando y Olona, El
confitero de Madrid, 1851; El castillo encantado; La flor de Zurguén; Los
disfraces, 1852; El amor por los balcones; El alma de Cecilia, 1853; La roca
negra, 1857; Una guerra de familia, 1859; con Pina y Pastorfido: ¡Si yo fuera
rey! Escritos: Ecos de España, Barcelona, Andrés Vidal y Roger, 1874;
Impresiones de un artista en Italia, Madrid, Imprenta a cargo de Víctor Saiz,
1876; El arte de acompañar al piano, Madrid, Viuda de Hernando y Cía., 1890.
Bibl.: VV. AA., Gran Enciclopedia de Madrid, Castilla-La
Mancha, Madrid, Unali, 1982, pág. 1567; M. Gómez García, Diccionario del
Teatro, Madrid, Ediciones Akal, 1997, pág. 426; E. Casares Rodicio, Diccionario
de zarzuela, t. II, Madrid, ICCM, 2002, págs. 41-44.
A continuación, recordamos a José Inzenga en el día de su
cumpleaños, con la canción madrileña La moza del temple, en la versión de Cecilia
Lavilla Berganza, soprano, y Aurelio Viribay en piano.
José Lidón nació en Béjar, Salamanca, España, el 2 de junio
de 1748, y murió en Madrid, España, el 11 de febrero de 1827. Compositor,
organista, y director de orquesta.
El sitio www.dbe.rah.es
publicó este recordatorio firmado por Begoña Lolo y Marta Fernández Pan.
Lidón Blázquez, José. Béjar (Salamanca), 2.VI.1748 – Madrid,
11.II.1827. Organista y compositor, maestro de la Real Capilla y rector del
colegio de niños cantores.
Nacido en el seno de una familia de músicos de larga
tradición, ingresó en 1758 a la edad de diez años en el Real Colegio de niños
cantores de Madrid en donde permaneció hasta 1768, siendo alumno, entre otros,
de compositores tan importantes como José de Nebra y Francisco Courcelle.
Accedió en 1768 a un puesto de organista en la catedral de Orense tras opositar
a una plaza similar en la catedral de Santiago de Compostela. Allí permaneció
sólo unos meses, ya que regresó a Madrid al obtener por oposición la plaza de
cuarto organista de la Real Capilla el 28 de octubre de 1768 reinando Carlos
III, y a partir de ese momento su carrera iría en ascenso, pues el 13 de
septiembre de 1771 era, además, nombrado para la plaza de maestro de estilo del
Real Colegio de niños cantores, obteniendo el puesto de primer organista el 13
de octubre de 1787.
De estas fechas datan sus primeras composiciones; tal es el
caso del Oratorio a Santa Bárbara (1775) o las Seis fugas para órgano (1778) y
sus primeras obras a la venta, como ocurrió con sus Seis piezas o sonatas
sueltas para órgano (1787). Acorde con su prestigio, desempeñó su actividad
fuera de Palacio, en la casa de la condesa-duquesa de Benavente-Osuna como su
maestro de música y clave entre la década de 1880 y 1792, además de realizar
las composiciones que le eran encargadas, como, por ejemplo, su zarzuela El
barón de Illescas, de la que no se conserva la partitura.
El 1 de junio de 1788 juró la plaza de vicemaestro de la
Real Capilla, llegando a ser nombrado para los puestos de maestro de la Real
Capilla y rector del Real Colegio de niños cantores el 24 de abril de 1805 tras
la jubilación de su predecesor, Antonio Ugena. Lidón compuso durante este
período de tiempo himnos, completas, lamentaciones, misas, villancicos, es
decir, todas aquellas obras que eran necesarias para prestar servicio al culto
de la Real Capilla, estrenando además su ópera Glaura y Coriolano en enero de
1792 en el teatro del Príncipe. Las circunstancias políticas durante la
ocupación francesa y el reinado de José Bonaparte afectaron enormemente al
desarrollo de la actividad en la Real Capilla que fue inicialmente suprimida,
reactivándose posteriormente en enero de 1810 como Real Cámara y Capilla,
situación que le permitió recuperar el cargo siendo nombrado el 28 de diciembre
de 1809 maestro de música de la misma.
El 25 de junio de 1814 Fernando VII, tras su regreso a la
Corte de Madrid, le confirmó en los destinos de maestro de la Real Capilla y
rector del Real Colegio para los que la Regencia le había rehabilitado. Lidón
constituyó un factor de estabilidad en las instituciones musicales palaciegas
frente a las turbulencias políticas de la época.
Casado en primeras nupcias, en 1772, con Josefa Aguado y
Perea, volvió a contraer matrimonio en 1816 con Manuela Anastasia Millas, con
quien tuvo cuatro hijos. Falleció a la edad de setenta y ocho años, el 11 de
febrero de 1827. Fue sucedido en sus puestos por el compositor italiano
Francesco Federici. Sus discípulos ocuparon puestos destacados en el panorama
musical español y entre ellos merecen destacarse Melchor López, Pedro Carrera y
Lanchares o Joaquín Asiáin así como sus sobrinos Alfonso, Mariano y Andrés.
La visión de José Lidón como organista brillante y
compositor prolífico se completa con la importante labor docente realizada a lo
largo de su dilatada carrera profesional. Sus escritos teóricos,
mayoritariamente conservados en estado manuscrito, puesto que muchos no llegaron a editarse, son métodos prácticos que compendian y ejemplifican
monográficamente temas como la modulación, el acompañamiento o los rudimentos
del solfeo dirigidos a sus propios alumnos. Su obra compositiva estaba
concebida para solemnizar el culto de la Real Capilla, a excepción, claro, de
sus obras camerísticas para oposiciones o la música teatral fruto de sus
actividades profesionales fuera de la capilla.
Merece destacarse la amplia difusión que tuvo su música
religiosa en las iglesias y catedrales españolas mas relevantes, signo del
elevado prestigio que llegó a adquirir como compositor.
Obras de ~: Teoría: Coleccion de Bajetes, en F. M. López,
Reglas Generales, ó Escuela de Acompañar al órgano, ó clave, Madrid (inéd.);
Compendio Teórico y práctico de la modulación, Madrid (inéd.); Demostración de
los primeros rudimentos de la música, Madrid (inéd.); Reglas muy útiles para
todo organista, y aficionado al forte-piano, para acompañar con método, Madrid,
Librería de Barco, 1793; Reglas para aprender a acompañar puestas por escalas,
santuario de Aránzazu, c. 1820; Escuela de órgano, Madrid (desapar.); Tratado
de la Fuga, Madrid (desapar.).
Obra editada: Seis sonatas para órgano: Seis piezas o
Sonatas sueltas para órgano dispuestas en forma de versos grandes de octavo tono
con variedad de registros, Madrid, Librería Gómez, 1787; Seis Fugas formadas,
Madrid, Librería de Castillo, Librería Alonso y Librería Correa, 1788; José
Lidón (1748-1827): Obras completas para órgano, ed. de D. García Fraile y G.
Bovet, Fleurier, Editions de la Schola Cantorum, Procure Générale de Musique,
1998; D. García Fraile, José Lidón (1748-1827).
La música para teclado, Madrid, Sociedad Española de
Musicología, 2002; “Cuarteto” (Madrid, 1800), en T. Garrido, Música española
para orquesta de cuerda (siglos xviii y xix), Madrid, ICCMU, 1998.
Música religiosa: Salmos: Varios Misereres, Madrid, 1769-
1815 (inéd.); Villancicos, Madrid, 1773-1789 (inéd.); Oratorio a Santa Bárbara,
Madrid, 1775 (inéd.); Varias Letanías y Salves, Madrid, 1782-1820, (inéd.); Ave
Maris Stella, Madrid, 1788 [H. Eslava (ed.), Lira sacro-hispana. Siglo xviii,
tomo 1.º, serie 2.ª Madrid, M. Martín Salazar, 1869]; Cinco misas, Madrid,
1788-1806 (inéd.); Completas breves, Madrid, 1789 (inéd.); Más de treinta
lamentaciones, Madrid, 1789-1825 (inéd.); Vísperas, Madrid, 1790-1822 (inéd.);
Varios himnos, Madrid, 1804-1816 (inéd.); Oficio de Difuntos, Madrid, 1804
(inéd.); Secuencias, Madrid, 1805-1808 (inéd.); Motete Stetit Angelus, Madrid,
1806 (inéd.); Pieza vocal a solo de Contralto con Clarinete obligado y
orquesta, Madrid, 1815 (inéd.).
Música teatral: Glaura y Coriolano (drama heróico), libreto
de I. García Malo, Madrid, Librería de Castillo y Librería de Barco, 1791 (ed.
de D. García Fraile, Salamanca, Asociación musical Brocarte-MEC-INAEM, 1997, y
J. Bautista Otero et al., Barcelona, Real Compañía Ópera de Cámara, 2000).
Bibl.: M. Soriano Fuertes, Historia de la música española,
vol. IV, Madrid, Imprenta de Narciso Ramírez, 1859, págs. 287 y 297; B.
Saldoni, Diccionario biográfico-bibliográfico de efemérides de músicos
españoles, Madrid, 1868, 1881 y 1889, vol. I, págs. 247-251, vol. II, pág. 85,
vol. IV, pág. 268; P. Junquera de Vega, “José Lidón. El más ilustre músico y
compositor bejarano (noticia bio-bibliográfica)”, en Ofrenda a la Santísima
Virgen del Castañar, vol. II, Béjar, Prensa Española, 1963, págs. 253-281; S. Rubio,
“José Lidón (1746- 1827), organista de la Real Capilla”, en Tesoro Sacro
Musical, 2 (1973), págs. 53-55; L. Robledo, “La música en la corte de José I”,
en Anuario musical, XLVI (1991), págs. 205-243; D. García Fraile, “Un drama
heroico en verso castellano: Glaura y Cariolano de Joseph Lidón, representado
en Madrid, en el tercer centenario del descubrimientos de América”, en Teatro y
música en España (siglo xviii), Kassel, Reichenberger, 1996, págs. 145-176; J.
Ortega, “El mecenazgo musical de la casa de Osuna durante la segunda mitad del
siglo xviii: El entorno musical de Luigi Boccherini en Madrid”, en Revista de
Musicología, XXVI (2004), 2, págs. 643-697; J. Montero, “La música de cámara de
José Lidón (1748-1827)”, en Revista de Musicología, XXVIII (2005), 1, págs.
731-747.
A continuación, recordamos a José Lidón en el día de su nacimiento, con la Sonata de Viola con acompañamiento de Violonchelo para la
oposición de la Real Capilla, en la versión de miembros de la Schola Cantorum
Basiliensis.
Georg Muffat nació en Megève, Ducado de Saboya, actual
Francia, el 1 de junio de 1653, y murió en Passau, Alemania, el 23 de febrero
de 1704. Compositor, y organista
Estudió en París entre 1663 y 1669, donde aprendió el estilo
de Jean Baptiste Lully, muy en boga en ese tiempo. Posteriormente fue organista
en Molsheim y Sélestat. Más tarde, estudió derecho en Ingolstadt, luego se
instaló en Viena, donde no pudo conseguir una cita oficial, por lo que viajó a
Praga en 1677, luego a Salzburgo, donde trabajó para el arzobispo durante unos
diez años. Alrededor de 1680, viajó a Italia, allí estudió con Bernardo
Pasquini, un seguidor de la tradición de Girolamo Frescobaldi. Conoció a
Arcangelo Corelli, cuyas obras admiraba mucho. A partir de 1690 fue Kapellmeister
para el obispo de Passau.
A continuación, recordamos a Georg Muffat en el día de su
nacimiento, con el Concerto Grosso XII Propitia Sydera, en la versión de la
Orquesta Barroca Bremer.
Marin Marais nació en París, Francia, el 31 de mayo de 1656,
y murió en su ciudad, el 15 de agosto de 1728. Compositor y violista.
Fue discípulo de Jean-Baptiste Lully y de Monsieur de
Sainte-Colombe. En 1676 fue contratado como músico de la corte de Luis XIV de
Francia, se destacó en ese puesto, y entre 1679 y 1725 fue nombrado en ese
cargo. Fue un eximio intérprete de la viola de gamba y uno de los compositores
más notables para dicho instrumento. Escribió cinco libros de pièces de viole,
que contienen más de 600 obras para ese instrumento, y la mayoría son suites
con bajo continuo. Estas obras fueron populares en la corte. Su catálogo de composiciones
incluye también óperas, la más conocida es Alcyone, de 1706, por su escena de la
tempestad.
A continuación, recordamos a Marin Marais en el día de su
nacimiento, con Le Labyrinthe, en la versión de Cassandra Luckhardt, y
Elisabeth Reed, viola da gamba, Katherine Heather, clave.
Gustav Leonhardt nació en 's-Graveland, Holanda, el 30 de
mayo de 1928, y murió en Ámsterdam, Holanda, el 16 de enero de 2012. Clavecinista,
musicólogo, profesor, director de orquesta y editor musical.
El sitio www.abc.es publicó, el 18 de enero de 2012, este recordatorio firmado por M. de la Fuente.
Muere Gustav Leonhardt
El gran renovador de la música antigua y genial clavecinista
y organista ha muerto en Amsterdam a los 82 años de edad
M. de la fuente
MADRID Actualizado:18/01/2012 11:11h
Había anunciado que esa tarde acudiría al Koorenhuis de La Haya
para participar en un homenaje a Bruce
Haynes, maestro del oboe. Pero no pudo ser. Un viejo cáncer del que ya
ni siquiera se trataba acababa este lunes con la vida de Gustav
Leonhardt, uno de los más geniales intérpretes y renovadores de la
música barroca y de los dos instrumentos que manejaba a la perfección, como un
hombre de otro tiempo, el órgano y el clave. Hace apenas un mes, Leonhardt, de
84 años, había anunciado que dejaba definitivamente los escenarios.
Desde sus comienzos como artista, Leonhardt fue
uno de los precursores de la gran revolución interpretativa que vivió la música
antigua, sobre todo al frente de un terceto
legendario, el que formaba junto con el flautista Frans Brüggen y
el violonchelista Anner Bylsma. Desde ese momento, Holanda se
convirtió en el punto de encuentro de todos aquellos que desearan sumergirse en
el inmenso océano musical barroco. Muy pronto también, en compañía del
director Nikolaus
Harnoncourt acometió uno de los proyectos discográficos y
musicales más exigentes y ambiciosos del siglo XX, la grabación la grabación de
la integral de las cantatas de Juan Sebastian Bach,
y lo hicieron siguiendo las pautas vocales e instrumentales que entonces de
pensaba que habría podido usar el gran compositor alemán en Leipzig. También
participó en la película «Crónica de Ana Magdalena
Bach». Leonhardt era Bach, naturalmente.
Peregrino de la música europea
Aunque siempre fue un extraordinario director, Leonhardt fue
ante todo un excepcional instrumentista que durante más de veinte años, de los
primerísimos sesenta hasta 1982, recorrió toda Europa pulsando la
memoria de la música europea en instrumentos antiguos. Era alguien muy
distinto, personal, siempre alejado de los oropeles y glorias mundanas que a
menudo rodean el mundo de la música clásica. No tenía inconveniente en grabar
en iglesias pequeñitas perdidas en el corazón de los Alpes, y la crítica
siempre ha visto en él también al gran clavecinista del último medio siglo.
Además, Gustav Leonhardt nunca dirigió una orquesta que
contase con instrumentos modernos, y nunca fue más allá de Mozarten
sus interpretaciones. En
youtube puede verse su última presentación pública, en el Théâtre
des Bouffes du Nord, en París. La Música llora un eterno réquiem por Gustav Leonhardt.
A continuación, recordamos a Gustav Leonhardt en el día de
su nacimiento, con su interpretación, del Concierto para Clave en La Mayor BWV
1055, de Johann Sebastian Bach, junto a la Orquesta de Cámara de la Radio de Dinamarca, dirigida por Mogens
Wöldike.
A continuación, de Ludwig van Beethoven, el Concierto para Violín,
Violonchelo y Piano en Do Mayor Op. 56, en la versión de Wolfganag Schneiderhan
en Violín, Pierre Fournier en Violonchelo y Géza Anda en Piano, junto a la
Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín, dirigida por Ferenc Fricsay.
Dick Stabile nació en Newark, Nueva Jersey, Estados Unidos,
el 29 de mayo de 1909, y murió en Nueva Orleans, Louisiana, Estados Unidos, el
18 de septiembre de 1980. Saxofonista, y director de orquesta.
Su padre fue director de una banda y violinista. A edad
temprana aprendió piano y violín. Su padre consiguió un trabajo con el líder de
la banda Vincent Lopez, luego fue contratado fue contratado por Jules Ansel en
el Hotel Brunswick en Newark. En 1928 se fue de gira con el líder de la banda
Ben Bernie, y participó en el programa de radio semanal de Ben Bernie como
saxofonista alto y solista principal. En 1935 formó su propio conjunto la
All-America "Swing" Band, que contó con Bunny Berigan, Dave Barbour,
y Frank Signorelli, entre otros. Durante ese tiempo grabó para diferentes
sellos discográficos con cantantes como Evelyn Oaks, Paula Kelly, y Gracie
Barrie. Durante la Segunda Guerra Mundial sirvió en la Guardia Costera donde lideró una banda. Durante su ausencia, su
esposa Gracie Barrie dirigió la formación. En 1949 se mudó a Los Ángeles, donde
empezó a colaborar con Jerry Lewis y Dean Martin al que acompañó con su orquesta
en muchas grabaciones. También trabajó con Jimmy Dorsey y Vincent Lopez. En la década de 1950 trabajó en conjuntos teatrales del
circuito de Broadway, y en la siguiente década lideró grupos de baile en las
salas de Los Ángeles. Mediados la década de 1970 empezó a actuar en el Hotel
Roosevelt de Nueva Orleans, Luisiana, hasta 1980, año en el que falleció. Como
dato destacado se puede mencionar que Dik Stabile diseñó una línea de saxofones
y clarinetes que llevaban su nombre.
A continuación, recordamos a Dik Stabile en el día de su nacimiento, con una selección de temas, y la voz de Gracie Barrie.
Thomas Moore nació en Dublín, Irlanda, el 28 de mayo de 1779,
y murió en Sloperton Cottage en Bromham, Wiltshire, Inglaterra, el 25 de
febrero de 1852. Poeta, escritor, actor, cantante y compositor.
Desde una edad temprana mostró interés en la
música y otras artes escénicas. Estudió en el Trinity College de Dublín, y Derecho
en el Middle Temple de Londres. Durante 12 años de su juventud fue monje en una
congregación católica, también Licenciado en Musicología, Teología y Filosofía.
Fue Profesor de Psicología. En 1803 fue nombrado registrador del Almirantazgo
Británico en Bermudas. Desde allí, viajó a Canadá y los Estados Unidos. Después
de este viaje publicó su libro, Epistles, Odes, and Other Poems. En 1811 regresó
a Inglaterra, pero sumado a sus gustos suntuosos, las deudas y el desfalco de
dinero por parte del administrador que había contratado en las Bermudas, se vio
obligado a abandonar Gran Bretaña. Vivió en París hasta 1822 cuando la deuda
fue cancelada. Parte de este tiempo lo pasó con Lord Byron, del cual fue
albacea literario. Mas tarde fue muy criticado por destruir las memorias de
Byron a petición de la familia, debido a su contenido peligrosamente poco
honesto. En 1830 editó y publicó
una biografía de Lord Byron titulada: Letters and Journals of Lord Byron, with
Notices of his Life. Se destacó en diversas artes, y su trabajo pronto
se hizo inmensamente popular. Sus colecciones de melodías irlandesas, o Melodías
de Moore, se publicaron originalmente entre 1808 y 1834. Se estableció en Sloperton Cottage en Bromham,
Wiltshire, Inglaterra, y se convirtió en un novelista y biógrafo así como un
poeta de éxito, y recibió una pensión estatal. Siempre relacionado con la alta
sociedad, visitó con frecuencia Boyle Farm en Thames Ditton, Surrey, como
invitado de Lord Henry Fitzgerald y su esposa. Una ocasión destacaba le sirvió
de tema para su largo poema, The Summer Fete.
Thomas Moore representa todo el prestigio de la poesía
nacional de Irlanda, y está considerado como el Poeta nacional irlandés. Muchos
compositores han puesto música a sus poemas. Entre ellos: Gaspare Spontini, Robert Schumann, Héctor Berlioz, Charles
Ives, William Bolcom, Lori Laitman, Benjamin Britten y Henri Duparc.
A continuación, recordamos a Thomas Moore en el día de su
nacimiento, con 2 obras. En primer término, 3 melodías Irlandesas, en la
versión de Charles Mokotoff. En segundo lugar, la canción The Last Rose Of
Summer, en la versión de Charlotte Church, en una presentación en Jerusalén.
The Last Rose of Summer, o La Ultima Rosa de Verano
Thierry Biscary es percusionista, y cantante. En sus
grabaciones, además de utilizar su voz, toca txalaparta, pandereta, y tambor,
entre otros instrumentos. Formó parte de diversos grupos como el Trío Kalakan,
cuyas madrinas fueron las destacadas pianistas Katia y Marielle Labèque. Con
ese grupo, en 2012 formó parte de la gira mundial The MDNA Tour de Madonna. También
interpretó distintos géneros musicales. Le gusta transmitir la música y el
canto tradicional a los jóvenes, además de componer sus obras. Desde 2018 presenta sus propias canciones bajo nombre
artístico MANEZ, y editó su primer disco: Manez eta Kobreak con un grupo de
metales y cantantes.
Compartimos 2 temas y sus traducciones: 100 ALARGUNEN DANTZA y LARREAN AMOROSKI.
100 ALARGUNEN DANTZA
EL BAILE DE LAS 100 VIUDAS DE BERMEO
El color negro de la plaza de Bermeo,
El color negro de la cama vacía
La gran belleza, negra ;
El color negro del dolor de vivir
El cielo negro, el corazón negro,
el color negro del abrigo negro
La negra viuda bailarina
El color negro del amor negro
El murmullo silencioso del océano,
calma, pidiendo disculpas,
La piel pálida de las bailarinas
buscando manos cálidas,
El marido muerto, el hijo muerto...
la luna, redonda,
El gruñido silencioso del baile
buscando nuevos océanos
La danza de las lágrimas solidarias,
la danza de las nuevas estrellas,
La danza de los amaneceres brillantes,
la danza de las redes escarlatas,
La danza de las mujeres, la danza del fuego,
la danza de los que nacerán,
La danza del dolor y de la alegría :
la danza de la vida misma.
LARREAN AMOROSKI
AMOROSAMENTE EN LA LANDA
Volando en triángulo, alineadas,
las grullas vuelven en la primavera.
En los terrenos de la torre de agua,
en los humedales,
el páramo comienza a florecer en algunos lugares.
Cuando los renacuajos del comedero se conviertan en sapos,
aparecerás en la plaza, chica esbelta,
con un aire mandarina en el hueco del cuello,
para aturdir al misterioso chico.
Mano en mano, haciendo un salto enérgico sobre el fuego de San Juan,
Louis Durey nace en París el 27 de mayo de 1888, en la plaza
de Saint Germain-des-Prés, en una familia de la burguesía industrial
especializada en la impresión.
No fue antes de sus veinte años, tras el descubrimiento de
“Pelléas et Mélisande”, que el gusto que manifestaba por la música le empujara
a realizar estudios de armonía, contrapunto, fuga y composición, como alumno
particular, y al margen de cualquier escuela, bajo la dirección de Léon
Saint-Réquier, que era profesor en la Schola Contorum y director de los
Cantores de Saint-Gervais.
Sus primeras composiciones datan de 1914. Muestran la
profunda afinidad que le ligaba a la música de Claude Debussy.
Ese mismo año, el azar le llevó a descubrir una melodía de
Arnold Schoenberg, extracto del “Libro de los jardines colgantes”. Ese rasgo de
luz abrió la vía a todas sus búsquedas ulteriores y fue precisamente con la
“Offrande lyrique” (Opus 4) con la que su personalidad se afirmó, abandonándose
a todos los recursos de su imaginación, siendo el primero en Francia, sin duda,
en utilizar un lenguaje musical tan claramente liberado.
En 1917, compone “Eloges” (Opus 8), sobre tres poemas de
Saint-Léger Léger, que él mismo considerará, en 1977, como una de las páginas
más representativas de su carrera musical y de su personalidad.
Todavía en 1917, funda con Erik Satie, Georges Auric y
Arthur Honegger el pequeño grupo de los “Nuevos jóvenes” que, en 1919, se
convirtió en el “Grupo de los Seis”.
Louis Durey se “separó” de sus camaradas del “Grupo de los
Seis” en 1921, sin romper por ello los lazos de franca amistad que siempre les
habían unido.
En 1920, escribe los “Tres preludios para piano” (opus 26),
dedicados a la memoria de Juliette Meerowitch, que fue su primera intérprete en
el concierto del 6 de junio de 1917, en la Sala Huyghens.
Sus mayores le animaron: Albert Roussel, Florent Schmitt,
Charles Koechlin y sobre todo Maurice Ravel, quien además apadrinó su entrada
en la SACEM.
Siguieron, en 1921, “Dos estudios para piano” (Opus 29):
“Eaux courantes”, “Eaux dormantes” (Aguas corrientes, Aguas durmientes),
inspiradas en la gran tradición pianística jalonada por Liszt, Debussy y Ravel.
En Saint-Tropez, en 1923, compone “L’occasion” (Opus 34),
comedia lírica en un acto a partir de Prosper Mérimée.
De 1943 a 1947 emprende numerosos trabajos de musicología:
reconstrucción de más de un centenar de canciones francesas de Clément
Janequin, diversas piezas de Costeley, Lassus, Marenzio, grandes motetes de
Josquin-des-Prés…
Esta actividad desarrollará en él el gusto por la escritura
coral. Realizará igualmente numerosas armonizaciones de cantos folklóricos
franceses.
Esos dos polos de atracción van a guiarle, a partir de 1944,
y determinar para él una suerte de regla de vida. Con las “Six pièces de
l’automne 53” (Opus 75), Louis Durey volverá a la música “pura”, abandonando
por un tiempo la expresión de ideas por la mediación de la voz cantada.
Acababa de llegar a los 80 años cuando compuso “Nicolios et
la flûte” (Opus 11), a partir de una novela de Nikos Kasantzaki, El Cristo
recrucificado. Encontró aquí una felicidad de expresión y un frescor
absolutamente excepcionales.
Entre 1967 y 1974, escribirá, por intervalos, los
“Autorretratos”, 16 piezas para piano (Opus 108), “Tres piezas para piano”
(Opus 109) complementando los “Autorretratos”, y el “Poema para piano”, opus
116 y último, que constituye el vigésimo y último capítulo de la serie de esos
“Autorretratos”, donde busca una expresión puramente subjetiva, un verdadero
auto análisis, como tantos de los que realizó Rembrandt de sí mismo.
La obra de Louis Durey, que totaliza 116 opus catalogados,
abraza todos los géneros con excepción del ballet. No abordará mucho la escena
o la orquesta sinfónica, pero compondrá música para varias películas
documentales. Asegurará igualmente diversas colaboraciones musicales.
No se dejó encerrar en ningún sistema, demasiado celoso por
poder expresarse con toda libertad. Buscando siempre renovarse, se definió a sí
mismo como una continuidad vestida de aspectos variados. Por encima de las
diferentes bifurcaciones estéticas, más allá de las influencias recibidas,
permanece, a través de toda su música, su gran sensibilidad, su humanismo.
A continuación, recordamos a Louis Durey en el día de su
nacimiento, con la Sonatina para Flauta y Piano Op.25, en la versión de Daniela
Dottori en flauta y Luca Moscardi en piano.
