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Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo temas de interés general.
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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Giovacchino Antonio Rossini, más conocido como Gioacchino
Rossini, nació en Pésaro, Italia, el 29 de febrero de 1792 y murió en París,
Francia, el 13 de noviembre de 1868. Compositor.
A continuación, recordamos a Gioacchino Rossini, con la
ópera Otelo o sea El moro de Venecia, en la producción del Festival Rossini de
1998, con el siguiente reparto: Otello, Chris Merritt; Desdémona, June Anderson;
Iago, Ezio Di Cesare; Rodrigo, Rockwell Blake; Emilia, Raquel Pierotti; Elmiro,
Giorgio Surjan; Lucio, Eugenio Favano; Doge, Francesco Piccoli; Gondoliero,
Enrico Facini, junto al Coro y la Orquesta de la RAI de Turín, dirigida por John
Pritchard.
Otelo o sea El moro de Venecia, título en italiano: Otello
ossia Il moro di Venezia, es un dramma per música, ópera, en tres actos con
música de Gioacchino Rossini y libreto en italiano de Francesco Maria Berio di
Salsi, basado en la tragedia de Shakespeare, Otelo. Fue estrenada en el Teatro del Fondo, actual Teatro
Mercadante de Nápoles, el 4 de diciembre de 1816.
La ópera se aparta bastante de la obra original de
Shakespeare, no sólo porque tiene lugar en Venecia y no en Chipre, sino también
porque todo el conflicto dramático se desarrolla de otra forma. El papel de
Yago está, en cierto modo, reducido, y es mucho menos diabólico que en la obra
original o en el Otelo de Verdi, estrenada en 1887.
El Otelo de Rossini es un hito importante en el desarrollo
de la ópera como drama musical. Proporcionó a Giuseppe Verdi un punto de
referencia para sus propias adaptaciones de Shakespeare.
Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean
la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar
de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el
lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante
que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la
cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos
descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como
ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…
Bernadette Peters nació en Nueva York, Estados Unidos, el 28
de febrero de 1948. Actriz y cantante.
Debutó en 1958 en teatro, y entre sus papeles más famosos en
Broadway se destacan los musicales de Stephen Sondheim como Sunday in the Park
with George, Into the Woods y en Annie Get Your Gun, y Gypsy.
En la década de 1970 debutó en cine y televisión. Entre sus
primeros trabajos en ciclos televisivos participó en The Muppet Show o The
Carol Burnett Show y papeles en películas de comedia, entre ellas, Silent
Movie, The Jerk, Pennies from Heaven, y en Annie.
A lo largo de su carrera grabó numerosos discos, realizó
múltiples giras y conciertos, ofreciendo recitales en Carnegie Hall, el
Hollywood Bowl, la Ópera de Sidney, los London Proms y en el Lincoln Center
entre otros.
Por su trabajo en Comedias Musicales en Broadway, ganó 2
premios Tony, 3 galardones Drama Desk, entre otros premios.
A continuación, celebramos el cumpleaños de Bernadette
Peters, con la canción Not a Day Goes By.
Robert Schumann finalizó la
composición el Cuarteto para Piano en Mi Bemol Mayor Op. 47, el 26
de noviembre de 1842. Al momento de concluir esta obra, ya había
escrito 5 obras de cámara a lo largo de 6 meses. Clara Schumann lo
incorporó inmediatamente en su repertorio, y lo interpretó tal vez
con más frecuencia que cualquier otra obra de su marido.
A continuación, de Robert Schumann, el
Cuarteto para Piano en Mi Bemol Mayor Op. 47, en la versión de
Menahem Pressler en piano, Salvatore Accardo en violín, Antoine
Tasmetit en viola, y Gautier Capuçon en violoncello.
En 1941 Lois Gunden, una maestra franco-norteamericana de 26 años,
oriunda de Goshen, Indiana, llegó al sur de Francia para trabajar en
el Comité Central Menonita. Lejos de su hogar se convertiría en la
salvadora de niños de una nacionalidad, religión y entorno
diferentes al suyo. Gunden se sumó a la organización Secours Mennonite aux
Enfants en Lyon y fue enviada a establecer un hogar infantil en
Canet Plage, en la costa mediterránea. El centro se convirtió en
refugio seguro para niños españoles y judíos sacados
clandestinamente del campo de internamiento de Rivesaltes, situado en
las cercanías.
Una de las niñas era Ginette (Drucker) Kalish
(nacida en 1930), de París. En julio de 1942 su padre fue deportado
a Auschwitz, pero ella y su madre consiguieron esconderse de la
policía. Escaparon al sur de Francia peron fueron capturadas en el
tren y llevadas finalmente a Rivesaltes.
Allí Lois Gunden estableció
contacto con la madre de Ginette y la convenció de que le permitiese
sacar a la niña del campo. Al principio la mujer titubeó pero
cuando Lois Gunden la persuadió de que Ginette estaría más segura
bajo su cuidado, aceptó separarse de la muchachita. "Por
entonces tenía 12 años y estaba realmente asustada", relató
Ginette a Yad Vashem, "pero Lois Gunden era amable y estaba
apasionadamente determinada a llevarme a mí y a otros chicos fuera
de Rivesaltes para protegernos de cualquier daño... recuerdo a Lois
Gunden por su amabilidad y generosidad, y el esfuerzo que hizo para
integrarnos junto con los otros niños. No se les dijo a ninguno de
los otros de que éramos judíos."
Gunden escribía un diario íntimo en el que solía describir sus
actividades, en las que demostró una gran valentía, inventiva e
intuición. Una mañana , cuando los niños habían salido para hacer
una caminata, un policía se apersonó al centro para arrestar a tres
niños judíos: Louis, Armand y Monique Landesmann. Lois le informó
que los chicos no volverían hasta el mediodía.
El policía regresó
para entonces y le ordenó a Lois empacar las pertenencias de los
muchachos y prepararlos para la partida. Lois le contestó que la
ropa de estos estaba siendo lavada y no estaría seca hasta el
atardecer. Durante todo ese día Lois rezó en busca de sabiduría y
guía y por la salvación de los tres niños; el oficial nunca
regresó y los niños se salvaron. En noviembre de 1942 los alemanes ocuparon el sur de Francia.
A
pesar de que se había convertido en una extranjera enemiga Gunden
continuó regentando el centro infantil. En enero de 1943 fue
detenida por los alemanes y recién en 1944 fue liberada en el marco
de un canje de prisioneros. Regresó a su hogar en Indiana y en 1958
se casó con Ernest Clemens, un viudo. Nunca tuvo hijos propios, pero
ganó un hijastra por intermedio de su matrimonio.
Continuó
enseñando francés en el Goshen College y en Temple University, a la
vez que actuaba como pastora de la iglesia menonita.
El 27 de febrero de 2013 Yad Vashem reconoció a Lois Gunden
como Justa
de las Naciones.
En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con la pianista Valentina Díaz-Frénot, sobre su próxima gira europea. Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Diego Rodríguez - Yesica Duarte
Egresada del Conservatorio Nacional de Buenos Aires, en donde fue
alumna de Roberto Caamaño, Valentina Díaz Frénot es una digna
representante de la escuela pianística de su país. Entre los numerosos premios internacionales que obtuvo, llaman
particularmente la atención los que le fueron atribuídos en los
concursos españoles de Jaén y de Santa Cruz de Tenerife, por su
interpretación de la música española y en Francia el premio
especial Gabriel Fauré otorgado a la mejor interpretación de la
obra de ese compositor francés en el Concurso Internacional
Marguerite Long. Ha actuado en emisoras radiales y televisivas y en salas de
conciertos de Argentina, Bolivia, Paraguay, España, Francia, Italia,
Suiza, Alemania, Yemen, Chile, Nicaragua y Costa Rica. Se ha presentado como solista con la Sinfónica Nacional de Buenos
Aires, Sinfónica de Santa Fe, Sinfónica del Teatro Argentino de La
Plata, Filarmónica de Radio Francia, Sinfónica de Baden - Baden,
con el Collegium Musicum de Estrasburgo, Orquesta estable del Teatro
San Martín de Tucumán y Orquesta Sinfónica de Asunción. Actuó
bajo la dirección de Washington Castro, Simón Blech, Isaac
Weinstein, Pedro Ignacio Calderón, Jean Pierre Jacquillat, Pierre
Dervaux, Giani Rinaldi, Jean PaulPenin, Luis Szarán, Dominique
Fanal, Diego Sánchez-Haase ,Jeff Manookian, entre otros. Desde 1995 dirige Diapasón Escuela de Música. Ha grabado, en 1999, con el flautista chileno Alejandro Lavanderos,
un CD con obras de compositores contemporáneos. En 2002, grabó un
CD con obras para piano de compositores contemporáneos paraguayos,
emprendimiento conjunto del Vice Ministerio de Cultura, Alianza
Francesa y Embajada de Francia. En noviembre de 2002 el gobierno
francés la distinguió con la orden de Oficial de las Artes y las
Letras. En 2003, grabó en Berlín con el violinista alemán Goetz
BERNAU, un CD con obrasde Dvorak, Schubert, L.Szarán, R.Giménez y
Brahms. En 2005 hizo la presentación del CD doble Suite Iberia -Navarra
de Isaac Albéniz grabado en la Siemensvilla en Berlín. El CD fue
presentado en septiembre 2006 en el Teatro San Martín de la ciudad
de San Miguel de Tucumán, Argentina; en marzo 2007 en el Centro
Cultural de España Juan de Salazar, en Asunción, Paraguay, y en
abril 2007,en el Auditorio Amijai, en Buenos Aires, Argentina. En febrero de 2006 participó como invitada de la 18ª. edición
de la Semana de Pianistas, en Heidelberg, Alemania. En junio de ese
año se presentó en el Centro Cultural Borges, de Buenos Aires, en
el marco del II Encuentro Internacional organizado por la Red de
Investigación y Creación Musical de América. En noviembre de 2006
invitada por la Universidad de Costa Rica y por la Universidad
Nacional de Colombia realizó presentaciones y master class. En mayo
2007 con auspicios de las Embajadas de Francia y Alemania en
Nicaragua ofreció un recital en el Teatro Nacional Rubén Darío, de
Managua. En septiembre de 2007, realizó un ciclo de cuatro conciertos
comentados sobre Música Impresionista con el auspicio de la Embajada
de Francia y la Alianza Francesa en Asunción. En 2008 se presenta por primera vez en Londres, en St.James’s
Piccadilly, presentación auspiciada por la Sociedad Musical Ibero y
Latinoamericana (ILAMS). Ha actuado en todos estos años, como
solista de la temporada de conciertos de la Orquesta Sinfónica de la
Ciudad de Asunción, y ha ofrecido otros conciertos con otros
solistas como los violinistas: Goetz BERNAU, Lucio DEGANI, Norberto
GARCIA, y el chelista Alceu REIS. Es la actual presidenta del Consejo
Paraguayo de la Música y miembro del Comité Ejecutivo del Conseil
internacional de la Musique/UNESCO.
Giuseppe Tartini (Pirano, actual Italia, 1692 - Padua, id., 1770)
Violinista, compositor y teórico de la música italiano. Fue uno de
los mayores virtuosos del violín de su época; sus innovaciones en
la escritura para dicho instrumento sólo pudieron ser superadas por
Niccolò Paganini en el siglo XIX. Su vida estuvo plagada de incidentes novelescos: destinado a la
carrera eclesiástica por su familia, en 1713 colgó los hábitos
para casarse con una joven de modesta condición, aunque protegida
del cardenal Cornaro de Padua, circunstancia que le granjeó la
enemistad con aquél. Tuvo por ello que refugiarse en el monasterio de Asís, lugar en
el cual prosiguió con su formación musical bajo la tutela del
músico bohemio Bohuslav Cernohorsky, y en donde compuso una de sus
obras más célebres, El trino del diablo. De regreso en Padua
en 1715, inició una carrera de virtuoso que le llevó, durante un
corto período de tiempo, hasta Praga. En 1726 se estableció definitivamente en Padua, dedicándose a la
interpretación y la enseñanza. La práctica totalidad de su obra,
que comprende más de 125 conciertos, está dedicada a su instrumento
musical. Se le deben también algunos textos teóricos, como el
Trattato di musica, publicado en 1754.
A continuación, recordamos a Giuseppe
Tartini, con la Sonata para Violín y Piano en Sol Menor, también
conocida como El Trino del Diablo, en la versión de Roman Kim en
violín y Sergey Filioglo en piano.
La fábula de Orfeo, título original en italiano La favola
d'Orfeo, es una ópera compuesta por un prólogo y cinco actos con música de
Claudio Monteverdi y libreto en italiano de Alessandro Striggio el Joven. Fue
compuesta para los carnavales en Mantua, y estrenada el 24 de febrero de 1607
en el Teatro de la corte de Mantua.
El Orfeo, destaca por su poder dramático y su animada
orquestación. Monteverdi utilizó una variedad de instrumentos, poco usual para
la época, y es uno de los primeros ejemplos de la asignación específica de
ciertos instrumentos a ciertas partes; a pesar de que los compositores de la
Escuela de Venecia venían ejecutando esta práctica por casi dos décadas, con
diferentes niveles de precisión, la instrumentación de esta obra es
particularmente explícita.
Monteverdi junta la monodia acompañada con coros, conjuntos
vocales renacentistas y con una orquesta de cuarenta instrumentos. Por tanto,
esta obra, comparada con las de Peri y Caccini, que habían sido los pioneros de
la Camerata fiorentina, se destaca tanto por su variedad como por su
continuidad y por su interés musical.
Las óperas de Monteverdi se han catalogado como barrocas
tempranas, o pre-barrocas. Para el momento, la música del norte de Italia
transitaba entre el estilo renacentista tardío y el barroco temprano, y los
compositores vanguardistas como Monteverdi, combinaban las tendencias
estilísticas que se utilizaban en los círculos musicales más importantes como
Florencia, Venecia o Ferrara.
A continuación, de Claudio Monteverdi, la favola in música
Orfeo, en la interpretación de los solistas Philippe Huttenlocher, Dietlinde
Turban, Trudeliese Schmidt, Roland Hermann, Glenys Linos, Werner Gröschel, Hans
Franzen, Suzanne Calabro, Peter Keller, Francesco Araiza, Rudolf A. Hartmann,
Christian Boesch, József Dene, el Coro y la Orquesta del Ensamble Monteverdi,
dirigidos por Nikolaus Harnoncourt.
Prólogo
Tras una tocata instrumental de metales con carácter estruendoso,
aparece la Música, haciendo alabanzas de los presentes e instándolos a guardar
silencio, mientras se narra la historia de Orfeo, hijo del dios Apolo y la musa
Caliope.
Acto primero
En un prado en medio del campo, ninfas y pastores celebran
con alegría el día esplendoroso en que se casarán el mítico cantor de la
Tracia, Orfeo, y su amada, la ninfa Eurídice; cantan uno de los pasajes corales
más representativos de la época, «Lasciate i monti». Orfeo relata cómo se enamoró de ella y ésta responde con el
mismo ardor. Luego va con sus compañeras a recoger guirnaldas de flores.
Pastores y ninfas continúan con sus danzas y alegres cantos, mientras reinan el
regocijo y la felicidad.
Acto segundo
Rodeado por los pastores, Orfeo entona un canto a la
naturaleza y cuenta cómo corría por los sombríos bosques antes de haberse
enamorado. La alegría se interrumpe cuando llega la Mensajera, quién le
anuncia a Orfeo que una serpiente mordió a su amada Euridice causándole la
muerte. La propia Mensajera lamenta tener que dar semejante noticia.
Orfeo decide descender a los infiernos a rescatar a Eurídice (al descenso
voluntario al infierno se lo denomina catábasis), entonando un desesperado
lamento.
Acto tercero
Orfeo llega a la laguna Estigia acompañado por la Esperanza,
pero ésta le anuncia que no puede llevarlo más allá porque vio grabado en la
piedra el texto que cita a la Divina Comedia de Dante: "Abandonad toda
esperanza los que entráis". Caronte se niega a darle paso en su barca, pero Orfeo logra
dormir al vigilante con su arpa, y robándole la barca cruza la laguna entrando
directamente en el infierno. Mientras, un coro de espíritus infernales celebra
al Hombre, esa criatura que no intenta ninguna empresa en vano, y contra el
cual la Naturaleza no sabe armarse.
Acto cuarto
Orfeo ha llegado a los infiernos, y con su canto logra
emocionar a Proserpina. Ésta le ruega a Plutón que le permita a Orfeo recuperar a su
amada Eurídice, haciendo referencia a su antiguo amor, por el cuál él la
raptara y la llevó a los infiernos. El dios reconoce también haberse conmovido con el canto de
Orfeo, y finalmente acepta y permite que Eurídice le siga, con la condición de
que Orfeo no vuelva la mirada a su amada hasta que hayan salido del infierno. Orfeo parte de los infiernos seguido por Eurídice. Cuando
llegan a la superficie Orfeo mira atrás para ver si Eurídice realmente le
sigue, pero al hacerlo a Eurídice todavía le queda un pie dentro del inframundo
y se empieza a desvanecer y un espíritu, ministro de Plutón, le amonesta:”Roto
has la ley, e indigno eres de gracia”. Orfeo intenta seguirla, pero es
expulsado del infierno. El coro cierra el acto con esta observación: “Venció al
infierno Orfeo y fue vencido por sus propias pasiones”.
Acto quinto
Orfeo regresa al campo de Tracia lamentando su soledad,
vagando sin rumbo y llorando su amor perdido. El eco repite su lamento trágico y Apolo, dolido por el
sufrimiento que aqueja a su hijo, desciende del Olimpo y le dice que lo
acompañe al cielo, donde encontrará la bella semblanza de Euridice en el sol y
en las estrellas. Padre e hijo cantan un alegre dúo, mientras ascienden al
cielo donde alcanzaran la alegría eterna.
Amato Billour, un profesor de inglés en un colegio secundario,
vivía con su esposa Letizia, pianista de profesión, en Florencia,
Italia. En noviembre de 1940, cuando los alemanes comenzaron a
arrestar y deportar a los judíos de Florencia, tenían alrededor de
40 años, y carecían de hijos propios. Después de la deportación a Auschwitz del rabino Nathan Cassuto
y su esposa Anna Di Gioacchino, sus cuatro hijos quedaron a cargo de
la hermana de aquél, Hulda Campagnano, que se dedicó
desesperadamente a buscar un escondite para sus hijos y los de su
hermano. La ayudó Tullio Vinay, un pastor evangélico, que
encontró refugio para su hijo Reuven en la casa de los Billour.
Reuven Campagnaro permaneció en la casa de su profesor casi un año,
desde diciembre de 1943 hasta agosto de 1944. La pareja Billour
fueron amables y sensibles con todas sus necesidades, y el chico
rápidamente comenzó a llamarlos "padre" y "madre".
Mantenían el contacto con la verdadera madre y organizaban
encuentros periódicos con ésta en lugares públicos para que Hulda
pudiese verse con su hijo, que por entonces era llamado "Emilio".
Cuando Florencia fue liberada en agosto de 1944 Reuven regresó con
su madre pero nunca olvidó al matrimonio Billour y a su amor por él. El 24 de febrero de 1941 Yad Vashem reconoció a Amato y Letizia
Billour y al pastor Tullio Vinay como Justos de las Naciones.
En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Claudio Epelman, Director Ejecutivo del Congreso Judío Latinoamericano. Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Celso Miño - Marcelo Díaz
Claudio Epelman es el director ejecutivo de la rama regional del
Congreso Judío Mundial, el Congreso Judío Latinoamericano.
El Congreso Judío Latinoamericano,
como miembro activo de la Sociedad Civil, es la organización techo
de las comunidades judías de Latinoamérica y el Caribe.
Epelman ha
representando a estas comunidades en diversas reuniones de alto nivel
con jefes de Estado y otras importantes personalidades de la política
internacional. Asimismo, fue invitado a participar en diversas
sesiones de la ONU, OEA, OSCE, SEGIB y el Foro Económico Mundial.
En el terreno interreligioso, Epelman
participa activamente del diálogo con Católicos y Musulmanes,
construyendo puentes entre las comunidades. Fue el observador por el
judaísmo en la V Conferencia General de CELAM en Aparecida, Brasil.
Estuvo reunido con el Papa Francisco y con el Papa Benedicto XVI y
diversos dignatarios católicos en varias oportunidades. Organizó
encuentros de alto diálogo de judíos y católicos en la región.
Participa en conferencias internacionales como la “Conferencia
Internacional de Diálogo Interreligioso” de Doha, Qatar y la
conferencia interreligiosa organizada por el Rey de Arabia Saudita y
la Liga Islámica Mundial en Madrid. Es miembro del Comité Ejecutivo
del Consejo Latinoamericano y Caribeño de Líderes Religiosos.
Ibrahim al Naimi, Director del Centro Internacional de Diálogo Interreligioso de Doha
Todo este trabajo fue reconocido en el
año 2007 por el gobierno Argentino que le entregó un premio por su
trabajo en el campo interreligioso.
Epelman impulsa el combate al
antisemitismo y toda forma de discriminación en la región,
especialmente en la Web, adaptándose a los nuevos desafíos y
fomenta activamente la incorporación y participación de los jóvenes
en las acciones políticas de las comunidades judías, formándose
para ser el liderazgo del futuro.
Adrian Cedric Boult nació en Chester, Inglaterra, el 8 de
abril de 1889 y murió Londres, Inglaterra, el 22 de febrero de 1983. Director
de orquesta.
Frank Schuster lo introdujo en el mundo de la música cuando
le presentó a Edward Elgar. Posteriormente completó su educación musical en el
Conservatorio de Leipzig, donde aprendió dirección observando al eminente
director húngaro Arthur Nikisch.
Durante la Primera Guerra Mundial fue empleado en la Oficina
de Guerra, y en 1918 organizó una serie de conciertos con la Orquesta Sinfónica
de Londres, con varias obras recientes de compositores británicos como The
Planets, de Gustav Holst; A London Symphony de Ralph Vaughan Williams, y la
Sinfonía Nº 2 de Edward Elgar.
En 1924 fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de la
Ciudad de Birmingham y en 1930, director de música en la BBC y director de la
Orquesta Sinfónica de la BBC.
Durante la década de 1930 la orquesta de la BBC llegó a ser
famosa por su alto nivel de interpretación bajo su conducción, así como por el
repertorio que elegía, a menudo con obras nuevas o poco difundidas como las
Variaciones Op. 31 de Arnold Schoenberg, el estreno británico de la ópera
Wozzeck de Alban Berg, y el estreno de la Sinfonía Nº 4 en Fa menor de Ralph
Vaughan Williams.
Durante la Segunda Guerra Mundial, la Orquesta Sinfónica de
la BBC hizo grabaciones de la Segunda Sinfonía de Elgar, de The Planets de
Holst y de Job, A Masque for Dancing de Vaughan Williams.
En 1948 el Director de Música de la BBC sugirió que el nivel
de interpretación de la orquesta había caído, lo que se tomó como una
justificación para jubilar anticipadamente a Adrian Boult, incidente que generó
una polémica.
El 1 de octubre de 1952, Adrian Boult, fue invitado a la BBC
para hablar antes de la histórica segunda retransmisión de Arturo Toscanini, al
frente de la Orquesta Philharmonia. El discurso fue incluido en algunas
versiones de la emisión.
Después de dejar el cargo de director en la Orquesta de la
BBC, se hizo cargo de la dirección de la Orquesta Filarmónica de Londres.
Para la temporada 1959 – 1960, Adrian Boult ingresó como
director principal de la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham, y ese
fue su último cargo, aunque se mantuvo estrechamente asociado con la Orquesta
Filarmónica de Londres como su Presidente, hasta que se retiró.
A lo largo de su carrera realizó muchas grabaciones, sobre
todo de compositores británicos, como las siete sinfonías de Ralph Vaughan
Williams, con el compositor presente. También grabó las sinfonías de Johannes
Brahms, obras de Hector Berlioz, Jean Sibelius, Richard Wagner, y Franz
Schubert, entre muchos otros.
A principios de la década de 1960, Adrian Boult adquirió la
condición de una figura venerada en la música británica, y a pesar de su
avanzada edad siguió dirigiendo nuevas obras.
Su repertorio era muy amplio, dirigió siete de las nueve
sinfonías de Gustav Mahler mucho antes de su resurgimiento en la década de
1960, también programó con frecuencia el ballet Daphnis et Chloé de Maurice
Ravel e incluso la ópera Doktor Faust de Ferruccio Busoni.
El 24 de junio de 1978 fue su última actuación pública,
dirigió el ballet The Sanguine Fan de Edward Elgar en el Festival de Ballet de
Londres en el Coliseum Theatre.
A continuación, recordamos a Adrian Boult, al frente de la Philharmonia
Orchestra, con su interpretación de la Romanza Nº 2 Fa Mayor para Violín y
Orquesta de Ludwig van Beethoven. Solista en violín, Yehudi Menuhin.
Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean
la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar
de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el
lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante
que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la
cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos
descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como
ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…
Carl Czerny nació en Viena, Austria, el 21 de febrero de
1791 y murió en su ciudad, el 15 de julio de 1857. Pianista, compositor y
profesor.
Su abuelo y su padre fueron músicos, y empezó a aprender a
tocar el piano con su padre. Posteriormente recibió clases de Muzio Clementi, Johann
Nepomuk Hummel, Antonio Salieri y Ludwig van Beethoven.
Fue un niño prodigio, su primera aparición en público fue en
1800, a los 9 años en su ciudad natal, donde interpretó el Concierto en Do
Menor K. 491, de Wolfgang Amadeus Mozart, y más adelante, frente al primer
ministro de Viena, el Concierto para piano Nº 5 de Ludwig van Beethoven.
A los 15 años ya era un reconocido maestro de piano y solicitado
instructor. Muchos de los estudiantes de Czerny, como Theodor Leschetizky,
Franz Liszt, quien en su madurez le dedicó sus doce Estudios trascendentales, y
Theodor Kullak fueron también maestros y transmitieron su legado.
Entre las obras de Carl Czerny figuran misas, sinfonías,
conciertos, sonatas, cuartetos de cuerda, y escribió varios Estudios como: La
Escuela de Velocidad Op. 299, La Escuela del Virtuoso Op. 365, Método Práctico
Para Principiantes del Pianoforte Op.599, Escuela preliminar de Velocidad Op. 799,
El Arte de la Habilidad de los dedos Op.740 y Treinta nuevos estudios del
mecanismo Op. 849. Carl Czerny está considerado como el padre de la moderna técnica pianística y la base de toda una generación de pianistas que se extiende hasta nuestros días.
A continuación, recordamos a Carl Czerny, con el Concierto
para Piano a 4 manos y Orquesta en Do Mayor Op. 153, en la versión de Anna e
Ines Walachowski, junto a la Orquesta Filarmónica de Altenburg-Gera, dirigida
por David Porcelijn.
Jacob Thune Hansen Gade, más conocido como Jacob Gade, nació
en Vejle, Dinamarca, el 29 de noviembre de 1879 y murió en su ciudad, el 20 de febrero de 1963. Compositor y violinista.
No tuvo educación musical formal, a principio del siglo XX
se ganó la vida tocando el violín en los restaurantes y teatros de Copenhague, y
posteriormente fue director de la gran orquesta Palads Cinema.
El 14 de septiembre de 1925 se estrenó en Copenhague la
película muda, Don Q, the son of the Zorro, o Don Q, el hijo del Zorro,
protagonizada por Douglas Fairbanks.
Jacob Gade compuso especialmente una obra para acompañar la
película: Tzigane Tango Jalousie, también conocido como Tango Jalousie, o,
simplemente, Celos, que logró un éxito internacional inmediato. A lo largo del tiempo, la composición fue enriquecida con
letras en varios idiomas, y desde el inicio del cine sonoro apareció en más de
100 películas.
A partir de entonces terminó su carrera como violinista y se
dedicó a trabajar en obras orquestales más ambiciosas, pero que nunca
alcanzaron la misma celebridad de su tango Celos.
Arthur Fiedler realizó la primera grabación del Tango Celos
con la Orquesta Boston Pops, lo que aumentó aún más los ingresos de Gade, y en una entrevista dos años antes de su muerte, el director
Arthur Fiedler, recordó que Jacob Gade viajó especialmente a Boston para
agradecerle por la grabación.
Las regalías de esa canción le permitieron a Gade dedicarse
a tiempo completo a la composición por el resto de su vida. Sus derechos de
autor actualmente financian una fundación para jóvenes músicos.
A continuación, recordamos a Jacob Gade, con Tzigane Tango
Jalousie, en la versión de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Dinamarca,
dirigida por Rafael Frühbeck de Burgos.
El de 1843 fue un año muy intenso para Robert Schumann. Clara
Schumann estrenó el Quinteto con piano Op. 44, completó la
composición del Oratorio Das Paradies und die Peri, entre otras
obras y finalizó una composición con dos versiones. Se trata del
Op.46, Andante con variaciones para dos pianos, o para 2 pianos, 2
violoncellos y trompa. A continuación, de Robert Schumann, el
Andante y Variaciones en Si Bemol para 2 Pianos, 2 Violoncellos y
Trompa Op. 46, en la versión de Martha Argerich y Mauricio Vallina
en pianos, Mischa Meyer y Tatiana Uhde en violoncellos, y Andrew Bain
en trompa.
En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Paulina Fain, sobre el II Encuentro Internacional Tango para Músicos. Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Diego Rodríguez - Marcelo Díaz
El II Encuentro Internacional Tango para Músicos se desarrolla desde el domingo
14 hasta el sábado 20 de febrero desde las 19:00 en el Centro Cultural
Haroldo Conti, Av. del Libertador 8151, Buenos Aires,
Argentina. Actividades abiertas al público con entrada libre y
gratuita.
Luego de la primera edición de Tango Para Músicos en 2014, que
contó con 260 participantes de los cuatro continentes y excelente
repercusión en la prensa, vuelve el destacado encuentro
internacional de formación en tango para músicos, que ofrece
conciertos de las más renombradas orquestas, charlas, proyecciones
de películas y escenarios abiertos. Las actividades abiertas al
público tendrán lugar en el Centro Cultural Haroldo Conti y las
clases para los músicos se desarrollarán también en la Escuela
Popular de Música, dentro del predio Espacio Memoria y Derechos
Humanos (ex Esma). Tango para Músicos es la semana intensiva de formación en que
estudiantes, docentes y músicos de Argentina, América Latina y el
mundo, se encuentran a estudiar intensivamente las herramientas
fundamentales del tango, de la mano de los más reconocidos músicos
de la actualidad. Estos cursos de formación son arancelados y
exclusivos para los músicos ya inscriptos -provenientes de 14
países de diversas partes del mundo- y constan de clases de
instrumento, orquestación, composición, estilos y prácticas
orquestales. El plantel docente incluye a un seleccionado de reconocidos
músicos como Ramiro Gallo,Diego Schissi, Julián Peralta, Juan
Pablo Navarro, Exequiel Mantega, Hernán Possetti, Pablo Fraguela,
Santiago Segret, Sebastián Henríquez, Eva Wolff, María Elía,
Adrián Enríquez, Gustavo Hunt y Paulina Fain –directora del
encuentro-, entre otros. El equipo central de docentes forma parte
de los autores de la colección Método de Tango, dirigida por
Paulina Fain, editada en 4 idiomas por Ricordi de Alemania y en
Argentina. A través del mismo, por primera vez en la historia del
género, se ha llegado a un acuerdo en la codificación del lenguaje
dentro de una edición didáctica y metódica que posibilite ser
asimilado e interpretado más allá de la transmisión oral.
Tango Para Músicos se realiza desde 2015 también en Estados
Unidos. La prestigiosa Universidad de Portland "Reed College"
organiza conjuntamente con Tango Sin Fin en junio de cada año,
desde 2015, la réplica del encuentro creado en Argentina. A esta
semana de formación acuden año a año músicos de todo Estados
Unidos, Canadá y Australia. El encuentro internacional Tango Para Músicos ha sido declarado
De interés Educativo por el Ministerio de Educación de la Nación,
De Interés Cultural por el Ministerio de Cultura de Nación, De
Interés Turístico por el Ministerio de Turismo de la Nación, De
Interés Cultural por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, con
el apoyo del régimen de Mecenazgo, De Interés Musical por el
INAMU. La entidad
organizadora es Tango Sin Fin, Asociación Civil sin Fines de Lucro.
La misma fue fundada en 2013 y tiene por objetivo promover la música
argentina a nivel nacional e internacional, especialmente el tango.
Está presidida por Paulina Fain junto a un colectivo de músicos y
allegados a la música del tango. Más información: www.tangoparamusicos.org En Estados Unidos: www.reed.edu/tango
Vecchi,
Orazio (1550-1605). Compositor, poeta y teórico italiano. Se inició
en la música con el monje Salvatore Essenga en el monasterio
benedictino de San Pietro, en su Módena natal, donde posteriormente
se ordenó sacerdote. En 1577 se trasladó a Bérgamo con el mecenas
Baldasare Rangoni.
Fue maestro de capilla de la Catedral de Saló
(1582-1584) y de la de Módena (1584-1586). Luego se trasladó a
Correggio, donde fue canónigo de la colegiata entre 1586 y 1591 y
archidiácono del cabildo entre 1591 y 1592. Allí llevó a cabo la
revisión del Gradual Romano en colaboración con G. Gabrielli y L.
Balbi. Regresó a Módena y de nuevo se hizo cargo de la capilla de
la Catedral.
En 1598 fue nombrado maestro de capilla y profesor de
música de la corte de Cesare d'Este. En 1661 se le ofreció suceder
a Philippo di Monte como maestro de capilla del emperador Rodolfo II,
pero Vecchi rehusó la oferta.
En su producción destacan, debido a su condición de clérigo, un
considerable número de obras corales para iglesia, en un estilo
simple y austero inspirado en los preceptos de la Contrarreforma. Sin
embargo, su originalidad se muestra en las obras profanas; La selva
si vari ricreatine, Convito musicale y Le veglie di Siena se
aproximan a las obras del veneciano G. Croce y son continuadoras del
espíritu festivo de Janequin, de las piezas humorísticas de Lassus
y de otros muchos compositores italianos del siglo XVI. Ha pasado a
ser reconocido especialmente por el alegre madrigal-comedia
Amfiparnaso (1597), en el que los fragmentos se insertan en una trama
de comedia del arte en la que no faltan notas de patetismo.
A continuación, de Orazio Vecchi, So Ben, Mi C'ha Bon Tempo, en
la versión de The Amaryllis Consort.
El Dr. Stevan Deneberg, un dentista de profesión, su esposa
Hilda, una médica, y sus dos hijos, Mirko y Paul, vivían en Subotica, Serbia
del norte, en la región de Vojvodina cercana a la frontera húngara.
Esta región
había estado bajo control húngaro desde abril de 1941 hasta marzo de 1944. En
un intento de prevenir posibles negociaciones entre Hungría y los Aliados,
Alemania ocupó Hungría y los territorios ocupados por esta. Los alemanes,
asistidos por húngaros, comenzaron a reunir a los judíos y a deportarlos a
campos de concentración.
El Dr. Deneberg fue enviado a un campo de trabajo, del
cual nunca regresó. Su esposa y los dos hijos fueron confinados en el gueto de
Subotica. Desde allí partieron transportes a Auschwitz, desde mayo hasta el 16
de junio de 1944; para esa fecha el gueto había sido liquidado.
Klara Baić
Ese día el hermano de la Sra. Deneberg, que había sido
eximido de las deportaciones por estar casado con una mujer serbia y poseer un
certificado de bautismo falso, se infiltró en el gueto y con ayuda de la mucama
de su madre hizo salir a Mirko y Paul, de once y ocho años respectivamente.
Tuvo que enfrentar grandes dificultades mientras buscaba un lugar donde
esconderlos.
Consiguió encontrar un refugio temporal para ellos en las casas de
amigos de su esposa, pero sólo por uno o dos días cada vez. También encontró a
alguien dispuesto a albergarlos a cambio de un pago, pero el precio era
exorbitante para él.
El tío de los muchachos se dirigió a un sacerdote conocido
por tener vínculos con los partisanos, en busca de ayuda. Este recomendó a
Klara Baić, una cristiana piadosa, madre de una hija de 12 años llamada
Margica. Klara aceptó albergar a los muchachos a cambio de una pequeña suma
destinada a sufragar los gastos de su mantenimiento.
Pavle y Mirko Deneberg (se desconoce la identidad de la niña)
Más tarde Mirko recordaba
que "Klara compartía todo con nosotros e hizo todo lo posible para
salvarnos." Tomó la decisión de ocultar a los chicos a pesar de la
advertencia de un severo castigo para los que eran arrestados por esconder
judíos.
Klara preparó un escondite en el patio de sus vecinos en
caso de un chequeo imprevisto de la casa o de una redada. A principios de
septiembre se mudó, junto con su hija y los dos muchachos, a la casa de un
pariente. Allí permanecieron hasta que la zona fue liberada en octubre de 1944.
Después de la guerra la Dra. Denberg, que sobrevivió
Auschwitz y había regresado a Subotica, emigró junto con Mirko (conocido luego
como Michael Danber) a los Estados Unidos. Paul Denberg emigró a Suecia.
Pavle y Mirko Deneberg (se desconoce la identidad de la mujer)
El 18 de febrero de 2007 Yad Vashem reconoció a Klara Baić
como Justa de las Naciones.
