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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Pedro Knight y Celia Cruz. (Foto: Collage CubaNet)
Gerónimo Pedro Knight Caraballo, más conocido como Pedro
Knight, nació en Matanzas, Cuba, el 30 de septiembre de 1921, y murió en Los
Ángeles, California, Estados Unidos, el 3 de febrero de 2007. Trompetista.
Pedro Knight, el trompetista, esposo y confidente de Celia
Cruz: A 17 años de su partida
Pedro Knight fue un "arquitecto" detrás del éxito
de Celia. La pareja se convirtió en un símbolo de la cultura latina en Estados
Unidos
Cubanet febrero 3, 2024
MADRID, España.- Este 3 de febrero marca el decimoséptimo
aniversario del fallecimiento de Pedro Knight, quien no solo fue el compañero
de vida y apoyo inquebrantable de la gran Celia Cruz, sino que también hizo
grandes contribuciones a la música latina.
Nacido el 30 de septiembre de 1921 en Matanzas, la historia
musical de Pedro Knight se entrelaza estrechamente con la de la Guarachera de
Cuba. Su asociación comenzó en los ensayos en Radio Progreso en agosto de 1950,
donde Cruz se unió como la voz femenina invitada a la Sonora Matancera, la
renombrada orquesta en la que Knight ya era un talentoso segundo trompetista.
Lo que comenzó como una amistad sólida se transformó en un amor duradero que
los llevó al matrimonio el 14 de julio de 1962 en Connecticut.
Pedro Knight no solo fue el esposo de Celia, sino también su
administrador y confidente más cercano. Si bien ambos brillaban en el
escenario, Knight prefirió permanecer en un segundo plano, permitiendo que la
luz de su esposa iluminara el mundo. Fue un arquitecto detrás del éxito de
Celia, guiándola hacia el estrellato internacional como la “Reina de la Salsa”.
Su dedicación y apoyo incansable fueron fundamentales para el ascenso meteórico
de Cruz en la escena musical.
La pareja se convirtió en un símbolo de la cultura latina en
Estados Unidos, contribuyendo significativamente a la popularización de la
salsa y llevando consigo el alma de Cuba a cada escenario que pisaban. Su amor
y colaboración artística permanecieron inquebrantables hasta el último aliento
de Celia Cruz en 2003.
La pérdida de Cruz fue un gran golpe para Pedro Knight,
quien la acompañó en su batalla contra el cáncer y se mantuvo a su lado con
amor y devoción hasta el final. Luchando contra su propio cáncer, Knight
continuó honrando el legado de su esposa participando en diversos proyectos
póstumos dedicados a ella, desde libros hasta películas biográficas.
El 3 de febrero de 2007, Pedro Knight falleció a los 85 años
en un hospital en Los Ángeles, California. Fue enterrado junto a Celia Cruz en
el Cementerio Woodlawn en el Bronx, Nueva York, en un mausoleo construido en su
honor.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Desvelo de Amor.
Shalom – Rosh Hashana, reflexiones para comenzar el año
Rosh Hashaná o Año Nuevo Judío es además de una celebración
un momento de introspección reflexión y enmienda. El Gran Rabino de Israel,
Shlomo Moshe Amar nos explica cuál debe ser nuestra conducta a la hora de
enmendar nuestras acciones.
Theodor Franz Jörgensmann, más conocido como Theo
Jörgensmann, nació en Bottrop, Alemania, el 29 de septiembre de 1948. Clarinetista
y compositor.
El sitio www.allmusic.com
publicó esta biografía firmada por Steve Huey.
Biografía de Theo Jörgensmann por Steve Huey
El clarinetista y compositor alemán Theo Jörgensmann es uno
de los improvisadores libres modernos más avanzados en su instrumento,
combinando un jazz de cámara melancólico con toques de sensibilidad hard bop
modal. Nacido en 1948, Jörgensmann hizo sus primeras grabaciones a finales de
los años 70, incluyendo el quinteto Go Ahead Clarinet de 1978 y el cuarteto
Song of Vowage de 1979 , ambos publicados en CMP. A finales de los 80 y
principios de los 90, tocó con la big band experimental holandesa Contraband, y
también dirigió un grupo llamado Werkschau Ensemble, que incluía al violinista
Albrecht Maurer y al percusionista Achim Krämer; grabaron un álbum para Konnex
en 1993, Aesthetic Direction. Jörgensmann formó luego un cuarteto regular con
el vibrafonista Christopher Dell, el bajista Christian Ramond y el baterista
Klaus Kugel, que jugaría un papel importante en llevar la música de Jörgensmann
a la atención de la comunidad internacional de música improvisada. Su primer
álbum, Ta Eko Mo, fue grabado para Zoo en 1997 y lanzado con críticas
positivas; al año siguiente, el cuarteto trabajó con el veterano trompetista
Kenny Wheeler. 1999 fue un año de gran éxito: el primer álbum del cuarteto para
hatOLOGY, Snijbloemen, le valió a Jörgensmann su mayor reconocimiento hasta el
momento, y nuevamente recibió críticas abrumadoramente elogiosas. Jörgensmann
realizó una gira por América del Norte con su cuarteto, tocando en el Festival
Du Maurier en Vancouver y el Festival de Jazz de Montreal ese año; también
grabó dos álbumes con el poeta Michael Klaus. El siguiente proyecto de
Jörgensmann fue una colaboración con el clarinetista bajo Eckard Koltermann ;
formaron el Dúo Alemán de Clarinetes y publicaron Pagine Gialle en hatOLOGY en
2001.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Steigerlied, acompañado
por Ralf Bazzanella en saxo, y Roland Miosga en teclados.
El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta:
Tributo a Sara Laskier Rus.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Sara Laskier Rus: siempre hay un ángel que nos protege.
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Sara Laskier Rus nació en 1927 en Lodz, Polonia, hija de Carol
y Jacobo Laskier. Estudiaba en una escuela judía y tocaba el violín. Cuando los
alemanes invadieron Lodz, vivían allí 200.000 judíos, en una comunidad próspera
y dinámica. En 1940 la familia fue obligada a vivir en el gueto de Lodz en
condiciones infrahumanas. Allí conoció a Bernardo Rus, quien se convertiría en
su esposo. En 1944 fue deportada al campo de Auschwitz y más adelante, la
obligaron a trabajar en la fábrica de aviones en Freiberg y más tarde a
Mauthausen, donde ella y su madre fueron liberadas el 5 de mayo de 1945. Al
terminar la guerra se casó con Bernardo y emigraron a la Argentina, donde
tuvieron dos hijos, Daniel y Natalia. El 15 de julio de 1977, Daniel fue
secuestrado en la puerta de la Comisión Nacional de Energía Atómica por la
Dictadura militar argentina y permanece desaparecido. Sara Laskier Rus falleció
en enero de 2024 a los 97 años.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Arnold Sidney Stang nació en Nueva York, Estados Unidos, el 28
de septiembre de 1918, y murió en Newton, Massachusetts, Estados Unidos, el 20
de diciembre de 2009. Actor.
El sitio www.decine21.com
publicó este recordatorio firmado por Juan Luis Sánchez.
Arnold Stang
Nació el 28 de Septiembre de 1918 en Nueva York, EE.UU.
Falleció el 20 de Diciembre de 2009 en Newton, Massachusetts,
EE.UU.
Intérprete Secundario especializado en comedia
Juan Luis Sánchez 23 Diciembre 2009
Trabajó junto a grandes actores como Frank Sinatra. Fue un
eterno secundario especializado en personajes de tontorrón. Su rostro simpático
y su voz nasal le convirtieron en un actor ideal para interpretar papeles
cómicos, aunque a lo largo de 60 años de carrera interpretó todo tipo de
papeles. El actor falleció el 20 de diciembre de 2009, a los 91 años, a
consecuencia de una neumonía.
Nacido el 28 de septiembre de 1925, oficialmente se supone
que nació y creció en el suburbio Chelsea de Boston. Pero su esposa ha
declarado tras su muerte que en realidad se inventó esa historia y proviene del
neoyorquino barrio de Brooklyn.
Cuando tenía 9 años hizo un casting, y consiguió un papel en
el programa radiofónico “Horn and Hardart’s Children’s Hour”. Apasionado del
medio, seguiría vinculado a la radio mucho tiempo. Debutó en el cine con un
pequeño papel sin acreditar en Los caprichos de Elena, una comedia protagonizada
por Rosalind Russell.
Desde entonces no paraba de intervenir en el cine, en varios
títulos al año. Le requerían especialmente para poner voces en cortos de
animación, y así proporcionó su voz a personajes como Don Gato.
En El hombre del brazo de oro era el amigo al que Frank
Sinatra le pide que le consiga un traje para presentarse a una audición como
músico, pero el traje resulta ser robado. Además, fue uno de los personajes de
El mundo está loco, loco, loco, y coprotagonizó Hércules en Nueva York, que
supuso el debut en el cine de Arnold Schwarzenegger. En 1948 se casó con Joanne
Stang, con la que tuvo dos hijos.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con una escena de la película El mundo está loco, loco, loco, de 1963, con Jonathan
Winters, y Marvin Kaplan.
Marvin Lee Aday, o Michael Lee Aday, más conocido como Meat
Loaf, nació en Dallas, Texas, Estados Unidos, el 27 de septiembre de 1947, y
murió en Nashville, Tennessee, Estados Unidos, el 20 de enero de 2022. Cantante,
compositor y actor.
El rockero norteamericano triunfó en medio mundo con un
concepto del rock grandilocuente y épico, plasmado en discos como el exitoso
Bat Out Of Hell, de 1977.
Fue el máximo exponente de un sentido del rock muy teatral.
Grandilocuente. Épico. Desmesurado. Espectacular. Así era Marvin Lee Aday, que
ese era el nombre real del rockero Meat Loaf. Había nacido en Dallas (EE.UU.)
en 1947, y falleció en los primeros compases de 2022, a los 74 años, en
Nashville (EE.UU.) Un fiel producto del rock de los años setenta.
El momento de máxima popularidad de este rockero excesivo en
todo, hasta en la imagen y en el nombre (Meat Loaf es, literalmente, «pastel de
carne», un apodo fácilmente explicable si atendemos a su sempiterna obesidad, y
que adoptó tras sufrir bullying por ello en el colegio) llegó con Bat Out Of
Hell (Cleveland International Recordings, 1977), uno de los álbumes de rock más
vendidos de la historia: nada menos que 44 millones de discos a lo largo y
ancho del globo desde el día de su edición, de los cuales se despacharon casi
la mitad (catorce) en su país. Está considerado el cuarto álbum más vendido de
todos los tiempos.
Padre del rock wagneriano
Fue aquel el disco que le valió el calificativo de rock
wagneriano. Un trabajo inspirado en la música clásica de Richard Wagner, pero
también en las ampulosas producciones de Phil Spector y en la épica de clase
trabajadora de Bruce Springsteen. Una fórmula que se presentaba como la
antítesis del punk, el movimiento musical que eclosionó durante aquel año, algo
que no le impidió convertirse en todo un fenómeno de ventas. Ni mucho menos.
Lo había producido Todd Rundgren, un músico genial y todo un
mago de los estudios de grabación. Y aunque nunca generó consenso por parte de
la crítica, que no acogió las obras de Meat Loaf con demasiada calidez, fue tan
próspera su viabilidad comercial que deparó un par de secuelas: Bat Out of Hell
II: Back into Hell (MCA/Virgin, 1993), que procuró la publicación del exitoso
single «I’d Do Anything For Love (But I Won’t Do That)», y Bat Out of Hell III:
The Monster Is Loose (Virgin, 2006), acogido con más discreción.
Meat Loaf: Difícil infancia y frecuentes incursiones en el
cine
Lanzó doce álbumes más a lo largo de una carrera que comenzó
en 1971 y había concluido en 2016. Títulos como Bad Attitude (RCA, 1984) o Hell
In a Handbasket (Sony, 2011), generalmente presididos por por esa exuberancia
formal (excesiva, a ojos de sus críticos) y esa emotividad flagrante con la que
quizá trataba de compensar una infancia más que complicada: su padre fue un
policía alcohólico y maltratador y su madre falleció cuando él solo contaba 18
años. Un alma atormentada la suya, redimida por el poder sanador del rock and
roll. Dejó esposa y dos hijas. Trascendió a las pocas horas de su muerte que la
causa principal fue la covid-19.
Pero al margen de su rol como cantante de éxito, tanto desde
los estudios de grabación como sobre los escenarios, Meat Loaf también dejó su
huella, algo más discreta, en el mundo del cine. Participó en dos películas tan
emblemáticas desde su mismo estreno, elevadas a la categoría de culto, como
fueron The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975) y El club de la lucha
(David Fincher, 1998). Fue, esencia, todo un personaje. Para bien y para mal.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus grandes éxitos: Bat Out of Hell.
Retrato de Levi Strauss, quien trazó los primeros jeans como ropa de trabajo para los buscadores de oro
Tiro alto, tiro bajo, chupín, pata de elefante, elastizado, oversize, calce profundo, nevado, desgastado, ripped...En cualquiera de sus variantes, el jean es la prenda más usada en el mundo entero desde su creación, hace ya más de 160 años. Pero, ¿a quién se le podía ocurrir confeccionar un pantalón con una tela rústica y dura como la que hasta ese momento se utilizaba en los toldos de las carretas? Pues ni más ni menos que Oscar Levi-Strauss, un hombre que supo transformar una crisis en una oportunidad.
Su vida no había sido nada fácil. Había nacido el 25 de febrero de 1829 en el municipio de Buttenheim, en Baviera, Alemania. Hijo de Hirsch Strauss y su segunda esposa, Rebecca Haas Strauss, compartió su infancia con sus seis hermanos. Sin embargo, luego del fallecimiento de su padre a raíz de una tuberculosis, en 1846, su madre tomó coraje y lo llevó con ella hasta Nueva York, dispuesta a empezar de nuevo.
Fue entonces cuando Oscar, que todavía era un adolescente, empezó a trabajar en la tienda de dos de sus hermanos mayores, J. Strauss Brother & Co, que se dedicaba a la venta mayorista de artículos textiles. Sin embargo, en 1853 y comprensiblemente afectado por el síndrome de la llamada “fiebre del oro” en California, decidió viajar a San Francisco. Soñaba con convertirse en un hombre rico. Y estaba seguro de que lo lograría, aunque en ese momento no sabía exactamente cómo.
Primitivo anuncio de los jeans Levi Strauss
Siguiendo los pasos de sus hermanos, fundó en la Costa Oeste su propia empresa a la que denominó Levi Strauss & Co. Allí vendía algunas prendas de vestir y calzados. Pero también era el encargado de comercializar una tela de algodón rústica de origen genovés, que se utilizaba para hacer los toldos de las carretas. Y resulta que ese género, que ya se había usado en la Italia del siglo XVI para elaborar la ropa de los marineros y los trabajadores del campo a los que se conocía como “vaqueros”, fue la llave de su fortuna.
Primero empezó a vendérsela a los militares, para que confeccionaran su ropa de fajina. Sin embargo, cuando éstos dejaron de comprársela por su dureza, se le ocurrió que podría resultar ideal para los mineros que, en su búsqueda de metales preciosos, solían romper muy seguido sus pantalones. Así fue como terminó diseñando el primer jean (nombre que le habría quedado por Génes, que significa Génova en francés). Era un modelo simple y recto, al que le había agregado unos bolsillos. Y esto último, que les permitía guardar sus herramientas para tener las manos libres, sumado a la resistencia de la tela, hizo que la prenda fuera muy bien recibida por los trabajadores de las minas.
Bruce Springsteen fotografiado por Annie Leibovitz con sus jeans en la portada de Born in the U.S.A. (Columbia Records)
Al ver incrementar sus ventas, Levi-Strauss decidió perfeccionar su producto. Y, allá por 1860, logró un tejido más liviano y un color más oscuro en el que no se notaba tanto la suciedad. ¿Cómo lo hizo? Sumergió los pantalones toda la noche en un estanque teñido de azul, que los animales se encargaron de revolver con sus bocas, y luego dejó las prendas tendidas por varios días al sol. El resultado, aunque el calor encogió las prendas, fue el esperado.
La tela, sin embargo, seguía siendo dura. Y el gran problema era que los bolsillos se descosían de tantos elementos que cargaban en ellos. Fue entonces cuando Oscar se unió al sastre Jacob Davis, que había inventado los remaches de cobre. Y empezó a reforzar con estos algunos puntos de las costuras de los pantalones, incluida la base de la bragueta. Pero este detalle tuvo que modificarse a raíz de que, cuando los mineros se acercaban a los fogones para calentarse, el metal terminaba quemándoles la piel.
Finalmente, en 1873, Levi Strauss y David recibieron la patente de Estados Unidos y presentaron oficialmente al blue jean. La versión de la prenda había sido mejorada: no solo era resistente, sino que también contaba con bolsillos prácticos y un diseño que había sido aprobado por la mayoría de los hombres. De manera que sus competidores no tardaron en salir al mercado con productos similares. Pero, en 1890, se puso a la venta el clásico modelo Levi’s 501, que terminó de posicionar a la marca como la número uno del rubro. Y su logo, con dos caballos tirando del pantalón, lo mostraban como indestructible.
Oscar Levi-Strauss
Emprendedor como pocos, Oscar también se abocó a otras actividades. Fue fundador y tesorero de la Junta de Comercio de San Francisco, director del Nevada Bank, de la Liverpool, London and Globe Insurance Company y de la San Francisco Gas and Electric Company y socio propietario de las fábricas de lana Mission y Pacific. Y también se dedicó a financiar tareas solidarias que le valieron el reconocimiento de la gente de su ciudad. Pero, sin lugar a dudas, su mina de oro fue la fábrica de jeans.
Levi-Strauss falleció el 26 de septiembre de 1902, a la edad de 73 años. Y, en San Francisco, le dieron el día libre a los trabajadores para que pudieran asistir a su funeral. Había llegado a Norteamérica si nada, absolutamente. Y no solo había logrado ser un hombre rico, con un patrimonio valuado en 6 millones de dólares, sino que también había fundado una empresa que sus herederos se esforzaron por convertir en un imperio comercial a nivel mundial.
Con el correr de los años llegaron los cierres relámpago que reemplazaron a los botones y, a los pantalones, se les sumaron los jardineros infantiles y las chaquetas confeccionadas en la misma tela. Así que todos querían lucir algo de jean. Pero, hasta entonces, las prendas estaban pensadas solo para los varones. De manera que las esposas, hermanas y amigas, no tenían más remedio que tomarlas “prestadas” de los guardarropas masculinos.
Marilyn Monroe, modelando jeans (Andre de Dienes)
En 1934, en tanto, salió a la venta el primer jean para mujeres. Se trataba del Lady Levi’s, un pantalón de tiro alto y cadera ajustada. Y, aunque al principio costó que se impusiera, con los años se transformó en la vestimenta elegida también por ellas, tanto para looks informales de día como para outfits más sofisticados para salidas de noche. De hecho, renombrados diseñadores como Giorgio Armani o Gianni Versace se ocuparon de sacar sus propias líneas para ambos sexos. Y figuras de la talla de James Dean, Marlon Brando, Elvis Presley, Bruce Springsteen y Marilyn Monroe, entre muchísimas otras, no dudaron en adoptarlas.
Así fue como esa prenda al estilo Lejano Oeste ideada por Levi-Strauss, que había sido confeccionada con la tela de los toldos de las carretas con la finalidad de facilitar el trabajo de los mineros, fue adoptada por personas de todos los estratos sociales en todas partes del mundo y se convirtió en el verdadero infaltable en cualquier vestidor.
George Raft nació en Nueva York, Estados Unidos, el 26 de
septiembre de 1901, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 24
de noviembre de 1980. Actor y bailarín.
George Raft. Actor estadounidense, nacido en Nueva York, el
26 de septiembre de 1895, y fallecido en Los Ángeles, California, el 24 de
noviembre de 1980.
Biografía
Criado en uno de los peores barrios de Nueva York, el
célebre Hell’s Kitchen (Cocina del infierno), Raft fue, antes que actor,
boxeador, bailarín en salas de fiestas y en nights clubs de Broadway y, según
él mismo, un miembro activo del hampa neoyorquino. A su llegada a Hollywood, a
finales de los años 20, fue, gracias a su elegancia y delgadez, rápidamente
saludado como el nuevo Rodolfo Valentino, pero pronto se vio encasillado en los
mismos y estereotipados papeles de gangsters.
Uno de los "duros" oficiales de las películas de
gangsters, George Raft fue, ante todo, el memorable Guido Rinaldo de Scarface,
el terror del hampa (1932), de Howard Hawks, donde recrea a un asesino sin
escrúpulos, mano derecha de Tony Camonte y por siempre recordado por su imagen
impecable y ampliamente “pasticheada”: esmoquin, pelo engominado con raya en
medio, etc., y constantemente lanzando al aire una moneda que luego recogía.
Filmes como La llave de cristal (1935), de Frank Tuttle, You
and Me (1938), de Fritz Lang, Manpower (1941), de Raoul Walsh o Nocturno
(1946), de Edwin L. Marin fomentaron su reputación durante los años treinta y
cuarenta. En Pasión ciega (1940), de Raoul Walsh, su mejor filme como
protagonista, interpreta a un camionero que, junto a su hermano, papel asignado
a Humphrey Bogart, conducen la mercancía de noche, como bien explica el título
original (They drive by night), y que, en la más pura tradición de cine negro,
vive una tórrida relación con la mujer de su jefe; la tragedia llega cuando
éste la rechaza, no una sino hasta dos veces.
Pero ya en los últimos años de la década de los cuarenta y
en la de los cincuenta, una nefasta elección de papeles le supuso una gran
pérdida de prestigio, que nunca recuperó. Viajó a Europa para interpretar
algunos filmes, todos de ínfima calidad, por lo que pronto regresó a Estados
Unidos. Protagonizó una serie de televisión, relativamente seguida, llamada: I
Am the Law. El gran director Billy Wilder le ofreció la oportunidad, en Con
faldas y a lo loco (1959), de lucirse en un papel a su medida: el “botines
Columbo” que persigue, con sus gorilas, a Daphne y Josephine (Tony Curtis y
Jack Lemmon), testigos presenciales de la celebérrima matanza del día de San
Valentín, hasta Florida para acabar con “ellas”. Casi un homenaje, en todo
caso, un delicioso pastiche interpretativo.
Sin duda, el éxito de la película de Wilder fue definitivo
para que, en 1961, Joseph M. Newman realizase una versión, con excelentes
medios y profesionales, de la historia de su vida llamada The George Raft
Story, con Ray Danton, en su mejor interpretación, un actor de mucha menos
calidad y encanto que George Raft.
Muerte
Falleció de leucemia el 24 de noviembre de 1980, en Los Ángeles,
California.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Sweet Georgia Brown, de la película Follow the Boys, de 1944, acompañado
por Louis Jordan y su Orquesta.
Robert Juan René Gerhard Ottenwaelder, más conocido como
Roberto Gerhard, nació en Valls, Tarragona, España, el 25 de septiembre de 1896,
y murió en Cambridge, Reino Unido, el 5 de enero de 1970. Compositor.
(Roberto o Robert Gerhard; Valls, 1896 - Cambridge, 1970)
Compositor español. Introductor en España del dodecafonismo y las teorías de la
Segunda Escuela de Viena, fue uno de los más notables representantes de la
Generación musical del 27.
Roberto Gerhard
De padre suizo y madre alsaciana, Roberto Gerhard siempre
dirigió su mirada hacia la música germánica, combinándola acertadamente con los
ritmos y melodías del folclore de su Cataluña natal. A los doce años de edad se
trasladó a Lausanne (Suiza) para estudiar comercio obligado por su padre, pero
a los diecisiete años decidió dedicarse de lleno a la música y para ello viajó
a Múnich, en cuyo conservatorio (Musikhochschule) se matriculó en 1913.
Poco después estalló la Primera Guerra Mundial, y Gerhard
tuvo que volver a Cataluña. Una vez en Barcelona se inscribió en las clases de
piano de Enric Granados, y tras la muerte de éste, ocurrida en 1916, continuó
recibiendo lecciones de Frank Marshall. Comenzó también a estudiar composición
con Felip Pedrell, que había sido maestro de Isaac Albéniz, Manuel de Falla y
Enric Granados y defendía la simbiosis de las raíces musicales españolas con la
metodología de la tradición sinfónica europea. La influencia de Pedrell fue
crucial para la carrera compositiva de Roberto Gerhard, quien en aquella época
fue asistente del folclorista Joan Amades y cultivó una buena amistad con
Manuel de Falla, al que admiraba profundamente.
Durante su periodo de formación en Barcelona compuso dos
obras vocales destacables: el ciclo de canciones basado en poemas de Josep
Maria López Picó, gran amigo del compositor, y L'infantament meravellós de
Schahrazada, dedicado a la soprano Conchita Badía. Esta última obra utiliza
profusamente el cromatismo y posee sonoridades de las músicas alemana y rusa de
las primeras décadas del siglo XX, lo cual era realmente innovador para la
música española de la época, más cercana a la tradición francesa. En su Trío
con Piano de 1918, Gerhard se acerca más a los lenguajes de Maurice Ravel y
Claude Debussy, conjugando dicha influencia con aspectos del folclore
peninsular.
En 1920 concluyó sus estudios con Pedrell y continuó
componiendo obras como Dos Apunts para piano o Sept Haiku para voz y ensemble
en un estilo cercano al serialismo. En 1923 fue aceptado en las clases de
composición de Arnold Schönberg en Viena, ciudad donde conoció a la que más
tarde se convertiría en su esposa, Leopoldina Feichtegger. En 1925 se trasladó
a Berlín junto a su maestro, del que ya había llegado a ser asistente, y continuó
su formación con él.
Sus obras de este período muestran las influencias de
Schönberg en aspectos como la claridad en la forma, lo complejo de la textura
contrapuntística y la concisión formal. Estas características se pueden
escuchar tanto en su Quinteto de Viento como en el Concertino para Cuerdas, si
bien poco tiempo después, al regresar a Barcelona, compuso una obra de raíces
claramente nacionalistas: las Catorce canciones populares de Cataluña.
En 1930 se celebró su boda con Leopoldina en Barcelona. Al
año siguiente Gerhard obtuvo un puesto de profesor de música en la Escola
Normal de la Generalitat de Catalunya y pasó a encargarse del departamento de
música de la Biblioteca de Catalunya. Ese mismo año, en 1931, Schönberg y su
esposa se trasladaron a la capital catalana durante ocho meses invitados por
los Gerhard. Allí Schönberg tuvo la oportunidad de dirigir sus obras con la
orquesta de Pau Casals y compuso la partitura de Moises y Aaron.
En 1936, y gracias al empeño de Roberto Gerhard, tuvo lugar en
Barcelona el XVI Festival de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea.
En el marco de dicho evento se estrenó el Concierto para Violín de Alban Berg y
el ballet del propio Gerhard titulado Ariel, sobre textos de Josep Vicenç Foix
basados en La tempestad de Shakespeare, así como en ciertas imágenes
folclóricas catalanas. Pocos meses después del estreno de Ariel, Gerhard se
centró en la composición de otro ballet basado en danzas folclóricas de
Cataluña que se estrenó en forma de suite en 1972. Su título provisional fue
Soirées de Barcelone y en él se dejan ver influencias tanto de Igor Stravinsky
como de Bela Bartok.
Tras el fin de la Guerra Civil española y el ascenso al
poder del general Francisco Franco en 1939, Gerhard decidió trasladarse al
extranjero, como hicieron muchos de los artistas de la Generación del 27. En un
principio se instaló en París, ciudad donde residían sus amigos Joan Miró y
Josep Lluís Sert, pero en junio de 1939 le fue ofrecida una beca de
investigación en el King's College de la Universidad de Cambridge (Reino
Unido), donde permanecería hasta su muerte. Dado que su música no poseía en un
principio un público fiel en Inglaterra, durante la década de los años cuarenta
Gerhard tuvo que realizar arreglos de zarzuelas y música popular española para
la orquesta de la BBC utilizando el pseudónimo de "Juan Serralonga".
En 1941 se celebró el centenario del nacimiento de Pedrell,
para el que Gerhard escribió el Cançionero de Pedrell. Ese mismo año terminó el
ballet Don Quijote para orquesta de cámara, una obra serial que describe con
maestría las contradicciones entre Don Quijote y Sancho Panza. El ballet, que
más tarde fue divulgado por la BBC en un programa de radio sobre la célebre
novela de Miguel de Cervantes, se estrenó en el teatro Sadler's Wells de
Londres en 1951 tras sufrir diversos cambios.
Antes de esa fecha Gerhard ya había compuesto otros dos
ballets, Alegría y Pandora, por encargo del Ballet Rambert y del Ballet Joos,
respectivamente. El primero de ellos, Alegría, posee ciertas resonancias del
folclore andaluz, mientras que el segundo contiene muchos elementos de la
música popular de Cataluña. Pero su obra escénica más importante es sin duda La
Dueña, inspirada en la comedia The Duenna, de Richard Sheridan, en la que rinde
tributo a la tonadilla escénica dieciochista de compositores como Pablo Esteve
o Blas de Laserna.
Además de dedicarse a componer música para la escena,
Gerhard creó numerosas obras orquestales como el Concierto para violín,
dedicado al solista catalán Antonio Brosa y muy cercano a las ideas
compositivas de Schönberg. Asimismo, el lenguaje utilizado en su Concierto para
piano vuelve a ser de carácter serial, pero con incursiones en el folclore
catalán y en la música ibérica renacentista para teclado.
El interés por la búsqueda de nuevos sonidos y texturas le
llevó a acercarse a la música electroacústica. La BBC le montó en su propia
casa un pequeño estudio donde Gerhard manipulaba electrónicamente sonidos y los
utilizaba en ciertas composiciones de música incidental para seriales
radiofónicos u obras de teatro como King Lear, de Peter Brook, en 1955.
Al año siguiente, la revista The Score le rindió un homenaje
dedicándole un número completo en el que escribieron Laurence Picken y David
Drew, entre otros. Por aquel entonces el compositor catalán ya había concluido
su Sinfonía nº 2 por encargo de la BBC, institución en la que Gerhard ocupó
diversos puestos. Además, enseñó en los cursos de verano de Dartington
(Inglaterra) y ejerció la docencia en los Estados Unidos de manera ocasional,
concretamente en el prestigioso Berkshire Music Center de Tanglewood y en la
Universidad de Michigan.
Los últimos diez años de la obra de Gerhard están marcados
por una evolución en sus técnicas compositivas cuyo fruto se deja ver en las
obras de este periodo, todas ellas de un solo movimiento polimórfico. Las
numerosas composiciones de esta última década comienzan con su Sinfonía nº 3
"Collages", que data de 1960. En ella sólo hay un movimiento que se
divide en siete secciones en las que intenta reflejar las experiencias vividas
en sus viajes al continente americano. En la cuarta sección, Gerhard utiliza la
electrónica para crear distintos efectos.
Otras obras, como el Cuarteto de cuerda nº 2 o el Concert
per a 8, también constan de un solo movimiento dividido en secciones. Pero sin
duda su obra más notoria de este periodo es la cantata La peste. La partitura
está basada en la obra de igual nombre de Albert Camus, con quien Gerhard
colaboró estrechamente. Además de utilizar recursos electrónicos, Gerhard
cuenta en La peste con un narrador para recitar el texto y con un coro,
siguiendo la tradición de las tragedias griegas. Tras La peste vinieron su
Sinfonía nº 4 "New York" -compuesta por encargo de la Orquesta
Filarmónica de Nueva York- y tres obras camerísticas basadas en los signos del
zodíaco: Libra, Leo y Gemini.
Casi al final de su vida, en 1967, Gerhard fue nombrado
Comendador del Imperio Británico. Al año siguiente fue investido doctor honoris
causa por el King's College de la Universidad de Cambridge en reconocimiento a
su labor compositiva. En 1992, veintidós años después de la muerte de Gerhard,
La Dueña vio la luz en el Teatro de La Zarzuela de Madrid y en el Liceu de
Barcelona, en una versión de la compañía británica Opera North dirigida por
Antoni Ros Marbá.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concierto para Orquesta, en la versión de la Orquesta sinfónica de la
BBC, dirigida por Matthias Bamert.
Una selección de textos de distintos autores y tiempos para
disfrutar en silencio. Reflexiones, pensamientos, frases y poesía para acompañarte
allí donde te encuentres.
Hoy: El príncipe feliz – Oscar Wilde.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
María Amelia Baltar, más conocida como Amelita Baltar, nació
en Buenos Aires, Argentina, el 24 de septiembre de 1940. Cantante, compositora
y profesora de música.
Premio Konex de Platino 2015: Cantante Femenina de Tango
Premio Konex 1995: Cantante Femenina de Tango
Nació el 24/09/1940. Premio Konex de Platino 2015. Premio
Konex 1995. Cantante, actriz, conductora, intérprete, compositora y profesora
de música, con más de cincuenta años de trayectoria. Descubierta por Astor
Piazzola en 1968, fue voz indiscutible de los temas del dúo Piazzola y Ferrer.
Se presentó en de Estambul, París, Alemania, Finlandia, Suecia, Brasil, España,
Colombia, EE.UU., Japón y Corea del Sur, entre otros. Realizó conciertos con
distintas orquestas sinfónicas y de música popular. Recientemente su concierto
con la Filarmónica de Montevideo en el Teatro Solís fue registrada en un álbum
a editarse en breve. Por su último
trabajo “El nuevo rumbo”, fue galardonada con el premio Gardel a la Mejor
Cantante Femenina de Tango en 2013. Actualmente brinda conciertos en forma
ininterrumpida en el país y Latinoamérica, y conduce su programa en la FM 2x4.
Mujer Destacada en el Ámbito Nacional (1996), Personalidad Destacada de la
Cultura de la Ciudad de Buenos Aires (2005), y Visitante Iluste de Montevideo
(2014).
Biografía ampliada
Nacida en Buenos Aires en 1941, comienza a estudiar música
desde muy niña, convirtiéndose en profesora de guitarra desde su adolescencia.
Concomitantemente, a los 18 años se recibe de Maestra,
formación que le ha dado soporte a su trayectoria de tantos años como Docente
de Interpretación de Tango y Folclore y a su actividad como Autora.
En 1962, debuta como cantante en el Quinteto Sombras, recorriendo
festivales por toda la Argentina y grabando su primer disco como solista.
En 1968, Piazzolla la escucha en uno de sus shows, en una
peña folclórica, acompañada como siempre de su guitarra, y encuentra en su voz
y su marcado dramatismo interpretativo, a la protagonista indicada para la
Operita "María de Buenos Aires" que había compuesto junto al poeta
uruguayo Horacio Ferrer.
"María de Buenos Aires" marca el encuentro de
Amelita Baltar con el tango y el comienzo de una fructífera relación artística
que revolucionó la música popular argentina.
El poeta (Horacio Ferrer), el compositor (Astor Piazzolla) y la cantante
(Amelita Baltar) trascienden las fronteras de la argentina con un nuevo
lenguaje musical y poético que alcanza no solo a Latinoamérica, sino también a
Europa tomando como epicentro París y Roma.
Es justamente en los primeros años de la década del 70 que Astor
Piazzolla cimenta su carrera en el Viejo Continente, acompañado siempre de la
Cantante y el Poeta.
En los siete años que duró la relación artística: Piazzolla
y Ferrer compusieron decenas de canciones que eran estrenadas inmediatamente
por Amelita Baltar, y piezas completas como la Operita "María de Buenos
Aires" y el "Oratorio El Pueblo Joven". La impronta que Amelita Baltar imprimió a
esas composiciones, mantiene su vigencia hasta hoy, pasados ya 47 años del
comienzo de dicha complementación artística, y las grabaciones de entonces
continúan siendo un clásico de la música argentina.
En 1975, Amelita Baltar retoma su carrera como solista (ya
separada de Piazzolla y Ferrer) y comienza a incluir tangos tradicionales en su
repertorio, además de folklore y composiciones que la tienen como autora (luego
de estudiar armonía poética con Homero Expósito).
Participa además en cine, comedia musical y teatro. Es
docente de interpretación de tango y folclore. Graba numerosos discos en los
que alterna folclore, piezas de su autoría, tangos tradicionales y el
repertorio que ella misma estrenó de Piazzolla y Ferrer.
Produce y conduce un ciclo dedicado a la historia de tangos
antológicos en Canal (A): "Amelitango", y ciclos de radio en los que
a través de su trayectoria cuenta la historia del tango y el folklore en
primera persona.
Como intérprete realiza frecuentes giras y temporadas en el
interior de la Argentina, Uruguay y en países como Brasil, Colombia, Bélgica,
España, Suiza, Alemania, Finlandia, Suecia, Turquía, Corea del Sur, Japón.
En 2012 graba un CD con las figuras prestigiosas del rock,
el tango y el folklore argentino: Luis Alberto Spinetta, Pedro Aznar, Fernando
Ruiz Díaz (líder de Catupecu Machu), Fito Paéz, Luis Salinas, Vitillo Avalos,
Leopoldo Federico, Raúl Carnota, incluyendo cuatro temas de su autoría. Este
compacto "El Nuevo Rumbo" manifiesta su versatilidad como intérprete
y autora, siendo galardonada con el Premio Gardel en la categoría "MEJOR
ALBUM de CANTANTE FEMENINA".
En 2014 su espíritu inquieto e innovador, la lleva a
incursionar en la interpretación de bossa nova, creando un espectáculo en vivo
con obras de Vinicius de Moraes, y Astor Piazzolla (representantes ineludibles
del Tango y la Bossa). Graba un CD del espectáculo: "Amelita Baltar canta
Bossa & Tango", con el que
sigue realizando ciclos y presentaciones en 2015, que alterna con
presentaciones por el interior de Argentina, Uruguay, y la conducción de su
programa radial "El Nuevo Rumbo" en la FM 2x4 de la ciudad de Buenos
Aires que es trasmitido vía web a todo el mundo. En junio se presentó como
Cantante invitada en el Teatro Solís de Montevideo, acompañada por la Orquesta
Filarmónica de dicha ciudad, en un concierto que recorrerá piezas
representativas del Tango y el Folclore de las dos orillas del Río de la Plata.
Inmediatamente viaja a Colombia, a participar el Festival Internacional de
Tango de Medellín, en una edición que estará dedicada a conmemorar el 80
aniversario de la muerte de Gardel en dicha ciudad.
Amelita es cantante, intérprete, autora, música, ha hecho
cine, televisión y teatro. Conductora de televisión y conductora de radio.
Su trayectoria de 53 años, la encuentran inmersa con
continuos procesos creativos e innovadores, cosechando numerosas distinciones y
galardones, y siendo respetada por la crítica y el público como una artista
referente de la Cultura y la Identidad Argentina. Recibió el Premio Konex de
Platino en 2015 a mejor cantante de tango de la década.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con su
interpretación de Chiquilín de Bachín, junto a la Orquesta Filarmónica de
Montevideo.
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