martes, 9 de noviembre de 2021

José María Valle Riestra

José María Valle Riestra nació en Lima, Perú, el 9 de noviembre de 1858, y murió en su ciudad, el 25 de enero de 1925. Músico y compositor.

Estudió en Lima, Londres y en París con André Gedalge, maestro del Conservatorio. Alternó sus labores en el sector público con la enseñanza privada de la música. Cuando regresó a Perú comenzó a componer su ópera Ollantay, que fue estrenada en 1900, introduciendo en algunos momentos motivos pentafónicos de la música incaica. Además, fue autor de operetas, zarzuelas, poemas sinfónicos, y música religiosa. También escribió el Compendio de teoría musical para uso de las alumnas de la Academia Nacional y Escuelas fiscales.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con una de sus obras para piano. En Oriente, en la versión de Alberto Ureta.

lunes, 8 de noviembre de 2021

Minnie Riperton

 

Minnie Riperton nació en Chicago, Estados Unidos, el 8 de noviembre de 1947, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 12 de julio de 1979. Cantante.

El sitio www.last.fm publicó este recordatorio.

Biografía

Minnie Riperton (8 de noviembre de 1947 - 12 de julio de 1979) fue una cantante de soul reconocida por su potencia vocal, llegando a las cinco octavas y media. Se estableció en el panorama musical de los años 1970 como una de las estrellas del soul, tras su paso por la formación de The Rotary Connection. Consiguió éxitos en solitario como la balada soul "Lovin' you".

Nació el 8 de noviembre de 1947 en Chicago, Illinois. En su adolescencia, estudió arte dramático, música y danza en el Lincoln Center de Chicago. En esta época comenzó su carrera dentro del mundo de la ópera como soprano. Algunos de sus referentes musicales fueron sus contemporáneos Aretha Franklin y Richard Rudolph.

Su carrera dentro de la música soul empezó en 1961. En ese año entró a formar parte de The Gems. El grupo estaba integrado por Jessica Collins (voz principal), Verdine Harrison, Theresa Washburn, Dorothy Hucklebee y Bertha Watts. Riperton entró en el grupo sustituyendo a Verdine Harrison. La agrupación se movía entre el soul y el northern soul. El primer single que editó la banda con ella en su plantilla fue "That's what they put erasers on pencils for". En 1964, con los singles "I can't help myself" y "Can't you take a hint" hicieron diversas giras por el país. En el single "Can't you take a hint" Riperton demostró que podía llegar a las cinco octavas. El grupo se disolvió en 1967. Algunas de sus componentes formaron The Starlets. Durante toda esta etapa fueron producidas por la discográfica Chess. Una vez fuera del grupo, acabó de graduarse en sus estudios y fue contratada por Chess como secretaria. Poco tiempo después firmó con la discográfica su primer single en solitario, editado bajo el nombre de Andrea Davis, "Lonely Girls".

En 1968, Minnie pasó a formar parte del grupo de soul psicodélico The Rotary Connection, convirtiéndose en la voz principal de la banda. Ese mismo año la banda editó su primer álbum Rotary connection. Contenía los singles "Amen" y "Lady Jane", con los cuales impactaron en las radios psicodélicas y más underground. El álbum tenía también una personal versión de "Like a rolling stone" de Bob Dylan. Editó los álbumes Aladdin y Peace en 1968. Un año después lanzó su disco Songs, el cual contenía versiones de "Respect" y "The weight" de Aretha Franklin y "Sunshine of your love", "We're going wrong" y "Tales of brave Ulysses" de Cream. También contenía el cover de Jimi Hendrix "Burning of the midnight lamp" y "This town" de Stevie Wonder. "Salt of the earth" de The Rolling Stones cerraba el álbum. A este disco le siguieron Dinner music (1970), Hey love (1971) y Trip one (1973). La banda se disolvió en 1974.

A la vez que estaba en The Rotary Connection emprendió su carrera en solitario. Con la producción del arreglista Charles Stepney y de su marido Richard Rudolph, creó su debut como solista Come to my garden lanzado en 1971. El disco contenía los hits "Rainy day in Centerville", "Only when I'm dreaming" y "Les fleur". Tras esto, ella y su marido Richard Rudolph se tomaron dos años sabáticos en Florida, tras lo cual se fueron a Los Ángeles, en donde Riperton cantó junto a Stevie Wonder en el álbum Fulfillingness' First Finale, en donde Stevie Wonder invitaba a artistas del calibre de Paul Anka, Deniece Williams y The Jackson 5 para hacerle los coros, denominándoles como "The Wonderlove". Wonder aceptó co-producir Perfect angel en 1974. En este álbum inlcuía el que sería su mayor éxito, "Lovin' you". A este Lp le siguió Adventures in the paradise (1975), que trajo consigo los éxitos "Baby, this love I have" y "Inside my love". En 1976 se le detectó un tumor cerebral y fue sometida a una mastectomía. Desde ese momento se convirtió en una de las voces de la American Cancer Society, incluso recibiendo por su labor un premio del presidente Jimmy Carter. En 1977 lanzó al mercado Stay in love. A pesar de su deterioro físico continuó actuando. Minnie en 1979 es su última grabación completa en vida, disco con el que cosechó los temas "Lover and friend" y "Memory lane". Murió debido a su enfermedad el 12 de julio de ese mismo año en Los Ángeles. De forma póstuma se editó el álbum Love lives forever. El tema "Here we go" junto a Peabo Bryson se convirtió en uno de los hits de ese año. Minnie Riperton es una de las figuras más influyentes en la música actual, siendo visible su huella en artistas como Mariah Carey, Terry Ellis, Silhouette Brown, Christina Aguilera y Jaguar Wright.

Además de sus variados éxitos, Riperton es también recordada por ser una de las primeras cantantes populares en utilizar el registro de silbido. Riperton poseía un registro de 5 octavas y media.

Una de las mayores diferencias respecto a otras cantantes con registro de silbido es que ella poseía la habilidad de pronunciar palabras en este registro. Algunos ejemplos son en las canciones "Inside my love", "Adventures in paradise" y "Expecting", como también en "Only when I'm dreaming" y "Teach me how to fly". En la canción "Take my breath away", canta un portamento desde la base musical hasta dos (Casi tres) escalas más.

También tenía habilidades para sostener notas en la sexta o séptima escala por tiempos muy prolongados, uno de los mejores ejemplos de esta habilidad es la canción "Reasons" donde sostiene en tono sobreagudo la frase "You're not alone" por varios segundos. Su nota más aguda, corresponde a un Re7, cerca del final de "Teach Me How To Fly" (Con The Rotary Connection). Sin embargo, donde Riperton, como solista, logra su nota más aguda en Registro de Silbido, el doble do soprano (Double-High C) un Do 7 es en una versión en vivo de Seeing You This Way (1974).

Con una habilidad innata para imitar instrumentos debido a su amplio y colorido registro, pudo descubrir cada vez más su voz durante su trabajo en Chess Records.

El estilo vocal de Riperton ha influenciado a varios artistas, entre ellos a la cantante de pop Mariah Carey.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Lovin' you.

Emile Berliner

 

Emile Berliner nació en Hanover, Alemania, el 20 de mayo de 1851, y murió en Washington D. C., Estados Unidos, el 3 de agosto de 1929. Inventor.

A continuación, lo recordamos en el día en que patentó en 1887 el gramófono en los Estados Unidos.

El sitio www.forohistorico.coit.es publicó esta biografía.

BERLINER, Emil

Emil Berliner, [Hanover (Alemania), 1851 – Washington DC (Estados Unidos), 1929]. Fue un inventor estadounidense de origen alemán, entre cuyos inventos destacan el transmisor telefónico, precursor del micrófono; el gramófono; y los discos de vinilo. Fundó la Berliner Gramophone Company, la Gramophone Company en Londres, la Deutsche Grammophon en Hanover, y la Berliner Gram-O-phone Company en Canadá.

Biografía

Emil BERLINER, nació como Emile Berliner, el 20 de mayo de 1851 en el seno de una familia judía en Hanover (Alemania). Fue el cuarto de trece hermanos. Asistió a una escuela local y más tarde fue enviado a Wolfenbuttel donde se graduó en 1865. Los problemas financieros de su familia le obligaron a Emile a realizar todo tipo de trabajos en Hanover. Su primer trabajo fue como pintor. A los 16 años fue contratado como oficinista en un almacén de alimentación. Sin embargo, su gran pasión fue la invención. Estudió los métodos de producción de la fábrica en la que trabajó. Su primer invento sería una máquina de tejer, que aportaba mejoras a las existentes.

La guerra franco-prusiana marcó un antes y un después en su vida, ya que las tropas prusianas tomaron Hanover y presionaron a las familias judías. El conflicto le sacudió a punto de llegar a la edad militar, por lo que para evitar ser reclutado emigró, con 19 años, a Estados Unidos en 1870. Se trasladó a Washington DC, donde un amigo de su padre le dio trabajo en una fábrica. En 1881 tomó la nacionalidad estadounidense. Sus primeros pasos en Estados Unidos fueron difíciles dada la ola de desempleo que sufría el país como consecuencia de la crisis de 1873. Posteriormente, se trasladó a Nueva York, donde trabajó vendiendo pegamento, limpiando, pintando casas y dando clases de alemán a la espera de encontrar un nuevo trabajo estable. Se mudó a Milwaukee, pero al poco tiempo volvió a Washington. Durante esta etapa invirtió los pocos ahorros que conseguía en asistir a clases de música, para profundizar en sus estudios en acústica. Se matriculó en el Cooper Union Institute, donde estudió electricidad y física en las clases nocturnas.

En 1876 asistió en Filadelfia a una exposición de inventos y descubrimientos científicos, entre ellos el primer teléfono de Graham Bell, que le motivó para conocer la nueva tecnología de audio. Comenzó entonces a investigar cómo mejorarlo en su vivienda de Washington, hasta que logró crear un transmisor telefónico mejorado que puede considerarse como un prototipo del micrófono. Berliner había solucionado el principal problema de los micrófonos del momento, la atenuación de la señal a distancias largas. En septiembre de 1877 la empresa Bell Telephone de Boston pagó a Berliner 50 000.-$ por su invento y lo contrató para trabajar en sus laboratorios hasta 1884, en que se independizó para realizar experimentos en el campo de la acústica en su propio laboratorio.

Viajó a Alemania y junto a su hermano, Joseph, fundó la Telephon-Fabrik Berliner con filiales en Viena, Berlín, Budapest, Londres y París.

Regresó a Washington y en 1886 comenzó a experimentar con los distintos métodos de grabación del sonido, decantándose por un nuevo aparato reproductor que no estaba basado en el cilindro de Edison, sino en una superficie redonda plana, que conoció por Gardiner Greene Hubbard, suegro de Graham Bell. A través del mecanismo el estilete se mueve de forma horizontal, en lugar de vertical, eliminando las distorsiones generadas por la gravedad sobre la aguja de grabación. Apostó por el disco de registro, ya que resultaba más fácil de imprimir y con mejor precisión de corte que los cilindros habituales. Buscó materiales de mayor duración y ligeros. El invento supuso que la reproducción del sonido fuera potencialmente comercial. En 1887 Berliner patentó en Estados Unidos y en Alemania lo que él denominó gramófono, para diferenciarlo del fonógrafo de Edison, patentado diez años antes.

El Instituto Franklin de Filadelfia le otorgó la Medalla de Scott, por su contribución al desarrollo de la acústica y la reproducción del sonido en 1888.

El gramófono comenzó a ser comercializado en 1893 por la compañía fundada por Berliner. Hacia 1899 el invento de Berliner estaba en manos de tres compañías: The Berliner Gramophone Company de Filadelfia, que fabricaba los gramófonos y los discos, The Seaman National Gramophone de Nueva York, que llevaba a cabo la comercialización, y The United States Gramophone Company en Washington.

A principios del mismo año, la segunda de las compañías mencionadas negoció un acuerdo con la American Gramophone and Columbia Phonograph para fabricar el 'zonófono', un aparato similar. Berliner lo consideró una traición al acuerdo de exclusividad que tenía, lo que se agravó cuando, mediante un juicio comercial, la Seaman National Gramophone logró que se prohibiera a la compañía de Berliner vender su invento en Estados Unidos. Consecuentemente, el 2 de enero de 1900 Berliner trasladó su empresa a Montreal, la cual pasó a llamarse Berliner Gram-O-phone Company, dotada sucursales en Europa como la Deutsche Grammophon y la Britain's Gramophone Co. Comienzan a fabricar los discos de siete pulgadas de una sola cara o singles.

El 16 de julio de 1900 Berliner registró el logotipo de su compañía: un perro escuchando un gramófono (His master's voice). En 1924 la compañía fue comprada por Victor Talking Machine Company, pasando a llamarse en 1929 RCA Victor, tras ser adquirida a su vez por la RCA (Radio Corporation of America).

En 1913 concedieron a Berliner la Medalla Elliot Cresson en reconocimiento sus contribuciones científicas relativas a la telefonía y la acústica.

Berliner también trabajó en el ámbito de la aeronáutica. Se le considera el primero en utilizar un motor ligero de combustión interna, que años más tarde se emplearía en la construcción de los aeroplanos. Junto a su hijo, Henry Berliner, creó un helicóptero que logró volar a principios de 1919. Sin embargo, nunca abandonó su interés por resolver los problemas de la reproducción del sonido. En 1925 diseñó unas baldosas acústicas para su instalación en auditorios y salas de conciertos.

Berliner, como amante de la música, también se dedicó a la composición. Fue él quien compuso The Columbian Anthem ('El himno de Columbia'), estrenado el día del cumpleaños de George Washington en 1897.

En 1899 Berliner escribió un libro sobre religión expresando sus ideas agnósticas.

En 1909 Berliner financió la construcción del edificio para enfermos de tuberculosis en Washington Grove, Maryland, en memoria de su padre. Y en 1920 dotó de fondos a la Tuberculosis Association para la concesión anual de un trofeo de plata a la escuela infantil más comprometida en la erradicación de la enfermedad.

Poco después de recibir la Franklin Medal, Emil Berliner falleció el 3 de agosto de 1929, a los 78 años, tras sufrir un ataque al corazón. Fue enterrado en el cementerio de Rock Creek en Washington DC, junto a su esposa y un hijo.

En 2011 Google le dedicó un doodle en conmemoración del aniversario de su nacimiento.


domingo, 7 de noviembre de 2021

Shalom – Ibn Gabirol, en su paso por Aragón

Shalom – Ibn Gabirol, en su paso por Aragón

Ibn Gabirol, en su paso por Aragón

La figura del sabio y poeta sefardí Shlomó Ibn Gabirol ocupa un lugar especial en nuestra programación con ocasión de su milenario.

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/ibn-gabirol-paso-aragon/6175640/

Pepe Marchena


José Tejada Martín, más conocido como Pepe Marchena, o el Niño de Marchena, nació en Marchena, Sevilla, España, el 7 de noviembre de 1903, y murió en Sevilla, España, el 4 de diciembre de 1976. Cantaor flamenco.

El sitio www.mcnbiografias.com publicó este recordatorio firmado por Ana Isabel Hernández González.

Tejada Martín, José, o "Pepe Marchena" (1903-1976).

Cantaor español nacido en Marchena (Sevilla) en 1903 y muerto en Sevilla en 1976. Fue discípulo de Antonio Chacón, cuyos postulados llevó hasta sus últimas consecuencias. Nacido en una familia muy humilde en la que no existían antecedentes artísticos (aunque el padre cantaba bien, por afición, algunos estilos), comenzó su carrera a los nueve años, cuando se hacía llamar Niño de Marchena e interpretaba cante flamenco en tabernas y otros locales a cambio de unas monedas. Nueve años después, ya afincado en Madrid, consiguió llevar su arte a los escenarios (debutó en 1920 en el restaurante La Bombilla) y se le consideró una de las figuras más prometedoras de aquellos tiempos. Su primera grabación data de 1924, una placa de pizarra en la que interpreta una seguiriya tradicional y una taranta, acompañado a la guitarra por Ramón Montoya. La interpretación de la seguiriya era ortodoxa en su forma, pero en la taranta se distinguían ya los exuberantes melismas que tanta fama le darían poco después, y que suscitarían no menos polémica. Lo que en principio era una floritura de personalidad creativa se convirtió con el paso de las décadas en la forma más copiada de la historia del flamenco y en la que más estereotipó el cante durante casi treinta años.

En efecto, los gorgoritos, falsetes, filigranas... fueron característicos del arte de Marchena, de quien se dijo que cantaba "bonito" precisamente debido a estos adornos. Sus estilos preferidos, además de los fandangos, eran los cantes de ida y vuelta y otros aires livianos de Málaga y minero-levantinos, que adaptó a su propia personalidad. Creó escuela rápidamente, el marchenismo, y su legado quedó plasmado en la denominación genérica de Ópera Flamenca, un legado que los aficionados rigurosos desprecian abiertamente. No obstante, la mayor parte de los flamencólogos están de acuerdo en que lo peor de dicho fenómeno no fue el propio Marchena, sino sobre todo los marchenistas que le sucedieron. El estilo de Marchena impuso en España una rígida dictadura estética presidida por el estilo del fandango, conocida precisamente como "dictadura del fandango". Los empresarios sólo contrataban a cantaores que lo hicieran "a lo Marchena", y grandes figuras del cante puro como Manuel Vallejo, Pepe Pinto o Manuel Centeno tuvieron que adaptarse a la nueva moda.

Pepe Marchena dejó una amplia discografía e intervino en numerosas películas españolas, entre ellas Martín Gala, donde interpretó el tema "Los cuatro muleros", de Federico García Lorca.

Calificado por algunos como uno de los mejores cantantes flamencos, y por otros como uno de los peores, recorrió a lo largo de su carrera numerosos escenarios internacionales. Su Antología del cante flamenco es un documento de inestimable valor artístico y quizá, entre sus numerosas grabaciones, la de mayor proyección futura. Otros trabajos suyos son: Cantes de ida y Vuelta, Flamenco viejo o El cante flamenco de Niño de Marchena. Pese a haber alcanzado el éxito en vida, pasó sus últimos años en la miseria.

Autor Ana Isabel Hernández González

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Milonga.

Alle porte del sole - Gigliola Cinquetti


sábado, 6 de noviembre de 2021

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Yehuda Bacon.


Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se emite por Radio Sefarad.

Yehuda Bacon: un artista en el infierno

TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON CECILIA LEVIT – Pintor, artista gráfico y profesor israelí de la prestigiosa Academia de Arte Bezalel en Jerusalén, Yehuda Bacon nació en 1929 en Ostrava y proviene de una familia influenciada por la ortodoxia judía. En el otoño de 1942 fue deportado al gueto de Theresienstadt y en diciembre de 1943 fue deportado al campo de exterminio de Auschwitz II-Birkenau. En la primavera de 1946 se trasladó a Israel, estudió en la Academia de Arte Bezalel en Jerusalén, donde más tarde también enseñó. Es conocido como pintor y artista gráfico. Sus obras están presentes en las colecciones de museos y galerías de varios países del mundo. En 2011, sus obras se exhibieron en el Centro Checo de Praga. Vive y trabaja en Jerusalén.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Eduard Grell

 

Eduard Grell o August Eduard Grell nació en Berlín, Alemania, el 6 de noviembre de 1800, y murió en Steglitz, Alemania, el 10 de agosto de 1886. Compositor, organista y profesor de música.

El sitio www.bach-cantatas.com publicó este recordatorio.

August Eduard Grell (Compositor)

Nacimiento: 6 de noviembre de 1800 - Berlín, Alemania

Muerte: 10 de agosto de 1886 - Steglitz, cerca de Berlín, Alemania

El compositor alemán August Eduard [o Eduard August] Grell, era hijo del organista de la Parochialkirche de Berlín. Recibió su educación musical de su padre, JC Kaufmann, Ritschl, y finalmente de Zelter, por cuya recomendación recibió el nombramiento de organista de la Nikolaikirche a la edad de 16 años.

En agosto de 1817 Eduard Grell ingresó en la Singakademie, institución con la que estuvo vinculado de una forma u otra durante casi sesenta años. En 1832 se convirtió en su subdirector, bajo Rungenhagen, tras cuya muerte fue nombrado director en 1853, cargo que ocupó hasta 1876. En 1839 fue nombrado Hofdomorganist, y en 1841 fue nombrado miembro de la sección musical de la Real Academia de las Artes, institución con la que estuvo vinculado hasta 1881. En 1843-1845 fue Gesanglehrer del Domchor. En 1858 recibió el título de profesor y en 1864 la orden pour le mérite.

August Eduard Grell fue uno de los contrapuntistas más eruditos de su época en Alemania, y sus obras muestran que no solo fue un teórico ingenioso, sino un artista de gran talento. Su obra más importante es una Misa a capela en dieciséis partes, además de la que produjo salmos en ocho y once partes, un Te Deum, motetes, cantatas, un oratorio titulado Die Israeliten in der Wüste, y muchas canciones y dúos.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Herr, deine Güte, en la versión del Coro de la iglesia parroquial de San Jorge, de Neustadt an der Waldnaab, Alemania.

Piotr Ilich Tchaikovski. Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Si Bemol Menor Op. 23. Alice Sara Ott.


A continuación, de Piotr Ilich Tchaikovski, el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Si Bemol Menor Op. 23, en la versión de Alice Sara Ott, y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt, dirigida por Andrés Orozco-Estrada.


viernes, 5 de noviembre de 2021

Joe Dassin

 

Joseph Ira Dassin, más conocido como Joe Dassin, nació en Nueva York, Estados Unidos, el 5 de noviembre de 1938, y murió en Papeete, Tahití, Polinesia Francesa, el 20 de agosto de 1980. Cantante.

El sitio www.last.fm publicó este recordatorio.

Biografía

Joseph Ira Dassin, más conocido como Joe Dassin (5 de noviembre de 1938 - 20 de agosto de 1980), fue un músico estadounidense particularmente conocido en los países francófonos.

Dassin nació en Nueva York, fue hijo de Jules Dassin (actor y director norteamericano de origen judío, autor de obras del llamado "cine negro") y de Beatrice Launer (virtuosa violinista de origen húngaro). Pasó su infancia en Nueva York y Los Angeles, (California) y, siendo aún niño, acompañó a sus padres al exilio en Europa víctimas de la política anti-comunista del senador Joseph McCarthy.

Después de estudiar en el Instituto Le Rosey en Suiza y el bachillerato en Grenoble, Dassin regresó a los Estados Unidos para estudiar etnología en la Universidad de Michigan (Ann Arbor, Michigan). Acabaría regresando nuevamente a Francia, donde trabajaría como técnico para su padre, apareciendo incluso en algunas de sus películas. Por intercesión de Catherine Régnier, amiga de su primera mujer Maryse Massiera, consigue que la compañía discográfica americana CBS empiece a grabar sus canciones.

Los años 60 le ven alcanzar sus primeros éxitos gracias a temas como Les Dalton, Guantanamera, Siffler sur la colline o Les Champs-Élysées. Por los 70, las canciones de Dassin alcanzan la cúspide de las listas de éxito en Francia y lo llevan definitivamente a la fama. Es la época de L'Amérique, Le Moustique, Si tu t'appelles mélancolie, Le café des trois colombes y especialmente L'été indien.

Probablemente como un reconocimiento a sus padres de ideología de izquierda, las grabaciones de Dassin fueron permitidas en la Union Soviética. Fue también un talentoso políglota, grabando canciones en alemán, español, italiano y griego, además por supuesto del francés y del inglés.

A lo largo de los años también actuó como compositor, escribiendo canciones para otros cantantes de la época, como Carlos, Mélina Mercouri, France Gall o Marie Laforêt.

Tras la muerte de su primer hijo (Joshua), se separa de Maryse y se casa en segundas nupcias con Christine Delvaux, con quien tendrá dos hijos: Jonathan y Julien.

Muere a los 42 años de un ataque cardíaco, durante sus vacaciones en Tahiti, el 20 de agosto de 1980. Fue sepultado en el Hollywood Forever Cemetery en Hollywood, California.

De entre los compositores ya fallecidos, Joe Dassin es el que genera más ingresos por derechos de autor en Francia.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Et si tu n'existais pas.

jueves, 4 de noviembre de 2021

Miliki

Emilio Alberto Aragón Bermúdez, más conocido como Miliki, nació en Carmona, Sevilla, España, el 4 de noviembre de 1929, y murió en Madrid, España, el 18 de noviembre de 2012. Payaso, acordeonista, compositor y cantante.

El sitio www.todomusica.org publicó este recordatorio.

Biografía de Miliki Emilio Alberto Aragón Bermúdez, conocido por todos como Miliki, nació en la localidad sevillana de Carmona el 4 de noviembre de 1929. Fue uno de los payasos más famosos y carismáticos de la televisión española, traspasando su fama las fronteras de su país natal.

Miliki fue un artista polifacético: payaso, acordeonista y cantante Miliki nació en el seno de la familia Aragón, una saga de artistas dedicada de lleno al mundo del circo. Miliki fue declarado Hijo Predilecto de la Ciudad de Carmona y recibió la Medalla de Plata de la misma.

Hijo de Emilio Aragón Foureaux, conocido como Emig, y sobrino de Pompoff y Thedy, se unió siendo muy joven al mundo de la farándula, junto a sus hermanos Gabriel (Gaby) y Alfonso (Fofó), formando el conocidísimo trío Gaby, Fofó y Miliki. Juntos, comenzaron a trabajar durante los años treinta y se mantuvieron varias temporadas en el Circo Price de Madrid.

Su madre, también dedicada al mundo del circo, fue la bailarina acróbata sobre caballo Rocío Bermúdez (nacida en Carmona). La hermana menor de Miliki, Rocío, también era bailarina, en su caso de flamenco.

Tras una estancia en Cuba, Venezuela y Argentina, regresó a España en 1972 y a partir del año siguiente comenzó a trabajar en el programa El gran circo de TVE, que convirtió a los integrantes del grupo (que pasaron a conocerse como Los payasos de la tele) en un auténtico fenómeno sociológico en España.

Tras la retirada del programa en 1983, Miliki abandonó el grupo y emprendió una nueva etapa en su carrera artística.

Tras la separación profesional de Los Payasos, Miliki se dedicó al mundo de la producción discográfica (lanza al grupo Monano y su Banda), y forma un tándem artístico con su hija Rita Irasema. Juntos grabaron varios discos como La vuelta al mundo en 30 minutos (1986), El flautista de Hamelín (1987), Vamos a marcarnos una canción (1991) y ¡Superdiscoguay! (1992), ¿Estás contento? ¡Sí señor! (1994).

En 1987, además, había dirigido la película Yo quiero ser torero, con el popular Dúo Sacapuntas.

También cultivó el género de la literatura infantil, publicando La familia de los coches (1988).

Con la llegada de las televisiones privadas a España, volvió a ponerse delante de una cámara para conducir espacios infantiles, con su hija Rita. Ambos presentaron los programas La Merienda (1990-1991) y La Guardería (1990-1991), ambos en Antena 3, y Superguay (1991-1993) en Telecinco. En 1993 recuperan en Televisión Española El gran circo de TVE, que duró hasta 1995.

Tras editar sus Memorias en 1996, Miliki y Rita crearon el espectáculo El circo del arte, con éxito en toda España.

En los años siguientes se dedicaría tanto a la producción discográfica (lanzando el Grupo Trilocos), como a continuar su carrera como cantante infantil.

Miliki obtuvo en 2006 el Premio El Chupete al personaje con una mejor influencia en los niños por su larga trayectoria profesional.

En 2009 salió a la venta el SingStar Miliki para Playstation.

Miliki falleció en Madrid el 18 de Noviembre de 2012, cuando contaba los 83 años de edad.

Uno de los hijos de Miliki es el productor Emilio Aragón, quien también había participado junto a su padre en el circo de los payasos de la tele bajo el nombre artístico de Milikito.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con este homenaje.

miércoles, 3 de noviembre de 2021

Samuel Scheidt

 

Samuel Scheidt nació en Halle, Alemania, y fue bautizado el 3 de noviembre de 1587, y murió en su ciudad, el 24 de marzo de 1653. Compositor, maestro y organista.

El sitio www.ecured.cu publicó este recordatorio.

Samuel Scheidt. Fue un compositor maestro y organista alemán del período barroco temprano.

Síntesis biográfica

Samuel Scheidt 1587-1653. En la ciudad de Hale- en el norte del país- desarrolla su obra el maestro más importante de la primera mitad del siglo XVII, Samuel Scheidt quien fuera discípulo de Sweelinck. En sus trabajos con las formas de las toccata, la fantasía y la fuga, siguió las pautas de su maestro. Pero por su manera de tratar el coral para órgano, se coloca a la cabeza de los compositores que aportan ya un sello nacional, y explota directamente la técnica de la variación en esta forma alemana. Enriquece asimismo con la variación las formas del lied y de la danza; y todos estos trabajos se caracterizan por una seria elaboración contrapuntística.

Méritos

Muy importante para la evolución de la literatura organística fue su obra Tabulatura nova, en la cual trabajó muchos años y publicó en períodos sucesivos (1624, 1650 y 1653). En ella desarrolla el virtuosismo y sienta precedentes de índole interpretativa de manera que la ejecución del órgano se hace más eficiente, natural y fluida. Enriqueció a nivel de recurso interpretativo característico e importante, el empleo de los pedales, al confiarles partes relevantes en la textura general. Scheidt se considera con razón el fundador de la música protestante alemana para órgano. Y por comenzar sus apellidos con S, tradicionalmente se han citado a Schütz, Schein y Scheidt como las tres grandes SSS del barroco musical alemán.

Obra

Scheidt fue el primer compositor del Barroco alemán que escribió obras para órgano de relevancia, y representa el florecimiento del nuevo estilo del norte alemán, que se produce principalmente como resultado de la reforma protestante. En el sur de Alemania y otros países de Europa, la influencia espiritual y artística de Roma permanecía intacta, con lo que la música continuaba derivando de los modelos italianos. Distanciados de Roma, los músicos de las nuevas regiones protestantes desarrollaron nuevas ideas estilísticas, que eran muy distintas de la práctica de sus vecinos. La música de Scheidt es de dos categorías principales:

Música instrumental, incluyendo una gran cantidad de música para teclado, la mayoría para órgano.

Música sacra vocal, incluyendo obras "a capella", con bajo continuo, u otro acompañamiento instrumental.

Música para órgano

Su música para órgano fue famosa en su época, hasta que fue eclipsada por las obras de J.S. Bach. En sus numerosos preludios corales, Scheidt usa a menudo una técnica de patrones de variación, en que cada frase del coral utiliza un motivo rítmico diferente, y cada variación (consistente en varias frases) es más elaborada que la anterior, hasta que se alcanza el clímax de la composición. Además de sus preludios corales, escribió numerosas fugas, suites de danzas (muy a menudo de forma cíclica, compartiendo un bajo continuo común) y fantasías.

A continuación, lo recordamos en el día de su bautismo, con Veni Redemptor gentium, en la versión de Daniel Bouldjoua.


martes, 2 de noviembre de 2021

El Mirador Nocturno – Radio / Gustav Mahler – Lieder Eines Fahrenden Gesellen, o Canciones de un Caminante, Sinfonía Nº 1 en Re Mayor.

Hoy les presento el 1º programa de La Música de Todos Los Tiempos, dedicado a Gustav Mahler, con el Ciclo Lieder Eines Fahrenden Gesellen, o Canciones de un Caminante, y la Sinfonía Nº 1 en Re Mayor.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.


Johann Joseph Wenzel, Conde Radetzky de Radetz

 

Johann Joseph Wenzel, Conde Radetzky de Radetz nació en Trebnice, entonces Reino de Bohemia, actual Chequia, el 2 de noviembre de 1766, y murió en Milán, entonces Reino lombardo-véneto, actual Italia, el 5 de enero de 1858. Noble y militar.

El sitio www.mcnbiografias.com publicó este recordatorio firmado por Victoria Horrillo Ledesma.

Radetzky von Radetz, Joseph, conde.

Militar austríaco, nacido en Trebnice (actual República Checa) el 21 de noviembre de 1766, y muerto en Milán el 5 de enero de 1858. Conocido popularmente como Vater Radetzky ("padre Radetzky"), sus triunfales campañas en las guerras napoleónicas y durante la ocupación austríaca de Italia le convirtieron en un héroe nacional.

A los diecisiete años se alistó en el ejército austríaco y, entre 1787 y 1792, participó en las operaciones bélicas contra el Imperio Otomano. Desde 1792 tomó parte en la guerra contra la Francia revolucionaria, uniéndose a la campaña en los Países Bajos. En 1796 fue enviado a Italia por vez primera, para combatir contra el ejército invasor de Napoleón Bonaparte. Allí se distinguió por su arrojo y su originalidad táctica. En 1805 fue nombrado general de división y enviado de nuevo a Italia. Cuatro años después, con el rango de ayudante de mariscal de campo, venció a los franceses en la batalla de Wagram (Austria). Por sus méritos en esta campaña fue ascendido a jefe del cuartel general del estado mayor. Desde este puesto puso un proyecto de modernización del ejército, pero la falta de presupuestos frustró la mayor parte de las reformas.

Al iniciarse las guerras napoleónicas, Radetzky alcanzó gran influencia en los círculos militares de la coalición antirevolucionaria como jefe del estado mayor del príncipe Karl Philipp de Schwarzenberg. Destacó principalmente en el diseño de la estrategia a seguir en la batalla de Leipzig y, en marzo de 1814, acompañó a los jefes de los estados aliados en su entrada triunfal en París. Pasó después a Austria, donde participó en las deliberaciones del Congreso de Viena y se reincorporó a su puesto como jefe del cuartel general del estado mayor. La frustración producida por la imposibilidad de acometer reformas de modernización le llevó a retirarse temporalmente en 1829.

Dos años después regresó al norte de Italia como comandante en jefe del ejército austríaco destacado en esa región. En 1836 fue promovido a mariscal de campo. En 1848, tras apoderarse de Brescia y Venecia, se estableció en Verona como gobernador general y comandante militar del reino lombardo-véneto. Ese mismo año fue derrotado por los insurgentes italianos en Goito y expulsado de Milán. Radetzky rehizo su ejército y aplastó a los italianos en Custozza, lo que le permitió recuperar el control sobre Verona y Venecia y entrar triunfalmente en Milán el 6 de agosto de 1848. El 23 de marzo del año siguiente, cuando contaba ochenta y dos años, Radetzky aniquiló al ejército rebelde de Cerdeña en la batalla de Novara. Desde entonces hasta su retiro en 1857, gobernó con mano férrea las regiones de Lombardía y Venecia. Poco antes de su muerte en 1858 escribió sus Memorias y una Autobiografía. En 1848, en la cima de su fama, Johann I Strauss le dedicó su célebre Marcha Radetzky.

Autor Victoria Horrillo Ledesma

A continuación, lo recordamos, con la Marcha Radetzky, de Johann Strauss I, en la versión de la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Willi Boskovsky.

lunes, 1 de noviembre de 2021

Tarquinia Molza

 

Tarquinia Molza nació en Módena, Italia, el 1 de noviembre de 1542, y murió en su ciudad, el 8 de agosto de 1617. Cantante, poetisa, directora, compositora y filósofa.

Su abuelo fue el poeta Francesco Maria Molza. Su padre alentó su educación, similar a la que recibieron sus hermanos. Aprendió griego, latín, hebreo y filosofía. Posteriormente estudió con el científico Giovanni Poliziano, con el poeta Francesco Patrizi, y con matemático Antonio Guarini  aprendió astronomía. En 1583 vivió en Ferrara, donde fue dama de honor de la duquesa Margarita Gonzaga d'Este, donde se destacó en diversas artes. En 1589 regresó a Mantua. En 1600 el senado de Roma le concedió la ciudadanía. Fue la única mujer en obtenerla. El decreto decía: “aunque el Senado nunca ha aceptado mujeres en las filas de la ciudadanía ... [se resuelve que] Tarquinia Molza de Módena sea incluida en las filas de sus ciudadanos más nobles con el título de l'Unica, nunca antes otorgado a cualquiera, en reconocimiento a sus singulares virtudes y méritos”. A lo largo de los años escribió poesía en dialecto latino y toscano, y también ensayos. Recibió la dedicatoria de muchas obras artísticas.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con el poema La luce occhi miei lassi, interpretado por Stella Grigorian, mezzo-soprano, acompañada en guitarra por Alfred Polansky.

Novedades editoriales de noviembre de Riverside Agency

 

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Novedades de noviembre


EDHASA
Por encima del mundo
Publicada en su momento como La tierra caliente, Por encima del mundo reúne los atributos más preciados de la literatura de Paul Bowles. Una pareja, los Slade, están de vacaciones en un remoto paraje de Latinoamérica. En medio de su viaje tienen un encuentro con un hombre distinguido y su amante. Cortés y gentil, como al pasar él le dirá a la señora Slade: “Las cosas no son exactamente como usted piensa”. La intimidación está implícita en la frase. Es una advertencia que... Seguir leyendo
«La increíble belleza de la escritura de Bowles, su vigorosa respuesta al color y al sonido hacen de su obra una lectura obligatoria para cualquiera que busque un talento extraordinario» Sunday Times
Trilogía La casa de los conejos
En La casa de los conejos, Laura Alcoba narraba la historia de una niña en los comienzos de la dictadura argentina. Su padre estaba en la cárcel y ella vivía con su madre en una casa de La Plata donde se imprimía el periódico Evita Montonera. El ejército las buscaba, el terror las invadía. Unos años después, en El azul de las abejas, esa niña ya vive en Francia, y comienza una nueva vida, en una nueva lengua. Finalmente, en La danza de la araña, se siente entre dos mundos... Seguir leyendo
La trilogía de La casa de los conejos en un solo volumen.
 
EDHASA / LIBROS DEL ZORZAL
Victoria. Paredón y después
Por estas páginas, sabremos de Victoria Ocampo, una mujer única en su especie y en su género, protagonista de una historia imprevisible, fundadora de una revista excepcional, Sur, que ella empujó, según sus palabras, como una mula solitaria. Pero también dueña de una originalidad de estilo que hizo decir a Camus: “He pensado que sus mémoires constituirían una especie de monumento que testimoniaría sobre todo lo que hubo de grande en nuestro tiempo... Seguir leyendo
“Soy una escritora que se leerá de aquí a cincuenta años para saber qué pasaba en el corazón de los argentinos de mi época”.
 
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Memorias de un historiador del Holocausto
Raul Hilberg dedicó su vida al estudio de uno de los mayores horrores de la humanidad y escribió La destrucción de los judíos europeos, la obra más exhaustiva e influyente jamás escrita sobre el genocidio nazi. Sin embargo, el libro no fue bien recibido por sus contemporáneos: el manuscrito fue rechazado por numerosas editoriales de prestigio —Hilberg tardó catorce años en encontrar editor—; una vez publicado recibió duras críticas en el ámbito académico y mediático y por parte de la propia comunidad judía; y, para colmo, sus ideas más importantes... Seguir leyendo
Esta es una historia que no suele contarse: la historia detrás de la Historia. La historia de un historiador y del libro que forjó nuestra concepción del Holocausto.
MOTUS
Hong Kong Hacker
Siu-Man tenía 15 años, y yacía muerta al pie de su edificio en Hong Kong. La multitud y la policía rodeaban su cuerpo. Mientras se acercaba, Nga-Yee no podía creer que fuera su hermana, no podía ser que una vez más la tragedia golpeara su vida. Ya no le quedaba nada. Lo único que tenía sentido era encontrar al culpable. Porque detrás del suicidio, debía haber algo terrible que su hermana le había ocultado.Dispuesta a pagar el precio que fuera, Nga-Yee emprende un tortuoso camino por las calles de Hong Kong, hasta que sus pasos la llevan a.. Seguir leyendo
"Una ingeniosa y cautivante novela ... Los fanáticos de los thrillers de hackers como la serie de Lisbeth Salander de Stieg Larsson serán ampliamente recompensados". Publishers Weekly
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Rosa la sanguinaria
Tam Hashford está cansada de trabajar en el pub del pueblo sirviendo bebidas a las famosas bandas de mercenarios y escuchando a los bardos cantar sobre gloriosas aventuras más allá de su tranquilo hogar. Cuando la más famosa banda de mercenarios llega al pueblo, liderada por la infame Rosa La Sanguinaria, Tam aprovecha la oportunidad para sumarse haciendo de bardo. Ella busca aventuras, y aventuras es lo que tendrá... Seguir leyendo