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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
José María Usandizaga nació en San Sebastián, España, el 31 de marzo de 1887, y murió en su ciudad, el 5 de octubre de 1915. Compositor y pianista.
El sitio www.dbe.rah.es
publicó este recordatorio firmado por Ana Benavides.
José María Usandizaga Soraluce
Biografía
Usandizaga Soraluce, José María. San Sebastián (Guipúzcoa),
31.III.1887 – 5.X.1915. Pianista y compositor.
El autor de Las Golondrinas fue niño prodigio que con tan
sólo cinco años de edad podía repentizar sin problemas y en un piano de
juguete, los temas que escuchaba a la Banda Municipal. A los nueve años inicia
formalmente sus estudios con el maestro Germán Cendoya, prosiguiéndolos cinco
años más tarde en la Schola Cantorum de París, bajo la dirección de Vincent
D’Indy, Grovlez y F. Planté. Fue uno de los alumnos más sobresalientes de esta
renombrada escuela, pero una dolencia en su mano oscurece su prometedora
carrera de intérprete. Es entonces cuando se vuelca por completo en la
composición. Tras obtener el diploma de la Schola Cantorum en 1906, vuelve a
San Sebastián. Muy concienciado en la necesidad de recurrir al folklore de su
tierra, obtiene en 1910 un éxito rotundo con Mendi-Mendiyan, obra lírica de ambiente
vasco. Cuatro años más tarde alcanzaría éxito similar con Las Golondrinas, con
libreto de Martínez Sierra. José María Usandizaga era consagrado así como el
reformador de la ópera vasca. Su temprana muerte con tan sólo 28 años privó a
la música española de uno de sus compositores más sobresalientes y
prometedores.
Como pianista que era, el catálogo de obras dedicado al
instrumento es bastante considerable: Rapsodia Vascongada, Scherzo, Jota, Vals
en La bemol, Fiesta Vascongada, Impromptu, En la aldea están de fiesta. Firma
además música para banda, sinfónica, escénica y de cámara.
Su obra para piano ha sido recientemente grabada por Ana
Benavides dentro de la colección Piano inédito español del siglo XIX (Bassus
Ediciones) y editada en formato partitura por Piles (Valencia) en Piano inédito
español del siglo XIX.
Bibl.: M. Soriano Fuertes, Historia de la música española
desde la venida de los fenicios hasta el año 1850, Barcelona-Madrid, Imprenta
de Narciso Ramírez, 1855; B. Saldoni, Diccionario biográfico-bibliográfico de
efemérides de músicos españoles, Madrid, impresión a cargo de A. Perez Dubrull,
1880; VV. AA., Enciclopedia universal ilustrada, Madrid, Espasa-Calpe Editores,
1908; VV. AA., Diccionario enciclopédico de la música, Barcelona, Central
Catalana de Publicaciones, 1947; J. Subirá, Historia de la música española e
hispanoamericana, Barcelona, Salvat, 1953; A. Sagardia Sagardia, Músicos
vascos, ed. Auñamendi, Zarauz,
1972; L. Powell, A History of Spanish Piano Music, ed. Indiana University
Press, 1980; A. Ruiz Tarazona, Ciclo de piano romántico español, Madrid,
Fundación Juan March, 1981; C. Gómez Amat, Historia de la música española del
siglo XIX, Madrid, Alianza Música, 1984; J. A. Arana Martija, Música vasca,
Bilbao, Caja de Ahorros Vizcaína, 1987; R. Mitjana, Historia de la música en
España, Madrid, Centro de Documentación Musical, INAEM, Madrid, 1993; E.
Casares Rodicio y C. Alonso González, La música española en el siglo XIX,
Oviedo, Universidad de Oviedo, 1995; R. Rodamilans, La Sociedad Filarmónica de
Bilbao. Memoria de un centenario, Bilbao, Fundación Bilbao Bizcaia Kutxa, 1998;
E. Casares Rodicio (dir. y coord.), Diccionario de la música española e
iberoamericana, Madrid, Sociedad General de Autores y Editores, 1999; A. Ruiz Tarazona,
“Románticos españoles”, libreto al Cd titulado Piano inédito español del siglo
XIX, Gerona, Anacrusí, 2006; A. Benavides, Piano inédito español del siglo XIX,
vol. I y II, con (pról.. de J. de Persia y A. Iglesias), Valencia, Piles, 2007
y 2008 J. de Persia, “Los honores del salón”, libreto al Cd titulado Piano
inédito español del siglo XIX, vol. III, Madrid, Bassus Ediciones, 2008; L.
Plantinga, “El piano y el siglo XIX”, en Quodlibet, n.º 44, (mayo-agosto de
2009); E. Casares, libreto al Cd titulado Piano inédito español del siglo XIX,
vol. IV, Madrid, Bassus Ediciones, 2009; A. Benavides, libreto del Cd Piano
inédito español del siglo XIX, vol. V, Madrid, Bassus Ediciones, 2010; El piano
en España, Madrid, Bassus Ediciones, 2011; Gerardo Diego y la música, ed.
Universidad de Cantabria, Santander, 2011.
Ana Benavides.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con la Rapsodia Vascongada, en la interpretación de Ana Benavides en piano.
Hoy les presento el 5º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, dedicado a Vasíli Kalínnikov, con la Sinfonía Nº 1 en Sol Menor, y la Obertura
de la música incidental del drama Zar Boris.
Hacé click en el
reproductor para escuchar el programa.
Eric Patrick Clapton, más conocido como Eric Clapton, nació
en Ripley, Surrey, Reino Unido, el 30 de marzo de 1945. Guitarrista, cantante y
compositor.
Eric Patrick Clapton nació el 30 de marzo de 1945 en la casa
de sus abuelos en 1 The Green, Ripley, Surrey, Inglaterra. Era hijo de Patricia
Molly Clapton, de 16 años (n. 7 de enero de 1929, m. Marzo de 1999) y Edward
Walter Fryer (n. 21 de marzo de 1920, d. 1985), un soldado canadiense de 24
años destinado en Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial. Antes de que
naciera Eric, Fryer regresó con su esposa en Canadá.
Era extraordinariamente difícil para una joven soltera de 16
años criar sola a un hijo a mediados de la década de 1940. Los padres de Pat,
Rose y Jack Clapp, intervinieron como padres sustitutos y criaron a Eric como
propio. Por lo tanto, creció creyendo que su madre era su hermana. Sus abuelos
nunca lo adoptaron legalmente, pero siguieron siendo sus tutores legales hasta
1963. El apellido de Eric proviene del primer marido de Rose y padre de Pat,
Reginald Cecil Clapton (muerto en 1933).
La madre de Eric, Pat, finalmente se casó y se mudó a Canadá
y Alemania mientras su esposo, Frank MacDonald, continuaba su carrera militar.
Tenían dos niñas y un niño. El medio hermano de Eric, Brian, murió en un
accidente de tráfico en 1974 a la edad de 26 años. Sus medias hermanas son
Cheryl (n. Mayo de 1953) y Heather (n. Septiembre de 1958).
Eric se crio en un hogar musical. Su abuela tocaba el piano
y su tío y su madre disfrutaban escuchando los sonidos de las grandes bandas.
Pat le dijo más tarde al biógrafo oficial de Eric, Ray Coleman, que su padre
era un músico talentoso que tocaba el piano en varias bandas de baile en el
área de Surrey.
Tranquilo y educado, se caracterizó por ser un estudiante
superior a la media con aptitudes para el arte. Pero, desde sus primeros años
en la escuela, se dio cuenta de que algo no estaba del todo bien cuando
escribió su nombre como "Eric Clapton" y los nombres de sus padres
como “Sr. y la Sra. Clapp”. A la edad de nueve años, supo la verdad sobre su
ascendencia cuando Pat regresó a Inglaterra con su medio hermano de seis años
para una visita. Este singular evento lo afectó profundamente y fue un momento
decisivo en su vida. Se puso de mal humor y distante y dejó de esforzarse en la
escuela. Emocionalmente marcado por este evento, Eric reprobó los importantes
exámenes 11 Plus. Fue enviado a St. Bede's Secondary Modern School y dos años
más tarde, ingresó a la rama de arte de Holyfield Road School.
Para 1958, el Rock and Roll había explotado en el mundo.
Para su cumpleaños número 13, Eric pidió una guitarra. Al encontrar el Hoyer
barato de fabricación alemana difícil de tocar (tenía cuerdas de acero), lo
dejó a un lado. En 1961, cuando tenía 16 años, Eric comenzó a estudiar en el
Kingston College of Art con un año de prueba. Fue expulsado al final de ese
tiempo por falta de avance al no haber presentado suficiente trabajo. ¿La
razón? Tocar la guitarra y escuchar blues dominaba sus horas de vigilia.
Típico de su naturaleza introspectiva, Eric miró debajo de
la superficie y exploró las raíces del rock en el blues americano. El blues
también encajaba perfectamente con su percepción de sí mismo como un forastero
y de ser "diferente" de otras personas. En algún momento de 1962,
pidió la ayuda de sus abuelos para comprar un Kay de corte doble eléctrico de £
100 (un clon de Gibson ES-335) después de escuchar el blues eléctrico de
Freddie King, BB King, Muddy Waters, Buddy Guy y otros.
Eric pasó sus primeros días en la música tocando en la calle
en Richmond y Kingston, también comenzó a pasar tiempo en Londres y el West
End. A principios de 1963, Eric, de 17 años, se unió a su primera banda, The
Roosters. Tras la desaparición de la banda en agosto de 1963, pasó un mes en
Casey Jones and The Engineers, de orientación pop. Antes de dedicarse a la
música como carrera a tiempo completo, se mantuvo como obrero en obras de
construcción, trabajando junto a su abuelo, maestro albañil y yesero.
En octubre de 1963, Keith Relf y Paul Samwell-Smith lo
reclutaron para convertirse en miembro de The Yardbirds porque Clapton era el
guitarrista del que más se hablaba en el circuito de pubs de R&B. Durante
su mandato de 18 meses con The Yardbirds, se ganó su apodo, Slowhand, y grabó
sus primeros álbumes: Five Live Yardbirds y Sonny Boy Williamson y The
Yardbirds. La banda también grabó el sencillo "Good Morning Little
Schoolgirl". Pero Eric no había abandonado su seria investigación sobre el
blues americano. Cuando The Yardbirds comenzó a moverse hacia un sonido más
comercial con “For Your Love”, renunció. Su camino en la música fue el blues.
"Eric miró debajo de la superficie y exploró las raíces
del rock en American Blues."
En abril de 1965, John Mayall invitó a Eric a unirse a su
banda, John Mayall's Bluesbreakers. Con este grupo, Clapton estableció su
reputación como guitarrista y se ganó su segundo apodo: “Dios”. Provino del
grafiti de un admirador en la pared de la estación de metro Islington de
Londres que proclamaba audazmente "Clapton es Dios". El tiempo de
Eric con la banda fue turbulento y se fue por un tiempo para hacer una gira por
Grecia con amigos. A su regreso de Grecia, Eric se reincorporó a los
Bluesbreakers. Fue durante este tiempo que se grabó el ahora clásico Blues
Breakers With Eric Clapton. Mientras estaba con los Bluesbreakers, Eric también
grabó una sesión única de cuatro pistas con una banda apodada "The
Powerhouse". Esta banda de estudio incluía a John Paul Jones, Steve
Winwood y Jack Bruce.
Después de dejar los Bluesbreakers por segunda y última vez
en julio de 1966, Eric se asoció con Jack Bruce y Ginger Baker para formar
Cream. Extensa gira en los EE. UU. Y tres álbumes sólidos: Fresh Cream,
Disraeli Gears y Wheels of Fire- trajo la aclamación mundial a la banda.
Mientras era miembro de Cream, consolidó su reputación como el guitarrista
principal del rock y fue elevado al estatus de superestrella. Aunque Cream
estuvo juntos solo por dos años, son considerados uno de los grupos de rock más
influyentes de la era moderna. Clapton fue único porque no se limitó a replicar
los riffs de blues que escuchaba en los discos. Incorporó la emoción de las
interpretaciones originales en su propio estilo de ejecución, ampliando así el
vocabulario de la guitarra de blues. Cream se derrumbó bajo el peso de los egos
de los miembros y sus constantes discusiones. Se disolvieron después de dos
actuaciones finales en el Royal Albert Hall de Londres el 26 de noviembre de
1968.
Tras la ruptura de Cream, Clapton fundó Blind Faith, el
primer "supergrupo" del rock, con Steve Winwood, Ginger Baker y Rick
Grech. Tras disolverse después de un álbum y una desastrosa gira
estadounidense, Eric intentó esconderse de su creciente fama haciendo una gira
como acompañante con Delaney & Bonnie & Friends. Mientras estaba con
este atuendo, Delaney Bramlett animó a Eric a cantar. También comenzó a
componer más. Un álbum en vivo de la gira Delaney & Bonnie fue lanzado en
1970. El debut homónimo de Clapton fue lanzado ese mismo año.
En el verano de 1970, Eric formó Derek and the Dominos con
Jim Gordon, Carl Radle y Bobby Whitlock de la banda de Delaney & Bonnie. The Dominos grabaría el álbum de
rock seminal, Layla and Other Assorted Love Songs. Un álbum conceptual,
su tema giraba en torno al amor no correspondido de Clapton por la esposa de
George Harrison, Patti. La banda se alejaría después de una gira estadounidense
y un intento fallido de grabar un segundo álbum.
Golpeado por la ruptura de The Dominos, el fracaso comercial
del álbum Layla y su amor no correspondido, Eric se hundió en tres años de
adicción a la heroína. Aunque rara vez salía de su estado de Surrey, llenaba
caja tras caja con cintas de canciones. Dejó su adicción a las drogas y relanzó
su carrera en enero de 1973 con dos conciertos en el Rainbow Theatre de Londres
organizados por su amigo, Pete Townshend (The Who). Los conciertos supusieron
un punto de inflexión en su carrera. En 1974 reapareció con un nuevo estilo y
sonido con 461 Ocean Boulevard. Eric se había convertido en un vocalista y
compositor seguro, además de en un héroe de la guitarra.
Con cada álbum después de 461 Ocean Boulevard, Eric se
reinventó musicalmente. A lo largo de la década de 1970 y principios de la de
1980, los álbumes y las giras siguieron año tras año. En 1985, Clapton encontró
una nueva audiencia tras su actuación en el concierto benéfico mundial Live
Aid. Stands anuales en el Royal Albert Hall y álbumes exitosos como August,
Journeyman y la caja de Crossroads lo mantuvieron bien en la mente del público.
A finales de los 80, se labró una segunda carrera como compositor de bandas
sonoras para películas. Su carrera fue viento en popa y alcanzó nuevas alturas
en 1992 con el lanzamiento de Unplugged y el sencillo ganador del Grammy,
"Tears In Heaven".
En 1994, Eric volvió a sus raíces del blues con el
lanzamiento de From The Cradle. El álbum fue el tributo de Clapton a sus héroes
musicales y contenía versiones de los clásicos del blues. 1997 trajo una
excursión a la electrónica con el lanzamiento de Retail Therapy de TDF. Eric se
hizo pasar por X-Sample en la “banda” de estudio TDF. En 1998, lanzó Pilgrim,
con influencias del soul, su primer álbum con material completamente nuevo en
nueve años. En 2000, continuó su historia de amor con el blues cuando grabó un
álbum con la leyenda del blues estadounidense, BB King. Riding With The King
fue lanzado en junio y dentro de las tres semanas posteriores al lanzamiento,
fue certificado oro.
Poco después del lanzamiento de Riding With The King,
Clapton estaba de regreso en el estudio grabando su próximo proyecto en
solitario. Reptile fue lanzado en marzo de 2001. A fines de 2002, comenzó a
grabar un nuevo álbum de estudio. El trabajo continuó durante el verano de 2003
y se grabó suficiente material para dos álbumes. Además del nuevo material en
solitario, Eric grabó versiones de canciones de Robert Johnson durante estas
sesiones. Se reunieron las canciones de Johnson y, en marzo de 2004, se lanzó
el álbum tributo de Eric, Me and Mr. Johnson. El material en solitario grabado
durante estas sesiones fue lanzado en 2005 en Back Home.
En 2005, Eric, Ginger Baker y Jack Bruce revisaron el pasado
cuando volvieron a formar Cream para cuatro conciertos de reunión en mayo en el
Royal Albert Hall de Londres. Sus espectáculos de despedida habían tenido lugar
en el lugar 37 años antes, en noviembre de 1968. En octubre, Cream realizó tres
conciertos más en el Madison Square Garden de Nueva York. Los espectáculos de
Londres se lanzaron en CD y DVD, y más tarde en Blu-Ray y formatos digitales.
"Eric se había convertido en un vocalista y compositor
seguro, además de en un héroe de la guitarra."
El próximo proyecto de estudio de Eric iba a ser producido
por uno de los arquitectos de “Tulsa Sound”, JJ Cale. Eric había admirado
durante mucho tiempo el trabajo de Cale, habiendo grabado versiones de "After
Midnight", "Cocaine" y "Travelin 'Light". El álbum
pronto se convirtió en un esfuerzo colaborativo. The Road To Escondido fue
lanzado con gran éxito de crítica en noviembre de 2007. En febrero siguiente,
ganó el premio Grammy al Mejor Álbum de Blues Contemporáneo (Vocal o
Instrumental) en la 50ª Ceremonia Anual de Premios en Los Ángeles.
En septiembre de 2009, Eric lanzó su 19º álbum de estudio,
Clapton. "Run Back To Your Side", una de las pistas del álbum,
recibió una nominación al Grammy por Mejor Interpretación Vocal de Rock
Solista. Los años siguientes han visto el lanzamiento de los álbumes en
solitario Old Sock (2013), I Still Do (2016) y Happy Xmas (2018), una
colaboración grabada en vivo con el gran jazzista Wynton Marsalis y como
"Eric Clapton and Friends", un álbum de canciones en honor al legado
de JJ Cale.
Luego, están las más de 200 sesiones de grabación y
apariciones especiales en vivo de artistas que van desde Aretha hasta Zucchero.
La primera sesión de invitado grabada de Eric fue para Otis Spann en mayo de
1964. Sin duda, la más conocida es cuando agregó la guitarra a la composición
de George Harrison, "While My Guitar Gently Weeps" en septiembre de
1968. Más recientemente, contribuyó a "The Watcher, ”Una pista en Camino a
la utopía de Hawkwind(2018). Eric
se puede escuchar en discos de Gary Brooker, Bob Dylan, Bob Geldof, Elton John,
Carole King, Plastic Ono Band (John Lennon y Yoko Ono), Stephen Stills, Sting,
Roger Waters y muchos más. Ha sido un invitado sorpresa en el escenario para
BB King, The Rolling Stones, Jimmie Vaughan, Prince, Tina Turner, Carlos
Santana, Sheryl Crow, Willie Nelson, Luciano Pavarotti y Allman Brothers Band,
solo por nombrar algunos.
Con más de 50 años de giras en su haber, Eric ha tocado más
de 3,000 conciertos. Ha dado conciertos en 58 países de seis continentes y
tocado para más de 2 mil millones de personas. Desde 1964, ha aparecido en el
Royal Albert Hall de Londres más de 200 veces. Entre 1987 y 1996, realizó
residencias anuales en el lugar que alcanzó su punto máximo en 1991 con 24
noches que incluyeron cinco formatos de banda diferentes, incluida una orquesta
completa. Al otro lado del Atlántico, ha aparecido en el escenario del Madison
Square Garden más de 50 veces desde 1968.
Las giras mundiales de Eric en 2001 y 2006/2007 estuvieron
entre las más ambiciosas con 104 y 119 shows respectivamente. La década de 2000
también lo vio colaborar en el escenario con viejos amigos Steve Winwood y Jeff
Beck en presentaciones en vivo limitadas. Al cumplir los 70 años en 2015, Eric
anunció su "retiro" de largas giras por todo el mundo, pero enfatizó
que continuaría grabando nueva música y actuando en una escala reducida ya que
su amor por tocar no ha disminuido.
Eric conmemoró su 70 cumpleaños con una serie de
espectáculos en el Madison Square Garden y el Royal Albert Hall. Uno de los
conciertos de Londres fue lanzado en formatos de audio y video como Slowhand a
los 70. En 2016, actuó en varias fechas en el Nippon Budokan de Tokio, lanzado
en DVD / Blu-Ray como Planes, Trains y Eric. 2017 vio una serie de espectáculos
en Nueva York, Los Ángeles y Londres. El itinerario de Eric en 2018 tiene
conciertos en Alemania, Hyde Park de Londres ante una multitud de 65.000
personas y un viaje de regreso al Madison Square Garden en octubre.
A lo largo de su carrera, Eric ha recibido numerosos premios
y reconocimientos. El primero fue "Mejor músico internacional" en la
encuesta Pop de Melody Maker. Ha ganado 18 premios Grammy y un BAFTA por su
trabajo en la banda sonora de Edge of Darkness. Es el único miembro triple del
Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de The Yardbirds, Cream y como
solista. Eric también ha sido incluido en el Salón de la Fama de los
Compositores. En septiembre de 2018, Eric fue honrado con una de las primeras
estrellas en el Paseo de la Fama del Royal Albert Hall. En 1994, la reina
Isabel II nombró a Eric Oficial de la Orden del Imperio Británico (OBE) en su
Lista de Honores de Año Nuevo por "contribución a la vida británica".
En 2004, ella lo honró aún más cuando fue nombrado Comandante de la Orden del
Imperio Británico, o CBE.
Después de conquistar su adicción a la heroína a principios
de los 70, Eric la reemplazó con una adicción al alcohol. Durante el resto de
la década y hasta la década de 1980, su vida personal y laboral sufrieron
debido a su alcoholismo. En enero de 1982, Eric ingresó al Centro de
Tratamiento de Adicciones de Hazelden. Reincidió, pero entró en rehabilitación
por segunda vez unos años más tarde. Eric ha estado sobrio desde 1987 a través
de los 12 pasos de Alcohólicos Anónimos. Durante más de treinta años, Eric se
ha comprometido a trabajar con quienes sufren de adicción.
En febrero de 1998, Eric anunció la apertura de Crossroads
Center, un centro de tratamiento de adicciones en Antigua siguiendo el modelo
de 12 pasos. Uno de sus principios es brindar atención subsidiada a algunas de
las personas más pobres del Caribe que no pueden pagar el tratamiento por sí
mismas. Se estableció una fundación para proporcionar "becas" para
estas personas.
Para recaudar fondos para la Fundación Crossroads Center,
Eric ha realizado una serie de Festivales de Guitarra y Subastas de Guitarra.
El 24 de junio de 1999, Clapton subastó 100 de sus guitarras, incluida
"Brownie" (la guitarra en la que grabó "Layla"), en
Christie's Auction House / Nueva York. La subasta de guitarras de 1999 recaudó
casi $ 5 millones (EE.UU.) para la fundación. El 30 de junio de 1999, Clapton
organizó un concierto en beneficio del Centro en el Madison Square Garden de la
ciudad de Nueva York. Las ganancias de su transmisión en VH1 de Estados Unidos
y las ventas de DVD y videos beneficiaron al Centro. Cinco años después, Eric
planeó un segundo esfuerzo de recaudación de fondos para el Centro. Los días 4,
5 y 6 de junio de 2004, fue anfitrión del primer Crossroads Guitar Festival en
Dallas, Texas. El evento de tres días presentó a la flor y nata de los
guitarristas del mundo en un evento benéfico para el Centro. Adicionalmente,
una segunda subasta de guitarras el 24 de junio de 2004 recaudó 6 millones de
dólares para la fundación e incluyó la venta de "Blackie", su
legendaria Fender Stratocaster y una Gibson ES335 de color rojo cereza,
conocida como "The Cream Guitar". Una tercera subasta de guitarras en
marzo de 2011 recaudó 1,75 millones de dólares adicionales. Eric también
presentó otros tres festivales de guitarra Crossroads en 2007, 2010 y 2013. Las
ganancias de las ventas de CD y DVD continúan beneficiando a la Fundación
Crossroads Center.
En octubre de 2007, se publicó la autobiografía de Eric.
Clapton - The Autobiography se tradujo a doce idiomas y encabezó las listas de
los más vendidos en todo el mundo. Eric Clapton: Life In 12 Bars, un
inquebrantable documental sobre su vida, se estrenó en el Festival de Cine de
Toronto en septiembre de 2017. Está disponible en DVD y Blu-Ray junto con una
banda sonora complementaria.
Eric se casó con Melia McEnery el 1 de enero de 2002. La
pareja tiene tres hijas: Julie Rose (n. Junio de
2001), Ella Mae (n. Enero de 2003) y Sophie (n. Febrero de 2005). También tiene
una hija mayor con Yvonne Kelly. Ruth (n. Enero de 1985) está casada y tiene
dos hijos pequeños.
El hijo de Eric, Conor (n. Agosto de 1986), murió el 20 de
marzo de 1991 cuando se cayó accidentalmente de una ventana en el apartamento
de su madre en Nueva York. La madre de Conor es Lori del Santo.
Eric se casó con su primera esposa, Pattie Boyd Harrison el
27 de marzo de 1979. No tuvieron hijos y se divorciaron en 1989.
Escrito por Linda Wnek
A continuación celebramos su cumpleaños, con Have you ever
loved a woman?
Antonio Teodoro Ortells nació en Rubielos de Mora, España, el 29 de
marzo de 1647, y murió en Valencia, España, el 4 de noviembre de 1706. Compositor.
El sitio www.dbe.rah.es
publicó este recordatorio firmado por Carlos Muriel Cegarra.
Antonio Teodoro Ortells
Biografía
Ortells, Antonio Teodoro. Rubielos de Mora (Teruel),
29.III.1647 – Valencia, 4.XII.1706. Maestro de capilla.
Hijo de Pedro Ortells y Juana Navarro, fue bautizado al día
siguiente de nacer. Al menos tuvo un hermano, José, que se dedicó también a la
música, pero sin tanta relevancia. Pronto la familia se trasladó a Valencia,
donde ingresó el 21 de diciembre de 1657 en el Colegio del Patriarca, sirviendo
hasta el 8 de mayo de 1664 por “habérsele acabado la voz” (Libro de asientos de
infantillos, 32-3). Sus profesores fueron el capellán y cantor Marcos Pérez y
el maestro de capilla José Hinojosa. También conoció por esos años al organista
del Colegio, Francisco Castelló, que fue el primero de los valencianos en
realizar el género instrumental puro. Su educación fue muy compleja, ya que
dominó el contrapunto o el canto de órgano, que era la base de la música sacra.
Además recibió nociones de canto llano, de órgano y algún instrumento como el
violín, la corneta, el bajón y el contrabajo.
Formó parte de la procesión del Corpus de ese año como
danzador. Siguió en Valencia enseñando danza a los infantes y en el servicio de
canto de la parroquia de San Andrés.
Entre 1666 y 1674 no se tiene noticias de Antonio Teodoro
cuando tomó posesión del magisterio del Patriarca coincidente con un vacío en
la Catedral de Albarracín (Teruel) entre 1668 y 1675, que hace pensar que
ejerció como maestro de capilla en esta iglesia durante estos años por la
documentación recogida en el acta capitular del Cabildo del 21 de marzo de
1669. Sustituyó a Jerónimo Murciano, que había sido tenor en la misma localidad
y maestro de capilla en Teruel durante un breve tiempo. En el archivo de la
Catedral sólo se ha conservado una obra del compositor: Domine ad adjuvandum, y
se han perdido todos los villancicos que compuso; pero sí se conservan doce
villancicos de Navidad, Santísimo Sacramento y uno a Santa Clara en la Catedral
de Teruel, más nueve obras en latín, todas en estilo policoral.
La muerte de José Hinojosa el 30 de diciembre de 1673 le
abrió las puertas a conseguir este mismo puesto en Valencia, que logró al año
siguiente, frente a Roque Montserrat. Fue una oposición larga por la reiterada
apatía de los electores hasta que los visitadores y superiores del Colegio
dictaron la resolución a favor de Ortells. La capilla estaba formada por cinco
infantes, dos contraltos, dos tenores, dos sochantres y varios ministriles. En
el archivo de la Catedral se han conservado cuarenta y dos escritos musicales
suyos, como Domine ad adjuvandum; pero muchos de estos llegaron tras la muerte
de Ortells y como consecuencia de la disputa entre el patriarca y el arzobispo.
Ingresó en la capilla con la asignación propia de una capellanía primera, sin
salario alguno.
Al cabo de dos años, se le asignó el sueldo de 20 libras
como maestro interino.
En 1677 se presentó a la plaza de maestro interino en la seo
de Valencia tras la muerte de Gracián Balbán el 2 de enero de 1675, por lo que
renunció a la plaza que ostentaba hasta ese momento motivado por las malas
condiciones de trabajo; tal era la mala relación que se negó a formar parte del
tribunal que determinó su sucesor en la plaza. La oposición se inició el 10 de
mayo de 1677 con el maestro de Segorbe, Miguel Monjiú, Aniceto Baylón y Juan
Cabanilles, organista de la metropolitana de Valencia como examinadores.
Los opositores fueron, además del propio Ortells, los
maestros de Tarragona, Lérida y San Justo de Barcelona. El 28 de ese mes se
determinó la elección de Ortells a pesar de estar empatado en puntos con el
maestre de Tarragona.
Este cargo conllevaba como base de su sueldo la capellanía
de contralto, que fue sustituida en marzo de 1691 por la de contrabajo con el
salario de 63 libras más otras asignaciones. A la muerte de Balbán, el Cabildo
confió el cuidado de los infantes a Cabanilles hasta que Ortells asumió el
cargo hasta que el 1 de julio de 1704 le sustituyó Pedro Oyanarte,
evangelistero de la Catedral. Testó el 1 de mayo de 1703 ante el notario José
Ignacio de Belasco. Todavía siguió como maestro hasta su muerte el 4 de
diciembre de 1706.
Fue enterrado en la cripta de la catedral reservada para los
beneficiados, como canto de vísperas y la solemnidad habitual y asistencia de
todos los beneficiados y demás hermanos de la Hermandad General.
En el archivo de la Catedral se conservan doscientas ochenta
y cinco composiciones, mientras que en Segorbe cuarenta y tres.
Como compositor, cumplió con la obligación de componer un
Miserere cada dos años para la Semana Santa y anualmente los cuatro villancicos
de Navidad, del Corpus y uno para la “Assumpta”. En el archivo de la Catedral
se conservan centenares de composiciones en castellano y en latín, algunas
procedentes de tiempos precedentes al ser maestro de la seo de Valencia,
aunque, tras su muerte, algunas de las obras que compuso para el Patriarca
volvieron a su archivo.
Cultivó todos los géneros de la liturgia de la misa y del
oficio, el villancico y el oratorio o drama religioso para el oratorio de la
Congregación de San Felipe Neri de Valencia, aunque sólo se conservan tres
libretos de este género: El hombre moribundo (1702), El juego particular (1703)
y Oratorio sacro de la Pasión de Cristo Nuestro Señor (1706). Como seguidor de
Comes realizó composiciones para doce voces en tres coros, cada uno con un
color propio. El licenciado Ortells gozó de gran prestigio y no sólo en el
ambiente musical valenciano, sino en diversas capillas nacionales que
interpretaban su música sacra. Fue citado como maestro de buena composición y
autoridad máxima, junto a Palestrina, Guerrero, Comes, Patiño, Galán... por
Francisco Valls en su Mapa armónico Práctico (1742), y en su Respuesta a la
censura de don Joachín Martínez contra la Defensa de la entrada de el tiple
segundo en el Miserere nobis de la “Misa Scala aretina” (Barcelona, 1716).
En sus obras policorales combinaba los instrumentos que a
veces hacía de voces. Entre sus motetes destacó el uso policoral de doce voces.
Su número es inferior al de los salmos por la falta de espacio en la liturgia.
Escribió música para todas las partes de las completas:
salmos, cántico, himno y antífona final. Escribió más de veinte misereres que
se diferencian de los otros salmos por la alternancia de voces que establecen
un acompañamiento menos exuberante, limitada al bajo continuo de espineta, arpa
o bajón. También se conservan numerosos villancicos en diferentes lugares de
España como en El Escorial, Segorbe y otras Catedrales como Lérida y Tarragona;
los años en su mayoría son entre 1672 y 1706, unos pocos son copias de otros
maestros, y la década de 1680 fue la de mayor actividad.
Obras de ~: Antífonas: Alma Redemptoris Mater, 1675; Ave
Regina Caelorum, 1818. Cánticos: Magnificat de batalla; Nunc dimittis en Fa
mayor. Himnos: Pange lengua; Te lucis ante terminum.
Lamentaciones: Aleph. Quomodo obscuratum, 2ª Sábado Santo;
Lamentatio. Quomodo sedet, 1ª Jueves Santo. Letanías: Kyrie eleyson, a la
Asunción. Misas: Misa sobre el Hodie nobis de Comes, 1691; Misa Ellos son las
estrellas, la luna y el sol, 1702. Motetes: Audite caeli, audita terra, 1675;
Exultate cuncti in Domino, 1675; Audite insule, 1676. Oratorio: El hombre
moribundo, 1702; El juego particular, 1703; Oratorio sacro de la Pasión de
Cristo Nuestro Señor, 1706. Pasiones: Entrada a los passios; Entrada de Passio.
Responsorios: Dixit Dominus, 1681; Lauda Jerusalem, 1683; Qui habitat, 1686;
Miserere, 1692; Beatus vir, 1700; Credidi, 1700; Laudete, 1700.
Secuencia: Veni Sancte Spiritus, 1748. Versos: Domine ad
adjuvandum (Albarracín); Domine ad adjuvandum; Domine ad adjuvandum (Catedral
de Valencia). Villancicos: Aquí pastores, 1677; Amaina, recoge las velas, 1679;
Dentro del primado templo, 1681; Despacito mi dueño, 1684; Azo Antón, 1686; A
del nocturno horror, 1688; Oh inefable Jehová, 1691; A la fragua de ardor,
1692; Este carretillo, 1695; De Juanelo al artificio, 1696; Todos acudid, 1698;
Ah del orbe de la luna, 1700; Yo perdí el papel, 1704; Noche que pide la vela,
1705; Con donaire en el aire, 1706.
Bibl.: J. López-Calo y P. López de Osaba, Historia de la
música española: siglo XVII, Madrid, Alianza, 1988; M. T. Ferrer, Antonio
Teodoro Ortells (1647-1706): estudio biográfico y estilístico del repertorio
musical, tesis doctoral, Valladolid, Universidad, 1999; J. M. Llorens Cisteró,
“Ortello, Antonio Teodoro”, en E. Casares Rodicio (dir. y coord.), Diccionario
de la música española e hispanoamericana, vol. VIII, Madrid, Sociedad General
de Autores y Editores, 2001, págs. 247-250 [contiene catálogo completo de la
obra]; J. M. Muneta Martínez de Morentin, Músicos Turolenses, Teruel, Instituto
de Estudios Turolenses, 2007.
Carlos Muriel Cegarra
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con un fragmento del Oratorio Sacro titulado Aun de Su Amor la Llama, en la
versión de la Capella de Ministrers, dirigida por Carles Magraner.
Paul Whiteman, también conocido con el sobrenombre Pops,
nació en Denver, Colorado, Estados Unidos, el 28 de marzo de 1890, y murió en Doylestown,
Pensilvania, Estados Unidos, el 29 de diciembre de 1967. Director de orquesta,
y violinista.
Alcanzó junto a su formación, la Whiteman Band, gran
popularidad en la década de 1920, en el mundo de las variedades y el music
hall. Fue in gran impulsor de las Big Bands y las del tipo de jazz sinfónico, y
realizó las grabaciones más populares de la época que luego se convirtieron en
estándares como: China Boy y Whispering, entre muchas otras. El 12 de febrero
de 1924 estrenó Rhapsody en Blue, obra que le encargó a George Gershwin. Entre
los músicos y cantantes que pasaron por su orquesta, se dieron a conocer solistas
como Bing Crosby, Mildred Bailey, el cornetista Bix Beiderbecke, los
trompetistas Harry Busse, Red Nichols, Andy Secrest y Bunny Berigan. También
trombonistas como Bill Rank, Jack Teagarden o Tommy Dorsey, los saxofonistas
Frankie Trumbauer, Jimmy Dorsey, el violinista Joe Venuti, el guitarrista Eddie
Lang. Con la llegada del swing, su popularidad fue decayendo. En la década de 1940
se retiró para hacerse cargo de la dirección de la ABC, la American
Broadcasting Corporation.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus éxitos: At Sundown.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Rajel Auerbach: “un plato de sopa”
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Rajel Auerbach, nació en Galitzia oriental en 1903, escritora,
ensayista e historiadora. Escribió prolíficamente tanto en polaco como en
ídish, centrándose en la vida cultural judía de antes de la guerra. Durante la
Shoá fue reclutada al gueto de Varsovia y allí documentó la vida cotidiana del
gueto y creó el comedor de beneficencia. Fue una de los tres miembros
supervivientes del grupo encubierto Oneg Shabat, dirigido por Emanuel
Ringelblum. En Israel dirigió el Departamento de Recolección de Testimonios de
Testigos en Yad Vashem de 1954 a 1968.
Hacé click en el
reproductor para escuchar el programa.
Antonio Squarcialupi nació en Florencia, Italia, el 27 de
marzo de 1416, y murió en su ciudad, el 6 de julio de 1480. Organista.
Su padre fue carnicero, y el apellido de la familia era
Giovanni, pero más adelante tomó el de Squarcialupi, aparentemente para
disimular sus orígenes humildes. Se supone que pasó su infancia y juventud en
su ciudad natal, Florencia, y que estudió con los organistas Giovanni Mazzuoli,
también conocido como Jovannes de Florentia, quien había sido alumno de
Francesco Landini, y con Matteo di Pagolo da Prato. En 1431 fue nombrado
organista de Orsanmichele, donde permaneció dos años. Posteriormente pasó a
tocar en la catedral de Santa María del Fiore, donde permaneció el resto de su
vida. También formó parte de la corte de Lorenzo de Médici, junto a músicos
como Guillaume Dufay. El arte de Squarcialupi recibió numerosos elogios de sus
contemporáneos. Luca Landucci comparó su categoría artística con la del
escultor Donatello. Fue el organista más famoso de Italia en su tiempo, y propietario
de un códice musical, conocido en la actualidad como el Codex Squarcialupi,
donde se recogen composiciones de artistas italianos del siglo XIV,
especialmente de Francesco Landini y de otros músicos como Bartolino da Padova,
Niccolò da Perugia, Andrea da Firenze o Jacopo da Bologna.
Diana Ernestine Earle Ross, más conocida como Diana Ross,
nació en Detroit, Míchigan, Estados Unidos, el 26 de marzo de 1944. Cantante y
actriz.
El sitio www.biografiasyvidas.com
publicó este recordatorio.
Diana Ross
(Diane Ernestine Earle Ross; Detroit, 1944) Cantante y
actriz estadounidense. Inicialmente vocalista de las Supremes, su voz cálida y
sensual pronto la haría destellar con luz propia. Con el paso del tiempo fue
consagrándose como una de las mejores cantantes de soul de la historia, y llegó
a recrear en una película la vida de la mítica Billie Holiday, gracias a sus
extraordinarias cualidades vocales. Cantó a dúo con figuras de la música como
Marvin Gaye, Julio Iglesias o Michael Jackson, del cual fue musa inspiradora
durante muchos años. Entre sus
temas más populares con The Supremes cabe señalar las canciones Where did our
love go y Stop in the name of love. En solitario destacan los discos
Diana y One Woman.
Diana Ross
Diana Ross alcanzó sus primeros éxitos en los años 60 con el
grupo The Supremes (I want a guy, Baby love, The happening). Previamente, en
1959, había creado con un grupo de amigas una formación vocal femenina llamada
The Primettes, que cambió su nombre por el de The Supremes en 1961. Tras ocho
años en que no faltaron otras canciones de éxito junto a las citadas, que
grabaron para el legendario sello discográfico de soul, blues y jazz Motown
Record, Diana Ross decidió emprender su carrera en solitario en 1969.
Ya en 1970 obtuvo un primer éxito con el tema Ain’t no
mountain high enough; era el inicio de una trayectoria que la mantuvo entre los
artistas más populares hasta finales de los 80. En 1974 lanzó un álbum a dúo
con Marvin Gaye, experiencia que repetiría en los 80 con Lionel Richie;
colaboró además con figuras de la talla de Julio Iglesias o Michael Jackson. De
su extensa discografía, producida en su mayor parte por la discográfica Motown
Record, a la que siguió vinculada, cabe mencionar Diana and Marvin (1974),
Diana (1980), Working overtime (1989), Diana Extended. The remixes (1994) y Take
me higher (1995).
Al mismo tiempo que desarrollaba su carrera musical en
solitario, Ross realizó diversas incursiones en el cine marcadas por el éxito
de la primera de ellas: mereció una nominación al Oscar por su interpretación
en el filme de Sydney J. Furie El ocaso de una estrella (Lady Sings the Blues,
1972), película sobre la vida de Billie Holiday en la que encarnó con solidez y
convicción a la mítica cantante de jazz estadounidense, que había fallecido
prematuramente en 1959, el mismo año en que Ross comenzaba su carrera. El álbum
con la banda sonora fue número 1 en ventas en los Estados Unidos.
Posteriormente intervino en filmes como Mahogany, piel de cabra (1975), de
Betty Gordy, y El mago (1978), de Sidney Lumet.
A continuación, celebramos el cumpleaños de Diana Ross, con I
Will Survive.
Johann Adoph Hasse nace en Bergedorf, Hamburgo el 25 de
marzo de 1699. Dotado con una hermosa voz, de muy joven canta en la ópera de
Reinhard Keiser. Su padre le imparte lecciones de música, ya que este también
era músico y supo enseñar y aconsejar a su hijo. Es reclamado en la corte de
Brunswick-Lüneburg donde compone además de cantar y se estrena con su primera
ópera Antioco. Sus dotes como compositor son apreciadas en la corte y el
príncipe consorte lo envía a Italia donde perfecciona su técnica. Conoce a
Nicola Antonio Porpora y Alessandro Scarlatti, con quien entabla una buena
amistad. Recibe su primer encargo con la serenata Marc Antonio e Cleopatra para
dos voces, su escenario sería Italia y sus protagonistas serían encarnados por
Farinelli y Vittoria Tesi. El éxito fue rotundo y al cabo de poco tiempo
estrena Tigrane. Corría el año 1723.
Es conocido en Italia como Il Sassone, recibe un gran número
de elogios gracias a su opera Sesostrate, encargo proveniente de la Ópera Real
de Nápoles. Conoce a Faustina Bordoni, la mezzosoprano y se casa con ella en
1730. Los trabajando en Dresde, gracias a Augusto II de Sajonia, donde
permanecen dos años. Durante aquel tiempo compone la ópera Cleofide, una de sus
obras más conocidas. Viaja a Londres para presentar Artaserse, estrenada en
Venecia poco tiempo antes.
Es invitado a Londres para proclamarse rival de George
Friedic Haendel, pero rechaza la oferta, considerándola más un acto infantil
que otra cosa, sigue con interés los ensayos de su ópera.
Estrena en Turín la "Catone in Untica" y en
Nápoles su ópera Issipile. Más tarde, el público tiene el gusto de conocer
"Siroe, re di Persia", en Bolonia.
En 1739 vuelve a Dresde y retoma el cargo de maestro de
capilla, siendo los años más exitosos de dicha capilla, gracias al talento de
Johan Adolph. A partir de entonces estrena numerosas óperas en su ciudad natal,
consolidándose como artista de culto y siendo su orquesta una de las mejores de
Europa.
Estalla la Guerra de los Siete Años y se traslada a Viena
donde sigue con su actividad musical y convirtiéndose en el compositor favorito
de María Teresa I.
Conoce a Mozart y queda gratamente sorprendido por su
talento. En aquella época estrena "Ruggiero".
Muere en Venecia el 16 de diciembre de 1783, siendo
sepultado en la iglesia de San Marcuola.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con la Sonata en Si Menor para Flauta y Bajo Continuo Op.2 Nº 6, en la versión
de Nancy Hadden en flauta, Erin Headley en viola da gamba, y Malcolm Proud en
clave.
María Felicia García Sitches, más conocida como María
Malibrán, nació en París, Francia, el 24 de marzo de 1808, y murió en Mánchester, Reino Unido, el 23 de septiembre de 1836. Soprano.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con un Documental del ciclo Mujeres en la Historia, dirigido por la escritora
María Teresa Álvarez de RTVE.
Hoy les presento el 4º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, dedicado a Mijaíl Glinka con el Gran Sexteto en Mi Bemol Mayor, la Fantasía
Sinfónica Kamárinskaya, 3 Danzas de la ópera La vida por el Zar, la Obertura de
la ópera Russlán y Ludmila, la canción La Alondra, y el Capricho brillante sobre
la Jota aragonesa, Obertura española Nº 1.
Hacé click en el
reproductor para escuchar el programa.
Liese-Lotte Helene Berta Bunnenberg, más conocida como Lale
Andersen, nació en Lehe, Bremerhaven, Alemania, el 23 de marzo de 1905, y murió
en Viena, Austria, el 29 de agosto de 1972. Cantautora.
En octubre de 1929 se instaló en Berlín,
donde estudió actuación. En 1931 comenzó a presentarse en varios cabarés
de la ciudad. Entre 1933 y 1937 se presentó en el Teatro de Zúrich,
donde conoció a Rolf
Liebermann, con el que mantuvo una relación de amistad para el resto de la vida. En 1938 actuó en Múnich, y poco después se unió al
prestigioso Kabarett der Komiker en Berlín. Allí conoció
a Norbert Schultze, el compositor de la música de Lili Marleen. La grabación se
realizó el 2 de agosto de 1939. En 1941 la canción se volvió muy popular cuando
la radio de las fuerzas armadas alemanas comenzó a transmitirla. Tambien se
hizo muy popular entre las tropas aliadas. Debido al tono triste de la letra,
sobre los amates separados, Joseph Goebbels prohibió la difusión de la canción.
También estuvo prohibida durante 9 meses, no solo por la canción, sino por su
amistad con Rolf Liebermann, que era judío, así como con otros artistas judíos
que conoció en Zúrich. Desesperada por su situación intentó suicidarse. Tiempo después
se le permitió volver a actuar,
pero bajo ciertas condiciones. Después de la guerra se retiró como cantante. En
1952 regresó con la canción Die blaue Nacht am Hafen. En
1959 tuvo otro éxito con Ein
Schiff wird kommen, una versión
en alemán de la canción de la
película Nunca en domingo. En
1961 representó a Alemania en el Festival de la Canción de Eurovisión
con la canción Einmal sehen
wir uns wieder. Durante el resto de la década realizó giras en varios países de
Europa, y también se presentó en los Estados Unidos y Canadá hasta su gira
final, Goodbye memories, en 1967. Dos años más tarde, publicó un libro titulado
Wie werde ich Haifisch? - Ein heiterer Ratgeber für alle, die Schlager singen,
texten oder komponieren wollen, o ¿Cómo me convertí en tiburón? Una guía alegre
para todos los que quieran cantar, escribir o componer éxitos. En 1972 apareció
su autobiografía Der Himmel hat viele Farben, o El cielo tiene muchos colores.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con la canción: Einmal Sehen Wir Uns Wieder, o Nos veremos otra vez.
El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo firmado por Agustín Gallardo.
Un camino a cielo abierto, una aldea de ensueño
y la admiración de sus pobladores por el tango:
cómo es el museo que homenajea en Italia a Astor Piazzolla
Massa Sassorosso es una pequeña aldea de la localidad de
Villa Collemandina, en la provincia de Lucca. Allí, donde vivieron los
antepasados del músico, la gente le rinde culto en el año del centenario de su
nacimiento
Uno de los collage que posan sobre las paredes de Massa Sassorosso, en Villa Collemandina (Foto: Consulado de Argentina en Milán)
Todos los caminos, dice el dicho, conducen a Roma. En este caso, hay uno muy especial, que pasa cerquita -a 350 kilómetros- y nos adentra en un mundo de notas musicales: El “Largo Astor Piazzolla”.
Ubicado en Massa Sassorosso, una aldea de Villa Collemandina, en Italia, este caminito marcado con piedras en desnivel invita a ver las señas particulares de Astor Piazzolla, el genial músico y compositor argentino que el pasado 11 de marzo, habría cumplido 100 años.
Con las montañas de fondo, el silencio y la calma de este pueblo se hacen notar en este paseo. Se trata de un verdadero museo al aire libre que atesora objetos y fotos de este héroe musical del siglo XX, cuya obra combina tango, jazz y música clásica. Al caminar por aquí, las paredes de las casonas nos sorprenden con todo tipo de imágenes; todas ellas, son postales que rememoran a Astor de pequeño, en su Mar del Plata natal, junto a su madre o arriba de la moto con su padre.
Antepasados
En este lugar estuvo hace muchos años la casa de los abuelos de Astor Piazzolla. Hoy, existe otra edificación. Foto: Consulado de Argentina en Milán
Pero ¿de dónde viene la relación del músico con este bello rincón del mundo? Su madre, Assunta Manetti, fue hija de dos emigrantes que habían salido de Massa Sassorosso, y que emigraron más tarde a la Argentina. Ellos son Luigi Manetti y Clelia Bertolami, quien luego de casarse en el pequeño pueblo de los Apeninos, emigraron a Argentina en 1888 en busca de mejores perspectivas.
Uno de los elementos históricos que se destacan y atesoran en este lugar, es las partidas de nacimiento de los abuelos maternos del músico y el acta de matrimonio. Los documentos se encuentran en el cabildo del Municipio de Villa Collemandina.
“Esta es una idea que nace de los habitantes del pueblo. La historia se remonta hace unos años atrás cuando la gente de este lugar, comenzó a familiarizarse con la música de Astor y con el hecho de que los abuelos de Piazzolla, eran de aquí”, cuenta a Infobae Luis Niscovolos, cónsul General de la República Argentina en Milán.
Un bandoneón del músico (Foto: Consulado de Argentina en Milán)
“Esta es una iniciativa que toma la comuna de Massa Sassorosso años atrás, allá por el 2010, y que es un maravilloso museo al aire libre y temático de Astor, con su vida, todo a cielo abierto. Aquí está todo, hasta su vida en Mar del Plata donde nació. Uno respira aire argentino y el tango cuando está aquí”, explica el Cónsul.
Y agrega: “Es, sin dudas, un homenaje al propio Piazzolla, a su música, y por otro lado a la comuna que son los que llevaron acabo años atrás este iniciativa”.
Una de las placas que hay en homenaje a Piazzolla
Tanto Niscovolos, como la Cónsul General de la República Argentina en Roma, Ana de la Paz Tito y el Profesor, Sabatino Alfonso Annecchiarico, coordinador científico de la Red de Científicos Argentinos en Italia, son quienes vienen fomentando este espacio que es recorrido por visitantes de todo el mundo. “El deseo nuestro es valorar al artista por sobre todas las cosas. Piazzolla es un artista que tiene vigencia, tanto en la Argentina, en Italia, como en todo el mundo. Va más allá, para algunos, es uno de los músicos más importantes del siglo XX”, reflexiona Niscovolos.
El deseo del Cónsul es también el de los pobladores de la aldea. Aquí hay un amor especial y ya localista por Piazzolla, que surge por el propio hecho de que los antepasados del músico sean de este lugar. La fama del músico a nivel mundial, comentan en el lugar, sin dudas fue una motivación para que la gente de Massa Sassorosso aliente la creación de este paseo y hasta se sienta orgullosa de “tener en casa” a un referente mundial de la música.
Conmemoración a 100 años del nacimiento
Otra de las estructuras que pueden verse en Massa Sassorosso, esta aldea en la localidad de Villa Collemandina, en Lucca
Los 100 años del nacimiento de Piazzolla tendrán todo tipo de celebraciones a lo largo de este año en la Argentina.Sin ir más lejos, la Fundación Astor Piazzolla coordinará una serie de eventos que podrán verse en la plataforma digital del espacio y en sus redes.
En Massa Sassorosso no quisieron quedarse atrás. “Para nosotros fue un gran placer rendir homenaje a las raíces de Piazzolla dentro de nuestra comunidad”, dijo el alcalde de la Municipalidad de Villa Collemandina, Francesco Pioli, durante un acto conmemorativo que se llevó a cabo con la deposición de una corona de laurel en representación de la embajada Argentina en Italia.
La presidenta de la Unión de Municipios de Garfagnana, Andrea Tagliasacchi, recordó la importancia de las raíces y la identidad y el vínculo aún fuerte que une a Garfagnana con la Argentina. “Es sugerente que sea un personaje como Astor Piazzolla quien simbolice esta unión porque la música da sentido a la pasión y los sentimientos más que cualquier acto”.
El acta de matrimonio de los abuelos de Astor (Foto: Consulado de Argentina en Milán)
Un ejemplo del punte cultural entre ambos lugares manifiesta con el libro de María Susana Azzi, llamado: “Astor Piazzolla, una vida por la música”. El libro acaba de ser lanzado traducido al italiano.
El alcalde Pioli anunció hace unos días los planes para instalar otro museo dedicado a Piazzolla, en este caso, en el lugar donde estaba la casa de sus abuelos maternos. “Es algo que se está previendo para el futuro. Tanto El“Largo Astor Piazzolla” como este museo en sí, son hechos con los que uno vincula las cosas buenas de Argentina. Y hay que visibilizarlas. La música, el arte, son un vector de transmisión enorme”, reflexiona Niscovolos.
Alguna vez Piazzolla expresó que tenia la ilusión de que su obra se escuche en el 2020. “Y en el 3000 también”, dijo. Lugares como este, sin dudas, harán valer su legado -y deseo- por mucho tiempo.
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