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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Tony Fruscella nació en Orangeburg, Nueva Jersey, Estados
Unidos, el 4 de febrero de 1927, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 14
de agosto de 1969. Trompetista.
Tony Fruscella (Orangeburg, 4 de febrero de 1927 – Nueva
York, 14 de agosto de 1969), fue un trompetista estadounidense de jazz,
estilísticamente encuadrado en el cool, el tipo de jazz que mejor cuajó en la
Costa Oeste norteamericana. Claramente influenciado musicalmente por Chet
Baker, también le emuló en una vida llena de adicción a las drogas que
provocarían su muerte de una forma prematura.
Formado musicalmente en la orquesta del ejército, su toque
cool, sofisticado, estilizado e intimista, influido por Miles Davis, Joe Thomas
y Bix Beiderbecke, le convirtió en un acompañante frecuente, a comienzos de los
años 50, de artistas como Charlie Barnet, Lester Young, Gerry Mulligan y Stan
Getz.
A su nombre solo grabó un par de sesiones de grabación, y
ambas bajo la fórmula del quinteto y editadas en disco; la primera de ellas
grabada el 10 de diciembre de 1948, y la segunda, con personal diferente, que
se grabó en diciembre de 1953. Ambas sesiones están recopiladas en el álbum
«Debut» editado en 1981, por el selecto sello «Spotlite».
Las drogas y el alcohol limitaron mucho su actividad musical
a partir de 1953, y reaparece efimeramente a finales de los cincuenta, en un
encuentro con el también trompetistas, Don Johnson. En los sesenta estuvo lejos
de cualquier actividad jazzística y murió de una cirrosis en 1969.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con I'll Be Seeing You. Tony Fruscella en trompeta, Bill Triglia en piano, Bill
Anthony en contrabajo y Will Bradley, Jr. en batería.
John Watson, Jr., más conocido como Johnny Guitar Watson,
nació en Houston, Texas, Estados Unidos, el 3 de febrero de 1935, y murió en Yokohama,
Japón, el 17 de mayo de 1996. Guitarrista, compositor y cantante.
10 cosas que no sabías sobre Johnny “Guitar” Watson
JD Nash 2 de febrero de 2017Actualizado:9 de abril de 2020
Nota del editor: El 3 de febrero, Johnny “Guitar” Watson
hubiera cumplido 82 años. Maestro de la guitarra y de varios otros
instrumentos, Watson se reinventó a sí mismo, más de una vez, durante su
carrera. Al hacerlo, acumuló una serie de premios e incorporaciones, incluido
un lugar en el Salón de la Fama del Blues. Hoy, ofrecemos 10 cosas que quizás
no sabías sobre el “Gángster del amor”.
John Watson, Jr. nació en Houston, Texas, el 3 de febrero de
1935. Su padre era pianista y le enseñó a tocar ese instrumento cuando era
niño. Su abuelo, un predicador, tocaba la guitarra y prometió regalarle al
joven una propia, siempre y cuando no tocara la “música del diablo”. Inspirado
por el talento para el espectáculo de T-Bone Walker y el estilo de Clarence
“Gatemouth” Brown, el joven John Watson, como se le conocía en esa época,
tocaba con los grandes del blues de Texas, Albert Collins y Johnny Copeland
antes de cumplir 15 años.
2. Después de que sus padres se separaran, Watson se mudó,
con su madre, a Los Ángeles, en 1950. No pasó mucho tiempo antes de que se
hiciera un nombre en la Ciudad de los Ángeles. Grabó por primera vez con la
banda de Chuck Higgins en 1952, tocando el piano y proporcionando las voces.
Watson había dicho: "Wardell Gray, Dexter Gordon, Dizzy Gillespie, Charlie
Parker, Count Basie e Illinois Jacquet, todos estaban tocando, y el jazz y el
blues estaban todos mezclados". El año siguiente grabó su primer disco, en
el sello Federal. Sin embargo, fue en 1954 cuando las cosas realmente
comenzaron a despegar. Tomó su guitarra de seis cuerdas y grabó el asombroso
instrumental, "Space Guitar". Sin usar una púa, Watson había grabado
una de las obras de guitarra más salvajes de su tiempo. Ayudó a ser pionero en
la retroalimentación y la reverberación de la guitarra, y los guitarristas de
rock famosos, como Jimi Hendrix, tardaron casi una generación en ponerse al
día.
3. Siguiendo en el terreno del blues, el primer single de
Watson que llegó a las listas fue una versión perfecta de “Those Lonely, Lonely
Nights” de Earl King, en 1955. El año anterior, había visto la película del
oeste, Johnny Guitar, protagonizada por Joan Crawford y Sterling Hayden. Ya
fuera por el nombre o por el personaje de un pistolero reformado, nació el
apodo de Johnny “Guitar” Watson. Fue el nombre artístico que utilizó durante el
resto de su carrera.
4. En 1957, lanzó por primera vez su canción, "Gangster
of Love", en el sello Keen. Con el tiempo se convertiría en su canción más
popular, pero no hasta que fue reeditada en 1962 para King Records, y luego
nuevamente, en 1978. Una persona que realmente se enamoró de la canción fue
Steve Miller. Miller hizo una versión de la canción en su álbum de 1968, Sailor,
pero también hizo referencia a ella en 1969 en "Space Cowboy" y,
nuevamente en 1973, en "The Joker". En 1971, Miller lanzó el álbum
Rock Love, y la primera canción se tituló "The Gangster is Back".
Cuatro años después, Watson lanzó su propio álbum, The Gangster is Back. Un
caso seguro de arte imitando al arte.
5. Johnny era un compañero de gira y acompañante muy
solicitado. Él y su amigo, Larry Williams, realizaron giras y grabaron dos
álbumes juntos. Watson también
trabajó con Little Richard, Don and Dewey, The Olympics, Johnny Otis y Frank
Zappa. Zappa atribuyó la canción de Johnny de 1956, "Three Hours
Past Midnight", como inspiración para tocar la guitarra. También hizo que
Watson apareciera en cuatro discos diferentes suyos, incluido One Size Fits All,
su último álbum de estudio con Mothers of Invention.
6. Con el R&B y el blues desapareciendo detrás de la
disco y el funk deslumbrantes de la década de 1970, Watson se reinventó a sí
mismo y a su música para encajar. Vestido al estilo de un proxeneta, con trajes
de campana, zapatos de plataforma, dientes de oro, sombreros de ala enormes y
gafas de sol como las de Elton John, su blues de Texas se fusionó con un funk
con mucho bajo. Firmó con DJM Records y lanzó Ain't That a Bitch en 1976 y, A
Real Mother for Ya, al año siguiente. Watson estaba a la vanguardia del
movimiento funk, influyendo en artistas como Sly Stone y George Clinton. Fue el
eslogan de Watson, "bow wow wow yippi-yo yippi-yay", el que Clinton
usó en su éxito final con Parliament-Funkadelic, "Atomic Dog". Su
versión estilizada fue utilizada luego por Snoop Dogg , Bow Wow y varias otras
estrellas del rap. De hecho, la música de Watson ha sido ampliamente sampleada
por artistas de hip-hop como Ice Cube, Dr. Dre , Jay-Z, Redman, Mary J. Blige y
docenas más.
7. Johnny “Guitar” Watson, como hemos señalado, tocaba la
guitarra y el piano. Sin embargo, era un talentoso compositor, productor y
músico maestro, y también contribuyó con la batería, los teclados, el bajo y el
saxofón en varios de sus propios discos. La mayoría de ellos fueron parte de
sus lanzamientos de discos de oro mientras estuvo con DJM. En la gira, viajó
con una banda de seis integrantes, que incluía una sección de vientos, conocida
como The Watsonian Institute.
8. A principios de los años 80, tras el suicidio de su viejo
amigo y compañero de banda, Larry Williams, Watson pareció cambiar. Sus
apariciones en Estados Unidos fueron menos frecuentes y espaciadas, pero aun
así siguió realizando giras exitosas por Europa y Japón. Después de su sencillo
"Strike on Computers", que llegó a las listas en 1984, transcurrió
una década antes de que volviera a aparecer en las listas. Aunque colaboró con la guitarra en la canción de Dr. Dre ganadora del Grammy
"Let Me Ride", en 1993, la siguiente canción de Watson que llegó
a las listas fue "Bow Wow", en 1994.
El 17 de mayo de 1996, durante una gira por Japón con James
Cotton y Ukadan, Watson subió al escenario por última vez. Alrededor de las
7:40 de esa noche, Johnny estaba interpretando su primera canción de la noche, su
éxito de 1976, "Superman Lover", en el Ocean Boulevard Blues Cafe en
Yokohama. Después de cantar el primer verso, hizo un gesto como si empujara el
soporte del micrófono hacia el público con la mano en el pecho y se cayó de
espaldas. Sufrió un ataque cardíaco en el escenario y fue declarado muerto en
un hospital cercano menos de dos horas después. Dos días después, en un
descanso del espectáculo, uno de los compañeros de banda de Watson le dijo al
público: "Johnny dijo una vez que si muriera, quería morir en el
escenario". Su cuerpo fue trasladado en avión a los EE. UU. para ser
enterrado en Forest Lawn Memorial Park, en Glendale, California.
10. La influencia de Watson fue extensa. Jimmie y Stevie Ray
Vaughan lo tenían en la cima de una lista muy selectiva de artistas a los que
idolatraban. Tuvo un gran impacto en Hendrix, Miller y Zappa. El artista soul,
Bobby Womack, llamó a Watson "el pistolero más peligroso que existe".
Fue la diva del blues, el R&B y el soul, Etta James, quien probablemente lo
amó más. James estuvo de gira con Watson y Johnny Otis en la década de 1950,
cuando ella estaba apenas comenzando. Adoptó su estilo de canto de baladas
cuando tenía unos 17 años. En sus palabras, "Llaman a Elvis el Rey; pero
el Rey seguro era Johnny 'Guitar' Watson".
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus éxitos: A Real Mother For Ya.
Durante todo el año compartimos con ustedes nuestras
tradiciones y valores, hoy lo hacemos a través de la música sefaradí, y de la
mano de Mara Aranda que nos explica la importancia de la música en la
preservación de la identidad cultural y para promover la convivencia y la
solidaridad entre los pueblos.
El legendario artista Graham Nash, miembro fundador de los
Hollies y Crosby, Stills and Nash, ha sido dos veces incluido en el Salón de la
Fama del Rock and Roll y ha visto cómo se desarrollaba la historia del rock en
algunos de sus momentos más importantes, desde el inicio de la Invasión
Británica (él aparece en pantalla en 1967, siendo testigo ocular de la
transmisión mundial de la interpretación de los Beatles de “All You Need Is
Love” desde los estudios Abbey Road) hasta el nacimiento del movimiento Laurel
Canyon un año después. Es un extraordinario artista renacentista ganador del
premio Grammy® y se describe a sí mismo como un “hombre sencillo” que ha
contribuido con una gran cantidad de canciones al canon de la música popular.
Nash fue incluido dos veces en el Salón de la Fama de los Compositores, por su
trabajo con CSN y por su trabajo como artista solista.
NOW, el álbum de estudio más reciente de Nash (mayo de
2023), se mantiene fiel a su misión de seis décadas: observar la experiencia
humana a través de la lente de un niño del norte. Sus canciones recientes van
desde el grito de guerra intensamente político de "Stand Up" y una
crítica mordaz a MAGA en "Golden Idols", hasta la ferviente esperanza
de que estamos dejando a los niños "A Better Life", coescrita con
George Merrill (famoso por "I Wanna Dance with Somebody (Who Loves
Me)"). "Buddy's Back", con el cofundador de Hollies, Allan
Clarke, contribuyendo con la armonía vocal, celebra la influencia duradera de
Buddy Holly y los Hollies en sus vidas, remontándose a esa Navidad de 1962,
cuando le dieron a los Hollies su nombre.
NOW fue producido por Nash y el tecladista Todd Caldwell;
han trabajado juntos durante más de una década. Caldwell lideró la banda en
Graham Nash: Live, grabado en 2019 y lanzado en mayo de 2022, en el que Nash revisó
sus álbumes Songs For Beginners y Wild Tales en conciertos, cada disco en su
totalidad, sus canciones en su secuencia habitual.
Entre los lanzamientos de This Path Tonight (el álbum de
estudio anterior de Nash, publicado en 2016) y Graham Nash: Live, él y Joel
Bernstein, su ayudante de campo de muchos años, curaron la colección de
archivo, Over The Years… (2018). El CD doble de 30 canciones contiene un disco
de las canciones más conocidas de Nash con CSNY, CSN, el dúo Crosby-Nash y como
artista solista; el otro disco incluye 15 demos publicados e inéditos.
El lanzamiento de NOW coincidió con el 60 aniversario de los
dos primeros sencillos de los Hollies en las listas británicas, sus versiones
de “(Ain't That) Just Like Me” y “Searchin'” de los Coasters.
El notable trabajo de Nash como compositor comenzó con sus
contribuciones a la obra maestra de los Hollies sobre la Invasión Británica de
1964 a 1968, incluyendo “Stop Stop Stop”, “On A Carousel”, “Carrie Anne” y
“King Midas In Reverse”.
Por encima de prácticamente todo lo que Graham Nash ha
logrado en su larga y multifacética carrera, se encuentra la letanía de
canciones que ha escrito y ha introducido en la banda sonora de nuestras vidas
durante casi seis décadas.
La unión clásica original de Crosby, Stills & Nash
(&Young) duró apenas veinte meses. Sin embargo, sus canciones son
pararrayos incrustados en nuestro ADN, empezando por “Marrakesh Express”,
“Pre-Road Downs” y “Lady Of the Island” de Nash, del primer LP de Crosby,
Stills & Nash (1969).
En Déjà Vu (1970) de CSNY, las icónicas canciones de Nash,
“Teach Your Children” y “Our House” (para Joni Mitchell), nos rogaban que
aferráramos el amor con fuerza, para defendernos de la locura que se avecinaba.
La carrera de Nash como solista tomó vuelo en 1971, con los
dos álbumes antes mencionados que mostraron aún más la profundidad de sus
habilidades como cantante y compositor: su debut en solitario Songs For
Beginners (con “Chicago/We Can Change the World” y “Military Madness”), y Wild
Tales lanzado en 1974 (con “Prison Song”, “Oh! Camil” y “You'll Never Be the Same”).
Tres
composiciones de Songs For Beginners reflexionan sobre la histórica ruptura de
Nash y Joni Mitchell: “Better Days”, “I Used To Be A King” (que recalibra “King
Midas In Reverse” de The Hollies) y “Simple Man”. Una cuarta canción,
“Wounded Bird”, trataba sobre las consecuencias de la ruptura de Stills con
Judy Collins. “Military Madness” estaba dedicada a los padres de Nash, quienes
educaron a sus hijos de manera tranquila y valiente en la Inglaterra posterior
a la Segunda Guerra Mundial. “Chicago/We Can Change the World” era una súplica
a los compañeros de banda de CSNY, Stills y Young, para que se unieran a él y a
Crosby en un concierto benéfico para la defensa de los Chicago Eight (“¿No
quieres venir a Chicago, por favor,/ solo para cantar?”).
Wild Tales, de 1974, abordó (entre otras cuestiones) las
penas de prisión injustas por delitos menores (“Prison Song”) y el trato
injusto a los veteranos de Vietnam (“Oh! Camil”, inspirada en Scott Camil,
fundador condecorado de Vietnam Veterans Against the War). En su autobiografía
de 2013, Wild Tales, Nash describió el LP homónimo como “una buena colección de
canciones, pero oscuras y melancólicas, que era donde me encontraba en ese
momento… en un profundo agujero emocional”. La autobiografía es una mirada
apasionante y sin tapujos a su notable carrera y a la música que definió a una
generación. El libro lo colocó en la lista de los más vendidos del New York
Times y se publicó en formato de bolsillo a fines de 2014.
La asociación más resistente, duradera y productiva que
surgió del campo de CSNY se inició (antes de Nash's Wild Tales) con el homónimo
Graham Nash/David Crosby (1972), enmarcado por “Southbound Train” de Nash como
tema de apertura e “Immigration Man” como tema de cierre. El dúo contribuyó aún
más a la banda sonora de los años 70 en sus LP consecutivos, Wind On the Water
(1975) y Whistling Down the Wire (1976).
La voz apasionada de Nash se escucha con frecuencia en apoyo
a la paz y la justicia social y ambiental. Los conciertos No Nukes/Musicians
United for Safe Energy (MUSE) que organizó con Jackson Browne y Bonnie Raitt en
1979 siguen siendo eventos benéficos fundamentales.
En reconocimiento a sus contribuciones como músico y
filántropo, Nash fue nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico (OBE)
por la Reina Isabel. Mientras continúa construyendo su legado musical, Nash
también es un fotógrafo y artista visual de renombre internacional.
Fotógrafo desde los diez años, las fotografías de Nash se
han exhibido en galerías y museos de todo el mundo. La impresora digital IRIS
3047 original de su empresa, Nash Editions, y una de sus primeras obras
publicadas (el retrato de David Crosby que Nash hizo en 1969) se conservan
ahora en el Museo Nacional de Historia Estadounidense del Instituto
Smithsoniano. Una colección de sus fotografías aparece en el libro A Life in
Focus: The Photography of Graham Nash, que Insight Editions publicó en noviembre
de 2021.
El compromiso de toda la vida de Nash con su trabajo es
inquebrantable. Su inspiración es sencilla: “Todo lo que defendimos, que el
amor es mejor que el odio, que la paz es mejor que la guerra, que tenemos que
cuidar de nuestros semejantes, porque eso es todo lo que tenemos en este
planeta, esas cosas siguen siendo ciertas hoy. Necesito saber que he traído
algo positivo al mundo y no negativo”.
(Mayo de 2024)
A continuación, celebramos su cumpleaños, con su
interpretación de Ohaio, durante una entrevista realizada en 2013 por Howard
Stern, donde comenta cómo se escribió y grabó la poderosa canción de Crosby,
Stills, Nash, and Young en respuesta al tiroteo de Kent State en 1970.
El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta:
Tributo a Tova Friedman.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Tova Friedman: con sentido de responsabilidad
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Tova Friedman nació en Gdynia, Polonia en septiembre de 1938.
Su padre era el propietario de un exitoso negocio de sastrería. Los nazis
invaden la ciudad el 28 de septiembre de 1939 y Tova, con tan solo un año, fue
deportada junto a sus padres al gueto de la ciudad. Cuando comienzan las
deportaciones, su padre esconde a la niña en un sótano. En 1944 su padre fue
deportado al campo de Dachau, y Tova y su madre al campo de exterminio de
Auschwitz Birkenau. Tova, con tan solo 5 años, permaneció durante un año y
medio en el Kinderlager o “campo de niños”. Sobrevivió al hambre y a las
condiciones hostiles, y el 27 de enero de 1945 los soviéticos liberaron el
campo. Tova emigró a Estados Unidos y allí formó su familia. Junto a su nieto
Aarón crearon un tik tok para relatar su historia. Tova comprendió lo
importante que es acercar el Holocausto a las redes sociales, sobre todo por el
aumento del antisemitismo.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
En 1785 Wolfgang Amadeus Mozart recibió el encargo del
editor Franz Anton Hoffmeister, para componer tres cuartetos. El primero que
terminó fue el Cuarteto con Piano Nº 1 en Sol Menor K. 478.
Con la partitura en la mano, el editor comprendió la
dificultad que suponía para los músicos aficionados la interpretación de la
obra, por lo que eximió a Mozart de la obligación de completar la serie. Sin
embargo, nueve meses más tarde, el compositor completó el segundo Cuarteto
escrito en la tonalidad Mi Bemol Mayor K. 493.
En ese tiempo el clavecín se usaba aún con gran frecuencia,
y la partitura se publicó como Cuarteto para clavecín o piano forte. Los especialistas sostienen que Mozart compuso la parte de piano
para el fortepiano vienés de la época, y que el piano moderno es una
alternativa perfectamente aceptable.
El Cuarteto con Piano
Nº 1 en Sol Menor K. 478, de Mozart está considerado como una de las obras
importantes del repertorio de música de cámara.
A continuación, la
versión de Jérôme Ducros, en piano; Alina Pogostkina, en violín; Veronika Hagen, en viola; y Mischa Meyer,
en vilonchelo.
Isaac Donald Everly, más conocido como Don Everly, nació en Kentucky,
Estados Unidos, el 1 de febrero de 1937, y murió en Nashville, Estados Unidos,
el 21 de agosto de 2021. Cantante, guitarrista y compositor.
El sitio www.theguardian.com
publicó este recordatorio firmado por Michael Gray.
Obituario de Don Everly
La mitad de los Everly Brothers, el famoso dúo pop estadounidense
conocido por éxitos como Bye Bye Love, Wake Up Little Susie y Cathy's Clown
Michael Gray, domingo 22 de agosto de 2021 15.46 BST
La muerte de Don Everly a los 84 años de edad pone fin a la
formación de los Everly Brothers, el dúo vocal que definió el dúo de
rock'n'roll y el sonido de la angustia adolescente. Sus inconfundibles armonías
se inspiraron en 700 años de miseria de las fronteras escocesas, llevados a
través de los Apalaches para expresar la confusión adolescente de finales de
los años 50. Revividos en giras anuales durante más de medio siglo, estos
sonidos se silenciaron en concierto con la muerte de Phil, el hermano menor, en
2014.
Al igual que Elvis y Chuck Berry, los Everly Brothers
idearon el plan de cómo serían las cosas y, en años posteriores, se sintieron
amargados por recibir menos crédito por ello que los grandes solistas del
rock'n'roll. Esto ejemplificó su habilidad para arrancar la acidez de las
fauces de la dulzura.
No podían quejarse de su éxito inicial. Después de una
sesión difícil para Columbia, que dio como resultado el raro single de 1956
Keep A'Lovin' Me / The Sun Keeps Shining, firmaron con el sello neoyorquino
Cadence, para luego cambiarse al recién formado Warner Bros Records. De 1957 a
1965 tuvieron 28 éxitos en el Top 30 británico y un éxito comparable en los EE.UU.
Su primer single de Cadence, Bye Bye Love, vendió un millón
de copias y llegó al número 2 en Estados Unidos. Wake Up Little Susie, su
segundo éxito, fue el número 1 en Estados Unidos; All I Have to Do Is Dream fue
otro, que también encabezó las listas del Reino Unido. Bird Dog y Problems
fueron los números 2 en Estados Unidos, y ('Til) I Kissed You, escrita por Don,
fue el número 2 en Reino Unido. Otros
éxitos incluyeron Let It Be Me, Take a Message to Mary, Like Strangers, Crying
in the Rain y el número 1 en Reino Unido Walk Right Back.
Don, nacido en Brownie, Kentucky, y Phil, nacido dos años
después, hijos de Margaret (de soltera Embry) e Ike Everly, hacían dúos mucho
antes del rock'n'roll, en el programa de radio de sus padres en KMA en
Shenandoah, Iowa. Habían asistido a la escuela primaria Longfellow en Waterloo,
Iowa, donde Ike era minero de carbón, antes de que en 1944 la familia se mudara
a Shenandoah, y los hermanos terminaran sus días escolares en West High,
Knoxville, Tennessee, donde la familia se había establecido en 1953.
Los chicos eran profesionales experimentados cuando volcaron
su magia vocal en una serie de éxitos que combinaban armonías hillbilly y
conocimiento de Nashville, sus guitarras acústicas de acordes completos
abrazando los ritmos exóticos de Bo Diddley para crear el extremo rock'n'roll
de los sonidos ricos y comerciales de la música country.
Muchos de sus éxitos, incluido Bye Bye Love, fueron escritos
por otro dúo, Boudleaux y Felice Bryant, pero los hermanos escribieron muchos
de ellos mismos. Ambos escribieron el exitoso sencillo debut de Warner Bros,
Cathy's Clown, que logró un número casi sin precedentes de nueve semanas en el
número 1 en Gran Bretaña en 1960 y fue otro número 1 en los EE. UU. Phil escribió When Will I Be Loved;
así como ('Til) I Kissed You, Don escribió Since You Broke My Heart y So Sad
(to Watch Good Love Go Bad).
Tuvieron la seriedad necesaria para hacer versiones de
canciones cruciales de otros artistas, desde Lucille de Little Richard, a la
que se le dio una caída vocal aguda y en cámara lenta, hasta los clásicos del
blues Trouble in Mind y Step It Up and Go, y Love Is Strange de Mickey &
Sylvia. Don, a quien su padre llevó de niño al mercado de Maxwell Street en
Chicago, siempre estuvo al tanto del gospel y el blues. En una era de pop
bonito, los Everlys buscaron un sonido más duro en discos como The Price of
Love (1965) y su extraordinario resurgimiento del estándar Temptation (1961),
que prefiguró el "muro de sonido" de Phil Spector. Pero, al igual que
River Deep, Mountain High de Spector, Temptation de los Everlys fue (según sus
estándares) un fracaso en los EE.UU., y The Price of Love un fracaso aún
mayor.
Luego estaban los Beatles, cuyas “nuevas” armonías hicieron
que los Everlys quedaran anticuados de la noche a la mañana. Despedidos antes
de cumplir los 30 años, Don y Phil sintieron, equivocadamente, que los Beatles
les habían robado algo sin reconocerlo; John y Paul admitieron que se habían inspirado
en Cathy’s Clown para las armonías de Please Please Me.
Marginados aún más por el rock progresivo, Don y Phil
intentaron primero sonar como Simon y Garfunkel, y luego con su influyente
álbum Roots de 1968 que, con Sweetheart of the Rodeo de los Byrds, marcó un
paso hacia el surgimiento del “country rock”.
Don continuó escribiendo canciones: Human Race (1970), el
grito de corazón I'm Tired of Singing My Song in Las Vegas del álbum Stories We
Could Tell (1972) y la mayor parte del magnífico e ignorado álbum solista Don
Everly (1971), una colección convincente que canta sobre la fragilidad humana
con profunda compasión (que, según le dijo Phil a un biógrafo, había sentido
como una traición, “como engañar a un matrimonio”).
Fueron décadas peligrosas, especialmente para Don, el más
temperamental y creativo de los dos, cuyas aventuras con las drogas
probablemente aflojaron su ya inestable vínculo con la realidad. Después de una
infancia exhibida como un objeto de novedad adorable, vestido como si fuera un
gemelo, con ropa de vaquero, su única muestra de "vida normal" fue
una temporada en la Marina (de la que estaba orgulloso) en medio de ser la
mitad de un par de ídolos adolescentes: uno de los grupos más influyentes,
queridos y exitosos del mundo, y luego, de repente, uno de los más pasados de moda.
Los Everly Brothers se separaron en medio de una acritud
pública; su última actuación juntos tuvo lugar el 14 de julio de 1973 en Buena
Park, California, momento en el que Phil arrojó su guitarra y abandonó el
escenario, dejando a Don solo para terminar el concierto.
En otras dos ocasiones Phil se las arregló sin Don. En 1962,
durante una gira por Gran Bretaña, Don, drogado, intentó tirarse por la ventana
de un hotel y Phil tuvo que actuar en solitario en las fechas restantes. Y
luego, cuando grabaron un álbum en solitario en 1983, justo al final de los
lúgubres 10 años de separación de los hermanos, Phil trajo a Cliff Richard y en
una canción hicieron un dueto como si Don pudiera ser reemplazado de alguna
manera. She Means Nothing to Me de Phil y Cliff fue un éxito Top 10 en el Reino
Unido, solo para agravar la enormidad de la "traición". Don lo vio
como nada menos, aunque fue él quien realmente disolvió la asociación
profesional de toda la vida de los hermanos.
Fue un trauma más para ambos descubrir que, por separado,
nadie se preocupaba demasiado por ninguno de los dos. Pero en 1983 organizaron
un emotivo concierto de reencuentro en el Royal Albert Hall de Londres.
Todavía cantaban exquisitamente y una pequeña parte de sus
actuaciones ofrecían canciones aprendidas de su padre, a quien veneraban, y del
guitarrista de Kentucky Mose Rager: auténtico material country de antaño. Don
tocaba la guitarra con cariño e intensidad, aunque con moderación en las
últimas actuaciones. Como cantante principal, vivía en la espontaneidad del
momento, su fraseo era inspirado, cálido y libre. Era un artista. Pero apenas
se atrevían a alejarse de sus éxitos de la adolescencia. Además, hacerlo habría
significado tener que ensayar juntos.
Fuera del escenario, Don era un glotón de la vida y un
entendido. Siempre había visto las últimas películas, leía mucho, le interesaba
el arte moderno y, en una escala modesta, lo coleccionaba. Ávido explorador de
restaurantes, le encantaba hablar de comida y cocinarla. Durante las giras, la
estrella de rock anglófila se levantaba temprano y recorría las ciudades en las
que se encontraba. Estas exploraciones hacían tolerables sus obligaciones
profesionales, como él mismo admitía hábilmente. A la hora del espectáculo en
el Croydon de los años 90, se dio cuenta de que se había olvidado de cambiarse
de ropa para el escenario. Cuando le dijeron que se veía bien, respondió: “No,
será mejor que me cambie. Ese traje sabe la letra”.
En 1957, Don se casó con Mary Sue Ingraham. Su primera hija,
Mary, murió en la infancia; su segunda, Venetia, compartía el nombre con la
estrella de Hollywood Venetia Stevenson, quien en 1962 se convirtió en la
segunda esposa de Don, luego de un divorcio. Él y Venetia tuvieron dos hijas,
Stacy y Erin, y un hijo, Edan, y se divorciaron en 1970. En 1975, se casó con
Karen Prettyman, y se divorciaron ocho años después. Su cuarta esposa fue Adela
Garza, una de las gemelas cantantes de Nashville. Cuando se casaron en 1997, él
tenía 60 años y ella 28.
Entre sus amigos se encontraban los escritores Garrison
Keillor y Lucinda Lambton, el pintor Peter Blake y su esposa Chrissie, y el
guitarrista y productor de Nashville Chet Atkins, quien había sido amigo de la
familia durante toda la vida de los hermanos y los había ayudado a obtener
contratos de grabación al comienzo de sus carreras.
De temperamento temperamental e irresponsable, Don podía ser
despiadado, grosero y egocéntrico, cálido, generoso, muy encantador y excitable.
De hecho, tenía “muchas cualidades de un niño”, como dijo Chrissie, cualidades
que contribuyeron a convertirlo en una de las voces formativas del rock'n'roll.
Conmocionado por la muerte de Phil en 2014, Don le dijo al
LA Times: “Siempre supuse que yo moriría primero, porque era el mayor. Fue un
shock descubrir que estaba tan enfermo”.
En 2016 hizo campaña por Hillary Clinton durante las
elecciones presidenciales.
Le sobreviven Adela, sus hijos Venetia, Stacy, Erin y Edan,
y su madre.
Don (Isaac Donald) Everly, cantante y compositor, nacido el
1 de febrero de 1937; fallecido el 21 de agosto de 2021
Este artículo fue modificado el 23 de agosto de 2021.
Shenandoah, sede de la estación de radio KMA, se encuentra en Iowa en lugar de
Ohio.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Let It Be Me, junto a su hermano Phil, en una presentación en Melbourne, en
1989.
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