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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Paloma Díaz- Mas nos hablará acerca de los estudios y publicaciones que ha realizado la Real Academia Española (RAE) sobre el romancero en general, incluyendo la tradición sefardí. La RAE, ha recopilado diversas versiones de romances, incluyendo aquellos pertenecientes a la tradición sefardí.
George Ivan Morrison, más conocido como Van Morrison, nació en Belfast, Irlanda del Norte, Reino Unido, el 31 de agosto de 1945. Cantante, compositor y músico. Toca guitarra, armónica, saxo, piano y teclados.
El sitio www.vanmorrison.com publicó su biografía.
Uno de los verdaderos originales de la música El legado musical único e inspirador de Sir Van Morrison tiene sus raíces en el Belfast de la posguerra.
Nacido en 1945, Van escuchó desde muy joven la colección de blues, country y gospel de su padre, trabajador del astillero. Alimentado por grandes figuras de la música como Hank Williams, Jimmie Rodgers, Muddy Waters, Mahalia Jackson y Leadbelly, a los 13 años se convirtió en músico itinerante y cantó, tocó la guitarra y el saxo en varias bandas, antes de formar Them en 1964.
Tras hacerse un nombre en el Maritime Club de Belfast, Them pronto consolidó a Van como una figura clave en la escena británica de R&B. El inigualable talento vocal y compositivo de Morrison produjo clásicos instantáneos como las muy versionadas "Gloria" y "Here Comes The Night".
Estos talentos encontraron su asombrosa amplitud en la carrera solista de Van. Tras trabajar con el productor neoyorquino de Them, Bert Berns, en el magnífico éxito pop del Top 40 "Brown Eyed Girl" (1967), Morrison se adentró en otro terreno.
“...nunca hubo ninguna sugerencia de que Morrison, uno de los artistas discográficos más prolíficos y uno de los intérpretes en vivo más trabajadores de su época, se dormiría en los laureles”.
Grabado durante 3 días con los legendarios músicos de jazz, Astral Weeks (1968) es un álbum aún singular que combina poesía callejera, improvisación de jazz, invocación celta y lamentos de blues afro celta.
Morrison tejería estas y otras innumerables influencias en los álbumes que siguieron en rápida sucesión.
Reflexionando sobre la nueva vida en Estados Unidos en la alegre alma de Sinatra de Moondance (1970) y el country Tupelo Honey (1971), evocó la vieja vida espiritual y ancestral en la épica canción de cierre de St Dominic's Preview (1972), Listen To The Lion.
El doble álbum en vivo Too Late To Stop Now (1973) destacó las superlativas habilidades de interpretación y dirección de banda de Morrison. Trazando un curso musical rico y variado a lo largo de los años 70, brilló entre un elenco estelar que incluía a Bob Dylan y Muddy Waters en The Band's Last Waltz.
De hecho, fruto de sus instintos de Irish Showband, la magia de las presentaciones en vivo ha sido una constante en la carrera de Morrison.
Al regresar al Reino Unido en 1980, lanzó Common One, un álbum centrado en Summertime In England, una extraordinaria invocación del placer literario, sensual y espiritual; la canción se convertiría a menudo en una emocionante pieza central improvisada para sus presentaciones en vivo.
Siguiendo su propio rumbo a lo largo de los 80 en álbumes como No Guru, No Method, No Teacher, reivindicó sus raíces celtas con The Chieftains en Irish Heartbeat. Colaborar con Georgie Fame impulsó sus presentaciones en vivo, mientras que Avalon Sunset lo vio regresar a las listas de álbumes y sencillos a finales de la década.
Van Morrison continuó avanzando en su estatus como artista innovador durante los 90 y en el siglo XXI.
Premios y reconocimientos —un título de caballero, un Brit, un OBE, un Ivor Novello, seis Grammys, doctorados honoris causa de la Queen's University de Belfast y la Universidad del Ulster, ingreso al Salón de la Fama del Rock and Roll y a las Órdenes de las Artes y las Letras de Francia— atestiguaron el alcance internacional del arte musical de Van.
Sin embargo, nunca se sugirió que Morrison, uno de los artistas discográficos más prolíficos y uno de los intérpretes en vivo más dedicados de su época, se dormiría en los laureles.
La amplitud y el alcance de su trabajo colaborativo continúa en 2015 con el lanzamiento de su nuevo álbum, "Duets: Re-working The Catalogue". Con cantantes tan influyentes y diversos como Bobby Womack, Gregory Porter, Mavis Staples y Michael Bublé, el álbum reelabora canciones cuidadosamente seleccionadas del catálogo de Morrison, compuesto por más de 360 temas a lo largo de su carrera. Incluyendo canciones como "Real Real Gone", "Higher Than The World" e "Irish Heartbeat", el álbum se grabó en su ciudad natal, Belfast, y en Londres durante el último año, con la participación de diversos músicos y arreglos originales.
Con uno de los catálogos más venerados de la historia de la música y su talento incomparable como compositor, cantante e intérprete, los logros pasados de Morrison son innegables. Pero, como a lo largo de su extraordinaria carrera, la forma en que ese pasado influye en sus logros futuros sigue despertando entusiasmo y gran expectación.
Y así, en 2017, Van lanzó sus álbumes de estudio 37 y 38, el primero de los cuales, Roll With The Punches, es una oferta con sabor a blues. El álbum de 15 canciones reconecta a Morrison con artistas como Leadbelly, Lightnin' Hopkins, Little Walter y Bo Diddley... músicos que escuchó por primera vez en casa en la radio familiar. Pero más aún, reúne a Van con músicos que conoció en la carretera durante su tiempo con Them en el auge del blues de los 60, como Chris Farlowe, Paul Jones de Manfred Mann y Jeff Beck de The Yardbird, quienes hacen contribuciones a las grabaciones. La rica jambalaya que se disfruta en Roll With The Punches es Van Morrison mirando hacia atrás y avanzando. Y aunque hace referencia al pasado, Morrison siempre lo hace suyo, estampando su giro inconfundible en lo que ha sucedido antes.
Poco después del lanzamiento de Roll with the Punches siguió el acertadamente titulado Versatile. En este álbum, Morrison cruza los géneros del blues y el soul, y reconecta con su pasión por el jazz. A lo largo de los dieciséis temas de Versatile, Van Morrison interpreta algunos de los pilares de la música moderna con su estilo único. Además de canciones que se hicieron famosas gracias a artistas como Chet Baker, Frank Sinatra, los Righteous Brothers, Tony Bennett y Nat King Cole, Versatile incluye la impresionante nueva composición de Van, Broken Record —una pieza atemporal de swing nocturno—, y nuevas interpretaciones de clásicos de su catálogo anterior (I Forgot That Love Existed, del álbum Poetic Champions Compose de 1987; Start All Over Again, de Enlightenment, de 1990; y Only A Dream, de Down the Road, de 2002).
2018 es un año importante en la carrera de Morrison, ya que marca el 50 aniversario del lanzamiento del icónico álbum Astral Weeks en 1968. Hasta la fecha, el año ha estado a toda máquina para Morrison, comenzando con una serie de conciertos en Estados Unidos y otros programados en Europa para finales de año. Morrison no muestra señales de bajar el ritmo, y continúa trabajando en nuevo material y emocionantes proyectos futuros.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus más grandes éxitos: Gloria.
John Edmund Andrew Phillips, más conocido como John Phillips, o Papa John, nació en Parris Island, Carolina del Sur, Estados Unidos, el 30 de agosto de 1935, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 18 de marzo de 2001. Cantante, guitarrista, compositor, productor y actor.
El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio, firmado por Susan Bachner.
Biografía de John Phillips por Susan Bachner
John Phillips podría considerarse fácilmente uno de los mejores compositores pop de finales del siglo XX. Perfeccionó sus habilidades como compositor y arreglista con grupos que alcanzaron cierto éxito. Pero su mayor logro musical fue el trabajo que realizó con su grupo de los años 60, The Mamas and the Papas. Su popularidad ayudó a frenar la "Invasión Británica" de los años 60 y a recuperar la atención hacia la música popular estadounidense. Tras tres años de trayectoria asombrosamente exitosa, la banda se derrumbó bajo el peso de las tensiones personales, y aparentemente Phillips también. Sus desafíos posteriores incluyeron luchar contra años de adicción a sustancias y recuperar su salud y creatividad. John Edmund Andrew Phillips nació el 30 de agosto de 1935 en Parris Island, Carolina del Sur. Era hijo de un militar de carrera y una ama de casa. La crianza de Phillips fue problemática y, a menudo, solitaria. Phillips formó varias bandas durante la secundaria en Alexandria, Virginia, y de nuevo tras regresar a casa tras un intento fallido por la vida universitaria. A finales de los 50, tuvo un éxito menor, "Softly", con su grupo, los Smoothies . Phillips había arreglado sus canciones con armonías al estilo de los Cuatro Estudiantes de Primer Año para cantarlas con sus amigos Phil Blondheim (quien más tarde cambió su nombre a Scott McKenzie), Bill Cleary y Mike Boran. A principios de los 60, Phillips formó un grupo folk llamado Journeymen con McKenzie y el talentoso banjista Dick Weissman. Los Journeymen tuvieron éxito, realizando extensas giras por clubes folk y el circuito universitario. El estrés de las giras afectó su primer matrimonio con la socialité Susan Adams , madre de sus dos hijos mayores, Jeffrey y Laura MacKenzie . (De adolescente, Laura, conocida como MacKenzie Phillips, se convertiría en actriz, mejor conocida por su papel en la comedia de situación de los años 70 One Day at a Time). Pero el punto de quiebre llegó cuando Phillips conoció a una atractiva rubia de 17 años llamada Michelle Gilliam durante un compromiso en la cafetería de San Francisco, Hungry i. Phillips finalmente se divorció de Adams y se casó con Gilliam en 1962. Cuando Scott McKenzie y Dick Weissman dejaron los Journeymen en 1964, Phillips formó los New Journeymen, actuando con Michelle y el banjista Marshall Brickman. En 1965, Brickman dejó el grupo. John había conocido a Denny Doherty , un tenor de voz fuerte, en el camino, y se habían hecho buenos amigos. Doherty reemplazó en un concierto de New Journeymen, y él, John y Michelle desarrollaron una mezcla distintiva de voces. La popularidad de la música folk estaba disminuyendo, y Doherty alentó a su amigo a escribir material pop/rock en la línea de grupos como los Beatles. Cuando Phillips comenzó a hacer eso, Doherty sugirió que incluyeran a su amigo,Cass Elliot, en su grupo. Elliot ya era un cantante folk consolidado, tras haber actuado con grupos como Mugwumps (con Doherty) y Big Three. Sin embargo, John se resistía a la idea de incluir a Elliot en el grupo. John, Michelle y Denny decidieron quedarse en las Islas Vírgenes para escapar del frío otoñal neoyorquino y trabajar en el nuevo sonido de la banda. Elliot viajó allí para estar cerca de Doherty. Impulsado por la creciente tensión romántica en el grupo (Elliot tenía un amor no correspondido de larga data por Doherty, Doherty y Michelle comenzaron un flirteo allí que luego culminaría en una aventura), John escribió canciones sensibles pero conmovedoras como "Straight Shooter" y "I Saw Her Again", que aluden a sus sentimientos sobre la relación de Michelle con Doherty. Estas canciones, junto con otras que escribió ese año, serían los primeros éxitos del grupo, que se llamaría Mamas and the Papas. Al regresar a Estados Unidos, John, Michelle y Doherty condujeron hasta Los Ángeles, donde Elliot ya se alojaba. Inclinándose ante su inmenso talento vocal, John la incorporó oficialmente al grupo. Les consiguió una audición en vivo con el productor Lou Adler, entonces director de Dunhill Records. Adler quedó tan impresionado que les ofreció un contrato inmediatamente. Dunhill lanzó su primer álbum, If You Can Believe Your Eyes and Ears, a principios de 1966. En 1966, el grupo alcanzó su gran éxito con "California Dreamin'", una canción sobre el frío y la alienación del invierno neoyorquino que finalmente alcanzó el número 4. Otro tema del álbum, "Monday, Monday", pronto ascendió en las listas y alcanzó el número 1. A esto le siguió una enorme popularidad y un gran éxito comercial. John también cosechó un gran éxito con la interpretación de su amigo Scott McKenzie de su canción "San Francisco" en 1967. Otro logro de John ese año fue ayudar a organizar el Festival Pop de Monterey, uno de los eventos culturales más destacados de los años 60 y el lugar donde Jimi Hendrix irrumpió en la escena estadounidense. Le siguieron varios álbumes más, llenos de la mezcla característica de John de pop, rock y influencias de la música country, y acentuados por sus precisos arreglos de armonías impresionantes. Pero las animosidades personales abrumaron a The Mamas and the Papas, y se separaron en 1968. Dos años después del nacimiento de su hija, Chynna, en 1968, John y Michelle se divorciaron. (Chynna formaría parte del grupo pop de los 90, Wilson Phillips). Phillips lanzó su primer álbum en solitario, John, el Rey Lobo de Los Ángeles, en 1970. Consciente de lo que creía que era su limitado talento vocal, ocultó intencionalmente su voz en la mezcla. A pesar de incluir varias canciones nuevas excelentes, el álbum no fue un éxito. Phillips se casó con la actriz de cine Genevieve Waite.en 1972. La pareja tuvo dos hijos juntos, un hijo, Tamerlane, y una hija, Bijou, (que se convirtió en modelo y actriz). A principios de los años 70, Phillips escribió música para algunas películas (Myra Breckenridge, Brewster McCloud) y creó un musical teatral llamado Space, como vehículo para Waite. Sin embargo, los productores le arrebataron el control del proyecto y cambiaron gran parte del material y el nombre del espectáculo a Man on the Moon. Después de estrenarse en Broadway, la producción cerró después de un par de funciones, en medio de horribles críticas. Esta decepción impulsó a Phillips a una mayor adicción a las drogas. Durante años, solo hizo una incursión ocasional en el trabajo (como la banda sonora de la película de Nicolas Roeg The Man Who Fell to Earth). En 1977, animado por su amigo Mick Jagger, Phillips comenzó a escribir y grabar un nuevo álbum en solitario que Jagger y Keith Richards producirían. Pero el proyecto se descarriló por el creciente consumo de heroína de Phillips y Richards, y finalmente se archivó. Casi una década de abuso de drogas (y algo de tráfico de drogas) culminó en una condena por tráfico de narcóticos para Phillips en 1981. Después de pasar un mes en la cárcel, pasó por rehabilitación y entró en una fase mucho más productiva. Volvió a formar The Mamas and the Papas, con su hija Mackenzie Phillips, Spanky McFarlane (del grupo Spanky and Our Gang) y Denny Doherty. A lo largo de los años 80 y 90, John realizó giras con varias versiones del grupo. En 1986, publicó su autobiografía muy sincera, Papa John. Se divorció de Waite en la década de 1980. Coescribió una canción para los Beach Boys, "Kokomo", que se convirtió en un éxito número uno en 1989. A pesar de su sobriedad, años de abuso de alcohol y drogas habían dañado la salud de Phillips, y en 1992 recibió un trasplante de hígado. En 1995, Phillips se casó con su cuarta esposa, Farnaz. En 1998, cuando los Mamas and Papas ingresaron al Salón de la Fama del Rock and Roll, John Phillips apareció con Michelle y Denny Doherty para cantar "California Dreamin'" (Elliot falleció en 1974 de un ataque al corazón). Phillips sufrió otros problemas de salud a finales de los 90. Sin embargo, aproximadamente un año antes de su muerte, Phillips experimentó un auge en la grabación. Terminó el álbum que había comenzado con Jagger y Richards años antes. Titulado Pay Pack and Follow, fue lanzado en mayo de 2001. También completó un nuevo álbum en solitario llamado Phillips 66 que fue lanzado póstumamente en agosto de 2001. John Phillips murió el 18 de marzo de 2001, en Los Ángeles, CA, de insuficiencia cardíaca.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con California Dreamin'.
A continuación, de Camille Saint-Saëns, Introducción y Rondó Caprichoso para Violín y Orquesta en La Menor Op. 28, en la versión de Itzhak Perlman, y la Orquesta Sadler's Wells, dirigida por Charles Mackerras.
El Diario Peril en su edición digital, publicó este artículo.
Mar del Plata: allanaron la casa donde vivió el jerarca nazi en busca del cuadro robado, pero no lo encontraron
La Policía Federal requisó la vivienda de una heredera del financista nazi Friedrich Kadgien, en el barrio Parque Luro. Sospechan que ahí estaba una pintura robada a un coleccionista judío.
La Policía allanó la casa de una de las hijas de Kadgien, en Padre Cardiel al 4100 | Google Maps
En el marco de la búsqueda de la pintura “Retrato de una dama”, que el nazismo le robó a un coleccionista judío, la Policía Federal allanó este martes en Mar del Plata la casa de los descendientes de Friedrich Kadgien, un oficial de la SS que se instaló en Argentina luego de la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, la obra no fue hallada en el lugar.
El operativo se realizó luego de que el fiscal federal Carlos Martínez recibiera una alerta de Interpol y de la Aduana este lunes por la mañana, tras la denuncia de la presencia de una valiosa pintura del artista italiano Giuseppe Ghislandi en una vivienda del barrio marplatense de Parque Luro. Ante el aviso, Martínez abrió un expediente bajo la figura de presunto encubrimiento de contrabando, según lo previsto en el Código Aduanero.
“No está el cuadro, solo se secuestró una carabina y un revólver calibre 32”, declaró Martínez a la prensa luego del allanamiento en el domicilio de Padre Cardiel al 4100, donde se sospecha que permanecía el cuadro robado.
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Patricia, hija de Kadgien y dueña de la casa, y su esposo no fueron imputados, pero aseguraron que se presentarán ante la Justicia en las próximas horas, según informó su abogado, Carlos Murias. El medio marplatense La Capital señaló que ni la mujer ni su pareja manifestaron disposición a entregar el cuadro de manera voluntaria ni a dar indicios sobre su paradero.
Para avanzar con la causa, el fiscal Martínez requiere un requerimiento internacional desde Países Bajos, país que mantiene la base de datos de obras robadas durante la Segunda Guerra Mundial, en la cual figura “Retrato de una dama”.
El cuadro fue hallado a partir de una publicación de la casa en la página web de una inmobiliaria.
La pintura formaba parte de la colección de 1.100 piezas del comerciante judío Jacques Goudstikker, fallecido en 1940 mientras huía de los nazis. Su galería en Ámsterdam, que alojaba obras de Rembrandt y Vermeer, fue liquidada a “precios de saldo” entre jerarcas del Tercer Reich, entre ellos Hermann Göring.
La pieza del pintor italiano pasó luego a manos de Kadgien, un funcionario nazi cercano a Göring, que huyó primero a Suiza en 1945 y posteriormente a Sudamérica. Se radicó con su familia en Argentina y murió en Buenos Aires en 1978. Según documentos de la época, acumuló diamantes y obras de arte obtenidas mediante extorsiones en los Países Bajos.
Cómo reapareció en Mar del Plata un cuadro robado por los nazis en Países Bajos
La búsqueda de la familia Goudstikker comenzó a finales de los noventa y fue seguida de cerca por el diario neerlandés Algemeen Dagblad (AD). Durante más de una década, periodistas del medio siguieron la pista de Kadgien en Buenos Aires, sospechando que había saqueado obras de un coleccionista influyente en los Países Bajos. Sin embargo, las descendientes del jerarca nazi evitaron siempre responder sobre el pasado de su padre.
Con motivo del 80° aniversario del fin de la Segunda Guerra Mundial, el medio continuó la investigación y envió a su corresponsal en Argentina, Peter Schouten, a Mar del Plata, con la dirección de una de las hijas de Kadgien.
El jerarca nazi Friedrich Kadgien.
Según relató Schouten a La Nación, vio una sombra moverse en el pasillo de la casa, aunque nadie respondió a la puerta. Notó un cartel de “se vende” y fotografió el contacto de la inmobiliaria. “Cuando scrolleamos en el sitio web, encontramos la casa y en la foto número cinco estaba el cuadro, colgado sobre un sillón. No lo podíamos creer”, señaló. Así confirmaron la presencia del retrato de una condesa italiana llamada Colleoni.
Tras el hallazgo, los periodistas Cyril Rosman y John van den Oetelaar contactaron a la Agencia del Patrimonio Cultural de los Países Bajos (RCE), que cotejó las imágenes con sus registros de obras saqueadas por los nazis. “No podían confirmarlo al cien por ciento, pero todo cuadraba: las dimensiones, la paleta, la composición”, explicó Schouten.
Patricia Kadgien, que había puesto en venta la propiedad, rechazó hablar con la prensa neerlandesa. Según los periodistas, la mujer de 59 años pidió que le enviaran preguntas por escrito, pero luego afirmó no tener tiempo y finalmente los bloqueó.
Desde la década del noventa, Marei von Saher, nuera y heredera de Jacques Goudstikker, lidera un reclamo internacional por la restitución de la colección familiar. Consultada sobre la noticia desde Argentina, Schouten afirmó: “Ella está feliz y emocionada con este descubrimiento, y sigue luchando por la recuperación del arte robado. Tiene 81 años”.
Holmes Sterling Morrison, Jr nació en East Meadow, Estados Unidos, el 29 de agosto de 1942, y murió en Poughkeepsie, Estados Unidos, el 30 de agosto de 1995. Cantante, compositor y guitarrista.
30 de agosto de 1995: Muere el músico estadounidense, Sterling Morrison, miembro fundador de la banda, The Velvet Underground.
Sterling Morrison nació en East Meadow, un núcleo urbano ubicado en Nueva York. Durante su adolescencia cursó estudios en el centro Wisdom Lane, donde conoció a su compañera en The Velvet Underground, Maureen «Moe» Tucker y desarrolló su pasión por la música.
Luego de graduarse, Sterling Morrison se matriculó en la Universidad de Siracusa, donde coincidió con Lou Reed, un joven con quien compartía aficiones musicales e interpretaba versiones de rhythm and blues.
En 1964, Sterling Morrison y Lou Reed abandonaron la universidad para dedicarse completamente a la música; aunque ambos siguiendo caminos distintos, volverían a reencontrarse un año más tarde y formaron la banda The Velvet Underground.
Aunque el puesto de Sterling Morrison era el de guitarrista, se hizo cargo del bajo eléctrico en varias canciones de los dos primeros álbumes de la banda: The Velvet Underground and Nico (1967) y White Light/White Heat (1968).
En 1971, Sterling Morrison dejó la banda y se dedicó a ser maestro de inglés hasta su muerte en 1995, tras una larga lucha contra una un linfoma Hodgkin (cáncer del sistema linfático).
El estilo característico de Sterling Morrison ha sido de gran influencia para otros guitarristas de su generación, entre ellos Fred "Sonic" Smith del grupo MC5, Ron Asheton del grupo The Stooges, Bernard Sumner de Joy Division y New Order y Dean Wareham de Galaxie 500, cuya canción Tugboat está dedicada a Sterling.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Oh! Sweet Nuthin'.
El Diario Perfil, en su edición digital, publicó esta información.
Murió en París el reconocido músico y compositor Raúl Barboza, leyenda del chamamé
El destacado acordeonista y compositor Raúl Barboza, una de las máximas figuras del chamamé, falleció a los 87 años en París, Francia, la ciudad que eligió para vivir desde 1987.
Con profundo pesar, la música popular argentina y el chamamé en particular, despiden a uno de sus máximos exponentes. El reconocido autor y compositor Raúl Barboza, falleció este miércoles en su domicilio de París, Francia, a los 87 años.
El acordeonista, que nació en Buenos Aires el 22 de junio de 1938, fue un referente del género y un embajador de nuestra cultura en el mundo.
Hijo de uno de los pioneros del chamamé en Buenos Aires, el curuzucuateño Adolfo Barboza, Raúl fue un niño prodigio que, con solo 12 años, realizó sus primeras grabaciones para la compañía “Víctor” con el “Conjunto Correntino Irupe”.
Posteriormente, desarrolló su carrera junto a artistas como Damasio Esquivel y, a finales de los años 50, formó su propio conjunto y grabó como solista para el sello "Music Hall".
A principios de la década del 60, su talento lo llevó a ser convocado por el pianista Ariel Ramírez para formar parte de la “Misa Criolla” y del film “Los Inundados”. Por más de 20 años, Barboza recorrió los principales escenarios de Argentina, Brasil, Paraguay, y fue el primer artista de su género en realizar una gira por Japón.
En 1987, se radicó en París, desde donde continuó su exitosa carrera, presentándose en escenarios de los cinco continentes y compartiendo escenario con figuras de la talla de Mercedes Sosa, Astor Piazzolla, Atahualpa Yupanqui, Richard Galliano y el tenor español José Carreras, señala en su reseña la página Fundación del Chamamé.
En la faz autoral, Barboza deja obras imborrables como “Al compás de tu sueño”, “Llegando al trotecito” y “Bailantas chamameseras”. Además, su extensa trayectoria fue reconocida con importantes premios como el “Konex”, el “Grand Prix du disque Accademie Charles” y el “Doctor Honoris Causa” por parte de la Universidad Nacional del Nordeste en la edición 2024 de la Fiesta Nacional del Chamamé.
Un legado musical que trascenderá generaciones
El fallecimiento de Raúl Barboza deja un vacío en el chamamé y en la música popular argentina. Su capacidad para innovar, su maestría en el acordeón y su incansable labor como embajador cultural lo convirtieron en una figura ineludible.
El artista, que llevó el sonido del litoral a los rincones más lejanos del mundo, trascendió las fronteras geográficas y musicales, dejando un legado que inspirará a futuras generaciones y que vivirá en cada una de sus obras, desde las bailantas chamameseras hasta los grandes escenarios de los cinco continentes.
A continuación, lo recordamos con su participación en el Programa del Canal Encuentro: Encuentro en el Estudio con Raul Barboza.
Daniel Peter Seraphine, más conocido como Danny Seraphine, nació en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 28 de agosto de 1948. Baterista, compositor, productor discográfico, cinematográfico y teatral.
CHICAGO inicialmente ganó fama abriendo conciertos para leyendas de la música como Jimi Hendrix, Janis Joplin, Led Zeppelin, Bruce Springsteen y los Beach Boys, y alcanzó su máximo auge casi inmediatamente después del lanzamiento de su primer trabajo, Chicago Transit Authority, un álbum doble, en 1969.
El icónico grupo que conquistó a millones de fans ha obtenido 23 discos de oro, 18 de platino y 8 multiplatino hasta la fecha. Han tenido cinco álbumes número uno y 21 sencillos entre los diez primeros. El 8 de abril de 2016, fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll en el Barclay's Center de Nueva York.
Desde el principio, Seraphine, como baterista, fue el pilar de la operación. Su trabajo era mantener a todos a tiempo y en equilibrio. Él marcaba el ritmo y lo mantenía hasta el final, pasara lo que pasara. En 1990, tras 23 años tocando, componiendo y grabando álbumes con Chicago, Seraphine experimentó una separación abrupta con los compañeros de banda a quienes consideraba hermanos. La ruptura sumió su vida en el caos. Juntos habían recorrido el mundo y creado uno de los cancioneros estadounidenses más perdurables de todos los tiempos. Dejó la música atrás durante 15 años, centrando su energía creativa en la producción, así como en trabajar en diversos proyectos musicales y teatrales de Broadway. Tras décadas agotadoras de gira, Seraphine se instaló en Colorado y aprovechó la oportunidad para dedicar más tiempo a su familia, estrechando lazos con sus seis hijos.
Al final, fue la petición de tocar en un concierto benéfico para un compañero baterista lo que sacó a Seraphine de su aislamiento y desencadenó un renacimiento musical. Esa noche, disfrutando de la ovación de pie, Seraphine se dio cuenta de cuánto extrañaba actuar.
En 2007, espiritual y creativamente revigorizado, Seraphine regresó al escenario con su nuevo y poderoso grupo de jazz-rock, California Transit Authority (CTA), a menudo descrito como “Chicago con esteroides”, e hizo las paces con su pasado con las memorias refrescantemente sinceras Street Player: My Chicago Story (Wiley).
Aclamado por la crítica como instrumentista y compositor, la revista Rolling Stone ha clasificado al “padre del jazz rock” como uno de los 100 mejores bateristas de todos los tiempos.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Make Me Smile.
Marcos Madrigal nació en Buenos Aires, Argentina, el 27 de agosto de 1916, y murió en su ciudad, el 5 de noviembre de 2010. Bandoneonista.
El sitio www.todotango.com publicó este recordatorio firmado por Juan Manuel Peña.
En el sosiego de su casa de la calle Mariano Acha, del barrio de Saavedra, rodeado de recuerdos y plenamente activo hasta sus últimos días, vivió el maestro Marcos Madrigal. Nació en Buenos Aires, en una casa de la calle Solís y Rondeau.
A su padre, un español que gustaba del tango, la música clásica y el cante jondo, le gustó el sonido del bandoneón, por aquel tiempo un instrumento ya incorporado a nuestra música ciudadana. Le indicó a su hijo Marcos que debía aprender a tocarlo, cuando este rondaba los diez años.
Un cliente del restaurante de su padre —ubicado en Estados Unidos al 800 ente Tacuarí y Piedras—, de nombre Fernando, le enseñó a Marcos el teclado, que él siguió perfeccionando en varias academias a las que concurrió. Luego, vino el conservatorio y recuerda como maestro de bandoneón a Antonio Sureda. Ya adolescente, Madrigal comenzó a tocar en orquestas de barrio y en un mercado que tenía un palco, acompañado por una guitarra y batería.
Su fuerte atracción con el instrumento, al que hoy califica de divino y de maldito, hizo que Madrigal, aparte de sus estudios adquiriera una gran técnica en forma autodidacta.
A los 17 años, ejecutó su bandoneón en mejores conjuntos, aunque olvidados hoy, y realizó con ellos algunas giras. A los 20, Osvaldo Pugliese lo llamó cuando formó su primera orquesta, no aquella del triunfo definitivo del pianista que fue la de 1939 y que equivocadamente se señala a veces como la primera.
Entre otros instrumentistas de esta primera orquesta pugliesiana, pueden señalarse a los bandoneonistas Alfredo Calabró y Juan Abelardo Fernández, los violinistas Rolando Curzel y Juan Pedro Potenza y el contrabajista Aniceto Rossi. Actuaron en el café Germinal de la calle Corrientes 942, entonces angosta.
Horacio Salgán lo llamó en 1937, para formar un trío para acompañar a la cancionista Carmen Duval, compuesto por Gregorio Suriff (violín), Marcos Madrigal y el propio Salgán. Dice Madrigal que Salgán escribía difícil para los bandoneones y había que estudiar mucho.
Paralelamente a esto el violinista Elvino Vardaro decidió formar orquesta propia para presentarse en el Café Germinal, secundado por Pugliese (piano), Alfredo De Franco y Madrigal (bandoneones), Gregorio Suriff (segundo violín) y Pedro Caracciolo (contrabajo).
Cuando contaba 22 años, Enrique Rodríguez lo convocó para su orquesta. El cantante de la misma era El Chato Roberto Flores y al pasar a ser este solista, toda la orquesta siguió con él.
Actuó nuevamente con Salgán en la orquesta de los años 1945/1947, que fue la segunda formación del maestro, cuando en el canto se alternaron Edmundo Rivero, Oscar Serpa y Alfredo Bermúdez. Actuaron en muchos escenarios: los cafés Germinal, Nacional, Marzzoto, Tango Bar, en el cabaret Novelty y en Radio Belgrano. Esta orquesta lamentablemente no tuvo la fortuna de realizar ninguna grabación.
Fue bandoneonista en 1949 de Francisco Lomuto con quien también realizó grabaciones y viajó al Brasil. Trabajó también con músicos de la talla de Carlos Marcucci, Alfredo Gobbi (con quien también grabó), Carlos Figari y, en 1953, con Elvino Vardaro.
Vardaro fue inducido por Martín Darré, en ese momento director artístico del sello Columbia, a formar una orquesta para realizar una serie de grabaciones sobre la base de los arreglos de Héctor Artola. Llegaron a realizar dos grabaciones: los tangos “Pico de oro”, de Juan Carlos Cobián, y “El cuatrero”, de Agustín Bardi.
En el mismo año 1953 lo convocó Julio De Caro para su orquesta, integrando la fila de bandoneones con Carlos Marcucci (primer bandoneón), Héctor Presas, Pedro Belluatti, Alfredo Marcucci (sobrino de Carlos) Madrigal y Arturo Penón.
En 1960, para la realización de la obra Historia de la Orquesta Típica, cuya estructura y texto fueron realizados por Luis Adolfo Sierra y de la cual existe un larga duración del sello Music Hall, fue llamado por el arreglador Argentino Galván, integrándose a la fila de bandoneones con el primer bandoneón de Julio Ahumada, acompañados por Calixto Sallago y Dino Saluzzi. Esta obra resume la historia del tango desde Ernesto Ponzio hasta Ástor Piazzolla.
En 1963 Julio Ahumada forma una orquesta con Miguel Bonano, en la que Madrigal vuelve a trabajar con Sallago y Saluzzi. Durante 17 años, integró la fila de bandoneones de la orquesta del programa del Canal 9: Grandes valores del tango, junto a Armando Calderaro, Daniel Lomuto, Domingo Mattio y dirigida por Armando Cupo.
Entre octubre y noviembre de 1979, integró la orquesta de Osvaldo Fresedo, para grabar el disco Fresedo 80, editado por el sello Columbia, junto a otros calificados músicos, todos de primer nivel, la orquesta fue dirigida a la sazón por Roberto Pansera, dado que El Pibe de la Paternal había delegado la conducción en éste por razones de salud. También fueron de Pansera los arreglos.
Integró el conjunto del pianista Carlos García junto a Federico Scorticati —de quién Madrigal había sido compañero en su viaje a Brasil con Lomuto en 1949—, para el viaje que realizaron a Japón en 1993, Nicolás Paracino y Miguel Ángel Varvello también en bandoneones, y Antonio Agri como primer violín.
Paralelamente con su actuación profesional Madrigal se ha desempeñado como uno de los pocos profesores de bandoneón y autor de un método para el estudio del mismo. Fueron alumnos suyos: Ernesto Baffa, José Libertella y los jóvenes valores, Marcelo Nisinman, Horacio Romo, Matías González, Ernesto Molina, Gabriel Fernández y Víctor Hugo Villena. Este último se desempeña actualmente en la Universidad de Amsterdam.
Ratificando su gran conocimiento musical, compuso con Roberto Pérez Prechi el tango “Andante y allegro”, que fuera grabado por Ernesto Baffa y también por el mismo Pérez Prechi. Su dominio del instrumento le ha permitido ejecutar música de Albeniz, Manuel de Falla, además del Ave María, de Schubert, o los “Tristes”, del argentino Julián Aguirre.
En el año 1996, Baffa organizó una orquesta y llamó a Madrigal. En la misma estaban Baffa, Daniel Lomuto, Marcos Madrigal y Nicolás Paracino (bandoneones), Enrique Lannoo (cello), Antonio Agri y Mario Arce (violines), Luis Paz (viola), Sergio Paolo (bajo eléctrico), Eduardo Lettera (contrabajo) y Oscar D'Elia (piano).
Grabaron un disco para la discográfica Música y Marketing, titulado Calavereando. Registraron: “La cumparsita”, “Calavereando”, “Pa' la Guardia”, “Alma lírica”, “Con buena onda”, “Con todo mi corazón”, “Tocalo de nuevo” y “Valsango de verano” —todos de Baffa en colaboración con otros autores—, “Troileana”, “Callao 11” y “Suárez y Montes de Oca” (de Javier Mazzea) y “Chiqué”.
En el año 2004 participó en la película El último bandoneón, en la que también aparecen Rodolfo Mederos y Gabriel Clausi. Madrigal interpreta la variación a dos manos de “El choclo” y, como solista, la primera y segunda parte de “La casita de mis viejos”.
Muchos elogios ha recibido el maestro de sus colegas. Troilo lo felicitó por la forma en que tocaba, cuando Marcos estaba con Salgán. Pugliese dijo que, en cuanto a sonido de bandoneón, Marcos Madrigal fue uno de los mejores. El pianista y bandoneonista platense Horacio Omar Valente lo felicitó por su método de estudio. Leopoldo Federico le dijo a Villena, por entonces alumno de Madrigal: «Tenés un maestro de lujo». Y así podemos mencionar decenas de elogios hacia su figura señera.
Sin embargo, y pesar de todos los honores y reconocimientos de los músicos, una profunda humildad y desprendimiento acompaña siempre la figura de Madrigal. Cuando habla del fuelle, compañero de toda su vida musical, lo menciona como «un instrumento atrapante y que le gusta a todo el mundo, de muy difícil ejecución, a veces muy ignorado afuera del país».
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el tango Recuerdo, de Osvaldo Pugliese.
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