Luis Mariano

Luis Mariano Eusebio González García, más conocido como Luis Mariano, nació en Irún, Guipúzcoa, España, el 13 de agosto de 1914, y murió en París, Francia, el 14 de julio de 1970. Tenor y actor.

El sitio www.lirica-luismariano.org publicó este recordatorio.

Luis Mariano

Mariano Eusebio González, conocido artísticamente como “Luis Mariano”, nace en Irún el 13 de Agosto de 1914. Cuando contaba tan solo dos años de edad su familia decide trasladarse a Burdeos, donde residió hasta el año 1922 en que de nuevo retornan a su Irún natal. Estudia en el Colegio de los Hermanos de la Salle, donde desde temprana edad ya se advierten sus dotes para el dibujo.

Tiene 22 años cuando estalla en España la Guerra Civil, siendo testigo de la destrucción de Irún. Su vocación pictórica le empuja al estudio de arquitectura en la facultad de Bellas Artes de Burdeos.

La precaria economía familiar le obliga a contribuir a ella, participando repetidamente en la vendimia de la zona bordelesa, donde su voz comienza a ser escuchada. En el año 1941, alentado por enamorados de su voz, se anima a inscribirse en el Conservatorio de Música de Burdeos, donde con mayor dedicación se vuelca en el perfeccionamiento de su cuerda de tenor. Se inscribe en cursos de teatro para modular su dicción y para lograr recursos económicos actúa con orquestinas y galas comerciales. Es frecuente su participación en agrupaciones corales y en una de ellas, el coro Eresoinka, coincide con Pepita Embil, madre del conocido tenor Plácido Domingo.

Su oportunidad llega en 1943 en el que le conceden el de Ernesto en la ópera bufa “Don Pasquale” de Gaetano Donizetti en el Palais de Chatillot. La crítica se vuelva en elogios con él. Comenzaría así una brillante carrera musical que durará hasta el final de sus días. Es a partir de este momento cuando Mariano González decide llamarse artísticamente “Luis Mariano”, nombre que comenzará a aparecer en sus discos.

Su marcha ascendente es fulgurante pero el espaldarazo definitivo lo recibe de la mano de Francis López en la opereta “La bella de Cádiz”, para la que también dibuja figurines y carteles. El tema central “María Luisa”, inspirado y dedicado a su hermana resultará un éxito en la venta de discos.

El fenómeno “Luis Mariano” se expande rápidamente. Entre 1946 y 1949 rueda siete películas y estrena una segunda opereta, “Andalucía”, que alcanza un gran éxito en Francia primero y en Estados Unidos y Canadá después. Es la edad de oro de la opereta, y en ella, y por encima de todos, “Luis Mariano”, “el Rey de la Opereta”. El cenit de su fama lo alcanza entre 1951 y 1952, por un lado con la opereta “El Cantor de Méjico” y por otro lado con la película “Violetas Imperiales”. El cine no constituía ninguna novedad para él pues esta película era su décima participación, y luego vendrían más.

Luis Mariano, artista polifacético, también cultivó la escritura. En 1950 escribe su primera novela, “La canción de mi vida”, a la que seguirán “Mi vida y mis amores”,  “Llamas”, “El zarevich” y “Los caballeros del cielo”. Entre 1957 y 1958 recorrió Francia y Bélgica acompañado al Cirque Pinder, hasta que en el 58 se presentó en el Olympia de París donde recibió el espaldarazo definitivo y total a su carrera y a su fama. Entre el 62 y 67 seguirán operetas como “Visados para el amor”, “La canción del amor mío”, “El secreto de Marco Polo” y “El príncipe de Madrid”. En el 69 estrena “La carabela de oro” en el Châtelet.

Se suceden distinciones, títulos y medallas. En España recibe la Orden de Isabel la Católica, y es recibido por el Presidente de la República Francesa en el Eliseo.

La hepatitis viral que contrajo comienza a hacer mella, obligándole a dejar su actividad musical en Mayo del 70. Tras sucesivas hospitalizaciones, falleció en la noche del 14 de Julio de 1970. Sus restos reposan, junto a los de sus familiares más cercanos en el cementerio de Arcangues, lugar en el que había fijado su residencia.

Fueron varias las personas que tuvieron una especial influencia en la vida de Luis Mariano. En primer lugar su familia, y en lugar destacado su madre Gregoria, que aunque posesiva en exceso, lo que motivó más de un perjuicio para Mariano, éste siempre le profesó y manifestó un desmesurado amor. Su hermana María Luisa gozaba también de la generosidad de su hermano y por ella y para ella dedicó la famosa canción que lleva su nombre.

Pero quizás, la persona más cercana a Mariano fue François Lacan, Patxi Lacan como se le conocía familiarmente. Patxi entró en la vida de Mariano como su chófer particular, pero terminó siendo su secretario, su confidente, su hermano, su amigo. La vida de Patxi discurrió paralela a la de Mariano hasta convertirse en compañeros inseparables. Patxi, huérfano, fue acogido en la familia de Mariano como un miembro más, al igual que Mariano al morir su madre se convirtió en un miembro más de la familia que Patxi formó tras casarse con Françoise. Con Patxi viajaba hasta su casa de Sara en el sur de Francia, y posteriormente a Arcangues cuando en “Marianoko Etxea”, villa diseñada por el propio Mariano, decide establecerse. La muerte de Mariano supuso un duro golpe para Patxi, del que tardó tiempo en recuperarse. Patxi, heredero y albacea de Mariano ha sido y es celoso guardián de los recuerdos de Luis Mariano, sus fotos, vestidos, dibujos, carteles, correspondencia… Toda su vida.

Carmen García Galisteo, Carmen Sevilla, fue el gran amor de Luis Mariano. Se conocieron cuando en 1950 Mariano, merced al pasaporte que le consiguió el embajador en París, vino a España rodar la película “El sueño de Andalucía”. La atracción mutua es inmediata. Juntos viajan a París y juntos repetirán reparto en “Violetas Imperiales” y “La bella de Cádiz”. La relación no acabó en boda por la injerencia de Gregoria, madre de Mariano. No obstante, Luis Mariano siempre reconoció a Carmen como el gran amor de su vida.

En 1956 y durante el rodaje de “El cantor de Mexico”, una gran amistad une a Mariano con Anni Cordy, cantante belga con la que ya había coincidido a comienzo de los años 50. Esta unión excepcional les lleva a compartir cartel en la opereta “Visado para el amor”, y Anni se convertirá en amiga privilegiada de Mariano hasta la muerte de éste.

En Irún, y hasta hace unos años, en la calle Hondarribia se podía disfrutar de una atmósfera impregnada de Luis Mariano en “el Alambiq”. En este bar, rescatado de otras épocas, José Luis Azkue deleitaba a sus clientes con las melodías que interpretaba al piano. Sobre el instrumento una gran fotografía de Luis Mariano mordisqueando una brizna de hierba en su finca de Sara y por las paredes más fotografías de José Luis con Mariano.

José Luis fue pianista de Luis Mariano y fiel acompañante durante sus múltiples giras. Su encuentro fue casual y todo comenzó cuando en un concierto en Irún, José Luis debió sustituir al pianista de Luis Mariano que se había enfermado. A partir de aquí no pararon, entre conciertos, operetas y espectáculos, forjándose una gran amistad. Mariano no conoció “el Alambiq” pero José Luis ayudó a que Irún conociera un poco mejor a Luis Mariano.

En Arcangues reposan los restos de Mariano, pero Irún, su ciudad natal, mantendrá vivo su recuerdo en la plaza que lleva su nombre y con su busto dominándola.

Para la posteridad quedará su voz inconfundible y única en las grabaciones de sus discos, y en las 21 películas que llegó a protagonizar.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Violetas Imperiales. 

 

Pat Metheny

Patrick Bruce Metheny,​ más conocido como Pat Metheny, nació en Lee's Summit, Misuri, Estados Unidos, el 12 de agosto de 1954. Guitarrista.

El sitio www.patmetheny.com publicó su biografía.

PAT METHENY nació en Kansas City el 12 de agosto de 1954 en el seno de una familia de músicos. Comenzando con la trompeta a la edad de 8 años, Metheny cambió a la guitarra a los 12. A la edad de 15, trabajaba regularmente con los mejores músicos de jazz en Kansas City, adquiriendo una valiosa experiencia en el quiosco de música a una edad inusualmente joven. Metheny irrumpió por primera vez en la escena del jazz internacional en 1974. En el transcurso de su período de tres años con el gran vibráfono Gary Burton, el joven nativo de Missouri ya mostró su estilo de interpretación que pronto se convertiría en marca registrada, que combinaba la articulación suelta y flexible habitualmente reservada para los trompetistas con una sensibilidad rítmica y armónica avanzada, una forma de tocar e improvisar que era de concepción moderna pero arraigada profundamente en la tradición del jazz de la melodía, el swing y el blues. Con el lanzamiento de su primer álbum, Bright Size Life (1975), reinventó el sonido tradicional de la "guitarra de jazz" para una nueva generación de músicos. A lo largo de su carrera, Pat Metheny ha continuado redefiniendo el género utilizando nueva tecnología y trabajando constantemente para desarrollar el potencial sónico y de improvisación de su instrumento. DE METHENY la versatilidad es casi inigualable en cualquier instrumento. A lo largo de los años, ha actuado con artistas tan diversos como  Steve Reich, Ornette Coleman, Herbie Hancock, Jim Hall, Milton Nascimento y David Bowie. El cuerpo de trabajo de Metheny incluye composiciones para guitarra solista, pequeños conjuntos, instrumentos eléctricos y acústicos, grandes orquestas y piezas de ballet, con escenarios que van desde el jazz moderno hasta el rock y la música clásica.

Además de ser un músico consumado, Metheny también ha participado en el ámbito académico como educadora musical. A los 18 años, fue el profesor más joven de la Universidad de Miami. A los 19, se convirtió en el profesor más joven de Berklee College of Music, donde también recibió un doctorado honoris causa más de veinte años después (1996). También ha impartido talleres de música en todo el mundo, desde el Conservatorio Real Holandés hasta el Instituto de Jazz Thelonius Monk y clínicas en Asia y América del Sur. También ha sido un verdadero pionero musical en el ámbito de la música electrónica, y fue uno de los primeros músicos de jazz en tratar el sintetizador como un instrumento musical serio. Años antes de la invención de la tecnología MIDI, Metheny usaba el Synclavier como herramienta de composición. También ha sido fundamental en el desarrollo de varios tipos nuevos de guitarras, como la guitarra acústica soprano, la guitarra Pikasso de 42 cuerdas, la guitarra de jazz PM-100 de Ibanez y una variedad de otros instrumentos personalizados. Llevó todo el proceso de desarrollo de instrumentos a un nivel diferente con su Orchestrion mecánico accionado por solenoide.

Una cosa es alcanzar la popularidad como músico, pero otra es recibir el tipo de elogios que Metheny ha cosechado por parte de críticos y colegas. A lo largo de los años, Metheny ha ganado innumerables encuestas como "Mejor guitarrista de jazz" y premios, incluidos tres discos de oro por Still Life (Talking), Letter from Home y Secret Story. También ha ganado 20 premios Grammy en 12 categorías diferentes, incluyendo Mejor Rock Instrumental, Mejor Grabación de Jazz Contemporáneo, Mejor Solo Instrumental de Jazz, Mejor Composición Instrumental. The Pat Metheny Group ganó siete premios Grammy consecutivos sin precedentes por siete álbumes consecutivos. Metheny ha pasado la mayor parte de su vida de gira, con un promedio de entre 120 y 240 presentaciones al año desde 1974. Al momento de escribir este artículo, continúa siendo una de las estrellas más brillantes de la comunidad de jazz, dedicando tiempo tanto a sus propios proyectos como a sus proyectos con los de artistas emergentes y veteranos establecidos por igual, ayudándolos a llegar a su audiencia y a realizar sus propias visiones artísticas.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Sueño del Retorno, con Pedro Aznar y el Pat Metheny Group.

Antonín Dvořák. Trío para Piano Nº 4 en Mi Menor Op. 90, Trío Dumky. Alexander Melnikov en piano, Isabelle Faust en violín, y Jean-Guihen Queyras en violonchelo.

A continuación, de Antonín Dvořák, el Trío para Piano Nº 4 en Mi Menor Op. 90, Trío Dumky, en la interpretación de Alexander Melnikov en piano, Isabelle Faust en violín, y Jean-Guihen Queyras en violonchelo.

Alexander Mosólov

Alexander Mosólov nació en Kiev, entonces Imperio Ruso, el 11 de agosto de 1900, ymurió en Moscú, Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas, el 22 de julio de 1973. Compositor.

El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio.

Biografía de Alexander Mosolov por el tío Dave Lewis

Alexander Mosolov es considerado el principal representante del futurismo ruso de la década de 1920. Su música anterior a 1930 es mecanicista, muy dramática, antisentimental y no muestra interés por el atractivo popular. Mosolov enfatiza los ritmos motores y los ostinati, y sus piezas futuristas están escritas con un nivel extremadamente alto de disonancia. Aunque Mosolov se vio obligado a abandonar este idioma con el ascenso de Stalin, sus composiciones futuristas atrajeron mucha atención, tuvieron un impacto definitivo en compositores como Shostakovich y hablan efectivamente de tendencias posteriores; en este sentido, eran verdaderamente "futuristas".

Mosolov era hijo de un cantante de ópera; comenzó estudios de piano con ella a los tres años. El segundo matrimonio de su madre puso a Mosolov en contacto con el pintor modernista Mikhail Leblan, quien lo introdujo en las corrientes internacionales dentro del mundo del arte. Mosolov se ofreció como voluntario en el Ejército Rojo durante la Revolución de Octubre y en 1921 fue dado de baja debido a las lesiones. Mosolov se matriculó en el Conservatorio de Moscú, estudiando composición con Nikolai Myaskovsky y Reinhold Glière. Si bien ninguno de ellos suscribió el concepto de modernismo industrial que Mosolov ya estaba idealizando, ambos acordaron que su talento era inconfundible y le ofrecieron su apoyo durante las décadas posteriores.

Los primeros trabajos de Mosolov se lanzaron en un concierto de la Asociación de Música Contemporánea celebrado en Moscú en septiembre de 1924. La respuesta crítica inmediata a la música de Mosolov fue fuertemente negativa, Mosolov fue atacado por la "inadecuación" de sus objetivos artísticos y su actitud distante hacia el gusto del público. Mosolov respondió a estos cargos con el ballet Stal (Acero), presentado por primera vez en diciembre de 1927. La primera sección del ballet (Zavod [La fundición de hierro]) fue un éxito monumental tanto en Rusia como en todo el mundo. Si bien la pieza es extremadamente disonante, Mosolov coordina los ritmos mecánicos en grupos orquestales específicos que trabajan juntos como engranajes en una máquina bien engrasada.

El Cuarteto de Cuerdas No. 1 de Mosolov se escuchó en el Festival ISCM en Frankfurt en 1927, lo que le valió un contrato con Universal Edition. La composición sobreviviente más notable de Mosolov, el Concierto para piano n. ° 1, se escuchó por primera vez en Leningrado (San Petersburgo) en febrero de 1928, con el propio Mosolov como solista. Otras obras existentes de este período incluyen Cuatro anuncios de periódicos, Tres canciones infantiles y una amplia miscelánea de piano y música de cámara.

Con las piezas para piano Turkmenistan Nights (1928), Mosolov comenzó a trabajar más extensamente con formas folclóricas étnicas. Su interés en este ámbito resultaría conveniente, ya que Mosolov ya estaba bajo el escrutinio del gobierno soviético, que consideraba que su música no tenía utilidad para el proletariado y estaba demasiado ligada al modernismo occidental. Mosolov se encargó de hacer un estudio exhaustivo de las canciones populares en Kirguistán, Turkmenistán, Stavropol y otras regiones remotas del dominio soviético. Su Segundo Concierto para piano (1932) combina estos elementos folclóricos con un leve resto de gestos estilísticos anteriores. Esto no fue suficiente para evitar que Mosolov se metiera en problemas, y en 1938 fue arrestado por la NKVD y enviado a un campo de trabajos forzados. La intervención de Myaskovsky y Glièrese encargó de que Mosolov solo cumpliera nueve meses de una condena de ocho años.

Posteriormente, Mosolov continuó componiendo, aunque en gran medida en el idioma aprobado por el Estado soviético. La lista de obras de Mosolov muestra que fue uno de los compositores más prolíficos del siglo XX, pero se cree que la gran mayoría de sus obras están perdidas o desaparecidas. Afortunadamente, a medida que se comprende mejor el valor de Mosolov como compositor, están saliendo a la luz manuscritos suprimidos de su obra.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con La Fundición de Hierro Op. 19, en la versión de la  Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, dirigida por Esa-Pekka Salonen.

Eddie Fisher

Edwin Jack Fisher, más conocido como Eddie Fisher, nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados unidos, el 10 de agosto de 1928, y murió en Berkeley, California, Estados Unidos, el 22 de septiembre del 2010. Cantante.

El sitio www.elpais.com publicó este recordatorio.

Muere el cantante Eddie Fisher a los 82 años

El cantante acaparó portadas gracias a sus éxitos y su polémico matrimonio con la actriz Elizabeth Taylor

Madrid - 22 OCT 2015 - 13:53 ART

Su voz le convirtió en una estrella, pero es su vida amorosa lo que le ha hecho ser recordado. Eddie Fisher consiguió un éxito rotundo interpretando canciones como Thinking of you o Any time, por mencionar sólo dos, pero el rostro de este cantante de los años 50 acaparó portadas gracias a sus matrimonios con las actrices Debbie Reynolds y Elizabeth Taylor.

El artista falleció la noche del miércoles, según ha explicado su familia a Associated Press. Una complicación tras una operación de cadera ha sido la causante de su muerte a los 82 años, en su casa de Berkeley.

Su elegante forma de cantar le permitió vender millones de discos y llenar sus conciertos de adolescentes que le adoraban. Aquel chico que venía de Filadelfia había triunfado en Nueva York gracias al apoyo del cómico Eddie Cantor o los consejos de manager Milton Blackstone, que en sus primeros pasos, a principios de los años 50, contrataba a chicas para que chillaran y se desvivieran por el joven artista.

Su rápido ascenso permitió que ya no hiciera falta pagar a fans falsas. En 1955, se casó con la estrella Debbie Reynolds, con la que se convertiría en "la pareja favorita de América", como les solían apodar. Con la actriz tendría un hijo Todd, y una hija, Carrie Fisher, famosa por su papel en La Guerra de las Galaxias como la princesa Leia.

El escándalo

En 1958, el mejor amigo de Fisher, el productor Mike Todd, muere en un accidente de avión. El cantante sorprendió a los estadounidenses cuando se anunció que se divorciaba para casarse con la viuda de Todd, Elizabeth Taylor, el año siguiente. Participó con ella en Una mujer marcada, por la que Taylor ganó un Oscar.

Tras cinco años, la icónica actriz le abandonaría para contraer matrimonio con Richard Burton, su compañero de reparto en Cleopatra, lo que produjo un gran escándalo. Fisher, por su parte, se casó con la también actriz Conie Stevens y tuvo dos hijas. Se divorció y volvió a pasar por el altar dos veces más.

Su carrera nunca volvió a ser lo mismo. En 1983 preparó una gira de regreso pero su imagen, debido a sus escándalos románticos, unido a su afición por el juego y las drogas, hizo que el galán tuviera que abandonar sus pretensiones.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con dos canciones: You're Breaking my Heart y Unchained Melody. 

Pedro Orgambide

 

Pedro Isaac Gdansky Orgambide, más conocido como Pedro Orgambide, nació en Buenos Aires, Argentina, el 9 de agosto de 1929, y murió en su ciudad, el 19 de enero de 2003. Escritor, periodista, guionista, libretista, bailarín, profesor, redactor.

El sitio www.argentinopedia.fandom.com publicó este recordatorio.

Biografía

Nació en Buenos Aires en 1929. Durante el último año de la escuela primaria fundó un club para chicos con el nombre del poeta que más admiraba: Alvaro Yunque. También publicó sus primeros poemas en las páginas que dirigía Raúl González Tuñón en el periódico Orientación, entre 1942 y 1945. Su primer libro, Mitología de la adolescencia, se conoció en 1948, cuando regresó del interior del país, donde trabajó como peón de campo.

Fue periodista, bailarín de tango y de folclore y maestro de Estética en la Escuela de Danza Contemporánea de Ana Itelman.

En 1954, mientras trabajaba en la sección deportiva del diario Noticias Gráficas, publicó su primer ensayo: Horacio Quiroga, el hombre y su obra. Poco después salió a la luz su primera novela: El encuentro.

Su primera obra teatral, La vida prestada, la estrenó a los 2 años y en 1959 recibió la Faja de Honor de la Sade por su novela Las hermanas.

Por esa época también comenzó a escribir una larga serie de cuentos para chicos y preparó Crónica de la Argentina, que Eudeba publicó en 1962. Un año después estrenó en teatro uno de sus trabajos más reconocidos: Concierto para un caballero solo.

Desde la adolescencia Pedro Orgambide había simpatizado con las ideas de izquierda y luego también con el peronismo. En 1974 se exilió en México, debido a las amenazas de muerte que había recibido, donde viviría hasta 1983. Fundó en Argentina la revista La Gaceta Literaria y en México la revista Cambio junto a Juan Rulfo, José Revueltas y Julio Cortázar. Falleció el 19 de enero de 2003 en su ciudad natal debido a un paro cardíaco.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el cuento Mujer con violonchelo.

El Mirador Nocturno – Radio / Robert Schumann.

El Mirador Nocturno – Radio / Robert Schumann.  

Hoy les presento el 2º programa de La Música de Todos Los Tiempos, dedicado a Robert Schumann, con la Gran Sonata para Piano Nº 1 en Fa Sostenido Menor Op. 11, Obertura Manfredo Op. 115, el Réquiem Op. 148, y la Sinfonía Nº 2 en Do Mayor Op. 61.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Liudas Jakavičius

Liudas Jakavičius-Grimalauskas nació en Riga, Letonia, el 8 de agosto de 1910, y murió en Buenos Aires, Argentina, el 3 de julio de 1998. Músico, director de teatro y empresario.

El sitio www.wiki3.es-es.nina.az publicó este recordatorio.

Liudas Jakavičius

Agosto 08, 2021

Liudas Jakavičius-Grimalauskas (8 de agosto de 1910, Riga, Letonia-3 de julio de 1998, Buenos Aires, Argentina) fue un músico, director de teatro y empresario lituano perteneciente a una familia noble y de gran influencia en la vida cultural de su país. Fue hijo de Liudvikas Jakavičius; banquero, juez, periodista, editor, escritor, director de teatro y actor (condecorado con la Gran Cruz de la Orden del Gran Duque Gediminas) y, de Honorata Grimalauskaitė-Jakavičienė, hija de Juozas Grimalauskas, uno de los hombres más ricos de Polonia, perteneciente a la nobleza polaco - lituana.

Biografía                     

Liudas Jakavicius-Grimalauskas nació en Riga, capital de Letonia, ya que al momento de su natalicio su padre, Liudvikas Jakavicius, fungía como banquero (fundador y presidente del consejo de administración del Banco de Ahorros Lituano-Letón) y directivo de la administración ferroviaria en aquel país, además de ser el director y dueño del periódico "Rygos naujienos" y fundador de la Sociedad de Teatro Lituano de Riga. Liudas Jakavicius-Grimalauskas fue hijo de lituanos y su nacionalidad era lituana, no letona. En 1915 Liudvikas Jakavicius, decidió trasladarse con su familia a San Petersburgo (Rusia), debido a las fuertes pérdidas patrimoniales que le ocasionó el inicio de la Primera Guerra Mundial.

Tras finalizar la Primera Guerra Mundial en 1918, Liudvikas Jakavicius decidió regresar a Lituania e instalar a su familia en la ciudad de Anyksciai, donde todavía poseía grandes extensiones de tierra con lagos y bosques. Sin embargo, Liudvikas Jakavicius retomó su carrera como escritor en la ciudad de Siauliai (provincia de la que era originario), donde con lo poco que quedó de su fortuna, abrió su propia editorial e imprimió más de dos millones de libros, lo que lo convirtió rápidamente en el editor más importante del pequeño país báltico, volviendo a hacer fortuna nuevamente, la cual posteriormente sería expropiada por la Unión Soviética. Liudas Jakavicius - Grimalauskas estudió música (piano y acordeón) con profesores particulares desde los tres años y concluyó sus estudios universitarios en el Conservatorio de Kaunas, es decir, estudió música durante veinte años, diez años con clases particulares y diez años de conservatorio.

Además inició la carrera de ingeniería aeronáutica, una rama muy innovadora en aquellos tiempos, aunque no muy bien vista como profesión para un aristócrata él. También dominaba a la perfección ocho lenguas (lituano, letón, alemán, polaco, checo, italiano, español y ruso). Fue músico en el famoso Hotel Metropólis de Kaunas (el más lujoso de la época), en la Orquesta de la Ópera y Ballet de Lituania, en la Orquesta Pomeranco, en la Orquesta Concert Capella y en la Orquesta Filarmónica de Kaunas.

En 1933 compone su obra maestra titulada "Sutemos" (atardecer), el primer tango lituano. Además, también fue director de teatro y llegó a ser el administrador y posterior director del Siauliu Dramos Teatras, uno de los teatros más importantes de Lituania. Durante su toda su carrera tuvo la oportunidad de trabajar con grandes músicos como Dmitri Kabalevski, Nadezda Dukstulskaite o Jurgis Karnaviciuspor mencionar algunos.

En 1940, una vez iniciada la Segunda Guerra Mundial, cambia su residencia a Múnich (Alemania), debido a la ocupación soviética de Lituania, ya que el ejército rojo despojó a su familia de toda su fortuna. En Alemania, gracias a sus habilidades con los idiomas, trabajó como traductor para los alemanes y en 1947 conoció a Grazina Janaviciene-Jakaviciene (tía del conocido empresario lituano Zenonas Janavicius), casándose con ella el 11 de mayo de 1947 en la Basílica di San Prospero en Reggio Emilia, Italia.

En 1948, Liudas Jakavicius emigra al país del tango junto a su esposa y se instala en la ciudad de Buenos Aires (República Argentina), donde comienza a trabajar como pianista en diversas estaciones de radio, entre ellas Radio Splendid, Radio El Mundo y Radio Rivadavia por mencionar las más importantes. En 1965 y tras graves problemas de salud que le afectaron las manos, decidió dejar la música e iniciar su faceta como empresario, actividad que ejerció hasta el último de sus días como presidente del consejo de administración de OSLU, S.A. (una fábrica de cajas de madera que quebró tras el corralito). Finalmente, Liudas Jakavicius falleció el 3 de julio de 1998 en Buenos Aires, Argentina.

Su hermano fue el célebre violinista Donatas Bronislovas Jakavicius-Grimalauskas, quien fue músico de la Orquesta Filarmónica de Kaunas (antigua capital de Lituania), de la Orquesta de la Ópera de Kaunas (antigua capital de Lituania), de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Central de Venezuela, de la Orquesta de Cámara de Radio Caracas y de la Orquesta Sinfónica de Venezuela. Su hermana fue Grazina Jakaviciute-Salteniene, una de las actrices dramáticas más importantes de Lituania. Le sobreviven sus hijas Marcia Bell (modelo, actriz, cantante y compositora) y, Carla Rigg (modelo, diseñadora de moda y escritora), así como su nieto Liudvikas Jakavicius-Grimalauskas (hijo de Carla Rigg, madre soltera), quien es el heredero del título nobiliario de la familia y precursor del futuro Museo Liudvikas Jakavicius.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Tango Sutemos.

Carlos Vives

Carlos Alberto Vives Restrepo, más conocido como Carlos Vives, nació en Santa Marta, Colombia, el 7 de agosto de 1961. Cantautor, productor discográfico, filántropo y actor.

El sitio www.carlosvives.com publicó esta biografía.

Carlos Vives

Con 17 premios Latin GRAMMY®, dos premios GRAMMY® y un lugar en el Salón de la Fama de los Premios Billboard de la Música Latina, Carlos Vives ha cambiado para siempre la música latina. El cantante, compositor, actor y filántropo colombiano sigue siendo una de las estrellas más reconocidas del mundo con una audiencia social masiva y más de 15 millones de oyentes mensuales en Spotify, lo que lo convierte en «uno de los 300 artistas más escuchados del mundo». Ha generado miles de millones de transmisiones y vistas, obtuvo docenas de certificaciones de platino y vendió más de 20 millones de discos en todo el mundo.

Desde que comenzó su carrera, ha fusionado magistralmente el sonido tradicional del vallenato colombiano con influencias del pop y el rock. Sus docenas de premios incluyen 2 premios GRAMMY, que lo convirtieron en el primer artista latino en ganar, y 17 premios Latin GRAMMY, el más reciente en 2022. Durante 2020, fue incluido en el Salón de la Fama de los Premios Billboard de la Música Latina, un honor reservado para “artistas que han logrado reconocimiento mundial por su trabajo, trascendiendo géneros musicales y lenguajes”. Se destaca como uno de los 18 artistas en ser incluido en el Salón de la Fama. Oportunamente, se llevó a casa el Premio Ícono en los Premios La Musa. Sin mencionar que se aseguró el puesto número 1 en la lista Billboard Latin Airplay 16 veces y obtuvo 19 entradas en el Top 10.

La obra premiada de Vives, «Cumbiana», incluye no solo dos álbumes, sino también el documental ganador del Latin GRAMMY® «El mundo perdido de Cumbiana» y el libro «Cumbiana, historias de un mundo perdido», que exponen un verdadero universo creativo, en torno al origen y la evolución de la cumbia.

En 2015 fundó la iniciativa “Tras La Perla» para promover el desarrollo sostenible en la ciudad de Santa Marta y su región influenciada por la Sierra Nevada y Ciénaga Grande. En 2016 también creó la Escuela de Música Río Grande con el propósito de ofrecer nuevas experiencias artísticas a partir de crear un diálogo en torno a la música y la cultura colombianas, las nuevas propuestas musicales locales y las músicas del mundo. Como empresario, es además propietario del recinto Cumbia House en Colombia, un recinto donde la música, la comida y los eventos culturales se fusionan en un solo lugar. Como indica su eslogan más querido, “unidos en la diversidad”, Carlos Vives ha dejado su huella a lo largo de generaciones a través de la música y la defensa incansable e inspirada de su cultura.

Carlos Vives y la música

Carlos Vives, el hombre que modernizó una de las mejores expresiones artísticas de Colombia, estaba predestinado a la creación y, especialmente, a la música. Y, a través de su arte, y a lo mejor sin saberlo, predestinado también a convertirse en el representante de ese colombiano puro y honesto, que con cada acto enaltece a su país.

Vives siempre tuvo el virus artístico a flor de piel. En 1982, con un poco más de 20 años, empezó su carrera como actor en el programa de televisión infantil Pequeños gigantes. En los tres largos años que estuvo en la pantalla demostró que, aunque pequeño, dejaba huellas de gigante a su paso. En el año 1984 se gradúa como publicista de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, con un postgrado en producción de televisión. Protagonizó, junto a grandes actores, diversas series y telenovelas incluyendo El Faraón y Tuyo es mi corazón, siendo recordado por encarnar a célebres personajes como “Gallito” Ramírez y el famoso compositor Rafael Escalona.

Este samario cautivó multitudes en América y en Europa con los ritmos de Clásicos de La Provincia, álbum con el que rompió su propio record de ventas (triple Disco de Oro y triple Disco de Platino en 1993 y 1995), que ostentaba la banda sonora de Escalona. De igual forma, logró ubicar en los primeros lugares de los listados pop canciones de juglares vallenatos como Emiliano Zuleta, Juancho Polo Valencia, Luis Enrique Martínez y Carlos Huertas, entre otros.

El ímpetu de Vives no le permitió quedarse en la comodidad del éxito sino que lo impulsó a un siguiente nivel: componer canciones de su propia autoría. Logró mezclar a la perfección el encanto costeño, la fuerza vallenata y la frescura del pop en La tierra del olvido, trabajo ganador de triple Disco de Platino en 1996, catalogado por la crítica como el disco más importante en los últimos 50 años para la industria de la música colombiana.

En 2013, con más de 40 composiciones hechas por el cantautor en el último año, se seleccionaron 12 temas inéditos para la nueva producción de Vives: Corazón profundo. El primer sencillo se lanzó el 24 de septiembre del 2012, seguido por la primicia de su nuevo video musical en octubre. Como si fuera poco, Carlos no solo le brindó a sus seguidores una nueva propuesta, sino que el público colombiano pudo disfrutar de su recordada presencia en “La Voz Colombia”.

« Ella… ella es como el aire necesario pa´respirar pero se te escapa cuando tú lo abrazas, ella. »

– Carlos Vives

Corazón profundo y Más corazón profundo, generaron seis # 1 en el Hot Latin Songs de Billboard, con éxitos como: Cuando nos volvamos a encontrar ft Marc Anthony, Bailar contigo, El mar de sus ojos y Volví a nacer, que se convirtió en un himno en América Latina, dominando radios en México, Venezuela, Chile, Argentina, Ecuador, Perú, Centroamérica y Colombia. El Más corazón profundo tour se convirtió en la gira más exitosa en la historia de Colombia, con más de 200.000 fans llenando estadios en cinco conciertos.

Para 2014, en los Premios Billboard Latino, recibió el Premio Espíritu de la Esperanza por su labor social y su dedicación a causas nobles. Fue nombrado por la USAID como Embajador de inclusión y de la diversidad étnica en Colombia. Por su desempeño en visibilizar a la población  afrodescendiente e indígena recibió el Premio Leyendas en la gala de la Fundación Herencia Hispana en Washington D.C.

Recibió el Grammy americano en febrero de 2015 en la categoría «Mejor álbum latino tropical del año», siendo el segundo en su carrera y uno de los más grandes logros para un artista colombiano, registrado en primera página de los principales periódicos del país, al día siguiente de la ceremonia que se llevó a cabo en Los Ángeles. También, Unido2s, gira junto a Marc Anthony, quedará en la historia como una de las giras más taquilleras en Estados Unidos.

En mayo de 2016, Vives publicó su nuevo sencillo La bicicleta, a dúo con su colega colombiana Shakira. El sencillo debutó como #1 en Billboard y se convirtió en el decimosegundo #1 de Vives en su carrera musical, destacando al samario como el tercer artista latino con más #1 en Billboard. La bicicleta estuvo múltiples semanas en el #1 de Billboard Latin Airplay, meses continuos de #1 en Colombia y, además de ser la canción más escuchada en Estados Unidos, Puerto Rico y Colombia, se convirtió en la canción más escuchada en Latino América, encabezando las carteleras en México, Ecuador, Guatemala y Los 40 principales en España. La canción debutó en Billboard Hot 100, marcando la primera vez que Vives entra a esta cartelera. A su vez, el vídeo debutó en el Top 20 de los vídeos globales de Youtube.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Volví a Nacer.

Shalom – La magia de un buen libro

Shalom – La magia de un buen libro

El rabino Pinhas Punturello nos presenta el libro del rab Sacks 'Sanar un mundo fracturado'. En este mismo programa, Abrasha Rotenberg nos presenta 'Un moskovita desesperado'

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/magia-buen-libro/6942856/

Cátulo Castillo

Ovidio Cátulo González Castillo, más conocido como Cátulo Castillo, nació en Buenos Aires, Argentina, el 6 de agosto de 1906, y murió en su ciudad, el 19 de octubre de 1975. Poeta y compositor.

El sitio www.todotango.com publicó este recordatorio firmado por Julio Nudler.

Recorrió con sus letras los temas que siempre obsesionaron al tango: la dolorosa nostalgia por lo perdido, los sufrimientos del amor y la degradación de la vida. No tuvo en cambio espacio para el humor ni para el trazo despreocupado, y tampoco para el énfasis rítmico de la milonga. La palabra último figura en varios de sus títulos, como dando testimonio de ese desfile de adioses que atraviesan sus letras, donde hay siempre compasión por quienes padecen y un frecuente recurso al alcohol como fuga. Cátulo no se dio, como letrista, un perfil definido, en lo cual se parece más a Enrique Cadícamo que a Homero Manzi. No alcanza a menudo la calidad poética de éste ni el lacerante poder de observación de Enrique Santos Discépolo, pero enalteció al género con una obra vasta e influyente, siendo también notable su aporte como compositor.

Aunque su obra de músico no sea la que nos ocupa en esta semblanza, es justo recordar que, en su juventud, Cátulo concibió páginas de gran hermosura, varias de las cuales llevaron letra de su padre, José González Castillo, talentoso comediógrafo y dramaturgo de ideas anarquistas, que hasta debió exiliarse por unos años en Chile, llevando a su pequeño hijo, para escapar de la represión. Tangos como el imperecedero “Organito de la tarde” (que concibió cuando contaba 17 años), “El aguacero (Canción de la Pampa)”, “Papel picado”, “El circo se va” y “Silbando” (en colaboración con Sebastián Piana) dan cuenta del único caso de semejante comunión creadora entre padre e hijo en la historia del género. También con otros letristas escribió páginas trascendentes, como “La violeta”, con el poeta Nicolás Olivari; “Corazón de papel”, con Alberto José Vicente Franco, o “Viejo ciego”, con Manzi (y en colaboración con Piana), entre otras. Un dato asombroso es que Cátulo haya podido ser, al mismo tiempo que inspirado músico y poeta, un boxeador de renombre, que llegó a conquistar el título de campeón argentino de peso pluma.

El compromiso político con los explotados inspiró una de sus obras tempranas, “Caminito del taller”. Ese tango, que Carlos Gardel grabó en 1925, le pertenece a Cátulo en letra y música. Describe en él, con enorme sensibilidad, el triste destino de una costurerita enferma, a la que observa pasar rumbo al trabajo en las mañanas invernales con su fardo de ropas. Así como creó con ésta una composición clave dentro del tango de protesta social, Cátulo también aportaría obras emblemáticas para otras tesituras.

Tal el caso de “Tinta roja”, de 1941, con música de Piana, donde se funden en la añoranza el barrio y la propia infancia. «¿Dónde estará mi arrabal? ¿Quién se llevó mi niñez?», pregunta su protagonista. De ese mismo año, y de la misma pareja autoral, es “Caserón de tejas”, un hermoso vals que llora las mismas pérdidas y, dentro del repertorio de compás ternario, es también una obra sobresaliente.

De otro carácter es “María”, con música de Aníbal Troilo, creado en 1945. Poema intensamente romántico, que evoca un amor encerrado entre dos otoños, puede ser elegido para representar toda aquella corriente sentimental que bañó al tango durante la década de los 40, con influencia del bolero y con el papel protagónico del cantor de orquesta, que seducía al público femenino con su voz, sus temas y su estampa. Aunque el amor sigue siendo fuente de penas y sinsabores, ya no hay en estas historias perversidad ni traiciones. Su lugar suele tomarlo el misterio: «Un otoño te fuiste, tu nombre era María, y nunca supe nada de tu rumbo infeliz...», versea Cátulo.

Aunque haya sido un letrista decisivo en aquellos años, el liderazgo poético del género lo alcanzaría recién en la década del 50. Es preciso recordar que en 1951 murieron Discépolo y Manzi, que Cadícamo había reducido mucho su producción, como también ocurrió con José María Contursi, y que sólo Homero Expósito, entre los máximos nombres de las letras tangueras, intentaba renovarse a sí mismo, aunque su mejor inspiración ya había pasado. Claramente, fue Castillo quien dominó el panorama y tuvo el mérito de abrir nuevos caminos, que sin embargo se irían borroneando con la declinación que sufrió el tango desde finales de aquella década. Por otro lado, los vanguardistas, con la magna excepción de Astor Piazzolla, concentraban su interés en el tango instrumental.

Aunque Cátulo siguió escribiendo en la línea evocativa, con tangos como “Patio mío”, “El patio de la Morocha” o “El último farol”, lo mejor de su nueva producción no estuvo allí. Cerca ya de sus cincuenta años, sus letras comienzan a expresar una actitud desesperada ante la vida. Es con esos tangos de la desesperación, impregnados de sensualidad y de filosofía, que construye el último apogeo poético del género, irguiéndose por encima de sus contemporáneos. “La última curda”, de 1956, con música de Aníbal Troilo, es probablemente el tango cantado más trascendente de esa década. Como había hecho Manzi en 1950 en “Che bandoneón” y otros letristas en tantas otras piezas anteriores, Castillo dialoga con ese fuelle de «eco funeral» donde residen los secretos del tango y de la existencia. Olvido, condena, fracaso, alcohol, aturdimiento son los elementos de esa conversación sombría, que define a la vida como «una herida absurda». Las versiones iniciales que grabó el cantor Edmundo Rivero, en 1956 con Troilo y en 1957 con Horacio Salgán, son de una rara perfección. Una lectura diferente pero asimismo memorable es la registrada en 1963 por Roberto Goyeneche, también con Troilo.

Otros tangos fundamentales de aquella etapa fueron “Una canción” (1953), con música de Troilo; “Anoche” (1954), con Armando Pontier, y “Perdóname” (1954), con Héctor Stamponi, tres obras mayúsculas que motivaron excelentes versiones (por voces tan destacadas como las de Alberto Marino, Horacio Deval, Charlo, Jorge Casal, Pablo Moreno u Oscar Alonso, entre otras). El drama de los inmigrantes italianos le inspiró piezas de gran relieve, como “Domani” (1951), con Carlos Viván, y “La cantina” (1954), con Troilo. Ya en los años 60 forjó importantes éxitos con el áspero “Desencuentro” (1962), con Troilo, y el más convencional “El último café”, con Stamponi.

Con estas menciones no se agota la extensa obra creativa de Cátulo Castillo. Para evitar que queden innombrados en esta semblanza, citamos otro número de excelentes tangos con los que enriqueció los mejores repertorios: “Se muere de amor” (con Pedro Maffia), “Color de barro” (Anselmo Aieta), “Dinero, dinero” y “Malva” (Enrique Delfino), “La madrugada” (Ángel Maffia), “Te llama mi violín” (Elvino Vardaro), “Una vez” (Osvaldo Pugliese), “Naná” (Emilio Barbato), “Para qué te quiero tanto” (Juan Larenza), “Rincones de París” y “Volvió a llover” (Osmar Maderna), “Burbujas” (Carlos Figari), “Maleza” (Enrique Munné), “Pobre Fanfán” (Delfino/Barbato), “Ventanal” (Atilio Stampone), “Tango sin letra” (Venancio Clauso) y “Sin ella” (Charlo). La amplia y sobresaliente nómina de compositores con los que colaboró confirma el compromiso de Cátulo con el mejor tango.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Tango María, en la voz de Julio Sosa, y la Orquesta de Leopoldo Federico.

Bruno Coquatrix

Bruno Coquatrix nació en Ronchin, Francia, el 5 de agosto de 1910 y murió en París, Francia, el 1 de abril de 1979. Compositor, músico, productor, empresario.

El sitio www.radioswissjazz.ch publicó este recordatorio.

Bruno Coquatrix, nacido el 4 de agosto de 1910 en Ronchin (Norte), y fallecido el 1 de abril de  1979 en París, fue director de teatro, director general del Olympia de París, de 1954 a 1979.

Biografía

Bruno Coquatrix se destacó primero como autor y compositor. Escribió más de 300 canciones, entre ellas Mon ange (1940), Clopin-clopant (con Pierre Dudan, 1947) y Hair in the Wind (con Jacques Chabannes, 1949). También le debemos varias operetas.

También es manager de estrellas del canto como Jacques Pills y Lucienne Boyer. Después de dirigir Bobino, en 1954 asumió la dirección de la sala Olympia, la sala de música más grande de Europa. Engancha a todas las celebridades de la canción de la época; entre ellos, Georges Brassens, Gilbert Bécaud, Johnny Hallyday, Violetta Villas, Dalida, Edith Piaf, Annie Cordy, Yves Montand. También es uno de los creadores de la marca discográfica Versailles.

Bruno Coquatrix también fue alcalde de Cabourg (Calvados) desde 1971 hasta su muerte en 1979. Está enterrado en el cementerio de Père-Lachaise (división 96). Su sobrino Jean-Michel Boris asumió la dirección general de Olympia desde 1979 hasta 2001.

Otros mandatos

Director del café-théâtre La Taverne (1970-1979)

Presidente del Sindicato de Music Hall y Establecimientos de Variedades (desde 1965)

Presidente de la Junta Directiva de la Orden de Educación Artística

Miembro de la Sociedad de Autores, Compositores y Editores de Música

Miembro de la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos

Tesorero del Comité del Corazón

Tributo

El 30 de noviembre de 2010, Bertrand Delanoë inauguró una calle con su nombre en el distrito 9 de París en presencia de miembros de su familia. Se encuentra cerca de Olympia.

Operetas

1946: La Bonne Hôtesse , opereta de Jean-Jacques Vital y Serge Veber, música de Bruno Coquatrix, dirigida por Fred Pasquali, Alhambra

1947: Le Maharadjah , opereta de Jean-Jacques Vital y Serge Veber, música de Bruno Coquatrix, dirigida por Fred Pasquali, Alhambra

1950: M'sieur Nanar , opereta de Jean-Jacques Vital, Pierre Ferrari y André Hornez, música de Bruno Coquatrix, dirección Fred Pasquali, Théâtre de l'Étoile

Anécdota

Fue testigo del matrimonio de Henri Betti en 1949 y André Hornez en 1963. Ambos fueron los autores de la canción C'est si bon .

En 1978, apareció en su propio papel en la película Robert et Robert de Claude Lelouch.

Al cine

Bruno Coquatrix es interpretado sucesivamente en las biopics Cloclo con Jérémie Renier en 2012 por el actor Vincent Nemeth y Dalida en 2017 por Patrick Timsit, con la actriz italiana Sveva Alviti.

Decoraciones

Caballero de la Legión de Honor

Caballero de la Orden de las Palmas Académicas

Caballero del Mérito Social

Caballero del Mérito Cultural (Mónaco)

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus éxitos: Clopin-clopant, interpretado por Pierre Dudan, y la Orquesta de Jacques-Henry Rys.

Antonín Dvořák. Trío para Piano Nº 4 en Mi Menor Op. 90, Trío Dumky. Trio di Parma.

A continuación, de Antonín Dvořák, el Trío para Piano Nº 4 en Mi Menor Op. 90, Trío Dumky, en la interpretación del Trio di Parma, integrado por Alberto Miodini en piano, Ivan Rabaglia en violín, y Enrico Bronzi en violonchelo.

Jess Thomas

Jess Thomas nació en Hot Springs, Dakota del Sur, Estados unidos, el 4 de agosto de 1927, y murió en San Francisco, California, el 11 de octubre de 1993. Tenor.

El sitio www.wikiwand.com publicó este recordatorio.

Jess Thomas

Jess Thomas (4 de agosto de 1927, Hot Springs, Dakota del Sur— 11 de octubre de 1993, San Francisco, California) fue un tenor lírico estadounidense destacado en papeles wagnerianos y straussianos, especialmente como Lohengrin y el Emperador de La mujer sin sombra.

Habiendo estudiado psicología en la University of Nebraska y en Stanford University se dedicó al canto debutando en San Francisco en 1957 en Der Rosenkavalier.

Su carrera en Alemania comenzó en Karlsruhe donde cantó su primer Lohengrin, papel con el que sería identificado toda su carrera. En Stuttgart y Múnich cantó Baco de Ariadne auf Naxos seguido con su participación en el Festival de Bayreuth en las producciones de Wieland Wagner que lo establecieron como uno de los tenores wagnerianos de su generación. En el marco del festival cantó Parsifal 1961-63, 1965; Lohengrin 1962, 1967; Walther en Meistersinger 1963,1969; Tannhäuser 1966-67 y Siegfried 1969, 1976, siendo premiado con la Medalla Wagner en 1963, año en el que reabrió la Ópera Estatal de Baviera como el emperador de Die Frau ohne Schatten y en que se unió al Metropolitan Opera de New York. Allí cantó durante 15 temporadas en 95 funciones, entre ellas la inauguración del nuevo Met en 1966 en Antony and Cleopatra de Samuel Barber junto a Leontyne Price.

Cantó en el Festival de Salzburgo, Covent Garden, Viena, París y en el Teatro Colón de Buenos Aires en 1977 como Tristan, en 1979 como Lohengrin y el Emperador (junto a Eva Marton y Birgit Nilsson), y en 1980 como Florestan de Fidelio y Walter en Los maestros cantores de Núremberg.

Se retiró en Washington DC como Parsifal en 1982, participando en la Gala Centenaria del Metropolitan en 1983 como Siegmund de La Valquiria junto a Jessye Norman.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Canción del premio, de la ópera Los Maestros Cantores de Núrenberg, de Richard Wagner.

 

Aniversario del estreno de la ópera L'Europa riconosciuta de Antonio Salieri.

L'Europa riconosciuta es una ópera en tres actos de Antonio Salieri, con libreto en italiano de Mattia Verazzi

Se representó por primera vez el 3 de agosto de 1778, en la inauguración del entonces Nuovo Regio Ducal Teatro alla Scala, y fue recuperada después de un largo olvido, luego de los trabajos de restauración durante 30 meses para su reapertura, el 7 de diciembre de 2004.

A continuación, la ópera L'Europa riconosciuta de Antonio Salieri, con el siguiente reparto del 7 de diciembre de 2004.

Europa, es la soprano Diana Damrau; el personaje de Asterio, cantado por la soprano Genia Kühmeier; el rol de Semele, en la voz de la  soprano Désirée Rancatore; el papel de Isséo, interpretado por la mezzo-soprano Daniela Barcellona; y Egisto, es el tenor Giuseppe Sabbatini, el papel del hijo de Asterio y Europa, es Alessandro Ruggiero,  junto a los primeros bailarines Alessandra Ferri y Roberto Bolle, el Cuerpo de Baile, el Coro y la orquesta del Teatro Alla Scala de Milán, todos dirigidos por Riccardo Muti.

Sinopsis

La princesa Europa de Tiro y el príncipe Isseo están prometidos en matrimonio. Sus planes de boda se ven arruinados cuando el Rey de Creta, Asterio, secuestra a Europa del palacio de su padre y la fuerza a casarse con él. El padre de Europa, el Rey Agenore de Tiro, trata de encontrar a su hija pero no lo logra. En su desesperación, deja el trono a su sobrina Semele en lugar de a Europa, con la condición de que Semele se case con el hombre que mate al primer extranjero que entre en la nación de Tiro. De este modo, el rapto de Europa será vengado. Tras la muerte de Agenore, Asterio sale a la mar, desde Creta hacia Tiro, con la esperanza de poner a Europa en el trono de Tiro.

Acto I

Escena 1: Una orilla en la costa de Tiro

Una enorme tormenta devasta la flota de Asterio y causa el naufragio de su propio barco en la costa de Tiro. Asterio, su esposa Europa, y su hijo desembarcan y se asustan ante la aparición de Egisto y su grupo de soldados armados. Asterio logra ocultar a Europa en una cueva, pero es incapaz de salvarse a sí mismo, sus hombres, y su hijo de la captura. Tras ver esto, Europa surge de su escondrijo y trata de defender a su hijo. Sus esfuerzos fallan y es llevada con el resto de los prisioneros cretenses al palacio de Tiro por Egisto y sus hombres.

Escena 2: El palacio real de Semele

Semele está enamorada de Isséo y ha decidido casarse con él. Ella pide a Egisto convocar al Gran Consejo a fin de anunciar el nombre del hombre con el que ha decidido casarse, quien se convertirá en el siguiente rey de Tiro. Mientras tanto, Egisto, está decidido a hacerse con el trono para él y decide abiertamente desafiar a su rival.

Escena 3: Escena triunfal

Isséo y sus soldados entran en el salón del trono celebrando su victoria. Semele informa a Isséo de su deseo de compartir el trono de Tiro con él, y luego le pide asistir al Gran Consejo con ella. Isséo rechaza la petición de Semele porque él está todavía enamorado de Europa, y por lo tanto no es libre de amar a Semele.

Escena 4: El Salón del Consejo en el palacio de Semele

Semele proclama que está preparada para escoger al nuevo rey. Egisto frustra su plan recordando a Semele su promesa a Agenore de casarse con el hombre que mate al primer extranjero que pise sobre el suelo de Tiro. Egisto trae a Asterio encadenado y espera ser él quien ejecute a Asterio para poder casarse con Semele y convertirse en rey. Asterio, sin embargo, no coopera cuando es preguntado sobre su identidad y orígenes. Frustrado, el consejo decide interrogar a Europa. Ella asombra a todos proclamándose como la princesa perdida de Tiro y el heredera legítima del trono. Egisto está furioso al ver frustrado su plan de obtener el trono, mientras Isséo es enormemente turbado por la reaparición de Europa. La respuesta de Isseo a Europa hace que Semele se ponga furiosa de celos.

Acto II

Escena 1: Una prisión

Asterio está en prisión y espera con inquietud la decisión del consejo sobre su destino. Simultáneamente, Egisto trata de convencer a Isséo que Europa todavía puede amarlo. Europa entra y hace un ruego por las vidas de su familia. Ella no expresa sus sentimientos por Isséo, pero más bien le dice que su lealtad es a su familia como esposa y madre. Europa ofrece abandonar el trono de Tiro a Semele, a cambio de las vidas de su marido e hijo. Ella va más lejos y pide a Isséo que no recuerde más el amor que ellos una vez tenían - como ella misma ya ha olvidado – y que se convierta en rey casándose con Semele. Isséo abandona a Europa y ella cae al suelo llorando.

Escena 2: Una habitación privada en el palacio

Semele está sumamente celosa de Europa. Ella informa a Isséo que el consejo ha decidido ejecutar al rey de Creta y encarcelar a su esposa. En respuesta, Isséo dice a Semele que Europa ya no reclama el trono. Además, Isséo revela la traición de Egisto, e informa a Semele que él se casará con ella. Semele está de acuerdo con parar la ejecución de Asterio y envía a Isséo para anular los procedimientos.

Escena 3: El Templo de la Venganza

Asterio está a punto de ser ejecutado en la tumba de Agenore. Egisto ofrece a Europa y su hijo su libertad si están dispuestos a escapar. Europa rechaza su oferta, proclamando que ella prefiere morir con su marido. Asterio les pide que acepten la oferta de Egisto para que puedan vivir. Los sacerdotes de Nemesi conducen a Asterio al lugar de la ejecución, pero son interrumpidos por la aparición de soldados cretenses. Estos soldados son los hombres de Asterio que se perdieron en la gran tormenta, pero se las arreglaron para sobrevivir. Ellos han venido, de improviso, a salvar la vida de Asterio. Un combate tumultuoso sigue entre los guardias de Egisto y los cretenses. Isséo aparece con algunos de sus hombres y se une a los soldados cretenses y lucha contra Egisto y sus guardias.

Escena 4: Un patio

Los soldados de Tiro han sido derrotados, pero Egisto todavía lucha. Isséo y Egisto realizan una lucha desesperada y Egisto muere. Para alivio de Semele, Isséo no es herido. Mientras tanto, Europa es proclamada heredera legítima del trono por la gente de Tiro. Semele está muy contrariada, hasta que Isseo le asegura que Europa mantendrá su promesa.

Escena 5: La sala de ceremonias del palacio

Europa es proclamada la nueva reina de Tiro, pero su única actuación como reina es casar a Isséo y Semele y devolverles el trono. Isséo y Semele felizmente aceptan.

Lorenzo Herrera

Lorenzo Esteban Herrera nació en Santa Rosalía, Caracas, Venezuela, el 2 de agosto de 1896, y murió en su ciudad, el 21 de enero de 1960. Cantante y compositor.

El sitio www.vintagemusic.fm publicó este recordatorio.

Lorenzo Herrera, Lorenzo Esteban Herrera nació en Santa Rosalía, Caracas, el 2 de agosto de 1896, y muere en 1960, es recordado como uno de los grandes cantantes y compositores de la primera mitad del siglo XX en Venezuela.

En 1923 Lorenzo Herrera junto con su familia, van a Nueva York en búsqueda de nuevas oportunidades para su proyección musical, en los primeros años no consigue tal propósito y tiene que trabajar como zapatero, pero muy pronto logrará conseguir contrato con las disqueras más famosas de la época, como las transnacionales RCA Victor y Columbia, entre otras. En esta ciudad compone una gran parte de sus célebres canciones, entre la que se menciona el famoso pasodoble, La Sultana del Ávila.

En 1935 Lorenzo Herrera participa en el film Joropo, producida por un grupo de venezolanos residentes en la ciudad de Nueva York, bajo la dirección de Héctor Cabrera Sifontes, rodada en esa ciudad, ambienta situaciones propias de los llanos venezolanos, y su secuencia final, muestra a todos los personajes vestidos de rigurosa etiqueta, bailando joropo en el gran salón del Waldorf Astoria, considerado para la época uno de los hoteles más lujosos del mundo. Ese mismo año, regresa a Caracas para continuar con su carrera musical donde es pionero del Bolero, quién, además de interpretar géneros folclóricos y pasodobles, hizo popular al bolero mediante la radio, en las emisoras más influyentes de la época.

Lorenzo Herrera fue el pionero en llevar más allá de nuestras fronteras la música venezolana, logrando firmar contratos con disqueras internacionales, dando conciertos en Canadá, Estados Unidos, Colombia, Argentina entre otros países.

Fue amante del buen vestir, teniendo como hobby la colección de camisas, dando sus presentaciones con la ropa propia de la tierra venezolana.

Una de sus composiciones más famosas es el merengue Compae Pancho, aunque en la mayoría de los discos aparece como Compadre Pancho o Compay Pancho. Es uno de los primeros temas típicos de música venezolana. Dicho tema, ha sido utilizado como punto de partida en la enseñanza de la ejecución del cuatro venezolano.

Lorenzo Herrera fue conocido como el compositor de los 500 éxitos, ya que compuso más de 500 canciones, las cuales la mayoría eran en su tiempo, éxitos rotundos aunque hoy hayan sido olvidados.

No solo el mérito de haber sido su voz y su estilo auténtica expresión de los ritmos venezolanos, el nombre de Lorenzo Herrera como creador de sus canciones vestía en sus letras toda la gracia y humor del verdadero sentir de su pueblo junto al romanticismo de sus valses que conservaban aún los matices sentimentales de principios del siglo XX, con el merengue criollo su cantar ponía la gracia del refrán de moda en su Caracas, con el joropo soltaba las voces de su llano, desde el cantar del gallo hasta el galopar del potro enredados en las cuerdas del arpa y el cuatro. Lorenzo Herrera murió en 1960 a la corta edad de 64 años.

Entre las canciones famosas de Lorenzo Herrera, están: Luisa, Josefina, Rosalinda, El Bachaco, El Coletón, Mi Rancho, Compae Pancho, La Mula Rucia, Canta Ruiseñor, El Primer Amor, Chupa tu Mamey, Ya no sufras corazón, Vente pa´ ca mi negra, Caminito del llano adentro, El Petróleo (1941), entre otras composiciones.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Alma Llanera.

El Mirador Nocturno – Radio / Robert Schumann.

Hadi Karimi

El Mirador Nocturno – Radio / Robert Schumann.  

Hoy les presento el 1º programa de La Música de Todos Los Tiempos, dedicado a Robert Schumann, con las Waldszenen, o Escenas del Bosque Op. 82, el Cuarteto de Cuerdas Op. 41 Nº 3, el ciclo de Lieder Dichterliebe, o Amor de Poeta Op. 48, la Sinfonía Nº1 en Si Bemol Mayor Op. 38, y el Concierto para Piano y Orquesta en La Menor Op. 54.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Paddy Moloney

Paddy Moloney nació en Donnycarney, Dublín, Irlanda, el 1 de agosto de 1938, y murió en su ciudad, el 11 de octubre de 2021. Flautista, gaitero, maestro de la uilleann pipes, y productor discográfico.

El sitio www.lavozdegalicia.es publicó este recordatorio.

En los últimos seis decenios el músico fue el gran animador de la escena celta internacional

13 oct 2021. Actualizado a las 17:35 h.

La presencia del músico irlandés Paddy Moloney va mucho más allá de su papel como líder y fundador de la banda de folk The Chieftains, que ya de por sí no es pequeño. Él, con su bonhomía, su saber hacer, su conocimiento y su alegría, llenaba el escenario, pero es que además arrastraba a otros creadores, ya que ejercía su liderazgo sin imposición incluso fuera de las tablas. Una de sus virtudes mayores estaba en que no conocía límites para la música y fue así como proyectó el folk y lo celta fuera de sus fronteras naturales. Y no solo en lo geográfico, sino sobre todo en lo musical.

El legendario artista, ganador de seis premios Grammy con The Chieftains, contribuyó al Óscar a la mejor banda sonora del filme de Stanley Kubrick Barry Lyndon y fue maestro intérprete de instrumentos de viento como la gaita gaélica o la flauta irlandesa -también del acordeón y de percusiones como el bodhrán, el tambor irlandés-. Tuvo claro siempre que había que extender los dominios de su música, que la pureza no podía ser una barrera, que en un mestizaje sin pérdida de las raíces estaba el futuro. «No pienses solo en tu pequeño país, piensa en clave universal, en el mundo», recuerda Carlos Núñez que le dijo un día su querido maestro y que fue este sabio consejo lo que reenfocó y salvó su carrera.

Moloney estaba convencido de que su grupo debía apostar por el enriquecimiento explorando territorios ajenos, penetrar otras músicas, el rock, el blues y el pop, en particular, y de este modo no dudó en tocar y colaborar con artistas tan variopintos como Van Morrison, Sting, McCartney, Dylan, Mike Oldfield, Madonna, Knopfler, Dulce Pontes, Lou Reed, Ry Cooder, Elvis Costello, Willie Nelson, Sinéad O’Connor, Tom Jones, Art Garfunkel, Los Lobos y Marianne Faithfull, entre otros. Hasta The Rolling Stones, la banda británica encabezada por Jagger y Richards, Sus Satánicas Majestades, no dudó en participar a mediados de los 90 en la grabación de Rocky Road to Dublin para el álbum de The Chieftains The Long Black Veil.

Tras el éxito de Barry Lyndon, Moloney entendió también el cine como un trampolín privilegiado, así compuso piezas para las bandas sonoras de películas como Braveheart y Gangs of New York, y otras cintas menores como Tristán e Isolda (1981), La isla del tesoro (1990), Corazones robados (1996), Bajo el sol (1998) y Agnes Browne (1999).

Todo esfuerzo de visualización era bienvenido para convertir la música irlandesa en un gran espectáculo que fuese reconocido y festejado en cualquier lugar del planeta, quizá solo superado por la cerveza negra Guinness, como les gusta proclamar.

En España, Kepa Junquera, Milladoiro y Carlos Núñez fueron algunos de sus referentes, aunque en el caso del gaitero vigués el vínculo se estrechó de una forma inusual, ya que lo tomó bajo su protección desde muy joven y se erigió en su gran valedor. Esa amistad afianzó su ya asentada relación con Galicia -donde la banda siempre fue cálidamente acogida-, que alumbró un disco emblemático en su catálogo, Santiago, por el que obtuvieron su quinto Grammy y en el que hacían una adaptación sui generis de A rianxeira (Guadalupe).

Había fundado en su propia casa la banda The Chieftains, en noviembre de 1962, originalmente integrada por Seán Potts (flauta irlandesa), Michael Tubridy (flauta irlandesa) y Seán Keane (violín). Y en la década siguiente, en 1979, tras algunos cambios, quedó consolidada con Keane, Kevin Conneff (bodhrán y voz) y Matt Molloy (flautas).

Moloney -que estaba casado y tenía tres hijos- falleció en la madrugada del martes en Dublín, a los 83 años, según informaron sus allegados. Había nacido en una familia de músicos, en la que comenzó ya muy joven a formar grupos siempre con la tradición del folk irlandés como fundamento, su gran tesoro pero también su gran herramienta de trabajo. Él convirtió estas sonoridades minoritarias en un arte para el consumo y el disfrute de las mayorías. Para Núñez, «Moloney y The Chieftains son a la música celta lo que Camarón al flamenco y Miles Davis al jazz».

«Murió de tristeza», lamenta su amigo Carlos Núñez

El músico gallego Carlos Núñez despedía este martes emocionado a Paddy Moloney, a quien considera su maestro. Se mostró convencido de que el gaiteiro irlandés «murió de tristeza, porque aceptaba muy mal llevar ya casi dos años sin salir de casa» debido a la pandemia. Así estaba desde que en marzo del 2020 The Chieftains se vieron obligados a interrumpir la gira estadounidense de San Patricio. «Todo esto le afectó terriblemente. Hablé con él por última vez el 2 de agosto, por su cumpleaños -relata Núñez-, y echaba muchísimo de menos tocar, el contacto con el público». Uno de sus sueños, le aseguró, era reencontrarse en Galicia, que «sentía como su segundo hogar», para poder subir de nuevo juntos al escenario. En el último concierto que compartieron, celebrando los 30 años de colaboración sin interrupción, en el verano del 2019, en Madrid, explica el gaiteiro vigués, lo vio «en inmejorable forma, pleno de facultades y tan ilusionado como siempre, en una noche que le llegó al alma». Por eso cree que fue la tristeza, el pesar de tan largo encierro lo que acabó con su vida.

Este mismo miércoles Carlos Núñez prevé viajar a Dublín para verse con los demás miembros de The Chieftains, con los que está en contacto, y darle el último adiós a su viejo líder. En sus redes sociales, colgó algunas fotografías de momentos y conciertos compartidos para despedir a su mentor: «Nuestro querido maestro de The Chieftains acaba de partir a las estrellas. Hoy la música de Irlanda y la música celta del mundo entero llorarán esta pérdida histórica. Se nos ha ido un padre para todos nosotros. Gracias infinitas, Paddy. Llevaremos tu legado hasta el fin del mundo», escribió.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con The Chattering Magpie, interpretado por The Chieftains.