El doloroso exilio americano de la literatura alemana

El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo firmado por Margarita Blanco Hölscher.

El doloroso exilio americano de la literatura

alemana

Destacados autores e intelectuales como Thomas Mann, Bertolt Brecht y Anna Seghers debieron abandonar su país

tras el ascenso del nazimo y la persecución

PorMargarita Blanco Hölscher

19 Dic, 2023 00:40 a.m. AR

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Alemanes se agolpan alrededor de un camión lleno de libros “no alemanes” (United States Holocaust Memorial Museum, courtesy of National Archives and Records Administration, College Park)

Tras el nombramiento de Adolf Hitler como canciller de Alemania el 30 de enero de 1933, muchos escritores, artistas e intelectuales se vieron obligados a exiliarse por la amenaza que el nacionalsocialismo suponía para ellos.

Aunque en un principio buscaron refugio en los países vecinos, su destino final acabó siendo el continente americano –especialmente Estados Unidos y México–. Allí encontraron cobijo figuras tan imprescindibles de la literatura alemana como Thomas Mann, Bertolt Brecht o Anna Seghers, entre otros.

Orígenes de una huida

El ascenso al poder de los nazis provocó el fin de la República de Weimar (1918-1933), una democracia parlamentaria establecida en Alemania tras la Primera Guerra Mundial. A partir de 1930, fecha en la que los nacionalsocialistas se convirtieron en la segunda fuerza política más votada, no faltaron señales del peligro que se avecinaba. Sin embargo, la gran mayoría de la ciudadanía no fue capaz de imaginar las terribles consecuencias de un cambio con el que comienza una dictadura que llevará a Alemania a la destrucción.

Em 1933 se divulgó la primera de muchas listas de libros que debían ser retirados de las bibliotecas públicas (Yad Vashem Photo Archives via The New York Times)

El 10 de mayo de 1933 los nazis lanzaron la “Acción contra el espíritu no alemán”, que marcó el inicio de la persecución sistemática de escritores judíos, opositores y políticamente impopulares. En un movimiento perfectamente organizado, se quemaron en Berlín y otras ciudades universitarias las obras de numerosos autores. Poco después se divulgó la primera de muchas listas de libros que debían ser retirados de las bibliotecas públicas.

No consuma noticias, entiéndalas.

La quema de libros fue el preludio de una dura represión para muchos escritores, periodistas y académicos. La imposibilidad de seguir ejerciendo su profesión hizo que muchos optaran entonces por abandonar Alemania. Convencidos de que el régimen nazi no duraría mucho en el poder, huyeron a países europeos colindantes como Francia, Austria o Checoslovaquia.

Salir de Europa

Esta esperanza desapareció en 1938 tras la anexión de Austria, la posterior invasión de los Países Bajos, Francia y Checoslovaquia y los acuerdos de tránsito de mercancías y tropas que Suecia estableció con el gobierno alemán.

Quema de libros durante el nazismo (Wikipedia)

Estados Unidos se convirtió entonces en uno de los pocos países que todavía ofrecía asilo a los refugiados, pese a las dificultades burocráticas en la obtención de visados. Entre 1933 y 1944 llegaron a EE. UU. 218 298 refugiados alemanes y austriacos, de los cuales aproximadamente 110 000 eran de origen judío. El presidente Roosevelt apoyó actividades diplomáticas destinadas a facilitar la llegada a EE. UU. de refugiados europeos. Esta función fue secundada por asociaciones no gubernamentales en el ámbito literario como la Sociedad germano-americana para la cultura (German-American League for Culture) y la Asociación americana para la libertad de la cultura alemana (American Guild for German Culture Freedom).

La labor de denuncia realizada por intelectuales y escritores en los países europeos continuó también en EE. UU., pese a las dificultades que representaban el desconocimiento de la lengua y de la cultura norteamericana.

Mann nunca volvió a instalarse en Alemania

Una de las actividades más conocidas en este sentido fueron los discursos radiofónicos de Thomas Mann (Lübeck, 1875-Zürich, 1955).

Retrato del autor alemán Thomas Mann (1875 - 1955) en Nueva York, 1943 (Foto de Fred Stein Archive)

Tras emigrar a Suiza en febrero de 1933 y haber sido desposeído de su nacionalidad en diciembre de 1936, Mann –premio Nobel de literatura en 1929 y autor de novelas tan leídas como Los Buddenbrook (1901), Muerte en Venecia (1913) o La montaña mágica (1924)– se trasladó en 1938 a Estados Unidos con su familia.

Desde allí continuó la lucha contra Hitler en escritos y conferencias y, especialmente, en los discursos radiofónicos dirigidos a sus compatriotas y difundidos por la BBC entre octubre de 1940 y mayo de 1945. El objetivo principal de estos breves discursos, de apenas ocho minutos de duración, era difundir la verdad sobre el nacionalsocialismo, el exterminio de los judíos y el curso real de la guerra para concienciar a los alemanes de las atrocidades y catástrofes que los dirigentes políticos habían traído al país.

Mann regresó a Europa en 1952. Aunque volvió de visita, se negó a instalarse de nuevo en Alemania y pasó los tres últimos años de su vida en Suiza.

Brecht, sospechoso de comunismo

En el exilio americano pasó también varios años Bertolt Brecht (Augsburgo, 1898-Berlín Este, 1956).

Bertolt Brecht y Walter Benjamin jugando al ajedrez, Dinamarca, 1934

Antes de su huida de Alemania en 1933, era ya uno de los dramaturgos más prestigiosos del país. Durante el incendio del Reichstag el 27 de febrero de 1933, Brecht huyó a través de Praga y Viena a Suiza y luego a Dinamarca. Allí escribió la obra de teatro Terror y miseria del tercer Reich (1938), en la que narra la vida diaria bajo el nazismo.

Después de que las tropas alemanas invadieran Dinamarca, se trasladó a Suecia y Finlandia. En mayo de 1941 obtuvo un visado para Estados Unidos y se instaló en Los Ángeles en una comunidad de exiliados alemanes, pero nunca llegó a adaptarse al país, no solo por las diferencias culturales y lingüísticas, sino también por sus intentos frustrados de establecerse como guionista en Hollywood.

Tras ser interrogado por el Comité contra Actividades Antiamericanas bajo sospecha de pertenecer al Partido Comunista, viajó a Suiza, único país que le concedió permiso de residencia. En 1948 se mudó a Berlín Este donde, junto con su esposa, Helene Weigel, fundó la compañía teatral Berliner Ensemble.

Seghers, camino a México

Anna Seghers (Maguncia, 1900-Berlín Este, 1983) es otra de las grandes figuras de la literatura alemana que tuvo que huir del país en 1933.

Anna Seghers, Presidenta de la Asociación Alemana de Escritores

Nacida en el seno de una familia judía, su primera novela, La revuelta de los pescadores de Santa Bárbara, fue distinguida en 1928 con el prestigioso Premio Kleist de literatura.

Miembro del Partido Comunista Alemán, Seghers huyó a Suiza tras ser arrestada temporalmente por la Gestapo y desde allí se trasladó a París. En 1941 consiguió escapar con sus hijos en uno de los últimos barcos que salieron de Marsella y se estableció en Ciudad de México. Como ella, fueron muchos los comunistas que llegaron a México por tener prohibida la entrada en Estados Unidos. Desde allí llevaron a cabo una importante labor cultural por medio de la editorial El Libro Libre, el club cultural Heinrich Heine, del que Seghers fue la presidenta, y la Asociación Alemania Libre.

Seghers regresó a Berlín en 1947. Su piso en el barrio obrero de Adlershof aloja hoy un museo sobre su vida y su obra.

Fuente: The Conversation

Luis Landriscina

Luigi Landriscina, más conocido como Luis Landriscina, nació en Colonia Baranda, Provincia de Chaco, Argentina, el 19 de diciembre de 1935. Humorista, actor y cuentista.

El sitio www.cadenanueve.com publicó esta semblanza.

Cumple 85 años Luis Landriscina

Sus relatos e historias cotidianas en relato de cuento han enriquecido al género y arrancado una sonrisa

SÁBADO 19 DE DICIEMBRE DE 2020

Hijo de inmigrantes italianos, nece en Colonia Baranda, provincia del Chaco, Luis Landriscina. Fue anotado con el mismo nombre de su padre Luigi. Fue el 19 de diciembre de 1935.

Era el séptimo hijo, y cuando nace su hermano Nicolás, el octavo y menor de todos, su madre Filomena Curci, fallece.

Con dos años, Luis pasa a ser criado por sus padrinos, Margarita Martínez y Santiago Rodríguez. Su padre Albañil, se fue acomodando en la crianza del resto de sus hermanos. Luis, cursa la escuela primaria en Villa Ángela y Resistencia, y ya de joven se destaca por su habilidad como narrador de historias populares y costumbristas, siempre con una pincelada de un buen humor.

Con el tiempo se convierte en destacado humorista, actor y cuentista argentino famoso por su estilo narrativo y su humor basado en los usos y costumbres regionales del país y el Río de la Plata. Incursionó en cine, teatro, televisión y radio. Multifacético, también incursionó en otra de sus pasiones: el automovilismo y viajar.

En 1963 contrae matrimonio con Guadalupe Mancebo, y ese mismo año nace su primer hijo, Gerardo. En 1964 forma parte de la delegación de la provincia del Chaco en el Festival de Cosquín, donde recibe el premio Revelación como cuentista y recitador. Este logro fue el inicio de su carrera artística que le ha valido reconocimiento nacional e internacional. A partir de 1967 reside en Buenos Aires y luego se muda a Santa Ana, un tranquilo balneario del departamento de Colonia en Uruguay.

Quizá uno de los aspectos más perdurables del arte de Luis Landriscina ha sido su interpretación del personaje Don Verídico, creado en 1962 por el libretista y humorista uruguayo Julio César Castro (Juceca).

“Juceca” escribió varios libros de cuentos con Don Verídico, que a través de presentaciones en vivo, televisión, teatro y cine convirtió al personaje rural en uno de los más famosos exponentes del humor simple, desconfiado y emotivo y también le escribió otros libretos que Landriscina supo contar durante casi 25 años.

Otra de las pasiones que ha cultivado Landriscina es el automovilismo. Debutó como piloto de carreras ruteras en 1974 en la “Vuelta de la Manzana”,  llevando como navegante a Urbano “Ronco” García. Abandonó en la segunda etapa, tras un accidente sin consecuencias en la montaña. En ese año siguió compitiendo en algunas carreras ruteras más con el mismo auto.

Tras un largo paréntesis, retornó al automovilismo en 1984 en el “Rally de la Provincia de Buenos Aires” navegado por su hijo Dino, abandonando por problemas mecánicos. Luego compitió en el “Rally de Argentina”, con puntaje por el Campeonato Mundial de la especialidad, donde esta vez hizo de navegante de su hijo. En esta carrera debió abandonar a raíz de un accidente en la segunda etapa en Candonga (Córdoba), cuando su auto se desbarrancó cuatro metros. Landriscina sufrió el aplastamiento de la cuarta vértebra cervical y su hijo salió ileso del accidente.

Luis Landrisna a lo largo de su carrera artística ha participado en innumerables películas. Sus relatos atractivos y manera campechana de ser y de buena persona lo ha convertido en un actor popular caracterizado por hacer reír y jamás pronunciar una exabrupto o mala palabra.

Desde Cadena Nueve le decimos, MUY FELIZ CUMPLEAÑOS!

A continuación, celebramos su cumpleaños, con una de sus grandes presentaciones: Las Fiestas y los Parientes, (Fiesta de Navidad).

Joseph Grimaldi

Joseph Grimaldi nació en Londres, Reino Unido, el 18 de diciembre de 1778, y murió en su ciudad, el 31 de mayo de 1837. Mimo y payaso.

El sitio www.yapclown.wordpress.com publicó este recordatorio.

Joseph Grimaldi, El Primer Payaso.

5 JULIO, 2017 / YAPCLOWN

EL INICIO DE LA TRADICION.

 Joseph Grimaldi.

(18 diciembre 1778 – 31 mayo 1837)

Es en Londres en el siglo XVIII, donde nace quien interpretaría al primer payaso de circo,  Joseph Grimaldi, de ascendencia italiana de quien se decía era demasiado cómico según Tristán Remy en su obra  «Los Clowns”, Grimaldi a quien las antologías de circo e historiadores consideran como el gran pionero de la especialidad y primer payaso moderno,  fue el primero en interactuar con su público al que le hacía participar en sus números, en sus canciones y en sus chanzas, fue mimo, acróbata y cómico, trabajo en el recinto ecuestre de Saddler´s Wells, su fama se estableció principalmente por sus numerosos éxitos como payaso en la pantomima.

Comenzó a actuar siendo un niño pequeño, haciendo su primera aparición en el Drury Lane en 1780,  a la edad de 2 años. Después de una breve educación como artista, apareció en varias producciones de bajo presupuesto, pero con el tiempo se convirtió en un niño actor codiciado .

Hacia el final de la década de 1790, y ya con 12 años de edad, Grimaldi protagonizó una versión de la pantomima de Robinson Crusoe, tras lo cual se  consagro en el genero de la comedia.

Su Clown satirizó muchos aspectos de la vida contemporánea británica, e hizo burla sobre la sociedad, la moda y la política, Grimaldi se convirtió rápidamente en el payaso más famoso de Londres, transformando el carácter de Pierrot, en el payaso blanco una forma peculiar que Grimaldi popularizo y estilizo.

Llegó a ser tan famoso que los payasos eran conocidos como «Joey», por referirse al estilo que hizo popular, Grimaldi.

Originó frases como: «Aquí estamos otra vez» y Como están ustedes? Frase que ha sido la mas popular y es un símbolo de los payasos contemporáneos .

Trabajo en muchas producciones durante su vida artística, su carrera profesional fue prestigiosa y llegó a ser conocido como el payaso de Londres y el mejor actor cómico, de la época disfrutando de éxitos en muchos teatros. Pasados los años y después de numerosas lesiones por su trabajo como clown, se retiro en el año 1823. De vez en cuando apareció los escenarios un par de años mas, pero a partir de entonces su rendimiento fue limitado por el deterioro de su capacidad física.

Joey murió inválido, alcoholizado y en la miseria, viviendo de la beneficencia y de los homenajes. Así concluían sus memorias: «La vida es un juego y hay que jugar. Los sabios la disfrutan y los tontos se aburren de ella. Los perdedores, comprendemos, son los que tendrán que pagar. Los ganadores tienen la gran dicha de poder reír».

En sus últimos años, Grimaldi vivía en una relativa oscuridad y depresión, se cree que fue debido a haberse retirado de los escenarios, muriendo en su casa en Islington Londres en 1837, a los 59 años de edad.

 

El escritor Charles Dickens escribió el libro Memorias de Joseph Grimaldi

Dickens Menciona: Grimaldi fue el payaso británico más importante del siglo XIX y, por qué no, de todos los tiempos, hasta tal punto que su “nombre de guerra” ( Joey) se usa todavía en Inglaterra como sinónimo de clown.

Shalom – Golda, la dama de hierro de Israel

Shalom – Golda, la dama de hierro de Israel

El 15 de diciembre se estrenó la película GOLDA que narra la historia de Golda Meir, a quien da vida Helen Mirren. Primera ministra mujer de Israel, enfrentó responsabilidades y decisiones intensamente dramáticas y de alto riesgo durante la Guerra de Yom Kippur.

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/golda-dama-hierro-israel/7037773/

Sy Oliver

Crédito: William Bjornstad

Melvin Oliver, más conocido como Sy Oliver, nació en Battle Creek, Míchigan, Estados Unidos, el 17 de diciembre de 1910, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 28 de mayo de 1988. Músico, arreglador, trompetista, compositor, cantante y director de orquesta.

El sitio www.apoloybaco.com publicó este recordatorio.

Sy Oliver.

Hijo de profesores de música, James Melvin «Sy» Oliver, (17 de diciembre de 1910, Battle Creek, Míchigan, Estados Unidos – 28 de mayo de 1988, Nueva York, Estados Unidos),  empezó a tocar la trompeta a los 12 años recibiendo clases de su padre y ensayando en una orquesta de jóvenes de su edad. Tocó con los «Cliff Barnett’s Club Royal Serenaders» durante tres años de manera alterna. En 1928, tras obtener el diploma escolar se enroló en la banda de Zack White, los «Chocolate Beau Brummels» tocando en Cincinnati. Entre 1930 y 1933 se dedicó a la enseñanza y a los arreglos y al término de ese aprendizaje, el director de una de las mejores orquestas de swing de la época, Jimmie Lunceford, lo contrató, para tocar la trompeta y para que le escribiera los arreglos de la banda.

La orquesta de Jimmie Lunceford, debe su fama fundamentalmente a los extraordinarios arreglos de Sy Oliver, dejando a su marcha, a finales de 1933, una innumerable colección de temas y composiciones extraordinarias, algunas de las cuales han pasado a ser estándares del jazz. Tras su paso por la orquesta de Jimmie Lunceford, y ya con una bien ganada fama de arreglista singular, recaló en la orquesta de Tommy Dorsey, con quien estuvo hasta casi el comienzo de la II Guerra Mundial. Entre 1943 y 1945 dirigió una orquesta en el ejército y una vez licenciado, actuó con frecuencia en el Zanzíbar Club de New York. Inició la década de los cincuenta trabajando como director musical para varias compañías discográficas entre ellas, DECCA, Jubilee y Bethelehem.

En 1960 consiguió reunir una formación de indudable valor artístico, entre los cuales estaban, Charlie Shavers, George Barnes o George Duvivier. Grabó un disco con ellos, para el sello «Vogue» titulado «Annie Laura» que demostró que sus arreglos seguían siendo magníficos. Dos años más tarde, en 1962, volvió a grabar con el mismo grupo otro álbum titulado: «Easy Walker» y a partir de ahí no hay rastros de su trabajo hasta bien entrados los años setenta, donde grabó para el sello «Black and Blue» y participó en algunos festivales de jazz importantes, entre ellos el de Newport. Sy Oliver, falleció en 1988 y su muerte dejó un hueco importante entre los grandes arreglistas de la era del swing.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento con una presentación en el programa Le grand échiquier, El gran tablero de ajedrez, de la televisión francesa, 9 de mayo de 1973. En esa oportunidad interpretó una selección de clásicos del Jazz.

Valdemar Langlet

Valdemar Langlet nació en Lerbo, Suecia, el 17 de diciembre de 1872, y murió en Estocolmo, Suecia, el 16 de octubre de 1960. Editor, esperantista, Justo entre las Naciones.

El sitio www.wikiwand.com publicó este recordatorio.

Valdemar Langlet

Rescate de judíos durante el Holocausto

Valdemar Langlet (sueco:[lanˈlé]; 17 de diciembre de 1872 en Lerbo, Suecia - 16 de octubre de 1960 en Estocolmo) fue un editor sueco y uno de los primeros esperantistas. Con su esposa Nina Borovko-Langlet en Budapest, se le atribuye haber salvado a muchos judíos del Holocausto, al proporcionar documentos suecos que decían que la gente estaba esperando la nacionalidad sueca. Raoul Wallenberg se inspiró en Langlet y utilizó el mismo método para salvar a los judíos cuando llegó a Budapest. En 1965, Valdemar y Nina Langlet fueron reconocidos como Justos entre las Naciones por Yad Vashem.

Vida Temprana

Era hijo del arquitecto Emil Victor Langlet y su esposa, la autora Clara Mathilda Ulrika Clementine Söderén (1832-1904). Su hermano incluía al químico Abraham Langlet (1868-1936).

Después de sus años de estudiante (en Alemania, Austria y Suiza) trabajó como ingeniero, y más tarde como periodista y editor de muchos periódicos suecos (entre otros, Svensk Handelstidning y Svenska Dagbladet). Escribió libros sobre temas de actualidad y sobre viajes a Rusia y Hungría. En 1890, aprendió Esperanto, y fue miembro fundador del club de Esperanto de Uppsala en 1891, el segundo club de Esperanto en el mundo, y durante muchos años se desempeñó como presidente del club. Cuando se fundó la Federación Sueca de Esperanto en 1906, se convirtió en su presidente, hasta el gran Ido-cisma durante la Pascua de 1909.

En 1899 se casó con la esperantista finlandesa Signe Blomberg de Turku. Después de su muerte en 1921, conoció a Nina Borovko, la hija de Nikolai Afrikanovich Borovko, un amigo y un esperantista pionero en Rusia. En 1925, Valdemar y Nina se casaron.

En 1932, Langlet fue contratado por la Universidad de Budapest, donde se desempeñó como profesor de lengua sueca. Al mismo tiempo, trabajó como oficial en la Embajada de Suecia en Budapest.

Años de guerra

En 1944, cuando la Segunda Guerra Mundial se volvió cada vez más peligrosa para la vida de los húngaros, Langlet todavía trabajaba en la universidad y la embajada. Vio la cruel persecución no solo de los judíos, sino también de otras personas no favorecidas por el régimen fascista. Junto a su esposa Nina, inició labores humanitarias bajo la protección de la Cruz Roja Sueca. Al principio, ayudó a sus propios conocidos uno a la vez. Pero poco a poco el grupo fue creciendo, y pronto tuvo una larga fila de personas en su puerta rogando su ayuda.

La casa de Nina y Valdemar ya no era suficiente para su labor humanitaria. Buscaron y alquilaron apartamentos, casas y fincas. Las personas que abandonaron la ciudad dieron su hogar a los Langlet. En muchos lugares, tanto en Budapest como en los alrededores, organizaron orfanatos y casas de seguridad para personas mayores. Distribuyeron alimentos y medicinas. En algunas de estas casas, ocasionalmente escondían en secreto a personas que eran perseguidas por ser judías, o personas que por una razón u otra no eran deseadas por los fascistas húngaros o las SS alemanas.

Durante el último año de la guerra, miles y miles de judíos húngaros fueron transportados a una muerte segura en campos de concentración alemanes. Langlet ya durante sus primeros años en Budapest estableció cálidas interrelaciones con muchas familias judías. A principios de 1944, de repente se dio cuenta de que algunas personas que conocía desaparecían sin previo aviso. Otras personas buscaron en secreto a Langlet para expresar su miedo a ser arrestadas y transportadas a los campos. Langlet ahora entendió lo que tenía que hacer. Mediante acciones oficiales de la Embajada de Suecia, pudo ayudar a algunas personas que tenían algún tipo de relación con Suecia. Por los demás no podía hacer nada. La situación parecía irremediablemente oscura. Aunque no tenía derecho a actuar sin la sanción de las autoridades suecas en Estocolmo, instaló una unidad de protección especial en la embajada y luego en la oficina de su casa.

 

Eulalio Gónzalez

Eulalio González Ramírez, más conocido como el Piporro, nació en Los Herreras, Nuevo León, México, el 16 de diciembre de 1921, y murió en San Pedro Garza García, Nuevo León, México, el 1 de septiembre de 2003.​ Actor, comediante y cantante.

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Eulalio Gónzalez "Piporro"

Nació el 16 de diciembre de 1921 en Los Herreras, Nuevo León.

Hijo de PABLO GONZÁLEZ BARRERA y ELVIRA RAMÍREZ GONZÁLEZ.

Durante su infancia vivió en Nuevo León y luego en Tamaulipas.

En su juventud residió en Monterrey y en la ciudad de México.

Después, volvió a Monterrey, donde radica actualmente, en su segunda juventud, porque como dice: "Todavía le cuelga para que llegue a mi tercera edad".

Estudió primaria, secundaria y preparatoria; entró a la Facultad de Medicina, pero no concluyó la carrera, la cual dejó para estudiar Contaduría.

Se tituló, pero jamás ejerció.

Se inició dentro del ambiente artístico en una estación de radio en Monterrey, era Diciembre de 1942.

Como compositor y como actor, su inicio fue en la ciudad de México, en 1950.

Su primera obra musical fue "CHULAS FRONTERAS".

Se desempeñó como reportero, redactor, locutor, escritor de guiones cinematográficos, director de cine, compositor y "bracero musical", interpretando sus canciones.

"Los deportes que he practicado son el basquetbol, beisbol, natación y equilibrista, ya que en épocas malas, ¿quién no?".

Respecto a su personalidad, considera que es difícil autodefinirse: "Pues puede uno pecar de 'adornado', o de falsa modestia, pero en general soy alegre, cuando no me enojo; activo, a excepción de cuando duermo. Parlanchín o ruidoso, despierto; aunque quieto cuando estoy dormido, pero creo que ronco y despierto a los demás." Le gusta escuchar música, ver buen cine y jugar dominó.

Disfruta mucho los viajes.

Las obras musicales que le han dado mayores satisfacciones, son entre otras, "EL TACONAZO" y "CHULAS FRONTERAS", porque con ellas el público lo identificó con un personaje y un género que él inició, y que afortunadamente continúa.

También "DON BALDOMERO", "NATALIO REYES COLÁS", "BORRACHERA" y otras que el público le solicita en sus presentaciones.

Ha sido objeto de innumerables distinciones y reconocimientos por su trayectoria artística, sería difícil enumerarlos todos y precisar fechas, ya que han sido muchas las empresas, asociaciones de periodistas, de locutores, disqueras, estaciones de radio y televisión, agrupaciones, Gobiernos Estatales y Municipales que le han dedicado homenajes, trofeos, diplomas, étc., y el público en general, el homenaje más emotivo, su reconocimiento y aplauso.

Una anécdota narrada por él: "En cierta ocasión que tuve que actuar improvisadamente en un evento social, expresé lo siguiente, a manera de justificación, por no estar debidamente preparado para hacerlo:

- Ustedes me piden que cante y es mi obligación informarles la verdad.

En mis primeras grabaciones el que hablaba era yo, decía aquello de: 'Ahí ‘tas Pancha, ahí ‘tas...', pero el que cantaba era Mario Lanza.

"¡Dónde que se muere...! ¡Y deje de grabar!

Reanudé mi carrera discográfica, ahora cantando por mí un muchacho que apuntaba muy bien... PLÁCIDO DOMINGO.

¡Dónde que se hace famoso!.

De paso me retiro de los discos.

Así que si insisten que cante, no van a tener más remedio que escucharme con mi propia voz.

Después de la actuación, los comentarios fueron bastante enaltecedores:

- ‘¡Pues yo lo oí igual que en los discos!.’

- ‘¡Podían haber prescindido de quienes lo doblaban!.’

Otro más gordo dijo:

-‘¡Canta como Pavarotti!’.

Contesté:

-‘¡No es para tanto, como Pavarotti, pero a lo Pobrerotti!’.”

Concluye diciendo:

"En el cine he actuado al lado de los más grandes actores de ayer: FERNANDO SOLER, ANDRÉS SOLER, los dos Pedros, INFANTE y ARMENDÁRIZ; LUIS AGUILAR, ARTURO DE CÓRDOBA, étc., y actrices como MARÍA FÉLIX, ROSITA y ELVIRA QUINTANA.

Con los de ahora: VICENTE FERNÁNDEZ, LOS TIGRES DEL NORTE, LOS GARIBALDIS, étc.

Con los de mañana, les informaré después...".

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con El Taconazo.

Johann Sebastian Bach. Partita Nº 1 en Si Bemol Mayor BWV 825. María Laura Del Pozzo.

Hadi Karimi

A continuación, de Johann Sebastian Bach, la Partita Nº 1 en Si Bemol Mayor BWV 825, en la versión de María Laura Del Pozzo en piano.

Rudolf von Laban

Rudolf von Laban nació en Bratislava, Eslovaquia, entonces Imperio Austro Húngaro, el 15 de diciembre de 1879, y murió en Weybridge, Surrey, Reino Unido, el 1 de julio de 1958. Maestro, coreógrafo y teórico de la danza.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio.

Rudolf von Laban

(Bratislava, 1879 - Weybridge, Surrey, 1958) Bailarín y coreógrafo austríaco de origen húngaro que fue uno de los teóricos de la danza más influyentes del siglo XX. Formado como bailarín en París, estudió además la danza negra y árabe y se interesó por la escenografía y el arte dramático.

Rudolf von Laban

Rudolf von Laban creó e interpretó coreografías sin acompañamiento musical (Agamennons Tod, 1924) que rompían con el academicismo imperante. Con ello pretendía satisfacer nuevas exigencias expresivas a través de la relación entre espacio, movimiento y ritmo y de una actuación del intérprete en la que éste se había de concentrar al máximo porque «todo movimiento exterior es consecuencia de otro interior».

Este principio fue el fundamento de una actividad didáctica que culminó en 1910 con la fundación en Mónaco de la primera escuela de danza libre, en la que se formaron grandes bailarines como Mary Wigman y Kurt Joos. También creó un sistema de notación coreográfica al que llamó cinetografía y que en los países anglosajones ha recibido el nombre de labanotación.

Tras organizar los espectáculos de danza de los Juegos Olímpicos de Berlín (1936), los jerarcas del nazismo prohibieron todas sus actividades; dos años después se estableció en Inglaterra. Sus últimos años los pasó dedicado a la enseñanza en el Laban Art of Movement Center. Entre sus numerosas obras figuran Die Welt des Tänzers (1920), Choreographie (1926), en la que ilustra su método de notación, y Principles of Dance and Movement Notation (1956).

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Escena final de The Living Idol, de Rudolf Laban, y un Documental titulado Danza Expresionista Alemana - Rodolf V. Laban.

Rosalyn Tureck

Rosalyn Tureck nació en Chicago, Estados Unidos, el 14 de diciembre de 1914, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 17 de julio de 2003. Pianista y clavecinista.

El sitio www.interlochen.org publicó este recordatorio.

Rosalyn Tureck (n. Chicago, 14 de diciembre de 1913, m. Nueva York, 17 de julio de 2003) fue una de las más grandes personalidades musicales del siglo XX.

Sus brillantes y dedicadas interpretaciones de la música de Johann Sebastian Bach se basaron en la profundidad de su conocimiento. Aunque interpretó Bach en una amplia variedad de instrumentos de teclado (clavicordio, clavecín, órgano e incluso el sintetizador Moog), sus pioneras interpretaciones de Bach en piano fueron una influencia inspiradora para las generaciones de pianistas siguientes, como el joven Glenn Gould, quien contó que asistió a un recital de Tureck en Toronto y luego dijo que ella era la única pianista a la que admiraba.

Teclista, profesora, directora de orquesta, académica, autora y conferencista, la Dra. Tureck fundó la Sociedad Internacional Bach en la ciudad de Nueva York en 1966 y el Instituto Tureck Bach en 1981 para promover la investigación y la interpretación de la música de Bach. En Oxford, Inglaterra, en 1993, fundó la Fundación de Investigación Tureck Bach, de la que renunció en 2000. A su regreso a Nueva York en 2001, reconstituyó el Instituto Tureck Bach como Instituto de Investigación Tureck Bach. Sus propósitos incluyen otorgar subvenciones y premios para la investigación e interpretación de la música de JS Bach y promover la publicación de los escritos académicos de la Dra. Tureck. También apoyó el establecimiento del Concurso Internacional de Bach para Jóvenes Pianistas de Tureck, bienal, dirigido por su ex alumna de piano, Golda Vainberg Tatz. Entre los estudiantes notables de la Dra. Tureck se encontraban muchos que no eran teclistas, incluida la guitarrista estadounidense  Sharon Isbin y la violinista y directora de orquesta rusa Rimma Sushanskaya, quien dirige un festival de música anual que ella estableció en su ciudad natal de Stratford-upon-Avon, Reino Unido.

La Dra. Tureck enseñó en la Escuela de Música Juilliard, la Escuela de Música Mannes, la Universidad de Columbia y la Universidad de Maryland. En 1970 fue nombrada miembro vitalicio del St. Hilda's College, Oxford, y en 1973 se convirtió en miembro visitante del Wolfson College, Oxford. Dio recitales, clases magistrales y conferencias en todo el mundo.

Aunque más conocida por sus interpretaciones de Bach, Rosalyn Tureck interpretó un amplio espectro de música de su época, incluidas obras de Aaron Copland, Luigi Dallapiccola, David Diamond, Arnold Schoenberg y William Schuman, muchas de las cuales fueron escritas para ella. Alumna de Jan Chiapusso y Sophia Brilliant-Liven en Chicago y de Olga Samaroff en la Juilliard School, hizo su debut en orquesta profesional tocando el Segundo Concierto para piano de Brahms con la Orquesta de Filadelfia bajo la dirección de Eugene Ormandy y realizó una gira con la Orquesta Sinfónica de Minneapolis dirigida por Dimitri Mitropoulos en interpretaciones del Segundo Concierto para piano de Rachmaninoff. Fue la primera mujer en dirigir un concierto por suscripción de la Filarmónica de Nueva York y también fundó The Tureck Bach Players en Londres (1957) y produjo una serie de seis conciertos del Tricentenario de Bach en el Carnegie Hall en 1985.

Los honores incluyeron Mus Honorario. D. de la Universidad de Oxford (1977) y la Cruz de Comendador de la República Federal de Alemania (2002). Además de los Institutos Bach mencionados anteriormente, fundó Composers of Today en la ciudad de Nueva York entre 1949 y 1953, y el Instituto de Estudios Bach en Nueva York.

Rosalyn Tureck actuó, enseñó y escribió activamente hasta poco antes de su muerte. En sus últimos meses completó ensayos y análisis de libros sobre Las variaciones Goldberg y La interpretación de Bach, siendo este último una versión revisada y ampliada de su ensayo de tres volúmenes Introducción a la interpretación de Bach (Oxford 1960). También escribió una autobiografía que detalla su extraordinaria carrera, Rosalyn Tureck: A Life with Bach, que se publicó póstumamente (Pendragon Press 2019).

El arte de Rosalyn Tureck vive a través de sus numerosas grabaciones publicadas por VAI, DGG, EMI, BBC y Sony; y vídeos de conciertos en vivo, publicados por VAI, así como por su Instituto y sitio web.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con la Partita Nº 2 en Do Menor BWV 826, de Johann Sebastian Bach.

Heino

Heinz Georg Kramm, más conocido como Heino, nació en Düsseldorf, Alemania, el 13 de diciembre de 1938. Cantante.

El sitio www.last.fm/es publicó esta biografía.

Heino

Biografía

Fecha de nacimiento 13 Diciembre 1938 (85 años)

Lugar de nacimiento Düsseldorf, Nordrhein-Westfalen, Alemania

Heino nació en Düsseldorf en 1938. Su padre moriría en 1941 en la Segunda Guerra Mundial y tuvo que ser cuidado por su madre. Siempre estuvo interesado en cantar y decide dedicarse a ello de forma profesional. En 1955 debuta en un escenario y en 1961 formaría parte de un trío de cantantes llamado OK Singers, pero no saltaría a la fama hasta años después.

En 1965 un agente llamado Ralf Bendix se fija en él y decide producir su primer sencillo, llamado Jenseits des Tales. El tema fue un éxito logrando vender más de 100.000 copias, y a partir de ahí Heino comenzó a grabar más canciones y realizar varias giras. En los años 70 varios de sus temas aparecen en televisión y en 1972 interpretaría su mayor éxito hasta la fecha, Blau blüht der Enzian, con el que llegó a alcanzar la segunda posición en las listas alemanas, y es su periodo de mayor éxito. En 1977 llega incluso a realizar un programa de televisión en ZDF llamado Sing mit Heino

Durante los siguientes años Heino continuaría grabando singles y participando en programas de televisión, realizando también una gira por países extranjeros como los Estados Unidos o Canadá, y actuando en diversos festivales como estrella del género musical. Actualmente su carrera sigue en activo, tras grabar más de 50 singles y varios álbumes recopilatorios, vendiendo aproximadamente más de 30 millones de copias de sus discos.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Rosamunde, con André Rieu y la Orquesta Johann Strauss.

El Mirador Nocturno – Radio / Compositores Austriacos 2 - Carl Ditters von Dittersdorf

El Mirador Nocturno – Radio / Compositores Austriacos 2 - Carl Ditters von Dittersdorf

Hoy les presento el 2º programa de La Música de Todos Los Tiempos, con el Cuarteto de Cuerda Nº 4 en Do Mayor, la Sinfonía Nº 1 en Do Mayor, Las cuatro edades del mundo según Las metamorfosis de Ovidio, la Sinfonía Concertante para Contrabajo, Viola y Orquesta, el Concierto para Arpa y Orquesta en La Mayor, y el Concierto para Piano y Orquesta en La Mayor, de Carl Ditters von Dittersdorf.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Joe Williams

Joe Goreed, más conocido como Joe Williams, nació en Cordele, Georgia, Estados Unidos, el 12 de diciembre de 1918, y murió en Las Vegas, Nevada, el 29 de marzo de 1999. Cantante.

El sitio www.apoloybaco.com publicó este recordatorio.

Joe Williams.

Con apenas tres años de edad, Joe Williams (Cordele, Georgia, 12 de diciembre de 1918 – Las Vegas, 29 de marzo de 1999), se trasladó con su familia a Chicago, y a mediados de los años treinta formó su propio grupo vocal, los «Jubilee Boys». En 1937 tocó con la orquesta de Jimmie Noone, aunque el clarinetista era poco dado a utilizar en sus actuaciones a los cantantes, por lo que tuvo que dejarlo muy pronto. Con poco trabajo en el entorno del jazz, Williams, se vio obligado a cantar en la orquesta de baile de Les Hite, aunque en 1939, recobró el camino del canto jazzistico cuando colaboró puntualmente con la orquesta del saxofonista, Coleman Hawkins.

En 1941, se unió a la orquesta de Lionel Hampton, en 1943 a la de Andy Kirk y en 1944 cantó con el dúo de Gene Ammons y Bud Johnson. 1946 fue el año en que grabó sus primeros discos con la orquesta de Red Saunders para el legendario sello «Okeh». No fue hasta 1950-1951, cuando grabó las primeras sesiones de grabación a su nombre para el sello, «Emus», un disco titulado: «Everyday i Have the Blues», un álbum que recibió los elogios de toda la crítica. Tras un largo paréntesis de tres años, reapareció en el seno de la orquesta del gran maestro, Count Basie, en sustitución del cantante habitual de la orquesta, Jimmy Rushing. Con la orquesta de Basie, Joe Williams, graba sus primeros éxitos, entre los que destaca, el famoso «Every Day» y «All Right», donde es muy valorado su estilo suave y refinado, e intenso y espontáneo a la vez.

Con la orquesta de Count Basie, Joe Williams pasó seis intensos y fructíferos años, hasta que en 1961, empezó a actuar como cantante solista. Más adelante, entró a formar parte del quinteto de Harry «Sweets» Edison, y del trío de Junior Mance. En 1957, colaboró con la orquesta de Jimmy Mundy y en 1959 con la de Jimmy Jones. Su fama y su canto le abrieron las puertas de los principales festivales de jazz y de blues del mundo. En 1962, realizó una gira por Europa y a renglón seguido firmó un contrato con la RCA, que puso a su disposición las orquestas de Oliver Nelson, y de Frank Hunter. A finales de los sesenta, su trabajó derivó hacía los pequeños locales de fiesta donde ejercía de animador de espectáculos.

Su legado discográfico es extenso y selecto, y a lo largo de su carrera ha grabado para los sellos más importantes, entre ellos: el citado RCA, Roulette, Blue Note, Savoy, Vanguard, Verve y Telarc, donde prácticamente estuvo hasta el día de su fallecimiento en 1999.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Every Day I have the Blues, y la Orquesta de Count Basie.

Dámaso Zabalza

Dámaso Zabalza Olaso nació en Irurita, Navarra, España, el 11 de diciembre de 1835, y murió en Madrid, España, el 27 de febrero de 1894. Compositor y pianista.

El sitio www.dbe.rah.es publicó este recordatorio firmado por Gemma Salas Villar.

Dámaso Zabalza Olaso

Biografía

Zabalza Olaso, Dámaso. El Chopin español. Irurita (Navarra), 11.XII.1830 – Madrid, 27.II.1894. Pianista, pedagogo y compositor.

Inició su formación musical como niño de coro y organista. Más tarde amplió sus estudios de Piano en Pamplona con Vidaola, y los de Armonía con Mariano García. Con sólo quince años comenzó a dar clases en San Juan de Pie de Port a cambio de la enseñanza general y de la manutención que dicho establecimiento le proporcionaba. En 1855 se estableció en Madrid, donde tuvo que subsistir los primeros años tocando el piano en el Café de la Perla a la vez que desempeñaba el puesto de músico mayor del Tercer Regimiento de Ingenieros. Paralelamente perfeccionaba sus estudios de Piano y desde 1857 comenzó a impartir clases en el centro, primero como profesor auxiliar y después como profesor numerario (1868), cargo que desempeñará hasta su muerte.

Desde su Cátedra de Piano consolidó el desarrollo del piano romántico junto a Eduardo Compta y Manuel Mendizábal. Pedagógicamente se inclinó hacia la consecución de una técnica virtuosística, siguiendo la moda de mediados de siglo. Fue uno de los grandes pedagogos españoles, que desde el Conservatorio de Madrid, formó a una pléyade de pianistas de todas las clases sociales, tal y como Peña y Goñi decía: “Desde la hija del magnate hasta la de la humilde portera, la enseñanza de Zabalza ha recorrido toda la escala social y con el mismo amor de padre atendió al poderoso y al pobre, sin hacer distinciones entre la que se sentaba ante el lujoso piano de cola de Pleyel o de Erard, y la que dejaba deslizar sus dedos yertos de frío en un modestísimo instrumento de alquiler”. Entre sus alumnos destacan Emilio Serrano, José Tragó, Consuelo Chávez, Eloisa de la Parra, José González de la Oliva o Juan Rivas y Carpintero.

Su producción didáctica está adaptada a cada uno de los cursos del programa del conservatorio, no escribe el método tradicional sino que prefiere crear pequeñas obras destinadas a ejercitar la técnica pianística por medio de ejercicios como Una hora de gimnasio, Op.7, Escuela de velocidad Op. 128 o Mecanismo a diario, o estudios: 12 Estudios de Mecanismo, Op. 66 y Op. 67, 12 Estudios Especiales de piano Op. 60, 15 Estudios de mecanismo y estilo, Op. 78, Estudio de salón y estudios titulados basados en aires españoles: La alegría del campo o En los Pirineos.

Como pianista estaba presente en todos los foros musicales de su tiempo, participó en conciertos de todo tipo desde el café, en los primeros años, a los salones burgueses o nobiliarios, las salas de concierto de las sociedades musicales o de los teatros. Como muestra del éxito obtenido en estas salas de concierto, recogemos la crónica del segundo concierto organizado por la Sociedad Unión Artístico-Musical de Socorros Mutuos, fundada el 24 de junio de 1860, fue pionera en la organización seria de conciertos donde se estrenaba lo más significativo del repertorio europeo como en este concierto de Zabalza: “[...] La tercera parte la constituía principalmente el concierto de piano en Re menor de Mendelssohn (primera audición), ejecutado por el simpático pianista D. Dámaso Zabalza. Este distinguido artista fue objeto de una entusiasta ovación, siendo obsequiado con siete u ocho magníficas coronas. Obligado a tocar solo, una vez terminado el concierto, tocó una bonitísima Galop de concierto de su composición, digna hermana de las chispeantes obras que ha compuesto el Sr. Zabalza y que se tocan en todos los pianos de Madrid. El mayor elogio que se puede hacer de Zabalza lo hizo, según consigna un crítico, un niño de cuatro años que estaba al lado de su madre poniéndose sobre las puntas de los pies, por ver al que tocaba, hasta que, cuando de no lograr su objeto, preguntó: Mamá, ¿Cuántos tocan el piano? Uno solo, hijo mío, —contestó la madre sonriendo al ver la expresión de incrédulo asombro que se pintaba en el infantil semblante. Zabalza ha nacido para tocar el piano”. También intervino regularmente en los salones del Salón Romero, la Sociedad Filarmónica de Madrid o el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Zabalza también desarrolló su actividad concertística en agrupaciones camerísticas. Principalmente junto al gran violinista Pablo Sarasate, con quién ofreció una gira de conciertos por toda España, de la que da cuenta la Crónica de la música: “Barcelona 6.- Ha llegado a esta capital el eminente violinista Pablo Sarasate, procedente de Zaragoza, en donde ha dado dos brillantísimos conciertos, produciendo un entusiasmo indescriptible entre los zaragozanos, por quienes ha sido festejado con dos serenatas y con multitud de obsequios, en unión del reputado pianista Zabalza que le acompaña en su expedición artística participando de sus triunfos”. También sustituyó a Juan María Güelbenzu en la Sociedad de Cuartetos fundada en 1863 por Jesús de Monasterio con el objetivo de dar a conocer el repertorio de música de cámara clásico-romántico, Haydn, Mozart, Beethoven y Mendelssohn eran los compositores más interpretados. Además en algunas ocasiones acompañó a cantantes, como en el estreno junto a Blasco del monólogo en verso de Felipe II en el Salón Romero (1886), una canción para voz de bajo compuesta por Arrieta, que formaba parte de un álbum conmemorativo dedicado a la reina Cristina por la Sociedad de profesores de Música y aficionados del Salón Romero en señal de pésame por el fallecimiento de Alfonso XII.

No llegó a formar una familia, incluso llegó a vivir más de dieciocho años en una casa de huéspedes y posiblemente desde 1892 compartía la vivienda con el gran compositor navarro Emilio Arrieta, al que le unió una estrecha amistad. Desde 1881 acompañó a Arrieta en los conciertos extraordinarios de las fiestas de San Fermín a petición del Orfeón y de la Sociedad de Santa Ceciclia de Pamplona, en la que también tomaron parte Gayarre, Güelbenzu, Sarasate y Chapí.

Fue el pianista de moda de Madrid durante muchos años, que escribió numerosas composiciones, pues su catálogo asciende a doscientas dieciocho obras; éstas siguen el gusto de la época desde todos los géneros y fueron publicadas por Casimiro Martín, Carrafa y Sanz, Zozaya o Antonio Romero. También fueron difundidas como suplemento musical en revistas como La Correspondencia musical. La mayor parte de su producción está dirigida a los salones, por una parte compone todo tipo de danzas polkas, mazurcas, pavanas, tangos..., caprichos como El Canto de las Hada. Capricho-Poético y también cultiva los géneros intimistas con la composición de varios nocturnos y dos baladas, la primera dedicada a su amigo el violinista Pablo Sarasate. Por otra parte, se dedicó a la producción de colecciones a gran escala, como El recreo de la infancia — colección de piezas fáciles—, Album de música de baile de sociedad, Escenas campestres, Escenas pintorescas, Flores fantásticas —álbum de bailes de salón—, Las flores imposibles —álbum de bailables—, La Mallorquina —colección de sies piezas de baile—, Las doce —álbum de habaneras para piano—, Recuerdos de la Habana —colección de contradanzas americanas—, Las Perlas Teatrales —álbum de bailes de los salones aristocráticos— o Miniaturas Musicales. Estas colecciones solían constar de varias danzas tituladas con nombres descriptivos. A modo de ilustración, el álbum de bailes de salón, La Semana Musical, estaba formado por siete bailes para cada día de la semana: 1. Lunes (polka), 2. Martes (polka mazurka), 3. Miércoles (schotish), 4. Jueves (redova), 5. Viernes (tango americano), 6. Sábado (habanera), 7. Domingo (vals). Esta producción refleja el diletantismo reinante en los salones donde una gran parte del repertorio está conformado por piezas fáciles y simples de carácter circunstancial, destinadas al concierto del salón, o bien, respondían a un objetivo didáctico.

Sin embargo, como todo concertista, parte de su producción está destinada a sus propios conciertos, entre la que destacan varios caprichos de concierto basados en distintas temáticas como óperas españolas: D.ª Juana la loca del maestro Serrano, obras extranjeras: el Ave María de Gounod y obras españolas: Cantos de mi cuna, Capricho de concierto sobre dos motivos baztaneses. El género español también está ampliamente representado en su catálogo, como compositor navarro compuso varios zortzicos: Aritzari, Chit Ederra, Guernikaka Arbola, Guipuzcuoa, Delicias vascongadas, 4 Zortzicos originales y un capricho vasco Egun bat Donostian. Capricho vascongado y como español dos pot-pourri: España y sus Cantares, ¡Viva España! y una Serenata Español, entre otras obras. Al igual que las generaciones anteriores continuó con la composición de fantasías sobre óperas italianas, entre las que destacan: Lucrecia Borgia, El Trovador, La Traviata o Aida, sin embargo a estas óperas ya se unen obras españolas como Marina de Arrieta y la fantasía sobre una melodía vasca El eco del monte Auza, y las más contemporáneas Rienzi de Wagner y Fausto de Gounod o algunas de nueva factura como El Carnaval de Venecia.

Su trayectoria profesional fue reconocida con el nombramiento de caballero de la Real y Distinguida Orden de Carlos III y el título de Hijo Adoptivo de Puente la Reina, en homenaje a un compositor navarro.

Obras de ~: 12 Estudios Especiales de piano para el desarrollo de la mano izquierda, Op. 60, A. Romero, Madrid 23 de septiembre de 1874; 24 Sonatinas para piano, II año 1.º cuaderno y III año 2.º cuaderno, Op. 61, A. Romero, c. 1875; 12 Estudios de Mecanismo Op. 66, Primer año, A. Romero, c. 1875; 12 Estudios de Mecanismo. Op. 67, 2.º año de Piano. A. Romero, c. 1875; 15 Estudios de mecanismo y estilo Op. 78, Primer año de piano, Zozaya, c. 1879; 12 Sonatas. (Mediana fuerza) para enseñanza de 5.º año de piano Op. 217, 1.º lib, U.M.E.; 25 Estudios melódicos y de bravura para piano, A. Romero, c. 1879; Mecanismo a Diario, S.D.M; Nueva edición de los célebres estudios de Cramer, Escuela de velocidad Op. 128, Zozaya, 1885; Una hora de gimnasia. Ejercicios diarios para los pianistas de todas fuerzas, Op. 72, U.M.E. Véase también L. G[racia] Iberni, “Zabalza Olaso, Dámaso”, en E. Casares Rodicio (dir. y coord.), Diccionario de la música española e hispanoamericana, vol. X, Madrid, Sociedad General de Autores y Editores, 2001, pág. 1075.

Fuentes y bibl.: Archivo del Ayuntamiento de Puente la Reina, Libro de actas, enero de 1880-enero de 1885.

V. Cuenca, “Sociedad de Cuartetos”, en El Artista (Madrid), n.º 35, año III (22 de febrero de 1868); “Cuarto concierto de la Filarmónica de Madrid”, en El Arte (8 de marzo de 1873); A. Salazar, La Crónica de la Música, n.º 76, año III (4 de marzo de 1880); García de Cortazo y Sibila, “Dámaso Zabalza y Olaso”, en Ilustración Musical (Barcelona), año I, n.º 16 (15 de septiembre de 1888); Powell, A History of Spanish Piano Music, Bloomington, Indiana University Press, 1980; C. Gómez Amat, Historia de la música española. 5. Siglo xix, Madrid, Alianza Editorial, 1984; A. Ruiz Tarazona, “Liszt en Madrid”, en Revista de Musicología (Madrid), X, vol. 3 (1987); M.ª E. Cortizo, Emilio Arrieta. De la ópera a la zarzuela, Madrid, Instituto Complutense de Ciencias Musicales, 1998; G. Salas Villar, El piano romántico español (1830-1855), tesis doctoral, Oviedo, Universidad, 1998 (inéd.); L. G[racia] Iberni, “Zabalza Olaso, Dámaso”, en E. Casares Rodicio (dir. y coord.), Diccionario de la música española e hispanoamericana, op. cit.

Gemma Salas Villar

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Vals de Concierto para Piano Op. 112, en la versión de Ana Vega Toscano.

Shalom – Janucá en clave de actualidad

Shalom – Janucá en clave de actualidad

Janucá significa "dedicación" y conmemora el milagro que se produjo cuando Judá el Macabeo recuperó Jerusalén y restauró el Templo. El rab Pinhas Punturello nos explica el milagro de Janucá en clave de actualidad.

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/januca-clave-actualidad/7031741/

Esther Forero

Esther Forero Celis nació en Barranquilla, Atlántico, Colombia, el 10 de diciembre de 1919, y murió en cu ciudad, el 3 de junio de 2011. Cantante, compositora, conductora y productora de radio.

El sitio www.radionacional.co publicó este recordatorio el Domingo, 8 Diciembre, 2019

En el centenario de su natalicio, celebrado el 10 de diciembre, Esther Forero es nuestra Artista de la Semana.

CULTURA

Esther Forero Celis fue, por años, la figura más significativa del Carnaval de la Arenosa. Nacida en diciembre de 1919, fue una de las más importantes embajadoras históricas de la música y las tradiciones de la Costa Caribe. Su célebre apodo, Novia de Barranquilla, fue invención del locutor radial Gustavo Castillo, quien contaba que nació tras verla cantando en un carnaval, totalmente vestida de blanco.

Pero gracias a la apropiación de su figura y talento por parte de un pueblo que la idolatró y que ella amó como pocos, mucho se ha perdido en la memoria de cuanto hizo Forero Celis por la música del Caribe colombiano aquí y en otras latitudes. Esther fue pionera en la investigación de las tradiciones musicales de su región, labor que emprendió desde muy joven mientras recorría los pueblos del norte como visitadora farmacéutica, empezó su carrera casi de manera paralela con el nacimiento de la radio en Barranquilla (apadrinada por Carlos Gardel) y luego en Caracas y Panamá; fue la primera mujer en la generación de Lucho Bermúdez, Pacho Galán y José Barros en dedicarse a la composición y vivió episodios de novela en Cuba, Puerto Rico, República Dominicana y Nueva York.

En su libro “Esther Forero, la caminadora”; la investigadora musical Daniela Cura explica: “hablar de Esther Forero a profundidad es hablar de viajes, de aventuras e investigaciones, de luchas y cambios sociales, de distintos tipos de resistencia ante la injusticia. Es acercarse a personajes legendarios y personajes polémicos, algunos conocidos, otros desconocidos o invisibilizados. Es hablar inevitablemente de feminismo y liberaciones femeninas, de encuentros de distintas estéticas, músicas y culturas. Es revisitar el nacimiento de los medios de comunicación y de la industria como la de la publicidad y la discográfica. Es sentir sus pasos fuertes que rompieron barreras”.

Después de ser la más conocida de las artistas en ciernes del Colegio Americano, a sus 14 años, la cantante debutó en la emisora La Voz de Barranquilla, y el éxito fue inmediato. Esa fama de primeriza la llevó, en 1943, a una gira por Venezuela, Estados Unidos y las Antillas Mayores, donde conoció al célebre bolerista boricua Rafael Hernández. El autor del “Lamento borincano” le cedió su tema “Como todas”, y además la instó a que le diera rienda suelta a su inspiración, Su primera canción fue el bolero “Santo Domingo”, creado en honor de la capital dominicana cuando el dictador Rafael Leonidas Trujillo la había rebautizado, a su conveniencia, Ciudad Trujillo. Tal atrevimiento casi le cuesta la vida.

Después de vivir un tiempo en México y en Nueva York, al regresar a su tierra se instaló en el popular sector de Barrio Abajo de Barranquilla, donde empezó a crear temas que fueron grabados por Pacho Galán, Aníbal Velásquez, Guillermo González, La Billo’s Caracas Boys, Joe Arroyo, Dolcey Gutiérrez, Los Vecinos, Nelson Henríquez, Los Melódicos y María Mulata, entre muchísimos ejecutantes.

Hasta bien entrada la década del 90, conocida ya como Esthercita Forero y como La Novia de Barranquilla, fue directora y conductora del programa “Venga con nosotros”, en la Emisora Atlántico; y no hubo carnaval en el que no apareciera, saludando a la multitud, desde alguna de las carrozas festivas. En el recuerdo quedan sus más de 500 composiciones, gran parte de ellas inéditas.

En el centenario de su natalicio, celebrado el 10 de diciembre, Esther Forero es nuestra Artista de la Semana.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Cuando Suena La Cumbia.

Emma Abbott

Emma Abbott nació en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 9 de diciembre de 1850, y murió en Salt Lake City, Utah, Estados Unidos, el 5 de enero de 1891. Soprano.

El sitio www.academia-lab.com publicó este recordatorio.

Emma Abbott (9 de diciembre de 1850 - 5 de enero de 1891) fue una soprano y empresaria de ópera estadounidense conocida por su voz pura y clara de gran flexibilidad y volumen.

Primeros años

Emma Abbott nació en 1850 en Chicago, Illinois, hija del luchador músico de Chicago Seth Abbott y su esposa, Almira (née Palmer). De niña, ella y su hermano George estudiaron canto, piano, guitarra y violín con su padre.

La familia se mudó a Peoria, Illinois, Emma tenía ocho años cuando hizo su primera aparición en el escenario, cantando en un concierto dado en la oficina de su padre en Peoria. En 1854, el profesor Abbott no pudo encontrar un número suficiente de estudiantes de música para llegar a fin de mes y la familia sufrió problemas financieros. Para ayudar, ella y George comenzaron a actuar profesionalmente cuando Emma tenía nueve años. Hizo su debut como guitarrista y cantante en Peoria, Illinois en 1859, con George en el violín, y enseñaba guitarra a los trece años.

Carrera

En 1866, se unió a una compañía de conciertos itinerante y recorrió el país. Mientras actuaba en la carretera, conoció y se hizo amiga de Clara Louise Kellogg. Al escuchar a Abbott en un concierto en Toledo, Kellogg se propuso conocerla y alentarla a seguir una carrera en la ópera y le dio una carta de presentación. En consecuencia, Abbott estudió en la ciudad de Nueva York con Achille Errani e hizo su concierto debut allí en diciembre de 1871.

En 1872, Abbott viajó al extranjero para estudiar con Antonio Sangiovanni en Milán. A esto le siguieron estudios adicionales con Mathilde Marchesi, Pierre François Wartel y Enrico Delle Sedie en París. Apareció en varias producciones en París, obteniendo excelentes críticas por su excelente voz de soprano. Obtuvo un contrato con la Royal Opera de Londres e hizo su debut en Covent Garden como Marie en La Fille du régiment en 1876. Sin embargo, su contrato fue cancelado poco después cuando se negó a cantar Violetta de La Traviata de Verdi por motivos morales. Ese mismo año se casó en secreto con Eugene Wetherell (m. 1889) y regresaron a Estados Unidos, donde permaneció el resto de su vida.

Compañía Abbott de Ópera Inglesa

El 23 de febrero de 1877, Abbott hizo su debut en la ópera estadounidense en Nueva York, una vez más interpretando a Marie. En 1878, ella y su esposo Eugene Wetherell organizaron una compañía de ópera conocida por su nombre (Emma Abbott Grand English Opera Company), que realizó numerosas giras por los Estados Unidos. Fue la primera compañía de ópera formada por una mujer en Estados Unidos. Su esposo dirigía la parte comercial de la empresa y ella manejaba el lado artístico, a menudo protagonizando las producciones.

La empresa se ganó una reputación entre el público por sus producciones de calidad y tuvo bastante éxito. Entre los papeles notables que Abbott cantó con la compañía están Juliette en Roméo et Juliette de Gounod, Virginia en Paul et Virginie, Josephine en H.M.S. Delantal, el papel principal en Martha de Flotow, Amina en La Sonnambula de Bellini y Violetta en La Traviata, papel al que aparentemente ya no se opuso, sin embargo, en lugar de cantar Addio del passato, hizo expirar a Violetta con Nearer, my God, to Thee.

A lo largo de su carrera, mantuvo el control artístico de su compañía, que a veces llegaba a los 60. Aunque el repertorio de la compañía incluía obras de las literaturas operísticas francesa, italiana e inglesa, siempre actuaban en inglés. Muchas de las obras fueron abreviadas y las canciones interpoladas eran comunes. Por esta razón, la compañía y Abbott no eran populares entre muchos críticos musicales que no estaban contentos con los cambios en el repertorio estándar. Sin embargo, la empresa era increíblemente popular entre el público y tenía un éxito financiero constante. La propia Abbott se hizo conocida entre los estadounidenses como 'la prima donna del pueblo'.

Muerte

Abbott continuó actuando hasta su muerte repentina por neumonía en Salt Lake City, Utah, en 1891, a los 40 años. Está enterrada en el cementerio Oak Grove en Gloucester, Massachusetts, junto con su esposo.

 

Johann Sebastian Bach. Partita Nº 1 en Si Bemol Mayor BWV 825. Dinu Lipati.

Hadi Karimi

A continuación, de Johann Sebastian Bach, la Partita Nº 1 en Si Bemol Mayor BWV 825, en la versión de Dinu Lipati en piano.