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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta:
Tributo a Halina Olomucki.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Halina Olomucki: solo papel y lápiz
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Halina Olomucki nació en Varsovia el 24 de noviembre de 1919. A
temprana edad demostró talento artístico y sus primeros recuerdos son de ella
misma dibujando. Halina tenía 18 años cuando estalló la Segunda Guerra Mundial
y fue enviada a la zona oriental del gueto de Varsovia, donde también comenzó a
dibujar y pintar inmediatamente. Fue reclutada a trabajos forzados fuera del
gueto y pudo sacar al exterior dibujos de la vida cotidiana del gueto, del
sufrimiento y la tristeza. Del gueto de Varsovia Olomucki fue deportada a
Majdanek, donde la separaron de su madre, que fue enviada a la muerte. Más
tarde fue enviada a Auschwitz-Birkenau como prisionera con el número 48652.
Algunos de los prisioneros del campo trabajaban en la industria textil, y le
encargaron que realizara carteles para los cuarteles nazis. De Auschwitz fue
forzada a la Marcha de la Muerte, que comenzó el 18 de enero de 1945. El grupo
llegó al campo de Ravensbrück y de allí Halina fue transferida al campo de
Neustadt, de donde la liberaron los aliados.
Ella regresó a Varsovia después de la guerra y se casó con
el arquitecto Boleslan Olomucki. En 1972, emigró a Israel. Halina Olomucki ha
seguido pintando toda la vida, y durante la década de los años 60 realizó
muchas exposiciones en París y Londres. Actualmente vive en Ashkelon, Israel.
Donó sus obras del período del Holocausto y de los dos años siguientes a la
colección de arte del Beit Lohamei Haghetaot (Museo de los Combatientes del
Gueto). Otros trabajos figuran en la colección del Yad Vashem de Jerusalén, y
en colecciones de otros países, incluso en el Musée d’histoire contemporaine y
en el Museo de Auschwitz.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Martha Graham nació en Pittsburgh, Estados Unidos, el 11 de
mayo de 1894, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 1 de abril de 1991. Bailarina
y coreógrafa.
(Allegheny, Estados Unidos, 1894 - Nueva York, 1991)
Coreógrafa y bailarina estadounidense. La renovación experimentada por el
lenguaje de la danza durante el siglo XX tuvo uno de sus puntales en la
aportación de esta bailarina. Según su concepción, la danza, como el drama
hablado, debe explorar la esencia espiritual y emocional del ser humano.
En este sentido es como hay que interpretar coreografías tan
innovadoras en su día como Frontier, estrenada en 1935, y Carta al mundo, de
1940, o toda la serie de trabajos que realizó sobre temas de la mitología
clásica, como Errand into the Maze (1947), Viaje nocturno (1948), Alcestis
(1960), Fedra (1962) y Circe (1963). En una órbita diferente y más convencional
se sitúa uno de sus mayores éxitos: Primavera apalache (1944), con música de
Aaron Copland, ejemplo del interés de Graham por las danzas indias. En 1980 su
estilo giró hacia el neoclasicismo. De su compañía han surgido algunas de las
grandes figuras del ballet contemporáneo, como Merce Cunningham.
Martha Graham en Judith (1950)
Martha Graham se formó en la escuela de danza Denishawn de
Los Ángeles, donde tuvo como profesores a Ted Shawn y Ruth Saint Denis. En 1923
se trasladó a Nueva York e intervino en diversas producciones de Broadway. Allí
dirigió también, entre 1924 y 1925, la sección de danza de la escuela de música
Eastman en Rochester. En 1926 fundó su propia compañía y empezó a preparar sus
propias coreografías, destinadas a marcar la historia de la danza.
Desde sus primeras coreografías, Martha Graham rehuyó la
exuberancia de las producciones de Denishawn y apostó por una sencillez
espartana tanto en el vestuario como en la escenografía; su peculiar línea de
danza, de movimientos severos y angulosos, causó al principio rechazo, pero su
fuerte expresividad le dio pronto adeptos incondicionales. A la vez que creaba
sus coreografías, desarrolló diversas técnicas con las que formó a jóvenes
bailarines, y que incluían trabajos de tensión y relajación y de armonización
de movimiento y respiración.
A partir de 1934, Graham se sirvió exclusivamente de música
especialmente compuesta para ella para preparar sus coreografías. Contó para
ello con la colaboración de destacados compositores norteamericanos como
William Schuman, Aaron Copland y el que fue durante gran parte de su carrera su
director musical y socio, Louis Horst. En sus últimos montajes profundizó en el
uso expresivo, a veces simbólico o alegórico, del vestuario, la iluminación y
el diseño escenográfico, para el que contó con artistas como el escultor Isamu
Noguchi.
Sus trabajos de los años veinte y treinta pusieron de
manifiesto su actitud contra la injusticia social: Revuelta (Arthur Honegger,
1927), Inmigrant (Josip Slavenski, 1928), Cuatro insinceridades (Sergei
Prokofiev, 1929) y Lamentation (Zoltán Kodály, 1930). Mostró también su interés
por la tradición india en Primitive Misterys (Louis Horst, 1931), Frenetic
Rhythms (1933) American Provincials (Louis Horst, 1934) y Frontier (Louis
Horst, 1935). Este último trabajo, de siete minutos de duración y mucho más
dramatizado, evocaba la aventura de una campesina americana en el tiempo de los
pioneros.
Algunos de sus trabajos posteriores revelaron un claro
compromiso político. Dedicó Deep Song (Henry Cowell, 1937) al sufrimiento de la
mujer durante la guerra civil española. Su rechazo al nazismo causó su negativa
a actuar en la inauguración de los Juegos Olímpicos de Berlín (1936). En 1937
creó la coreografía American document, una historia condensada de los Estados
Unidos que representó en la Casa Blanca, ante el presidente Franklin D.
Roosevelt.
Junto a Carta al mundo (1940), inspirada en la vida y obra
de la poetisa estadounidense Emily Dickinson, de los años cuarenta destacan
Viaje nocturno (William Schuman, 1948) y Primavera apalache (Aaron Copland,
1944), dos coreografías que serían llevadas a la gran pantalla. Ambientada a
principios del siglo XIX, Primavera apalache relataba la historia de una joven
pareja en una pequeña comunidad de la frontera americana, dirigida por un
anciano pionero. Centrada en las creencias, miedos y esperanzas en la nueva
tierra de los protagonistas, se convirtió pronto en una obra clásica de la
danza.
Retirada como bailarina en 1970, siguió en activo como
coreógrafa; todavía en 1984, con noventa años de edad, preparó la de La
consagración de la primavera de Stravinski. En 1973 se publicó Notas de Martha
Graham, obra que ofrece un testimonio sobre la inspiración de sus más de ciento
ochenta trabajos.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con un fragmento de 'Steps in the Street. Coreografía y vestuario de Martha
Graham, interpretado por la Compañía de Danza Martha Graham, y un video titulado La
técnica de Martha Graham.
A continuación, de Ludwig van Beethoven, el Trío para
Piano en Re Mayor Op. 70 Nº 1, denominado Fantasma, en la versión del Trío ATOS.
Thomas Hoppe en piano, Annette von Hehn en violín, y Stefan Heinemeyer en
violonchelo.
Ariana y Barbazul, título original en francés, Ariane et
Barbe-Bleue, es una ópera en tres actos con música de Paul Dukas y libreto en
francés de Maurice Maeterlinck, basado en el cuento Barbe-Bleue, de Charles
Perrault. El estreno se realizó el 10 de mayo de 1907, en la Opéra-Comique de
París.
El argumento del cuento es el rechazo a la liberación o el
síndrome de Estocolmo, ya que las cinco mujeres recluidas por Barba Azul
rechazarán la libertad que les brindará Ariane.
Dukas había quedado impresionado con la obra de Maeterlinck
cuando se publicó por vez primera en 1899. Maeterlinck había reservado
inicialmente los derechos de usar Ariane como un libreto para Edvard Grieg.
Cuando éste abandonó el proyecto, Maeterlinck se la ofreció a Paul Dukas, que
estuvo trabajando en la partitura entre 1899 y 1906.
A continuación, la ópera Ariane et Barbe-Bleue, de Paul
Dukas, con el siguiente reparto: Ygraine - Anne-Marie Blanzat, soprano; Mélisande
- Jocelyne Chamonin, soprano; Bellangère - Michelle Command, soprano; Ariane -
Katherine Ciesinski, mezzosoprano; La Enfermera - Mariana Paunova, mezzosoprano;
Sélysette - Hanna Schaer, contralto; Barba Azul - Gabriel Bacquier, barítono; Un
viejo granjero - Chris de Moor, bajo; II. Campesino - André Meurant, tenore; III
Campesino - Gilbert Chrétien, bajo; Alladine, mimo, junto al Coros y la Nueva
Orquesta Filarmónica de Radio Francia, dirigida por Armin Jordan.
James Matthew Barrie, más conocido como J. M. Barrie, nació
en Kirriemuir, Escocia, Reino Unido, el 9 de mayo de 1860, y murió en Londres,
Reino Unido, el 19 de junio de 1937. Novelista y dramaturgo.
"Dios nos ha dado recuerdos a fin de que podamos tener
rosas de junio en el diciembre de nuestra vida"
James Barrie.
Nació el 9 de mayo de 1860 en Kirriemuir, Angus, Escocia.
Hijo de David Barrie y Margaret Ogilvy.
Cuando cuenta cinco años de edad, su hermano David, cercano
a los catorce, fallece en un accidente y su madre se recluye durante meses en
su dormitorio sin querer ver a nadie. James asumió la personalidad de su
hermano vistiéndose hasta con sus ropas y silbando como solía hacerlo David,
con el objeto de reconfortar a su madre, y la idea de permanecer siendo siempre
un niño se convirtió en una fijación para él.
No superó el metro cincuenta de estatura y prefería
frecuentar el trato de la chiquillería al mundo de los adultos.
Cursó estudios en la universidad de Edimburgo.
Autor de una serie de novelas autobiográficas, desde 1890
escribió para el teatro: Walker, London (1893), Quality Street (1902), The
Admirable Crichton (1902) y What Every Woman Knows (1908). Es recordado sin
embargo como el creador de Peter Pan (1904) otros de sus títulos son Dear
Brutus (1917) y Mary Rose (1920). Peter Pan o el niño que no quería crecer,
originariamente era una obra de teatro que luego el autor transformó en cuento.
Barrie basó Peter Pan en unos niños que conoció y de cuya
familia se hizo cargo al morir sus padres. Sylvia Llewelyn Davies, la madre,
fue una mujer de gran belleza, a la que el escritor conoció por casualidad en
los Kensington Gardens de Londres. Sylvia tenía cinco hijos con los que jugaba
Barrie y que le sirvieron de inspiración para su inmortal personaje. Los niños
tuvieron un destino trágico: George murió en la guerra, Michael, el más querido
por Barrie, falleció ahogado junto a su mejor amigo, y, años después, Peter,
conocido por el apodo de Peter Pan, se suicidó al lanzarse al paso de un tren
en Londres.
Nunca tuvo hijos y, casado con una actriz, su relación
estuvo atravesada por problemas que terminaron en un divorcio. En 1913 recibió
el título de baronet y en 1922 la Orden del Mérito. En 1930 fue nombrado rector
de la Universidad de Edimburgo. En 1929, el creador del héroe infantil Peter
Pan, decidió que todos los beneficios obtenidos por la venta de su libro y los
derechos de imagen de su personaje fueran destinados al hospital "Great
Ormond Street" una de las clínicas infantiles más prestigiosas del mundo
en el tratamiento de enfermedades graves.
James Barrie murió en Londres el 19 de junio de 1937.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con un video realizado por El Club de los Cuentistas.
Émile Gallé (Nancy, 8 de mayo de 1846 – Nancy, 23 de septiembre
de 1904) fue un artista francés que trabajó el cristal y es considerado como
uno de mayores representantes del movimiento Art Nouveau francés.
Gallé era hijo de un fabricante de cerámica y muebles.
Estudio filosofía, botánica y dibujo durante su juventud. Posteriormente
aprendería la vidriería en Meisenthal, trabajando posteriormente en la fábrica
de su padre en Nancy tras la Guerra franco-prusiana. En sus trabajos iniciales
usaría un cristal limpio adornado con esmaltes, pero pronto tornaría hacia un
original estilo mediante el uso del cristal pesado y opaco tallado o grabado al
agua fuerte con motivos florales. Su carrera despegaría a partir de que su
trabajo recibiera excelentes críticas en la Exposición de París de 1878.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con una muestra de sus trabajos. El video preparado por www.expertizaje.com no tiene audio.
Publicado: 07 May, 2024 06:11 p.m.Actualizado: 07 May, 2024 07:40 p.m. AR
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Diputados nacionales de todos los partidos con carteles de los argentinos secuestrados por Hamas - Fotos por Gustavo Gavotti
“Hace momentos nos enteramos de la muerte de Lior Rudaeff por eso vamos a comenzar con un minuto de silencio”. El encuentro coordinado por diputados nacionales de diferentes espacios para reclamar por la liberación de los rehenes en manos de la organización terrorista Hamas comenzó momentos después de que la Embajada Argentina en Israel confirmara la muerte del argentino Lior Rudaeff, de 61 años.
Rudaeff fue asesinado el mismo 7 de octubre y su cuerpo se encuentra aún retenido en la Franja de Gaza. Aquel día Lior estaba a cargo de la seguridad del Kibutz Nir Yitzchak, donde vivía junto a su esposa y cuatro hijos.
Su prima Micaela Rudaeff estaba por asistir a un acto en el Congreso cuando se enteró de la noticia, por tal motivo, decidió no participar. Sin embargo, envió una carta.
“Sus anteojos fueron encontrados con sangre. Hace 214 días que Lior está muerto. Es difícil entender lo que estamos viviendo las familias de los secuestrados. Todos los secuestrados tienen que volver a sus casas ya, sanos, salvos y vivos. Lior no va a volver vivo”, decía su mensaje.
La diputada Sabrina Ajmechet
El acto, organizado en el marco de la comisión de Derechos Humanos de la Cámara de Diputados, continuó con una foto conjunta de legisladores de casi todos los espacios políticos con fotos de los rehenes. Participaron, entre otros, los radicales Julio Cobos, Fabio Quetglas y Karina Banfi; los peronistas Leandro Santoro y Santiago Cafiero; Sabrina Ajmechet, Hernán Lombardi, Waldo Wolff y Alejandro Finocchiaro del PRO; Margarita Stolbizer, del GEN; el socialista Esteban Paulón; Juliana Santillán y Martín Menem, de La Libertad Avanza; y Maximiliano Ferraro de la Coalición Cívica. También estuvo presente Jorge Knoblovits, titular de la DAIA.
Asimismo, los diputados coincidieron en firmar un proyecto de declaración conjunta para que la Cámara de Diputados siga pidiendo por la liberación de los secuestrados cada vez que haya sesión.
“Todos los 7 de cada mes son muy difíciles, pero este es más difícil que otros. Pero pudimos hacer algo que quiero destacar: diputados de diferentes partidos políticos que casi nunca nos ponemos de acuerdo en nada pudimos sacarnos esta foto”, remarcó Ajmechet.
Bajo la consigna “7 meses, sin abrazos, sin respuestas, sin palabras” los diputados instaron a redoblar los esfuerzos para conseguir la liberación de las personas secuestradas.
Tras la incursión del grupo terrorista Hamas en el sur de Israel el pasado 7 de octubre, 132 personas, entre ellos 9 argentinos, permanecen secuestradas presuntamente en la Franja de Gaza.
Minuto de silencio por la muerte de Lior Rudaeff
El lunes, el grupo terrorista declaró que informó a Qatar y Egipto la aceptación de una propuesta presentada por estos países para un alto el fuego en la Franja de Gaza.
Sin embargo, el gabinete de guerra de Israel acordó “por unanimidad” seguir adelante con la ofensiva sobre Rafah, en la Franja de Gaza, si bien enviará una delegación de mediadores para “agotar” todas las opciones a fin de cerrar un acuerdo que cumpla con sus requisitos.
La oficina del primer ministro israelí, Benjamin Netanyahu, indicó que la propuesta de alto el fuego liderada por Qatar y Egipto “está lejos” de los requisitos que pide el lado israelí. En este sentido, Israel adelantó que mantendrá su decisión de llevar a cabo una ofensiva contra Rafah “para ejercer presión militar sobre Hamas” a fin de “avanzar en la liberación de los rehenes”.
El mundo celebra los 200 años del estreno de la 9ª Sinfonía
de Beethoven
Forbes Staff | mayo 6, 2024 @ 5:05:00 am
Estrenada en Viena en 1824, la Sinfonía número 9 en Re
Menor, op.125, 'Coral' de Beethoven celebra este 7 de mayo, su 200º aniversario
con conciertos en diferentes ciudades del mundo.
Estrenada en Viena en 1824, la Sinfonía número 9 en Re
Menor, op.125, ‘Coral’ de Beethoven celebra este martes, 7 de mayo, su 200
aniversario con conciertos en ciudades de todo el mundo, entre ellas Viena,
París, Madrid, Barcelona, Buffalo (EU) o Praga.
La Novena Sinfonía, la obra cumbre del compositor alemán
(Bonn, 1770 – Viena, 1827), considerada como una obra maestra de la música
clásica, una de las cumbres musicales de la historia de la música y, como tal,
de gran influencia en el movimiento musical romántico posterior, se ha
convertido además con el tiempo en un símbolo de unión y fraternidad.
La parte cantada de esta sinfonía, su cuarto movimiento,
pone música a la letra escrita por Friederich Schiller, en 1785, en la ‘Oda a
la Alegría’. Y en 1985, la Unión Europea lo convirtió en su himno sin letra.
Esta sinfonía de carácter profundamente humanista, que por
primera vez incluyó solistas y un coro, entre otras innovaciones -entre ellas
también el uso de la percusión y su larga duración, de más de una hora, fue
declarada patrimonio de la humanidad por la UNESCO en 2002. Se estrenó con su
compositor completamente sordo debido a una dolencia con la que lidió Beethoven
mientras la componía.
Beethoven, el último gran representante del clasicismo
vienés, no pudo escuchar las notas de la Novena Sinfonía durante el estreno de
la obra, aunque sí supervisar a través de las partituras el trabajo de
dirección de Michael Umlauf. Al terminar el concierto, tuvo que ser alertado
por los músicos para darse la vuelta y agradecer al público los aplausos, que
acogió la obra con entusiasmo.
La celebración de este bicentenario comenzó el día 4, con el
primero de los cinco conciertos de la Filarmónica de Viena en el Wiener
Musikverein, a los que se unirá el día 7 el programado por la Sinfónica de la
ciudad en el Wiener Konzerthaus.
Salas que han sustituido al Kärntnertortheater, el teatro
donde se estrenó la Novena y que fue demolido en 1870, dejando un espacio que
hoy ocupa el popular Hotel Sacher.
En Berlín, hoy lunes se celebra una velada musical en el
lugar donde se encuentra actualmente el autógrafo de la última sinfonía de
Beethoven: la biblioteca estatal de Berlín, actuación a cargo de un conjunto de
la Deutsches Symphonie-Orchester.
En Alemania se han programado conciertos de la obra en
Hamburgo, en el gran salón de la Filarmónica del Elba, bajo las órdenes del
estadounidense Alan Gilbert, y en Leipzig, por la orquesta Gewandhaus.
La sala de conciertos sinfónicos Filarmónica de París
también rendirá homenaje a esta composición, un emblema cultural de la
Ilustración Europea, los días 6 y 7 de mayo.
El Cadogan Hall de Londres albergará este martes a la
Orquesta Sinfónica Nacional y el Teatro alla Scala de Milán también celebrará
el día 7 de mayo los 200 años del estreno de la obra.
La Filarmónica Checa en Praga, bajo la batuta de Semyon
Bychkov; la Orquesta Filarmónica de Buffalo (EU) en el Kleinhans Music Hall, o
la Orquesta Sinfónica de la Radio finlandesa en el Musiikkitalo de Helsinki,
son otras de las compañías que han elegido este mes de mayo para recordar la
sinfonía.
Igualmente, en España se podrá escuchar la ‘Coral’ del
compositor alemán el 7 de mayo, en el Auditorio Nacional de Música de Madrid,
en el Palau de la Música Catalana de Barcelona, el Palau de Les Arts de
València o el Palacio de Congresos Kursaal de San Sebastián.
EFE
A continuación, la Sinfonía Nº 9 en Re Menor Op. 125, Coral,
de Ludwig van Beethoven, en la versión de los solistas Annette Dasch, soprano;
Mihoko Fujimura, mezzo-soprano; Piotr Beczala, tenor; y Georg Zeppenfeld, bajo,
junto a la Asociación Coral de Viena, dirigida por Johannes Prinz, y la Orquesta
Filarmónica de Viena, todos bajo la batuta de Christian Thielemann.
Una selección de textos de distintos autores y tiempos para
disfrutar en silencio. Reflexiones, pensamientos, frases y poesía para
acompañarte allí donde te encuentres.
Hoy: Dr. Alfredo Carri, de José Narosky.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Jascha Horenstein nació en Kiev, entonces Imperio ruso, el 6
de mayo de 1898, y murió en Londres, Reino Unido, el 2 de abril de 1973. Director
de orquesta.
Jascha Horenstein nació en Kiev el 24 de abril de 1898. Fue
el primer hijo nacido durante el matrimonio de su padre Abraham con su tercera
esposa Marie Ettinger y fue el número trece de los dieciséis hijos de su padre.
Los Horenstein eran una familia judía acomodada. Según el estudioso de los
Horenstein, Misha Horenstein, el joven Jascha recibió su primera lección de
piano de su madre y estuvo expuesto a una gran variedad de música a través de
diversas reuniones de las comunidades judía y jasídica con sede en Kiev.
En 1906, la familia se trasladó a Königsberg. Poco después,
Jascha comenzó a recibir clases de violín con Max Brode. La familia permaneció
en Königsberg hasta noviembre de 1911, cuando se trasladaron a Viena. Jascha se
matriculó en el Staatsgymnasium nº 2, donde entabló amistad con un joven Hanns
Eisler, también alumno de la escuela. En los años siguientes, Horenstein siguió
estudiando violín con el famoso violinista Adolph Busch y con Karl Berla. En
1916 ingresó en la Academia de Música de Viena, donde comenzó a estudiar
composición con Franz Schreker y armonía con Joseph Marx. Fue este curso de
estudio el que finalmente llevaría a Horenstein a entablar otra amistad de por
vida con su compañero de estudios de Schreker, el compositor Karol Rathaus.
En marzo de 1920, Franz Schreker, el principal mentor de
Horenstein, fue nombrado director de la Hochschule de Berlín y, según lo
estipulado en un contrato, cualquiera de sus alumnos actuales podía unirse a él
para continuar sus estudios. Esta oferta fue aceptada por muchos estudiantes,
entre los que se encontraban Horenstein, Isaak Thaler, Alfred Freudenheim,
Karol Rathaus, Alois Hába, Julius Bürger, Ernst Křenek, Alois Melichar, y
otros.
La obra de composiciones de Horenstein de esta época se ha
perdido. Según el erudito Misha Horenstein, Jascha compuso para muchos medios,
incluidos el piano y la música de cámara, así como para voz. También
complementó sus ingresos tocando el segundo violín con la Orquesta Sinfónica de
Viena durante una temporada, hasta que una lesión en un dedo le hizo abandonar
sus aspiraciones profesionales.
Horenstein aprovechó al máximo su estancia en Berlín y,
aunque nunca estudió formalmente dirección de orquesta, comenzó a dedicarse
principalmente a este medio. Esto, unido al final de su carrera como
violinista, demostró ser los primeros pasos fructíferos hacia su carrera de por
vida como uno de los grandes directores de orquesta del siglo XX. En 1922,
Horenstein debutó como director con la Orquesta Sinfónica de Viena interpretando
la Primera Sinfonía de Mahler. Esto consolidó su deseo de dedicarse a la
dirección y regresó a Berlín, donde comenzó un aprendizaje con el director
coral y miembro de la facultad de la Hochschule de Berlín Siegfried Ochs. Este
aprendizaje fue en asociación con el Coro Schubert de Berlín. Sus actuaciones
con Ochs llamaron la atención del director de la Orquesta Filarmónica de
Berlín, Wilhelm Furtwängler. Así comenzó la que posiblemente sea la tutoría más
importante de la carrera de Horenstein. Según el amigo y ejecutor artístico de
Horenstein, Joel Lazar, esta asociación fue esencial para el desarrollo del
estilo orquestal y la técnica de Horenstein como director.
El repertorio de Horenstein no se limitaba a un estilo o
periodo musical, sino que incluía una
amplia gama de obras de compositores occidentales tradicionales como Bach,
Mozart, Haydn, Beethoven y Brahms, así como la promoción de compositores del
Romanticismo tardío como Mahler y Bruckner. Su repertorio también incluía obras
de su colega Karol Rathaus, Kurt Weill, Alban Berg y Max Butting. Además de
estos notables compositores, Horenstein también defendió obras del compositor
danés Carl August Neilsen y del compositor checo Leoš Janáček.
En 1928, se reconoció la superioridad de Horenstein en la
dirección y, con una recomendación de Furtwängler, fue nombrado director de la
Ópera de Düsseldorf. Al año siguiente, Horenstein obtuvo también el cargo de
director general de música. A pesar de estos éxitos, el panorama político de
finales de la República de Weimar empezó a cambiar a peor. La Primera Guerra
Mundial dejó al antiguo Imperio Alemán muy lastrado por el desempleo, una
inflación galopante y un opresivo mandato de restitución impuesto por las
naciones vencedoras en el Tratado de Versalles de 1919. Estos factores, unidos
al sentimiento antisemita avivado por el Partido Nazi y su aversión a la
floreciente música modernista (más tarde considerada música degenerada o
"Entartete Musik"), convirtieron a Horenstein en blanco de ataques
desde el comienzo de su nuevo mandato en Düsseldorf.
Dos producciones concretas de obras contemporáneas,
incluyendo una puesta en escena en 1930 de Wozzeck de Berg (al estreno asistió
el propio Berg) y la puesta en escena en 1931 de Janáček Desde la casa de los
muertos, tuvieron éxito pero sirvieron de combustible para que los antisemitas
populistas militaran contra el liderazgo de Horenstein. En marzo de 1933, la
aprobación de la Ley Habilitante otorgó a Hitler poderes dictatoriales para
gobernar sin el consentimiento del Reichstag o del presidente von Hindenburg.
Horenstein dimitió poco después de su cargo en Düsseldorf y huyó a París. Es
probable que esto le salvara la vida. Nunca más volvió a ocupar un puesto
permanente en su vida profesional.
Ahora afincado en Francia, Horenstein se embarcó en una gira
como director invitado por Varsovia, Moscú y Leningrado, y en estas dos últimas
ciudades pasó sus meses de verano entre 1934 y 1937. También durante este
periodo entabló amistad con el compositor Dimitri Shostakovich por su
admiración mutua por la música de Mahler. También realizó giras por Australia y
Nueva Zelanda y fue invitado a dirigir la Orquesta Sinfónica de Palestina en
1938.
Al año siguiente, Horenstein había llegado a la conclusión
de que residir en Europa ya no era una opción segura para él y su familia y, el
18 de enero de 1939, embarcaron en el transatlántico "Champlaigne"
con destino a Nueva York. Sólo consiguieron el pasaje utilizando pasaportes
hondureños falsificados expedidos por un funcionario simpatizante. Poco después
de llegar a Estados Unidos, Horenstein se reencontró con su amigo de la
infancia Hanns Eisler, ahora un aclamado compositor, que le ayudó a conseguir
trabajo dirigiendo películas en Hollywood. Poco después, Horenstein se
incorporó al cuerpo docente de la New School for Social Research de Nueva York.
La universidad privada ya contaba con un ilustre profesorado de emigrantes,
entre los que se encontraban el compositor, director de orquesta y pianista
Georg Szell; el director de orquesta Otto Klemperer; los pianistas-directores
Erich Leinsdorf y Eduard Steuermann; el crítico Max Graf; y el compositor
Eisler.
Este nombramiento dio seguridad a la familia Horenstein
durante los años de guerra y Horenstein continuó dirigiendo con muchas de las principales
orquestas de Estados Unidos. En 1944, por recomendación de Erich Kleiber,
Horenstein fue contratado para dirigir por toda Sudamérica, incluyendo
conciertos en Argentina, Brasil y Uruguay. Sin embargo, no fue hasta tres años
después de su regreso a Francia (1950) cuando su carrera como director de
orquesta comenzó a recuperar la fuerza que poseía en los años anteriores a la
guerra. Horenstein comenzó a recibir compromisos en toda Europa y en el
extranjero.
Entre un compromiso y otro, Horenstein comenzó una activa
carrera discográfica con VOX Records, iniciando la primera de una serie con un
regreso a su orquesta "de casa", la Sinfónica de Viena, y sus
interpretaciones grabadas de la 9ª Sinfonía de Dvořák, la 5ª Sinfonía de
Shostakovich y la 9ª Sinfonía de Mahler. Estas grabaciones y las que siguieron
cimentaron el reconocimiento internacional de Horenstein y suscitaron
comparaciones de sus interpretaciones de obras de Mahler y Bruckner con los
enfoques de dirección de Bruno Walter y Otto Klemperer.
Otras actuaciones notables incluyen las primeras
representaciones en París de Wozzeck de Berg, la interpretación en 1959 de la
8ª Sinfonía de Mahler en el Royal Albert Hall con la Orquesta Sinfónica de
Londres, que recibió críticas muy favorables, así como el estreno en 1964 de
Dr. Faust de Busoni en el Carnegie Hall con el barítono alemán Dietrich
Fischer-Dieskau y la producción de 1973 de Parsifal de Wagner en la Royal Opera
House de Covent Garden, Londres.
La carrera internacional de Horenstein implicaba una agenda
muy activa. En 1971, mientras dirigía la 5ª Sinfonía de Carl Nielsen en
Minneapolis (Minnesota), sufrió un ataque al corazón en el escenario y fue
atrapado por el director de la orquesta. Horenstein continuó dirigiendo tras
una breve recuperación y tenía previstas interpretaciones de las Sinfonías 5ª,
6ª y 7ª de Mahler cuando falleció tras complicaciones derivadas de una
operación de corazón. Murió el 3 de abril de 1973, a la edad de 74 años.
Ryan Hugh Ross
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con su interpretación de la Sinfonía Nº 1 en Re, denominada Titán, de Gustav
Mahler, al frente de la Orquesta Sinfónica de Londres. Grabación realizada en
1969, en el Barking Assembly Hall, de Londres.
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