En el programa de hoy el rabino Isaac Sacca, Gran Rabino
Sefardita de Buenos Aires, nos explica el concepto de Shabat Hagadol y la
importancia de la preparación previa a los acontecimientos de nuestra vida para
que podamos experimentar las vivencias en toda su dimensión.
Hacé click en el enlace para ver el programa.
https://www.rtve.es/play/videos/shalom/shabat-hagadol/16069765/
El sitio www.enciclopediacineespa-fernando.blogspot.com
publicó este recordatorio.
Datos personales:
Nació en Rosario (Argentina) el 21 de Abril de 1903 y
falleció en Buenos Aires (Argentina) el 20 de Marzo de 1995 (91 años).
Biografía:
Luis Saslavsky fue un director de cine y guionista
argentino, que dirigió y ejerció la crítica cinematográfica.
Comenzó su carrera ejerciendo la crítica cinematográfica en
el diario "La Nación" en 1930, en reemplazo de Arturo Mom. Fundó
"La Revista de América", junto a Eduardo Mallea y María Rosa Oliver.
En 1933 el diario lo envió como corresponsal a Hollywood, para entrevistar a
directores, astros y estrellas de cine. El viaje lo puso en contacto con
figuras como Greta Garbo, Joan Crawford, Marlene Dietrich y el director Josef
von Sternberg. Por mediación de su amigo Antoine de Saint-Exupery -a quien
había conocido en Buenos Aires-, fue contratado por la Metro Goldwyn Mayer como
asesor técnico de "Vuelo nocturno" (1933). Tras su regreso a Buenos
Aires, fundó la productora SIFAL junto con Alberto de Zavalía, un trabajo para
el cual convocaron al guionista Carlos Adén y a los futuros directores Carlos
Schlieper, Ernesto Arancibia y Enrique Cahen Salaberry.
SIFAL produjo sólo dos filmes: "Crimen a las tres"
(1934) y "Escala en la ciudad" (1934), las óperas primas de Luis
Saslavsky y Alberto de Zavalía, que resultaron ser un fracaso comercial. Sin
embargo, la productora Pampa Film propuso a Luis Saslavsky realizar "La
fuga" (1937), una película policíaca con Santiago Arrieta, Tita Merello y
Francisco Petrone. El filme tuvo un gran éxito de público y cimentó la posición
de Luis Saslavsky dentro de la industria del cine argentino.
Fue convocado por la Argentina Sono Film para dirigir a
Libertad Lamarque en el melodrama "Puerta cerrada" (1939), filme en
el cual John Alton hizo la fotografía y, según algunas fuentes, participó en la
dirección. Luis Saslavsky también dirigió a Pepe Arias en "El Loco
Serenata" (1939). Su estilo supo combinar un cine de entretenimiento con
una búsqueda estética novedosa.
Su filme "Historia de una noche" (1941) constituyó
un formidable suceso de crítica y público. La productora Warner Brothers le
encomendó la dirección de una versión norteamericana del mismo título. Sin
embargo, el proyecto no se completó debido a desacuerdos sobre el tratamiento
del guión.
En 1949, su filme "Vidalita" sufrió presiones por
parte de la censura argentina. El supuesto tratamiento "anticriollo"
impuesto al filme habría disgustado a Raúl Alejandro Apold, quien desde 1948
estaba a cargo de la Subsecretaría de Prensa y Difusión de la Presidencia de la
Nación. Poco después, Saslavsky fue incluido por Apold en su "lista
negra". Luis Saslavsky refiere en su libro La fábrica lloraba de noche,
que "fui prohibido por el peronismo a pesar que Evita repetía que yo era
el único director argentino bien educado. Me aseguraron que fue porque estando
en Estados Unidos, al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, yo me alisté al
servicio de la política de buena vecindad". En el mismo libro narra dos
circunstanciales encuentros con Juan Domingo Perón, en la ciudad de Madrid.
Su filme "La corona negra" (1951), realizado a
partir de un guión original de Jean Cocteau, marcó el inició de su etapa
europea. Dirigió diversos filmes en España y Francia hasta su regreso a la Argentina.
Luis Saslavsky fue inhumado en el Cementerio Británico de
Buenos Aires.
Premios:
Premios Cóndor de Plata
1946: mejor película por La dama duende.
1946: mejor director por La dama duende.
En 1984 recibió el Premio Konex de Platino como el mejor guionista
de la Argentina.
Filmografía: (29 películas)
Sombras (1931)
Crimen a las tres (1935)
La fuga (1937)
Nace un amor (1938)
El loco Serenata (1939)
Puerta cerrada (1939)
La casa del recuerdo (1940)
Historia de una noche (1941)
Ceniza al viento (1942)
Eclipse de sol (1943)
La dama duende (1945)
Los ojos más lindos del mundo (1945)
Camino del infierno (1946)
Cinco besos (1946)
Historia de una mala mujer (1948)
Vidalita (1949)
La corona negra (1951)
La neige était sale (1954)
Les louves
(1957)
Premier mai
(1958)
Ce corps
tant désiré (1959)
Un pas en avant (1960)
El balcón de la Luna (1962)
Historia de una noche (1963)
Las ratas (1963)
Las mujeres los prefieren tontos (1964)
La industria del matrimonio (segment "Elixir de
amor") (1965)
Vení conmigo (1973)
El Fausto criollo (1979)
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con la película La dama duende.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Arie Pinsker: aportar y compartir
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Arie Pinsker nació en 1930 en la ciudad de Nagyvárad, en el
norte de Transilvania (hoy Rumania). En septiembre de 1940, el norte de
Transilvania, hasta entonces parte de Rumania, fue anexado a Hungría, y la
legislación antijudía de ese país se aplicó estrictamente en la región. En
marzo de 1944, el ejército alemán invadió Hungría y unos dos meses después los
judíos de la ciudad (entre ellos la familia de Arie) se concentraron en guetos.
A mediados de mayo de 1944 tuvo lugar una deportación masiva de judíos húngaros
a Auschwitz. La familia de Arie también fue deportada allí. Posteriormente,
Arie fue trasladado al campo de Kaufering, un subcampo de Dachau, y desde allí
emprendió una «Marcha de la Muerte» hacia Austria, durante la cual fue liberado
por las fuerzas aliadas en mayo de 1945. Después de la guerra, Arie se reunió
con dos de sus hermanos que habían sobrevivido, Yosef e Yitzhak, y juntos
emigraron al Israel anterior al estado. Arie se alistó para luchar en la Guerra
de Independencia de Israel y, tras su baja del ejército en 1949, estuvo entre
los fundadores del moshav HaYegov. Arie se casó con Zahava y los dos tienen
tres hijos, nietos y bisnietos.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Nikolái Yákovlevich Miaskovski nació en Novogueórguiyevsk, Imperio
Ruso, el 20 de abril de 1881, y murió en Moscú, Unión Soviética, el 8 de agosto
de 1950. Compositor, crítico musical, y profesor.
El sitio www.musopus.net
publicó este recordatorio.
Myaskovsky, Nikolai
Nikolai Yakovlevich Myaskovsky (nacido el 20 de abril [8 de
abril, OS] de 1881 - fallecido el 8 de agosto de 1950), fue un compositor,
crítico musical, profesor y figura pública ruso, uno de los fundadores de la
Asociación de Música Contemporánea (ACM) en Moscú. Fue un prolífico escritor de
sinfonías; eventualmente Myaskovsky compuso 27 sinfonías (más tres
sinfoniettas, tres conciertos y obras de otros géneros orquestales), varias
obras para conjuntos de cámara, 13 cuartetos de cuerda, 9 sonatas para piano,
así como muchas miniaturas y cantos , obras. Aram Khachaturian y Dmitry
Kabalevsky estuvieron entre sus estudiantes notables. Su generosidad como
profesor le valió el sobrenombre de "la conciencia musical de Moscú".
BIOGRAFÍA
Nikolai Myaskovsky nació en Novogeorgievsk (actual Modlin),
una fortaleza del ejército ruso situada cerca de Varsovia, Polonia, que
entonces formaba parte del Imperio Ruso. Nikolai era el segundo hijo del
ingeniero militar Yakov Konstantinovich y su esposa Vera Nikolayevna Myaskovsky.
Más tarde, su padre alcanzó el rango de general en el ejército ruso. Nikolai
tenía un hermano mayor, Sergei (1877), que murió de tuberculosis cuando era
adolescente, y tres hermanas: Vera (1885), Valentina (1887) y Eughenia (1890).
Después de la muerte de su madre en 1890, los niños fueron criados por la
hermana de su padre, Yelikonida Konstantinovna Myaskovskaya, que había sido
cantante en la Ópera de San Petersburgo. Yelikonida Konstantinovna fue su
primera profesora de música y ella fomentó sus intereses musicales. Aunque
aprendió piano y violín, lo disuadieron de seguir una carrera musical y entró
en el ejército.
Educación militar y música.
Los Myaskovsky vivieron en Novogeorgievsk hasta 1888, en
Orenburg, cerca de Kazajstán, de 1888 a 1889, y en Kazán, en la Rusia
centroeuropea, de 1889 a 1893. Nikolai, como era de esperar, recibió su
educación preliminar y secundaria en escuelas militares, incluidas Nizhni
Novgorod y San Petersburgo.
En 1895, cuando Nikolai tenía 14 años, la familia se mudó a
San Petersburgo. La tradición familiar le llevó a elegir su profesión. El padre
de Myaskovsky quería que su hijo siguiera sus pasos. De 1899 a 1902, Myaskovsky
estudió en la Escuela de Ingenieros Militares, después de lo cual sirvió en el
ejército en Moscú y San Petersburgo hasta 1908. Al mismo tiempo, estudió
armonía con el compositor Reinhold Gliere en Moscú (se había referido a
Myaskovsky a Gliere de Sergei Taneyev, compositor y profesor del Conservatorio
de Moscú) y con Ivan Kryzhanovsky en San Petersburgo (Kryzhanovsky desempeñó un
papel importante, introdujo al joven oficial en el círculo de las Veladas de
Nueva Música, las tertulias del St. Los entusiastas de la música moderna de San
Petersburgo). Antes de su mandato en el conservatorio, Myaskovsky había escrito
piezas para piano y canciones para piano y voz; poco de este trabajo se
interpretó o publicó.
Conservatorio de San Petersburgo
En 1908, Myaskovsky pudo renunciar a la Escuela de
Ingenieros Militares e ingresar al Conservatorio de San Petersburgo para
estudiar con Anatoly Konstantinovich Lyadov y Nikolai Rimsky-Korsakov,
graduándose en 1911. A Myaskovsky no le agradaba el profesor Lyadov, aunque era
un buen académico pero un hombre desagradable y odiaba la música de Edvard
Grieg. Por esa razón, Myaskovsky escribió su Cuarteto de Cuerda No. 3 basado en
un tema de Grieg. También en esa época sus obras comenzaron a ser interpretadas
en concierto y a ser publicadas; estas obras incluyeron su Primera Sinfonía
(1908), su Sinfonietta (1910), Silencio (Molchaniye ; 1909), la parábola
sinfónica de Edgar Allan Poe, es una pieza muy poderosa y dramática, dos
cuartetos de cuerda, una sonata y otras piezas para piano y varias obras
vocales.
La amistad de toda la vida de Myaskovsky con Sergei
Sergeyevich Prokofiev comenzó en el conservatorio. Trabajaron juntos en el
conservatorio en al menos una obra, una sinfonía perdida, partes de la cual
fueron posteriormente recuperadas para proporcionar material para el movimiento
lento de la Sonata para piano n.° 4 de Prokofiev.
Profesor y crítico musical
En 1911, Myaskovsky se graduó y luego enseñó en San
Petersburgo, donde también desarrolló una carrera complementaria como
penetrante crítico musical. De 1911 a 1914 fue crítico de la revista musical
Muzyka.
Myaskovsky participó en la Primera Guerra Mundial, sirvió en
el frente durante tres años y luego trabajó en fortificaciones militares. Fue
herido y sufrió una descarga eléctrica. Durante este tiempo como soldado
escribió partes de su Sinfonía n.º 4 (Op. 17, en mi menor) y Sinfonía 5 (Op.
18, en re mayor), en ellas se reflejan algunas de sus vivencias. Justo antes de
que comenzara la guerra, su cuñado, el marido de su hermana Valentina
Yakovlevna, se había suicidado por preocupaciones económicas. En el invierno de
1918-1919, el padre de Myaskovsky, un ex general zarista, fue asesinado por
soldados del Ejército Rojo mientras esperaba un tren; en el invierno de
1919-1920 murió su tía, a quien estaba muy apegado. Entre 1917 y 1921,
Myaskovsky sirvió en el Ejército Rojo. Después de la Gran Revolución Socialista
de Octubre, trabajó en el Estado Mayor Naval. En 1921 fue desmovilizado y se
fue a vivir a Moscú.
Carrera
En 1921, Myaskovsky se convirtió en profesor de composición
en el Conservatorio de Moscú, cargo que ocupó hasta su muerte. Formó a unos 70
compositores, entre sus alumnos notables se encontraban Aram Khachaturian,
Dmitry Kabalevsky, Rodion Shchedrin y Alexander Mosolov. Fue querido como
profesor y conocido por su generosidad. Su generosidad como profesor le valió el
sobrenombre de "la conciencia musical de Moscú". Ocupó este cargo
hasta 1931. También fue nombrado subdirector del departamento de música de la
Comisaría del Pueblo (1921-1922) y editor de la Editorial de Música
(1922-1931). En 1923 se convirtió en uno de los fundadores de la Asociación de
Música Contemporánea (ACM) de Moscú y a principios de los años treinta la
abandonó. En años posteriores, se convertiría en consultor de retransmisiones
musicales para el Comité de Radio de toda la Unión. De 1932 a 1948, Myaskovsky
fue miembro del comité organizador de la Unión de Compositores Soviéticos.
Composiciones patrióticas
Como muchos otros compositores rusos, Myaskovsky escribió
música patriótica para complacer a las autoridades soviéticas. Con su Sinfonía
nº 6 (compuesta entre 1921 y 1923), los temas nacionalistas entraron en su
música. Es una obra maestra y la primera sinfonía rusa realmente grandiosa. La
Sinfonía n.º 6 es la más grande y ambiciosa de sus 27 sinfonías; el cuarto
movimiento de la Sinfonía es una evocación de la Revolución Rusa. La Sinfonía
n.° 12 (compuesta entre 1931 y 1932), escrita en conmemoración del 50
aniversario de la Revolución, fue su primera obra explícitamente soviética, con
su retrato del pasado, presente y futuro de una aldea rusa. Myaskovsky recibió
un título honorario de Doctor en Artes del Conservatorio de Moscú en 1940.
A pesar de sus composiciones patrióticas, Myaskovsky fue
criticado junto con otros grandes compositores rusos, Shostakovich y Prokofiev,
por su modernismo y formalismo en 1948. Myaskovsky no fue duramente perseguido
y de hecho ganó tres premios Stalin.
Muerte
Nikolai Myaskovsky murió de cáncer en Moscú el 8 de agosto
de 1950 a la edad de 69 años. Fue enterrado en el cementerio Novodevichi, cerca
de las tumbas de Taneyev y Scriabin. Myaskovsky escribió una gran cantidad de
obras y enseñó a toda una generación de músicos soviéticos. Después de su
muerte, las autoridades soviéticas lo elogiaron como un "destacado
trabajador musical soviético y artista popular".
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concierto para Violonchelo y Orquesta, en la versión de Alexander Ramm,
y la Orquesta Sinfónica Svetlanov, dirigida por Vladimir Jurowski.
A continuación, de Ludwig van Beethoven, el Trío para
Piano en Re Mayor Op. 70 Nº 1, denominado Fantasma, en la versión de Bernadette
Harvey en piano, Alexander Sitkovetsky en violín, y Julie Albers en
violonchelo.
Hoy, en la víspera del comienzo de Shabat, a las 18:30 hs de
Israel, necesitamos que todos prendamos velas de esperanza, de unidad y para el
retorno de nuestros seres queridos.
Te lo piden los familiares directos de los secuestrados,
secuestrados liberados y seguro te lo piden los propios secuestrados donde
quiera que estén BH.
El sitio www.duranduran.fandom.com
publicó esta biofrafía.
Mark Volman
Músico
Mark Volman (nacido el 19 de abril de 1947) es un cantante
de rock and roll estadounidense, mejor conocido como miembro fundador de la
banda de los años 60 The Turtles y actuó en el álbum Thank You de Duran Duran.
En ocasiones durante su carrera ha utilizado el seudónimo de "The
Phlorescent Leech" ("Flo" para abreviar).
Biografía
Volman nació en Los Ángeles, California y creció en
Westchester, un suburbio de Los Ángeles, donde se graduó de Westchester High
School en 1965. Más de 25 años después, en 1992, a los 45 años, comenzó su
licenciatura en la Universidad Loyola Marymount. Volman se graduó con una licenciatura
Magna cum Laude en 1997 y fue el orador con las mejores calificaciones de su
clase. Durante el discurso dirigió a los graduados en un coro de Happy
Together. CBS Evening News cubrió la graduación de Volman e incluso entrevistó
a sus padres que estaban perplejos por los logros académicos de su hijo. Volman
obtuvo una maestría en Bellas Artes con énfasis en Escritura de Guiones en 1999
también en Loyola. Volman ha impartido cursos de Industria y Negocios Musicales
en el departamento de Comunicaciones y Bellas Artes de Loyola. También ha
impartido cursos en Los Angeles Valley College en el Programa de Música
Comercial. Actualmente es profesor asociado y coordinador del Programa de
Estudios de la Industria del Entretenimiento en la Universidad de Belmont en el
Mike Curb College of Entertainment and Music Business y dirige seminarios sobre
la industria de la música para varias instituciones académicas desde la escuela
secundaria hasta el nivel universitario. Además, ofrece consultoría sobre
negocios musicales y entretenimiento a través del sitio web Ask Professor Flo.
Volman y Howard Kaylan fundaron The Turtles, una banda
popular de finales de los años 1960. Después de que esa banda se disolvió,
descubrieron que los términos de su contrato les prohibían usar no sólo el
nombre 'The Turtles', sino también sus propios nombres. Fueron reclutados por
Frank Zappa; y también trabajaron juntos como Flo & Eddie, en música, en
cine (proporcionaron música y voces para películas animadas como Down y Dirty
Duck) y en transmisiones de radio. En 2005, todavía realizan giras con más de
60 conciertos al año como "The Turtles... With Flo & Eddie".
Volman dirige sus negocios con su esposa, Emily Volman. Eran
novios en la universidad. También son miembros activos de la Iglesia
Presbiteriana Harpeth en Brentwood, donde son Asesores Juveniles.
Conexiones de Durán Durán
Howard contribuyó al álbum Thank You de Duran Duran lanzado
en 1995 y también actuó en el primer álbum solista de Andy Taylor, Thunder.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Happy Together
junto a The Turtles.
El sitio www.elperiodic.com
publicó este recordatorio.
Joan Garcés es el director más longevo del mundo con cuatro
récords Guinness
ELPERIODIC.COM - 10/12/2014
Joan Garcés Queralt (18 de abril de 1914, Benifairó de les
Valls) falleció ayer en Faura (Valencia) a los 100 años de edad tras dedicar
una larga e intensa vida a la música en la que consiguió cuatro “asombrosos”
Guinness World Record por ser el director más longevo del mundo en activo.
La Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad
Valenciana (FSMCV), expresa sus condolencias a la familia Garcés por un músico
irrepetible donde se concitaban la pasión, energía, dedicación y trayectoria
musical. Una muestra de ello, es que Garcés seguía vinculado a varias
sociedades musicales de las que era director honorario e invitado tras dirigir
a destacadas formaciones como la Unió Musical de Llíria, las Bandas Municipales
de Castellón y Valencia, Orquesta Sinfónica del Gran Teatro del Liceo de
Barcelona, Lira Saguntina y las sociedades musicales de Faura, Quartell y
Benaguasil (Valencia) con las que estrenó un total de 122 obras.
El director valenciano rememoraba hace unas semanas con
lucidez y emoción su tercer récord con la Joven Banda Sinfónica de la FSMCV en
2012 en el Palau de la Música de Valencia y el cuarto con la Banda Municipal de
Castellón, el pasado mes de febrero. En esos meses, participó en numerosos
actos y homenajes de la Lira Saguntina y de los ayuntamientos y las sociedades
musicales de Benifairó de les Valls y Faura, pueblos de nacimiento y adopción
del músico que mantenía intacta su ilusión por poder volver a dirigir a la
formación de la FSMCV integrada por jóvenes de todas las comarcas de la
Comunidad Valenciana a los que reconocía su alto nivel y excelencia.
Músico del siglo XX y XXI
La FSMCV presentó junto con Sergi Arrando la biografia Joan
Garcés Queralt: una vida dedicada a la música unos días antes de que cumpliera
100 años, en abril. El investigador y músico, que compartió muchos momentos con
Garcés desde los 13 años en que coincidieron en la Societat Joventut Musical de
Faura, hizo una “aproximación a la trayectoria vital de este personaje” donde
se reflejan las circunstancias del siglo XX y XXI y que ayudan “a comprender
mejor la evolución de las sociedades musicales en estos años”.
En el prólogo, Josep Pasqual Hernández i Farinós, profesor
de Historia de la Música en el Conservatorio de Valencia y Doctor en Música,
exponía que Garcés pertenece a una “dinastía de músicos valencianos de gran
riqueza artística” que persiguió “convertirse en concertista de piano” pero
cuando se preparaba para estudiar con José Iturbi “la guerra civil truncó esta
carrera” aunque su “carácter luchador” evitó que esta tragedia acabara con su
actividad musical “iniciada dirigiendo bandas en campos de concentración en los
duros años de la posguerra” y apoyada por su maestro “Manuel Palau y el gran
director de orquesta Bartolomé Pérez Casas”.
Al acabar la guerra, dirigió las bandas de música de Faura y
Quartell, iniciando así una carrera profesional con gran reconocimiento de la
crítica. Pasqual destaca el “desarrollo de un repertorio eminentemente
sinfónico” que “mediante transcripciones y adaptaciones” llevó a las bandas de
música, “con una dignidad que no tiene nada que envidiar al original
orquestal”, obras maestras universales en un tiempo en el que “la existencia de
orquestas sinfónicas era escasísima en España”.
El maestro, hijo de músicos de la Societat Joventut Musical
de Faura, hermano del compositor Vicent Garcés (1906-1984) y primo del director
Enric Garcés (1909-1981), aportó material de su archivo a la obra: críticas de
prensa (Levante, Las Provincias, Mediterráneo, La Plana, Jornada, El Noticiero
Universal…), fotos y programas con obras de Beethoven, Wagner, Bach,
Tchaikovsky, Haydn, Verdi, Rossini, Liszt, Stravinsky, Borodin, Rimsky
Korsakov, Schumann, Prokofiev, Brahms, Dvorak, Haendel, Ravel, Rachmaninov,
Strauss, Mussorgski, Rodrigo, Falla, Palau, Sarasate… que dirigió en numerosos
conciertos.
Garcés recibió multitud de premios entre los que cabe
destacar el Premio Euterpe de la FSMCV (2005); el Premio Lluís Guarner en
reconocimiento a su dedicación a la música de banda (2008); la distinción de
Insigne de la Música Valenciana, por la Academia de la Música Valenciana
(2010), la Medalla de Oro al Mérito del Trabajo por el Consejo de Ministros
(2010) y el Diploma y la Medalla de oro del Consell Valencià de Cultura (2013).
Fundación Joan Garcés Queralt
La Fundación Joan Garcés Queralt persigue, según publicó el
Diario Oficial de la Comunidad Valenciana (DOCV) publicado el 25 de septiembre
de 2013, “desarrollar las artes musicales, fundamentalmente en la escuela de
música ‘Joan Garcés Queralt’ de Faura y Benifairó de les Valls y también, en la
Societat Joventut Musical de Faura”. Garcés, como fundador, expresó su deseo de
que se concurra anualmente al Certamen Internacional de Bandas de Música Ciudad
de Valencia y que se mantenga y preserve el “entorno musical constituido y
contenido” en su casa de Faura y se apoye y fomente “la continuidad en la labor
ejercida por la Asociación Cultural ‘Escola de Musica Joan Garcés Queralt’, de
Faura y Benifairó de les Valls”.
Despedida del Maestro
La ceremonia de despedida de Joan Garcés se realizará, el
sábado 13 a las 16 h, desde la plaza del Ayuntamiento de Faura y contará, en
principio, con la participación de la Unió Musical de Llíria y de la Societat
Joventut Musical de Faura. Hasta ese momento, el maestro estará en el tanatorio
de este municipio en el polígono industrial Rubau.
Al acto asistirá Pedro Rodríguez, presidente de la FSMCV, y
miembros de su junta directiva, así como numerosas personalidades de la música,
de la cultura y de la política.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con su interpretación de Coplas de mi tierra, de Manuel Palau, al frente de la Banda
Municipal de València.
Enzo Haim Sereni nació en Roma, Italia, el 17 de abril de
1905, y murió en el Campo de Concentración de Dachau, Alemania, el 18 de
noviembre de 1944. Erudito, escritor y partisano.
El sitio www.historiahoy.com.ar
publicó este recordatorio.
El pacifista guerrero
Enzo Haim Sereni (Roma, 17 de abril de 1905 - campo de
concentración de Dachau, 18 de noviembre de 1944) fue un erudito, escritor y
partisano italiano sionista, cofundador del kibutz Givat Brenner.
Por Admin-Historia
17 Abril, 2021
Sereni nació en Roma. Su padre era médico del rey de Italia.
Se crio en una familia «asimilada», pero en su adolescencia se convirtió en
sionista. Fue uno de los primeros sionistas italianos. Después de obtener su
doctorado en la Universidad La Sapienza de Roma, en 1927 hizo aliyá (‘ascenso’
a Israel) al entonces «Mandato de Palestina».1 Trabajó en las plantaciones de
naranjos en Rehovot, y ayudó a fundar el kibutz Givat Brenner. Como entusiasta
socialista, Sereni también participó activamente en la organización sindical
Histadrut. Era un pacifista que abogó por la convivencia entre judíos y árabes
y la integración de ambas sociedades.
Entre 1931 y 1934 Sereni vivió en Europa para ayudar a muchos judíos a viajar a Palestina a través de la Aliyá Juvenil. Fue detenido brevemente por la Gestapo. Ayudó a organizar el movimiento Hechalutz en la Alemania nazi. Se involucró en el contrabando de dinero y personas fuera de Alemania. Sereni también fue enviado a Estados Unidos para ayudar a organizar el movimiento sionista estadounidense. Durante la Segunda Guerra Mundial se unió al ejército británico, y estuvo involucrado en la difusión de propaganda antifascista en Egipto. Los británicos lo enviaron también a Irak, y Sereni pasó parte de su tiempo en organizar una aliá (inmigración) clandestina. Sereni se metió en problemas con sus superiores británicos por sus puntos de vista sionistas y fue encarcelado brevemente por falsificar pasaportes.
Sereni, a continuación, ayudó a organizar la Unidad de paracaidistas de la SOE (Special Operations Executive: dirección de operaciones especiales) británica, que envió agentes a la Europa ocupada. Entre unos 250 alumnos voluntarios, fueron seleccionados unos 110 para la capacitación, y 33 fueron lanzados en paracaídas en Europa, incluyendo Sereni, a pesar de su edad relativamente avanzada (39 años). Otros mártires famosos que lanzó en paracaídas en Europa con esta unidad incluyen Hannah Szenes y Reik Haviva, que también fueron ejecutados y son considerados mártires.2 El 15 de mayo de 1944 fue lanzado en paracaídas en el norte de Italia, pero inmediatamente fue capturado. Según los registros, fue fusilado en el campo de concentración de Dachau el 18 de noviembre de 1944.
Obra
Enzo Sereni fue traductor, autor de numerosos artículos, ensayos y volúmenes de historia del pensamiento religioso y de historia contemporánea. Antes de su aliyá (‘ascenso’, migración) a Palestina publicó muchos artículos en el semanario italiano Israel.
Bernfeld, S. Storia della letteratura ebraica antica, traducción autorizada de Enzo Sereni. Turín: Bocca, 1926.
Sereni,
Enzo. «Toward e new orientation of zionist policity», en E. Ashery
(recopilador): Jews and arabs in Palestine. Studies in a national and colonial
problem. Nueva York: Hechalutz Press, 1936.
Romano I., y Enzo Sereni. La questione ebraica. Tel Aviv
(Israel): Cooperative Printing Hapoel-Hazair, 1939.
Grupo Sionista Milanés. Enzo Sereni. Vita e brani scelti.
Milán, Gruppo Sionistico Milanese: Hechaluz Keren Kajemeth le-Israel, 1947.
Sereni, Enzo. Le origini del fascismo. Y. Viterbo (editor),
introducción de M. G. Meriggi, posfacio de D. Bidussa. Scandicci (FI): La Nuova
Italia, 1998.
Sereni, Enzo. Politica e utopia. Lettere 1926-1943, a cura
di D. Bidussa e M.G. Meriggi. Milano, La Nuova italia, 2000.
Sereni, Enzo. «A Roma dopo le leggi razziali», en A.
Cavaglion, y G. P. Romagnani: Le interdizioni del Duce. Le leggi razziali in
Italia. Turín: Claudiana, 2002.
El sitio www.gameshows.fandom.com
publicó este recordatorio.
Edie Adams
Edie Adams (nacida Edith Elizabeth Enke; 16 de abril de 1927
- 15 de octubre de 2008) fue una comediante, actriz, cantante y empresaria
estadounidense. Obtuvo el premio Tony y fue nominada a un premio Emmy.
Adams era bien conocida por sus personificaciones de
estrellas sexys en el escenario y la televisión, especialmente Marilyn Monroe.
Era la compañera frecuente de televisión de Ernie Kovacs, su marido. Adams
fundó dos empresas de belleza: Edie Adams Cosmetics y Edie Adams Cut 'n' Curl.
Primeros años de vida
Adams nació en Kingston, Pensilvania, la única hija de
Sheldon Alonzo Enke y su esposa, Ada Dorothy (de soltera Adams). Tenía un
hermano mayor, Sheldon Adams Enke. La familia se mudó a áreas cercanas como
Shavertown, Grove City y Trucksville y pasó un año en la ciudad de Nueva York
antes de establecerse en Tenafly, Nueva Jersey, donde asistió a Tenafly High
School. Ada Enke le enseñó a su hija canto y piano; madre e hija eran miembros
del coro de la iglesia presbiteriana de Grove City. La abuela de Adams,
costurera, le enseñó a coser. Ella hizo su propia ropa desde el sexto grado y
Adams más tarde tendría su propia línea de ropa de diseñador, llamada Bonham,
Inc.
Obtuvo un título vocal en Juilliard y luego se graduó en la
Escuela de Drama de Columbia. Estudió en el Actors Studio de Nueva York y en la
Traphagen School of Fashion. Inicialmente, Adams no podía decidir si seguir una
carrera en diseño de moda o música, por lo que lanzó una moneda y la música
ganó. Kovacs como "Leena, reina de la jungla" con Adams en 1956. En
1949-1950, apareció en el primer programa de televisión en vivo Bonnie Maid's
Versatile Varieties como una de las "Bonnie Maids" originales
haciendo comerciales en vivo para el patrocinador.
En 1950, ganó el concurso de belleza "Miss US
Television", lo que la llevó a aparecer con Milton Berle en su programa de
televisión. Su primer trabajo televisivo la presentó como Edith Adams. Una de
sus primeras apariciones fue en Talent Scouts de Arthur Godfrey. Fue vista por
el productor del programa Three to Get Ready (en Filadelfia) de Ernie Kovacs,
quien la invitó a una audición. Adams tenía muy poca experiencia con la música
popular y sólo podía interpretar tres canciones. Más tarde afirmó: "Los
canté todos durante la audición, y si me hubieran pedido escuchar otro, nunca
lo habría logrado". Se convirtió en parte del programa en julio de 1951.
Adams nunca había visto el programa para el que fue contratada. Cuando vio a su
hija en el programa, el padre de Adams se molestó al descubrir que su papel
implicaba tratar de evitar pasteles en la cara. En una de sus últimas entrevistas,
Kovacs recordó los primeros días y dijo: "Me gustaría poder decir que fui
el pez gordo que la contrató, pero era mi programa sólo de nombre; el productor
tenía toda la voz. Más adelante Tenía algo que decir y lo dije:
'Casémonos'".
Carrera
Adams comenzó a trabajar regularmente en televisión con
Kovacs y el pionero de los programas de entrevistas Jack Paar. Después de un
noviazgo que incluyó bandas de mariachi y un inesperado anillo de compromiso de
diamantes, Adams y Kovacs se fugaron; se casaron el 12 de septiembre de 1954 en
la Ciudad de México. Inicialmente, Adams no estaba seguro de casarse con
Kovacs. Realizó un crucero de seis semanas por Europa con la esperanza de tomar
una decisión. Después de tres días de ausencia y de muchas llamadas telefónicas
de larga distancia, Adams regresó a casa con una respuesta: sí. Fue el segundo
matrimonio de Kovacs y duró hasta su muerte en un accidente automovilístico el
13 de enero de 1962.
Adams y Kovacs recibieron nominaciones al Emmy a las mejores
actuaciones en una serie de comedia en 1957. En 1960, ella y Kovacs se
interpretaron a sí mismos en el especial de televisión final The Lucy-Desi
Comedy Hour de CBS, durante el cual interpretó la canción de despedida
"That's All". Adams hizo cuatro apariciones en What's My Line? (una
vez como "Edith Adams (Sra. Ernie Kovacs)" mientras su esposo estaba
en el panel; una vez junto con Kovacs; dos veces sola como Edie Adams).
Adams protagonizó Broadway en Wonderful Town (1953) junto a
Rosalind Russell (ganando el Theatre World Award) y como Daisy Mae en Li'l
Abner (1956), ganando el premio Tony a la mejor actriz destacada en un musical.
Interpretó al Hada Madrina en la transmisión original de Cenicienta de Rodgers
y Hammerstein en 1957. Adams iba a interpretar a Daisy Mae en la versión
cinematográfica de Li'l Abner, pero no pudo debido a la llegada tardía de su
hija, Mia Susan Kovacs.
Después de la muerte de Kovacs, su cadena, ABC, le dio a
Adams una oportunidad con su propio programa, Here's Edie, que recibió cinco
nominaciones al Emmy pero duró una temporada, en 1963. Kovacs era un destacado
fumador de puros y Adams hizo una serie de larga duración de Anuncios de
televisión de Muriel Cigars. Siguió siendo la presentadora de Muriel mucho
después de la muerte de Kovacs, entonando con un estilo de Mae West y un
atuendo sexy: "¿Por qué no tomas uno y te lo fumas alguna vez?" Otro
comercial de Muriel Cigars, que costó 10 centavos, mostraba a Adams cantando:
"Oye, gran gastador, gasta un centavo conmigo" (basado en la canción
"Big Spender" del musical Sweet Charity). Los comerciales de cigarros
de Adams la convirtieron en una de las tres celebridades televisivas más
reconocidas. En los años siguientes, Adams hizo apariciones esporádicas en
televisión, incluidas Fantasy Island, The Love Boat, McMillan & Wife,
Murder, She Wrote y Designing Women.
Adams interpretó papeles secundarios en varias películas de
la década de 1960, incluido el de la amargada secretaria del doble Fred
MacMurray en la película ganadora del Oscar The Apartment (1960). Era la esposa
de un candidato presidencial (interpretado por Cliff Robertson) en The Best Man
(1964) y se reunió con Robertson para la comedia The Honey Pot (1967). En 2003,
como una de las estrellas supervivientes de la comedia de estrellas It's a Mad,
Mad, Mad, Mad World (1963), se unió a los actores Marvin Kaplan y Sid Caesar en
la celebración del 40 aniversario de la película. También fue cabeza de cartel
de éxito en un club nocturno.
Poco después de la muerte de su marido, Adams ganó una
"desagradable batalla por la custodia" con la ex esposa de Kovacs por
las hijastras de Edie. Su ex esposa había secuestrado previamente a las niñas
durante una visita años antes; Como Kovacs era su tutor legal, él y Edie habían
trabajado incansablemente para localizar a sus hijas y traerlas a casa.
Ese mismo año comenzó otra batalla judicial para Adams, esta
vez con su suegra, quien se negó a creer que había más deudas que activos en el
patrimonio de su hijo. Mary Kovacs acusó a su nuera de administrar mal el
patrimonio y solicitó la custodia de sus nietas. La disputa duró años, y Adams
siguió siendo la administradora del patrimonio de su marido y tutora de las
tres niñas. Trabajó durante años para pagar la deuda tributaria de su difunto esposo
al IRS. Los amigos famosos de la pareja planearon un beneficio especial
televisivo para Edie y su familia, pero ella se negó y dijo: "Puedo cuidar
de mis propios hijos". Pasó el año siguiente trabajando prácticamente sin
parar.
Adams inició sus propios negocios, Edie Adams Cosmetics, que
vendía puerta a puerta, y los salones de belleza Edie Adams Cut 'n' Curl, que
comenzó en 1967. Una vez fue propietaria de una granja de almendras de 160
acres (65 ha) en California y Fue la portavoz de Sun Giant Nuts. Debido a sus
20 años de comerciales para Muriel Cigars (que se jubiló en 1976) y sus
exitosos negocios, Adams pasó de estar endeudada después del fatal accidente de
Kovacs en 1962 a ser millonaria en 1989.
Vida personal
Después de la muerte de Kovacs, Adams se casó dos veces más.
En 1964 se casó con el fotógrafo Martin Mills. En 1972, se casó con el
trompetista Pete Candoli, con quien apareció en una producción itinerante del
musical de Cole Porter Anything Goes. Además de criar a sus hijastras Bette y
Kippie de su matrimonio con Kovacs, Adams dio a luz a su hija Mia Susan Kovacs
(muerta en un accidente automovilístico en 1982) y a su hijo Joshua Mills.
Adams era republicano e hizo campaña para la reelección de
Dwight Eisenhower durante las elecciones presidenciales de 1956.
Adams fue una de las primeras defensoras de los derechos
civiles y con frecuencia brindó su apoyo al movimiento en eventos de
celebridades y en su propio programa de televisión a principios de los años
sesenta. Insistió en que su dúo con Sammy Davis Jr. en su programa de
variedades Here's Edie se organizara de
modo que estuvieran sentados uno al lado del otro, como iguales. Hasta
entonces, los artistas de diferentes razas y sexos no podían actuar uno al lado
del otro, por lo que uno tenía que estar delante o detrás del otro. Sin
embargo, el Ballet de la Ciudad de Nueva York tuvo presentaciones televisadas
del ballet "Agon" (un ballet vestido con leotardos y mallas,
coreografiado en 1957) con Arthur Mitchell (elenco original y primer bailarín
principal negro del Ballet de la Ciudad de Nueva York) como bailarina asociada.
Diana Adams (elenco original) que data de 1960.
Muerte
Tumba de Edie Adams, en Forest Lawn Hollywood Hills Adams
murió en Los Ángeles, California, el 15 de octubre de 2008, a los 81 años, a
causa de cáncer y neumonía. Fue enterrada en Forest Lawn Memorial Park,
Hollywood Hills, junto a su primer marido Ernie, entre su hija Mia y su
hijastra Kippie. Después de su muerte, un artículo en The New York Times decía
que su trabajo "encarnaba y hacía un guiño a los estereotipos de cantante
atractiva y rubia sexpot".
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con dos canciones, That's All y I Stayed Too Long At The Fair.
Jerjes, o Serse en el texto original en italiano HWV 40, es
una ópera seria en tres actos de Georg Friedrich Händel.
Como antecedente del libreto de esta ópera, el original fue
escrito por Nicolò Minato, en 1654, con música de Francesco Cavalli,
posteriormente Silvio Stampiglia revisó el texto para ópera del mismo nombre de
Giovanni Bononcini en 1694. Para la producción de Georg Friedrich Händel, fue
adaptado por un autor desconocido.
El estreno se realizó el 15 de abril de 1738, en el King's
Theatre de Londres. A pesar de la belleza de la música, Serse no fue exitosa, fue
retirada después de cinco funciones, y olvidaba durante casi doscientos
cincuenta años. Fue repuesta en la década de 1980 y poco a poco se ha
convertido en parte del repertorio tradicional. El aria que da inicio a la
obra, Ombra mai fù, es quizás la más conocida de Handel.
La ópera se ambienta en Persia en el año 480 a. C. y se
fundamenta, muy vagamente, en Jerjes I de Persia.
A continuación, la ópera Jerjes, de Georg Friedrich Händel,
con el siguiente reparto: Paula Rasmussen es Jerjes; el rol de Arsamene,
cantado por Ann Hallenberg; el personaje de Amastre, interpretado por Patricia Bardón; Isabel Bayrakdarian es Romilda;
el papel de Atalanta, en la voz de Sandrine Piau; Marcello Lippi, es Ariodato;
y Elviro, cantado por Matteo Peirone, junto al Coro del Teatro de
Ludwigshafener, y el Ensamble Les Talens Lyriques, todos dirigidos por
Christophe Rousset.
Argumento
Acto I
El joven rey Serse persigue a Romilda, resuelto a que ella
le ame. Pero Romilda rechaza al rey porque ama al hermano de éste, Arsamene, y
él le corresponde. Xerxes le prohíbe a Arsamene ser su rival y lo envía al
exilio. Mientras, la hermana de Romilda, Atalanta, ha puesto sus ojos sobre
Arsamene y quiere hacerlo suyo.
Amastre, la novia que Serse había abandonado por Romilda,
aparece disfrazada de hombre en busca del rey. Ariodate, general de las tropas
de Serse y padre de Romilda y Atlanta, regresa triunfal de la última campaña y
es recibido por Serse quien le anuncia que pronto su hija se casará con alguien
de la familia de Serse, un igual a él. Arsamene le envía una carta a Romilda, a
través de su sirviente Elviro, pidiendo un último encuentro antes de partir.
Amastre, se siente traicionada y decide luchar por el amor de Serse.
Atalanta intenta engañar a Romilda para que acepte la
propuesta de Serse, diciéndole que Arsamene ama a otra, pero no tiene éxito.
Sola, declara que continuará con sus intenciones hacia Arsamene.
Acto II
Elviro, disfrazado de vendedor de flores, lleva la carta
para Romilda. Atalanta la intercepta y miente a Elviro diciéndole que su
hermana ama a Serse. La furia de Elviro es interrumpida por la llegada del rey.
Atlanta a solas con él le comenta que ha recibido una carta de su hermano,
donde le declara su amor, que oculta con un falso amor por Romilda. Serses,
asombrado, promete ayudarle a casarse con Arsamene, y Atalanta le recuerda que
él ocultará su amor por ella insistentemente.
Serse muestra la carta a Romilda y le pregunta si seguirá
amando a Arsamene. Ella contesta que sí y el rey le dice que aunque debería
aborrecerla, no puede. Sola, Romilda enfurece por la traición que siente ha
hecho su amante. Amastre intenta suicidarse pero Elviro lo impide. Ella
reafirma su amor por Serse. Elviro intenta convencer a su amo que Romilda
quiere a Serse. Éste finalmente lo acepta y declara su decepción.
En público, Serse encarga a Ariodate una nueva campaña que
ampliará su imperio. Luego, a solas con su hermano, le comenta que está
dispuesto a entregarle a su amada como esposa, Atlanta. Arsamene se sorprende
ante lo que siente es un gesto cínico por parte del rey, y expresa en tono
desafiante que luchará hasta conseguir lo que quiere, el amor de Romilda.
Atalanta se encuentra con Serse y éste le advierte que debe
olvidar a Arsamene, que aún ama a Romilda. Atalanta le pide al rey que le
explique cómo puede hacerlo, si aún lo ama intensamente. Serse, a solas,
expresa sus esperanzas y temores ante el amor.
Elviro anuncia la llegada de una tormenta, la cual se desata
y destruye el recién construido puente que representa el poder el imperio de
Serse. Luego, decide que es mejor beber para olvidar.
Serse y Amastre se encuentran. El rey aún desconoce la
identidad del guerrero y ambos cantan su desamor. Romilda entra y Serse le pide
que decida si se casará con él. Amastre interviene, advirtiéndole que el rey
pretende engañarla. Serse ordena que el guerrero sea ejecutado y sale
enfurecido. Romilda finalmente evita la ejecución y, ya sola, expresa la
constancia de su amor.
Acto III
Romilda y Arsamene, reunidos con Elviro, se reprochan
mutuamente su infidelidad. A la llegada de Atalanta, el sirviente le pide que
explique a la pareja lo ocurrido y ella revela la verdad. Antes de marchar
declara que seguirá esperando la llegada de una pareja que la ame. Se anuncia
la llegada del rey, Elviro marcha para no sentir su furia y Arsamene se
esconde. El rey presiona a Romilda para que le explique por qué ha protegido al
desconocido soldado y para que decida si se casará con él o no. Ella desespera
y dice que solo aceptará casarse con la persona que decida su padre. Serse
marcha convencido de que convencerá a Ariodate. Arsamene sale de su escondite y
le reprocha a Romilda su poca constancia. A solas, Arsamene lamenta la crueldad
del amor.
Serse encuentra a Ariodate y manteniendo el misterio, le
pide que acepte como esposo de Romilda a alguien de sangre real y semejante al
mismo rey. Ariodate emocionado, acepta, y luego a solas, declara su placer ante
la gloria que le otorgará este matrimonio.
Serse se encuentra con Romilda y le dice que su padre ha
aceptado su proposición. Ella le confiesa al rey que ama a Arsamene y que él ha
besado ya sus labios. Serse, furioso, la acusa de mentir y ordena antes de
marchar que Arsamene sea asesinado. Romilda se encuentra con Amastre, a quien
desesperada pide ayuda. Amastre promete ayudarla pero antes le entrega una
carta a Romilda para que la haga llegar al rey. A solas, Amastre expresa
tristemente su desesperanza.
Arsamene y Romilda se encuentran y, en una fuerte discusión,
se recriminan de nuevo su mutua infidelidad.
Ante una asamblea que se prepara para la inminente boda,
Ariodate recibe a Arsamene y Romilda, y creyendo que esa es la voluntad de
Serse, entrega a su hija como esposa a Arsamene. Los novios, felices, marchan
para casarse inmediatamente.
Serse finalmente decide descubrir a Ariodate quién será el
esposo de Romilda. Ariodate se adelanta y explica que ya ha ejecutado sus
órdenes y que la pareja ya se ha casado. Ante la sorpresa del rey, Ariodate le
revela quién se ha casado con su hija. Serse enfurece, y en ese momento llega
un criado con la carta de Amastre. Creyendo que ha sido escrita por Romilda, le
pide a Ariodate que la lea. La carta reprocha la infidelidad del rey, y cuando
finalmente saben quién la ha escrito, Serse despide al soldado y descarga su
furia.
Finalmente, todos reunidos son presa del odio del rey. Serse
ordena cruelmente a Arsamene matar a Romilda que ha jugado con el amor del rey.
Aparece el misterioso soldado, Amastre, y se ofrece para ejecutar sus órdenes.
Amastre esgrime la espada contra el rey y descubriendo su identidad le reprocha
su traición. Serse, apenado, pide disculpas a todos.
Recogemos el acto de los Amigos de la Universidad de Tel
Aviv en España, que tuvo lugar en la Universidad San Pablo CEU. En esta ocasión
el acto versa sobre la necesidad de comunicaciones objetivas y éticas que
contribuyan a mejorar relaciones.
Hacé click en el enlace para ver el programa.
https://www.rtve.es/play/videos/shalom/comunicacion-para-convivencia/16059449/
Loretta Webb, más conocida como Loretta Lynn, nació en Butcher
Hollow, Kentucky, Estados unidos, el 14 de abril de 1932, y murió en Hurricane
Mills, Tennessee, Estados Unidos, el 4 de octubre de 2022. Cantante,
guitarrista y compositora.
El sitio www.lorettalynn.com
publicó su biografía.
Biografía
"Para triunfar en este negocio, tienes que ser el
primero, genial o diferente, y yo fui la primera en ir a Nashville, cantándolo
como lo vivieron las mujeres".
Loretta Lynn se ha establecido desde hace mucho tiempo como la reina indiscutible de la música country, con más de 60 años de grabaciones y giras a su nombre. Lynn, guitarrista y compositor autodidacta, fue uno de los intérpretes más distintivos de Nashville en las décadas de 1960 y 1970. Ella revolucionó Nashville al escribir sus propias canciones, muchas de las cuales abordaban temas trascendentales extraídos de sus propias experiencias de vida como esposa y madre. “Coal Miner's Daughter”, “Fist City” y “Don't Come Home A' Drinkin' (With Lovin' on Your Mind)” son sólo tres de los 16 sencillos número uno del país.
También es una de las músicos más premiadas de todos los tiempos. Loretta ha sido incluida en más Salones de la Fama de la música que cualquier artista femenina, incluido el Salón de la Fama de la Música Country y el Salón de la Fama de los Compositores, y fue la primera mujer en ser nombrada Artista del Año por la Asociación de Música Country en 1972. Lynn recibió los Honores del Centro Kennedy en 2003 y la Medalla Presidencial de la Libertad en 2013. En 2015, recibió el premio inaugural "Leyenda" de Mujeres en la Música de Billboard. Con 18 nominaciones repartidas en cada década durante las últimas seis décadas, Lynn ha ganado cuatro premios Grammy, incluido un premio Grammy Lifetime Achievement Award en 2010, y el más reciente en 2019. Ha vendido más de 45 millones de discos en todo el mundo.
En enero de 2021, Still Woman Enough , el álbum de estudio número 50 del ícono de la música estadounidense (excluyendo sus 10 colaboraciones a dúo de estudio con Conway Twitty) se convirtió en el último. En él celebra a las mujeres en la música country. Desde su homenaje a los creadores, la Madre Maybelle Carter y la Familia Carter (a través de su versión de "Keep On The Sunny Side"), hasta una nueva interpretación de su primer sencillo, "I'm A Honky Tonk Girl
¡El álbum alcanzó el puesto número 1 en Country, el puesto 5 en los mejores álbumes de Billboard, el 3 en las listas americanas, el 1 en Apple Music y el 1 en Amazon Music cuando se lanzó! Su poderosa voz, seis décadas después de su carrera, aún los dejará asombrados y encantados.
Loretta Lynn firmó su primer contrato de grabación el 1 de febrero de 1960 y, en cuestión de semanas, estaba en su primera sesión de grabación. Los fanáticos se enamoraron de la interpretación instantáneamente reconocible de Loretta como una de las mejores voces de música country de la historia. Ningún compositor tiene una obra más distintiva. En letras como "Don't Come Home A-Drinkin'" y "Your Squaw Is on the Warpath", se negó a ser el felpudo de ningún hombre. Ella desafió a rivales femeninas en “You Ain't Woman Enough” y “Fist City”. Mostró un tremendo orgullo obrero en “Coal Miner's Daughter” y “You're Lookin' at Country”. No le teme a la controversia, ya sea que el tema sea sexo (“Wings Upon Your Horns”), divorcio (“Rated X”), alcohol (“Would’t It Be Great”) o guerra (“Dear Uncle Sam”). “La píldora”, su celebración de la liberación sexual, fue prohibida en muchas estaciones de radio. Al igual que la propia dama, las canciones de Loretta Lynn surgen de la cadera.
Como saben millones de personas que leyeron su autobiografía de 1976 o vieron su tratamiento cinematográfico ganador del Oscar de 1980, Loretta es la hija de un minero de carbón que creció en extrema pobreza en una remota aldea de los Apalaches de Kentucky. Vivía en una cabaña de montaña con siete hermanos y hermanas y cuando era niña estuvo rodeada de música.
“Pensé que todos cantaban, porque todos en Butcher Holler lo hacían”, recuerda. “Todos en mi familia cantaban. Así que realmente no entendí hasta que dejé Butcher Holler que había algunas personas que no podían. Y fue una especie de shock”.
Se casó con Oliver "Doolittle" Lynn a los 15 años. "Doo" era un veterano de guerra de 21 años con reputación de provocar el infierno. Cuando tenía siete meses de embarazo de su primer hijo, se mudaron lejos de los Apalaches a Custer, Washington. A los 20 años, tenía cuatro hijos (dos más, gemelos, nacieron en 1964). Aislada de su cultura nativa y agobiada por el trabajo doméstico, recurrió a la música en busca de consuelo.
“Antes de cantar, limpiaba la casa; Tomé ropa para lavar; Recogí bayas. Trabajé los siete días de la semana. Fui ama de casa y madre durante 15 años antes de convertirme en artista. Y hoy no era como ser ama de casa. Estaba lavando la ropa a mano sobre una tabla y cocinando en una vieja estufa de carbón. Cultivé un jardín y enlaté lo que cultivé. Eso es lo que es real. Sé cómo sobrevivir”.
Doo la escuchó cantar en sus tareas y declaró que sonaba tan bien como cualquiera que escuchara en la radio. Le compró una guitarra y le dijo que aprendiera a tocarla y a escribir canciones con ella. Loretta dice que sus canciones eran tan directas porque no conocía nada mejor.
“Después de que me consiguió la guitarra, salí y compré un resumen de canciones country . Miré las canciones que había allí y pensé: 'Bueno, esto no es nada'. Cualquiera puede hacer esto.' Solo escribí sobre cosas que sucedieron. Estaba escribiendo sobre cosas de las que nadie hablaba en público y no me di cuenta de que no era así. Estaba teniendo bebés y me quedaba en casa. Estaba escribiendo sobre la vida. Por eso me prohibieron las canciones”.
Doo comenzó a presionarla para que actuara en clubes nocturnos de la zona. Los ejecutivos de Zero Records la escucharon en un local nocturno al otro lado de la frontera en Vancouver, Canadá. Pronto grabó su sencillo debut, "I'm a Honky Tonk Girl", para el pequeño sello. Loretta se hizo un traje de vaquera con flecos y ella y Doo recorrieron el país en su viejo sedán Mercury promocionando el sencillo estación tras estación.
Sorprendentemente, funcionó. El disco llegó a las listas de popularidad en el verano de 1960 y llevó a la pareja a Music City. Comenzó a cantar regularmente en el Grand Ole Opry después de su debut el 15 de octubre de 1960. Los Wilburn Brothers del programa la tomaron bajo sus alas. Teddy Wilburn ayudó a pulir el estilo de composición sorprendentemente original de Loretta. El hermano Doyle Wilburn llevó una cinta de ella cantando “Fool #1” al productor Owen Bradley de Decca Records. A Owen le gustó la canción, pero ya estaba trabajando con Kitty Wells, Goldie Hill, Brenda Lee y Patsy Cline y dijo que no necesitaba otra cantante. Teddy le dijo que no podría tener la canción si no contrataba a su cantante. Como resultado, Brenda tuvo un gran éxito pop con “Fool #1” y Loretta consiguió un contrato con Decca Records.
Como todos los que la encontraron, Owen Bradley quedó prendado de la inocencia, el individualismo, el ingenio contagioso, el espíritu independiente, la franqueza humorística, la franqueza refrescante y el inmenso talento de Loretta. De hecho, llegó a considerarla como "la mujer Hank Williams".
El debut de Loretta en las listas de Decca se produjo con "Success" de 1962. Se convirtió en el primero de más de 50 éxitos entre los 10 primeros y generó una invitación para unirse al elenco de Grand Ole Opry ese mismo año. Su compañera de reparto de Opry, Patsy Cline, le enseñó a vestirse, peinarse y maquillarse. Los Wilburn comenzaron a presentarla en su serie de televisión distribuida a nivel nacional. Cantó una serie de atrevidas canciones domésticas con su héroe de la infancia, Ernest Tubb. Como solista, aceleró con “Wine, Women and Song” (1964) y “Happy Birthday” (1965), ambos temas luchadores y que no me pisen.
“La mayoría de mis canciones eran desde el punto de vista de las mujeres”, escribió Loretta en su autobiografía más vendida. “Es sobre quién canto y sobre quién canto durante mis shows. Y las chicas lo saben... La mayoría de mi club de fans son mujeres, que es como lo quiero”.
Entre los mejores momentos de Loretta en el disco se encuentran declaraciones femeninas empoderadoras como "You Wanna Give Me Lift" (1970), "I Wanna Be Free" (1971), "We've Come a Long Way Baby" (1978), "Hey Loretta (1973), “El amor es la base” (1973) y la divertidísima “Uno está en camino” (1972). Ella tuvo un romance memorable y se burló de Conway Twitty en una serie de actuaciones a dúo muy populares entre 1970 y 1982.
En 1967, comenzó a recoger varios trofeos de Vocalista Femenina del Año. Ella y Conway también ganaron una larga serie de premios al Dúo del Año a partir de 1971. La industria la colmó de honores como compositora de BMI, placas de Disco de Oro, un premio Grammy y otros reconocimientos. En 1972, se convirtió en la primera mujer en la historia en ganar el trofeo de Artista del Año de la Asociación de Música Country.
A mediados de la década de 1970, Loretta Lynn era una superestrella innegable. Apareció en las portadas de Newsweek (1973), Redbook (1974) y muchas otras publicaciones nacionales importantes. Con su humor sencillo y sus modales sin pretensiones, se convirtió en una de las favoritas de los programas de entrevistas de televisión.
Loretta continuó dominando las listas a medida que los años 70 llegaban a su fin, logrando grandes éxitos con "Somebody Somewhere" de 1976, "Out of My Head and Back in My Bed" de 1977 y "I've Got a Picture of Us on My" de 1979. Mente." Sus grandes éxitos de 1982 "I Lie" y "Making Love From Memory" la llevaron a la nueva década.
Una de las cosas más destacables de Loretta Lynn es cómo renueva su creatividad una y otra vez. Dos años después de ser incluida en el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville en 1983, regresó a las listas con el éxito "Heart Don't Do This to Me". En 1988, año en que ingresó al Salón de la Fama de la Música Country, Loretta grabó con kd lang. Obtuvo un Disco de Oro en 1994 con Honky Tonk Angels , un CD en trío con Dolly Parton y Tammy Wynette.
Doo, el amor de su vida, murió en 1996. Entumecida por el dolor, Loretta admite que estuvo perdida en la niebla durante más de un año. Pero regresó con un CD de 2000 titulado Still Country . También volvió a la pista de conciertos.
Loretta publicó una segunda memoria, Still Woman Enough , en 2002. Fue honrada en el Kennedy Center en 2003, pero volvió a avanzar al año siguiente al ganar dos premios Grammy por Van Lear Rose , una colaboración con el rockero Jack White. El álbum es un testimonio de su talento y creatividad. También en 2004 publicó un libro de recetas y anécdotas titulado You're Cookin' It Country .
En marzo de 2016, PBS transmitió el estreno nacional de American Masters: Loretta Lynn: Still a Mountain Girl, un documental que narra la vida y la carrera de Loretta y explora su reñido camino hacia el estrellato. Desde sus raíces en los Apalaches hasta la película biográfica ganadora del Oscar, “Coal Miner's Daughter”, Lynn sigue fuerte más de 60 años después.
En 2016 también se lanzó Full Circle , el primer nuevo álbum de estudio de Loretta en más de una década. Producido por Patsy Lynn Russell y John Carter Cash, y grabado en Cash Cabin Studio en Hendersonville, Tennessee, el álbum llevó a los oyentes en un viaje a través de la vida y la música de Loretta, desde las canciones populares de los Apalaches y el gospel que aprendió cuando era niña hasta nuevas interpretaciones. desde sus éxitos clásicos y estándares country hasta canciones recién escritas para el proyecto.
Full Circle, un poderoso regreso a la forma, aclamado tanto por los fanáticos como por los críticos, debutó en el puesto número 4 en las listas de países de Billboard (el álbum número 40 de Loretta entre los 10 mejores y su álbum con las listas más altas en el Billboard 200) y fue nominado a Mejor Álbum country en la 59ª edición de los premios Grammy. Loretta siguió a Full Circle ese mismo año con White Christmas Blue, un álbum que envió a los oyentes a un viaje de temporada a la ciudad natal de Lynn, Butcher Hollow, Kentucky, para pasar las fiestas navideñas.
El 28 de septiembre de 2018, Legacy Recordings lanzó ¿No sería genial? Uno de los álbumes más profundamente personales de su carrera, Wouldn't It Be Great, está compuesto en su totalidad por canciones escritas (o coescritas) por Loretta. La canción principal, "¿No sería genial?" es un rompecorazones que hace que los oyentes recorran toda una gama de emociones, mientras simpatizan, esperan con fe y se relacionan con el dolor que uno siente al buscar lo mejor para sus seres queridos. La última canción que Loretta escribió para su esposo durante 48 años, Doolittle, aborda de frente cómo su matrimonio y su historia de amor se vieron afectados por el alcoholismo. La autenticidad y la emoción en la voz de Loretta son escalofriantes cuando llega al coro con la pregunta implorante: "¿No sería genial?". Esta canción es poderosa y captura los aspectos más vulnerables y sinceros de la vida de Loretta Lynn.
El 19 de octubre de 2019, Lifetime emitió la muy esperada película Patsy & Loretta, que destacó su amistad de toda la vida con Patsy Cline. Al lanzamiento de la película le siguieron en 2020 el sencillo "I Fall to Pieces" y las memorias de Loretta Me & Patsy Kickin' Up Dust, una celebración de su música y su relación hasta la trágica y prematura muerte de Patsy.
En octubre de 2020, Loretta cumplió 60 años de su primera aparición en el Grand Ole Opry, que se conmemoró con la inauguración de su estatua, solo la tercera estatua en el Icon Walk del lugar histórico.
Enero de 2021 nos trajo su último álbum Still Woman Enough , que se convirtió en un éxito instantáneo. Para la canción principal, Lynn se asoció con Reba McEntire, Tanya Tucker y Carrie Underwood. El nuevo álbum nos muestra que todos estos años después, Loretta todavía tiene lo necesario para sorprender a sus fans... todavía es lo suficientemente mujer.
Loretta Lynn, una cantante, compositora e intérprete innovadora, es un arquetipo de la música estadounidense, una artista singular cuya música definió un género y cuyas canciones continúan informando a las nuevas generaciones de músicos.
Loretta sufrió un derrame cerebral en 2017 y una caída que le provocó una fractura de cadera. Sin embargo, estos desafíos no pudieron detener a Loretta. Ella luchó duro, decidida a disfrutar la vida con su familia y seguir lanzando música para sus fans. Con el covid inmediatamente después de sus problemas de salud, Loretta no ha estado de gira en los últimos años. Sin embargo, le encanta mantenerse al día con sus fans y la música country a través de las redes sociales y sigue trabajando para escribir y lanzar más buena música.
Loretta pasa la mayor parte de su tiempo en su querido rancho en Hurricane Mills, Tennessee. Rodeada de mascotas, te dirá que lo que ama más que nada es pasar tiempo con sus cuatro hijos supervivientes, Ernie, Cissie, Peggy y Patsy, a quienes describe como sus mejores amigos. Atesora los recuerdos de sus hijos mayores, Betty Sue y Jack, a quienes perdió.
¡Larga vida a la reina!
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Coal Miner's Daughter, y Lay Me Down, con Willie Nelson.