Alan Hovhaness

Alan Hovhaness Chakmakjian nació en Somerville, Massachusetts, Estados Unidos, el 8 de marzo de 1911, y murió en Seattle, Estados Unidos, el 21 de junio de 2000. Compositor.

El sitio www.hovhaness.com publicó su biografía.

Alan Hovhaness Resumen biográfico     por Marco Shirodkar

Primeros años (1911-1930)

Hovhaness nació como Alan Vaness Chakmakjian en el próspero suburbio de Somerville, Massachusetts, en Boston, el 8 de marzo de 1911. Su padre armenio, Haroutioun Hovanes Chakmakjian, provenía de Adana (ahora en Turquía) y era profesor de química en Tufts College. Su madre, Madeleine Scott, era de ascendencia escocesa y no aprobaba especialmente que el joven Alan aprendiera sobre la cultura armenia de su padre. Ella se aseguró de que lo conocieran simplemente como Alan Scott Vaness, que es el nombre que se ve en sus primeras canciones. Después de su muerte en 1931, el compositor usó el apellido Hovaness (en honor a su abuelo paterno) y luego agregó una 'h' después de la 'v' alrededor de 1942, convirtiéndose así en Hovhaness con la acentuación en la segunda sílaba. Sin ningún estímulo especial, Hovhaness se sintió atraído por la música a la edad de 4 años y recibió sus primeras lecciones de piano alrededor de los 7 años, momento en el que ya improvisaba y componía con su propia notación. Afirmó haber compuesto a veces en secreto durante la noche en sus primeros años, y la creatividad nocturna fue sin duda la norma durante gran parte de su vida. En una entrevista dijo una vez: "Mi familia pensaba que escribir música era anormal, por lo que confiscarían mi música si me sorprendían en el acto. Solía ​​componer en el baño y esconder los manuscritos debajo de la bañera". Hovhaness dijo que nunca "quiso convertirse" en compositor, pero que el acto de componer le parecía natural. Al crecer sin hermanos y con una naturaleza algo tímida, dedicó sus energías a actividades solitarias pero creativas, como leer, escribir y pintar. Otro interés de la infancia fue la astronomía. Sin embargo, a los 14 años ya se había decidido firmemente por el camino musical. Junto con un libretista de la escuela secundaria, Hovhaness escribió sus primeras óperas Flor de loto , Barba Azul y Daniel . Cuando era niño, adquirió el amor por las montañas a través de largas caminatas y aparentes experiencias metafísicas en las colinas de Nueva Inglaterra. Estos paisajes fueron temas frecuentes de sus pinturas y dibujos. Las montañas siempre fueron importantes para él, determinando los lugares en los que eligió vivir, como Lucerna en Suiza y Seattle en la costa del Pacífico, y demostrarían ser una inspiración durante toda su vida para muchas obras con títulos evocadores, como Montaña de Profecía y Visión desde High Rock . La educación universitaria de Hovhaness comenzó en Tufts College y su formación musical fue académica normal. Aunque su educación parece haber sido relativamente convencional para un bostoniano, Hovhaness desde el principio poseyó un gran interés en asuntos de naturaleza espiritual.

década de 1930

La primera formación compositiva de Hovhaness se produjo en 1932 en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra de Boston, bajo la tutela de Frederick Converse. Cuando tenía poco más de veinte años (principios de la década de 1930), la música de Hovhaness estaba atrayendo cierto interés en los círculos musicales de Boston. Uno de los primeros mentores musicales fue Sibelius. El joven Hovhaness asistió una vez a un concierto en Boston de la Cuarta Sinfonía de Sibelius y años más tarde comentó: "Pensé que esa pieza, sus grandes melodías al unísono, tan solitarias y originales, decían todo lo que había que decir, y no sólo sobre música". Pero Hovhaness también miraba hacia el Este: "En los años 30, en Boston y Nueva York, escuchaba a cantantes armenios y kurdos y me influenciaba lo que hacía Uday Shankar, el hermano de Ravi. Las modalidades orientales siempre estuvieron ahí". El bailarín Uday Shankar y el músico del norte de India Vishnu Shirali actuaron en Boston en 1936, una época en la que la música india apenas era conocida en Occidente.

Hovhaness en 1935  derechos de autor de la foto y cortesía de  Hinako Fujihara Hovhaness

En 1935, impulsado por su gran amor por la música de Sibelius, Hovhaness y su primera esposa, entonces embarazada (la artista Martha Mott), visitaron Finlandia para conocer a Sibelius. Se trabó una amistad y el maestro finlandés se convirtió más tarde en padrino de su hija, que en homenaje recibió el nombre de Jean Christina. Algunos de los primeros artículos sobre Hovhaness afirman que era una especie de "Sibelius americano", pero esta atribución errónea probablemente se deba a que dio una conferencia sobre Sibelius en una época en la que el compositor era poco conocido. En una entrevista, Hovhaness refutó más tarde cualquier idea de que su música fuera neo-sibeliana y, de hecho, un examen superficial de las primeras partituras muestra que, si bien hay algunos destellos de escritura de cuerdas sibeliana y escasez, hay muchas otras influencias (como la música oriental) que han también se ha sumado al seguro impulso melódico del joven compositor. Sin perspectivas de actuaciones orquestales, Hovhaness naturalmente escribió predominantemente música de cámara en la década de 1930. Hay canciones y muchas obras para piano, incluida una ( Mystic Flute , 1937) de la que Hovhaness escribió más tarde y que Rachmaninov tocaba en sus giras de conciertos. El Cuarteto de Cuerda No.1 Op.8 de 1936 muestra un dominio impresionante del contrapunto disciplinado. En particular, el cuarto movimiento trata fugazmente cuatro temas contrastantes antes de superponerlos con gran facilidad, un concepto probablemente inspirado en el final de la Sinfonía de Júpiter de Mozart . Con la Sinfonía del exilio de 1937 (ahora conocida como Sinfonía n.º 1, op.17), la humanidad del joven compositor brilló al abordar la persecución de los armenios por parte de los turcos en la década de 1930. Un éxito temprano significativo se produjo en 1939 cuando Leslie Heward, directora principal de la BBC Midland Orchestra, Inglaterra, dirigió la Exile Symphony . Heward quedó muy impresionado; en una entrevista en Nueva York consideró la música de Hovhaness "poderosa, viril y musicalmente muy sólida; tiene agallas, se apega a los fundamentos; es un genio y creará obras aún mayores". Lamentablemente para Hovhaness, Heward murió poco después de tuberculosis a la edad de 46 años, privando así al compositor de un defensor útil.

década de 1940

A principios de la década de 1940, varias experiencias desviaron el pensamiento musical de Hovhaness de los modos de expresión predominantemente occidentales hacia su "destino musical", una alquimia altamente personalizada y casi perfecta de Occidente y Oriente. Su receptividad a la cultura armenia se reavivó en 1940 cuando se convirtió en organista de la Iglesia Armenia St. James en Watertown, Massachusetts. Aquí estuvo expuesto a los modos y la monodia de la liturgia armenia, así como a las obras del sacerdote y compositor Komitas Vartabed, de quien tenía cierto conocimiento. "Cuando era niño, mi padre tenía este maravilloso disco de música coral del compositor armenio Komitas. Para mí, él es el minimalista original, y fue a través de Komitas que se me ocurrió la idea de decir todo lo posible con la menor cantidad posible. notas." Mucho más tarde, a principios de la década de 1970, Hovhaness grabó la música para piano de Komitas y dirigió sus obras corales. Durante la mayor parte de la década de 1940, Hovhaness se mantuvo modestamente gracias a su puesto de organista en la iglesia armenia de St. James. Durante la década de 1940, Hovhaness hizo varios intentos de conseguir ayuda financiera a través de las becas Guggenheim. En 1940, Hovhaness escribió el siguiente credo altruista en sus documentos de solicitud: "Propongo crear un estilo de composición heroico y monumental, lo suficientemente simple como para inspirar a todas las personas, completamente libre de modas pasajeras, manierismos artificiales y falsas sofisticaciones, directo, contundente, sincero, siempre original pero nunca antinatural. La música debe estar libre de la decadencia y el estancamiento. "Se ha puesto demasiado énfasis en las cosas pequeñas mientras se han pasado por alto las grandes verdades. Hay que prescindir de lo superficial. La música debe volverse viril para expresar las cosas grandes. No es mi propósito proporcionar más información a unos pocos músicos y críticos pseudointelectuales. alimento para una argumentación brillante, sino más bien inspirar a toda la humanidad con un nuevo heroísmo y nobleza espiritual. Esto puede parecer sentimental e imposible para algunos, pero hay que recordar que Palestrina, Handel y Beethoven no lo considerarían ni sentimental ni imposible. De hecho, el arte creativo más digno ha sido motivado consciente o inconscientemente por el deseo de la regeneración de la humanidad. Habría cuatro solicitudes más fallidas para la financiación del Guggnheim antes de que finalmente llegara el éxito en 1953 y 1954. En 1942, Hovhaness ganó una beca en Tanglewood para estudiar en la Master Class de Bohuslav Martinu. Este período se agrió cuando también entró en contacto con Bernstein, Copland y su círculo impresionable en la clase de composición. Ya un poco marginado entre esta camarilla (no siendo judío, homosexual o entrenado en París), su comportamiento naturalmente tímido y distante sólo podría haber amplificado su inquietud en el ambiente altamente competitivo de Tanglewood. Hovhaness declaró más tarde que su música fue ridiculizada por los miembros de este grupo, destacando a Bernstein y Copland. Mientras que Leslie Heward había aclamado públicamente la Exile Symphony , Bernstein supuestamente la había descartado como "música de gueto" después de escuchar sólo parte de la grabación de Heward, y Copland procedió a hablar en voz alta (en español) sobre la grabación, impidiendo que otros escucharan. Al percibirse a sí mismo como objeto de burla, Hovhaness, un tanto reaccionario, abandonó abruptamente Tanglewood, con su seguridad artística algo socavada. Al final, sólo hubo una reunión con Martinu, contrariamente a la afirmación frecuente de que Hovhaness era un "alumno de Martinu". En este punto de crisis artística, Hovhaness encontró fuerza en la amistad con dos artistas de Boston, Hyman Bloom (que más tarde se hizo bastante famoso) y Hermon di Giovanno. En 1943, di Giovanno, un pintor y místico griego, supuestamente guió a Hovhaness a los mundos antiguos de Grecia, Egipto, Armenia e India. Hovhaness describió a di Giovanno como el "maestro espiritual que abrió la puerta a la dimensión espiritual". Fue una influencia fundamental porque animó a Hovhaness a buscar su herencia armenia paterna y ser fiel a sí mismo en sus objetivos. Las decepciones del compositor en Tanglewood, su implicación con la música religiosa armenia y posiblemente las enseñanzas de di Giovanni de seguir la propia voz interior y no el ego, convergieron para impulsar a Hovhaness a hacer un balance serio de su identidad y su arte. Actuó con decisión, destruyendo o descartando muchas piezas escritas hasta el momento, aunque probablemente no las míticas "más de mil" obras de las que se puede leer en otros lugares. Con este acto catártico desaparecieron algunas de sus primeras obras importantes, incluidas dos óperas y unas siete sinfonías, una de las cuales ganó el premio Samuel Endicott en 1933. Sin embargo, algunas de las primeras piezas sobrevivieron (por ejemplo, un Concierto para violonchelo de 1937 que apareció para su estreno profesional en 1999). ), fueron reciclados en obras posteriores, o simplemente reintroducidos en el catálogo del compositor años más tarde con números de opus engañosamente altos. Unos 50 años después, comentando este acto de autocrítica, Hovhaness comentó: "En realidad, me estaba mudando [de Boston] a un apartamento más pequeño en Nueva York y tuve que deshacerme del exceso de equipaje". En febrero de 1944, Hovhaness formó una orquesta amateur para interpretar música basada en intervalos puros, que había aprendido a través de su puesto en la iglesia de St. James, donde trabajó con sacerdotes armenios. La respuesta al primer concierto de la orquesta en junio animó a Hovhaness a crear "melodías gigantes en modos simples y complejos alrededor de centros tonales móviles o de papelería". Así, a partir de 1944 se inició un período de obras con títulos o temáticas armenios. En su mayor parte, Hovhaness empleó modos armenios y no citó melodías populares armenias, con la aparente excepción de las tres Rapsodias armenias . De ahí que el período 1943-1951 se conozca como el "período armenio" de Hovhaness, aunque reconoció influencias indias concurrentes en estas obras. El encantamiento melódico extendido, casi a expensas de la armonía, es la preocupación predominante durante esta fase creativa, y largas secciones de obras son armónicamente estáticas con solo un zumbido de pedal (o quinta abierta sostenida). En el concierto para piano y cuerdas de 1944, Lousadzak , la parte del solista es una melodía gigante exquisitamente filigrana, monofónica en todas partes, que imita los instrumentos de cuerda armenios y turcos. En esta obra fundamental, Hovhaness introdujo su técnica aleatoria, inicialmente llamada "murmullo espiritual". Aquí, los intérpretes repiten individualmente una frase melódica designada una y otra vez sin sincronía con el resto de los intérpretes de esa sección. La invención de esta técnica llamada ad libitum se ha atribuido erróneamente al compositor polaco Witold Lutoslawski, porque unos 17 años después la utilizó por primera vez en su obra orquestal de 1961 Jeux Venitiens . A mediados de la década de 1940, varias de las nuevas obras de Hovhaness se estrenaron bajo su batuta en Boston. La reputación del joven bostoniano como una fuerza musical que desafiaba la categorización estaba creciendo. Poco después tuvo lugar su memorable debut en Nueva York, que incluyó el estreno del concierto para piano de Lousadzak , que marcó un punto de inflexión para Hovhaness. El compositor y crítico periodístico Lou Harrison lo recordó así:

"Recuerdo el estreno de esa obra en el Ayuntamiento y la enorme emoción que produjo la repentina aparición de Alan en Nueva York. El intermedio que siguió [ Lousadzak ] fue lo más cerca que he estado jamás de uno de esos renombrados disturbios artísticos. En el En el lobby, los cromatistas y los americanistas estaban actuando a altos decibeles. Lo que lo desencadenó, por supuesto, fue que llegó un hombre de Boston cuya música obviamente hermosa y excelente no tenía nada que ver con ninguno de los dos bandos, sino que, de hecho, era propia. "Para empezar, es algo muy maravilloso. Mi invitado John Cage y yo estábamos muy emocionados, y corrí al lamentado Herald Tribune y escribí una crítica entusiasta mientras John regresaba a la Sala Verde para encontrarse con Alan".

Tal era el entusiasmo de John Cage que se dedicó a supervisar la publicación de la reciente obra para dos pianos de Hovhaness, Mihr (Op.60), para la serie New Music de Henry Cowell. Dado que a Cage se le atribuye ser el padre de la música aleatoria, quizás sea históricamente significativo que estuviera al tanto de la escritura cuasi aleatoria de Hovhaness empleada desde Lousadzak de 1944 en adelante. Hovhaness describió la reseña del periódico de Harrison como "la primera buena crítica que he recibido... un gran estímulo". Otro éxito de Hovhaness llegó en 1945, cuando Martha Graham le encargó música para su ballet Ardent Song . Con diferencia, la mayor ayuda que Hovhaness recibió (y necesitó) en la segunda mitad de la década de 1940 fue la de sus colegas armenios en las áreas de Boston y Nueva York. La Dra. Elizabeth Gregory se hizo amiga de Hovhaness a principios de la década de 1940 y fue la fuerza impulsora detrás de sus primeros conciertos en Boston. Poco después, el pianista Maro Ajemian conoció a Hovhaness en Boston y ayudó a lanzar su carrera en Nueva York al cofundar el Comité de Amigos de la Música Armenia a fines de la década de 1940. En el centro de este comité estaban la pianista Maro Ajemian y su hermana violinista, Anahid. Las talentosas hermanas Ajemian sacrificaron el estrellato internacional para concentrarse en la música contemporánea, de la que Hovhaness fue quizás el principal beneficiario cuando comenzaron. Ayudaron a crear un 'rumor' en Nueva York sobre el compositor a través de dos conciertos de música orquestal de Hovhaness patrocinados por Friends de enorme éxito, primero en el Carnegie Hall y luego en el Town Hall, con excelentes críticas en el New York Times (Olin Downes), el Herald Tribune (Virgil Thomson) y otros periódicos de Nueva York. Los comentarios de Thomson, frecuentemente citados, de febrero de 1947, fueron los siguientes:

"...la gran calidad de esta música, la pureza de su inspiración, se evidencia en la extrema belleza de su material melódico (que es material original, no folklore recopilado) y en la perfecta dulzura de sabor que deja en la boca. "No hay en él ninguna vulgaridad, nada meritorio, tonto, fácil o de baja intención. Trae deleite al oído y placer al pensamiento. A pesar de toda su complejidad auditiva -pues la ornamentación es su esencia- es absolutamente simple en sentimiento, puro de espíritu y altivo. Y para los oídos occidentales es profundamente refrescante. Entre todas nuestras contribuciones americanas al arte musical, que son muchas, es una de las más curiosas y originales, sin apoyarse en ningún punto en la ignorancia, idiosincrasia o encanto personal".

Los Amigos de la Música Armenia también ayudaron financieramente a Hovhaness durante su desesperada situación financiera en la década de 1940 y principios de la de 1950. La defensa de Maro Ajemian continuó en casi todas las primeras grabaciones de Hovhaness. Ella fue la intérprete esencialmente responsable de 38 de las 40 grabaciones de Hovhaness realizadas entre 1946 y 1957, y muchas de ellas fueron producidas por el marido de su hermana, George Avakian (en Disc) o sus amigos productores (en Mercury). Hovhaness con su mayor defensor del teclado, el pianista armenio-estadounidense Maro Ajemian, quien realizó alrededor de 40 grabaciones de Hovhaness a mediados de la década de 1950 y llamó la atención del establishment musical de Nueva York. En 1947 Hovhaness se casó con su tercera esposa, la bailarina Serafina Ferrante. Él tenía 36 años y ella 18, pero era su matrimonio más feliz hasta la fecha. Al año siguiente, Hovhaness fue invitado a unirse a la facultad del Conservatorio de Música de Boston, donde enseñó durante tres años, mientras mantenía sus funciones en la iglesia armenia de Watertown. Sus deberes en el Conservatorio incluían enseñar composición y dirigir la orquesta de estudiantes. Este puesto docente no obstaculizó su productividad, y los estudiantes recuerdan que en sus clases no impuso ningún dogma compositivo, a diferencia de otros compositores de allí.

En 1949, el American Music Center le pidió a Hovhaness que contribuyera con alguna información para su American Composers Biographical Survey. Plenamente consciente de que estaba evitando las modas musicales de mediados de siglo (americana, composición dodecafónica e incluso atonalidad), escribió: "Es mejor que no se haga mención de mis becas o educación porque mi dirección está completamente alejada de la camino aprobado por cualquiera de mis maestros; por lo tanto, la responsabilidad [por las actitudes hacia mi música] no recaerá en nadie más que en mí mismo".

década de 1950

En la década de 1950, Hovhaness, que ya tenía cuarenta años, adquirió gradualmente una reputación considerable, recibiendo honores académicos y un flujo constante de encargos. Estos encargos, muchos de ellos de orquestas de primer nivel, hicieron que Hovhaness se embarcara en una fase de escritura más occidental, utilizando las orquestas sinfónicas estándar que ahora tenía a su disposición. La década de 1950 fue testigo de la primera tanda de sinfonías de múltiples movimientos con secciones neorrománticas de tutti, un lujo notablemente ausente en las obras modestamente compuestas de la década de 1940. Las influencias armenias dieron paso, aunque no completamente, a diversas influencias, incluida la polifonía neorrenacentista, un resurgimiento de la escritura fugaz, ragas indias y una marcada ampliación de la armonía para incluir tríadas y relaciones cromáticas. La paleta tímbrica de Hovhaness también se expandió enormemente, incluyendo ahora efectos altamente colorísticos (por ejemplo, grupos de celesta que recuerdan a Webern) y un empleo más audaz de secciones "sin ritmo", que hasta entonces habían sido fondos de pizzicato tranquilos, pero que ahora pasaron a primer plano e incluían tanto instrumentos de cuerda como de madera. grupos. Alrededor de 1949 también surgieron ciclos rítmicos altamente desarrollados, relacionados con el tala indio y las órbitas planetarias. En 1951, sintiéndose capaz de mantenerse más a sí mismo componiendo, Hovhaness se mudó nuevamente a Nueva York para comenzar a componer a tiempo completo. Escribió música para radio, televisión, teatro y danza. Pasó dos años (1951-53) componiendo música en diversos estilos étnicos para Voice of America (donde una de sus funciones fue la de director musical, compositor y consultor musical para la sección de Cercano Oriente y Transcaucásica). La singularidad y el creciente aprecio de su música le valieron un premio del Instituto Nacional de Artes y Letras. Entre 1953 y 1955 obtuvo dos becas de composición de la Fundación Guggenheim. Durante este tiempo viajó a Grecia y las islas griegas orientales. 1954/55 vio el éxito en Broadway con su fascinante música para la obra de Clifford Odet The Flowering Peach , que tuvo 135 funciones en el Teatro Belasco de Broadway. A continuación, NBC encargó dos bandas sonoras documentales, para Assignment India y Assignment South-East Asia . Muchos de estos pequeños éxitos condujeron al mayor avance de Hovhaness a mediados de los años cincuenta. La Sinfonía n.° 2, titulada Montaña misteriosa , se estrenó (pero probablemente no fue encargada) para el debut de Leopold Stokowski con la Sinfónica de Houston en octubre de 1955, y le dio a Hovhaness exposición nacional y muchas críticas elogiosas. Stokowski también presentó la Sinfonía n.º 3, un año después en el Carnegie Hall. Otra bendición para Hovhaness fue que entre 1955 y 1957 MGM Records lanzó una serie de LP exclusivamente de Hovhaness, grabando obras importantes como los conciertos Khaldis, Lousadzak, Talin, el Concierto n.º 2 para violín , la Sinfonía de Saint Vartan y varias obras de cámara; En total, unas 20 piezas repartidas en 8 discos. Durante los veranos de 1956 a 1959, Hovhaness enseñó en la Escuela de Música Eastman en Rochester. En 1958, la Universidad de Rochester otorgó a Hovhaness un título honorífico de Doctor en Música. Oliver Daniel, en el Saturday Review del 22 de febrero de 1958, describió la música de Hovhaness como "momentos de tranquilidad en un mundo caótico". Este fue también el año en que la Fundación Koussevitsky encargó el Magnificat , durante muchos años una de las obras más populares de Hovhaness. En abril de 1958 se produjo la grabación comercial de Mysterious Mountain por Fritz Reiner y la Orquesta Sinfónica de Chicago, un gran golpe para el compositor. Apareció en el sello RCA y desde entonces se convirtió en su grabación más famosa y su obra orquestal más interpretada. En junio de 1959, Bates College, Maine, confirió a Hovhaness el título honorífico de Doctor en Música, el segundo de los cinco doctorados que finalmente se otorgaron al compositor. La originalidad y accesibilidad de la contribución de Hovhaness a la música estadounidense se destacaron en la cita doctoral de la siguiente manera:

"por la audacia y la delicadeza de la imaginación, por la originalidad y la individualidad sin excentricidad, por un gran número de composiciones, cada una de ellas fresca y distintiva, por fusionar la vieja melodía con la técnica y el espíritu modernos; en resumen, por hacer música para elevar los corazones de los hombres como única él puede."

Hovhaness fue becario de investigación Fulbright en la India durante 1959-1960, lo que coloreó aún más su paleta compositiva. Aquí estudió música karnática con músicos nativos del sur de la India y All India Radio también le encargó escribir una obra para una orquesta compuesta íntegramente por instrumentos indios, a la que llamó Nagooran . Hovhaness fue el primer occidental invitado a participar en el Festival de Música anual de la Academia de Música de Madrás. El día de Año Nuevo de 1960, el Festival de Música de Madrás celebró su primer concierto de música occidental, un concierto exclusivamente de Hovhaness. En este programa, el compositor estrenó dos obras existentes (pero apropiadamente retituladas), su Sonata para piano de Madrás y el concierto para piano Arjuna (conocido como Sinfonía n.° 8). También se estrenó Nanga Parvat (Sinfonía n.° 7, que retrata el pico del Himalaya), y todas las piezas impresionaron a los críticos locales. En su reseña de Arjuna en el periódico The Hindu , el musicólogo indio P. Sambamoorthy señaló que representaba "un nuevo campo fértil e inexplorado". El catálogo de obras de Hovhaness comenzó en la década de 1950 alrededor del Opus 80; a finales de los años cincuenta se acercaba al Opus 200, lo que indica una tenacidad creativa de alrededor de una docena de nuevas obras al año. Sumado a sus viajes e investigaciones musicales, esto es muy impresionante, ya que las obras de los años 50 son en general de gran calidad, inventiva y variedad.

década de 1960

Hovhaness hizo su primer viaje a Japón en 1960, donde dirigió sus obras con la Sinfónica de Tokio y la Filarmónica de Japón. Esta última orquesta grabó posteriormente la versión original de la sublime Meditación sobre Orfeo . La edición del 16 de mayo de 1960 de la revista Time informó: "Los japoneses estaban intrigados por la música de Hovhaness, parecida a un trance, que respiraba tranquilamente, con su uso de patrones de danza oriental, sus pequeños remolinos de sonido". Al regresar de Oriente, Hovhaness estuvo en Europa durante un año, dirigiendo e interpretando varias de sus obras. Una beca Rockefeller permitió a Hovhaness volver a visitar el Lejano Oriente en 1962 para estudiar Ah-ak (música de la antigua corte de Corea), Bunraku y Gagaku (música antigua ceremonial y de la corte de Japón) con Masataro Togi, un reconocido músico Gagaku. En Japón, Hovhaness fue bien recibido por los medios de comunicación, según un informe "ensalzado por la prensa". Durante su estancia se estrenó la cantata Fuji , para coro femenino japonés, flauta, arpa y cuerdas. 1962 también vio un período de seis meses como compositor residente en el Centro Este-Oeste de la Universidad de Hawaii. Aquí participó en el Festival de Música y Arte de Honolulu, que incluyó el estreno de la Sinfonía nº 15 Peregrinación de Plata . En 1963 Hovhaness se instaló en Seattle. En 1965 Hovhaness emprendió una gira por Rusia patrocinada por el Departamento de Estado en el marco del Programa de Intercambio Cultural. La visita al Lejano Oriente implicó una mayor investigación con músicos nativos, lo que condujo a nuevos elementos en el estilo de Hovhaness y provocó un cuarto período estilístico. Aquí, Hovhaness regresa a las largas secciones armónicamente estáticas de la década de 1940, aunque ahora con melodías a menudo en cánones unísonos y empleando frecuentemente glissandi. Es en esta fase creativa donde retroceden la fuga y la polifonía renacentista. Hay más escasez de armonía en los años 1960 que en los años 1950, a menudo un drone es todo lo que sustenta las melodías. La repetición y elaboración del material reemplaza por completo cualquier desarrollo. De hecho, un comentarista japonés comparó la música de Hovhaness con un pergamino desplegado, en lugar de con la impresión fotográfica propia de la mayoría de la música occidental. 1963 vio la segunda colaboración de Hovhaness con Martha Graham para su ballet Circe ; esta música se convirtió en la Sinfonía número 18. Graham volvió a recurrir a los servicios de Hovhaness en 1973 para su ballet Myth Of A Voyage , y la música se publicó bajo el título Dream Of A Myth . A mediados de los años 60 Hovhaness dividió su tiempo entre el paisaje montañoso de Lucerna (Suiza) y Nueva York. En ese momento, el patrocinio entusiasta del director André Kostelanetz aseguró que varias obras de Hovhaness fueran estrenadas y posteriormente grabadas por la Filarmónica de Nueva York (un defensor posterior de la música de Hovhaness fue el joven trompetista de la orquesta, Gerard Schwarz). En este momento, Hovhaness creó algunas de sus obras neoorientales más logradas. Estos incluyeron Floating World - Ukiyo , un poema sinfónico virtuoso con connotaciones budistas, y el posteriormente popular Fantasy on Japanese Woodprints , una especie de concierto de marimba inspirado en imágenes japonesas de bloques de madera, encargado para Seiji Ozawa y la Orquesta Sinfónica de Chicago.

Hovhaness (izquierda) con el director de la Filarmónica de Nueva York, André Kostelanetz, a mediados de los años 60. Kostelanetz encargó varias obras a Hovhaness, incluida la famosa pieza Y Dios creó grandes ballenas , de la que el compositor luego se arrepintió de haber escrito. Foto cortesía del Archivo Filarmónico de Nueva York

Fue en Lucerna, en el verano de 1966, donde Hovhaness escribió una de sus obras más originales y sorprendentes, la Sinfonía de Vishnu (Sinfonía n.º 19). En esta obra, que simboliza las fuerzas creativas de la galaxia, su técnica aleatoria alcanza su cúspide de elaboración, con secciones enteras de "caos controlado" que representan "nubes volcánicas, nubes celestes - nubes nebulosas". Con Vishnu , donde la técnica ad libitum de Hovhaness alcanza su cenit antes de retroceder bruscamente, es digno de mención cuán lejos ha viajado musicalmente el compositor desde principios de la década de 1940, conservando siempre una postura estética única e intransigente.

década de 1970

En 1966/67, Hovhaness había sido compositor residente de la Sinfónica de Seattle. A principios de la década de 1970, Hovhaness se mudó permanentemente a Seattle, Washington. Su reciente vinculación con la Orquesta Sinfónica de Seattle le había provocado, sin saberlo, una historia de amor con el paisaje: "Me gustan mucho las montañas. No tengo que ir a Suiza, espero quedarme aquí". El cambio más obvio en la música de Hovhaness de la década de 1970 (y posteriormente) fue la retirada de los dispositivos de sonido abiertamente orientales. En todo caso, Hovhaness viró hacia un enfoque neorromántico más occidental, pero todavía dentro de los ámbitos de la melodía rapsódica y la expresión mística. Es de destacar la expansión de la armonía desde puramente modal (como en la década de 1960) hasta completamente cromática, incluidos tonos completos y acordes disminuidos. Como siempre, estas relaciones sirven únicamente para sus efectos sensoriales. Al referirse a un trabajo de principios de la década de 1970, Hovhaness escribió: "este período de mi música va hacia una expresión romántica". A principios de la década de 1960, los LP de MGM y Mercury Hovhaness de la década de 1950 estaban agotados desde hacía mucho tiempo y las nuevas grabaciones eran menos frecuentes. Alrededor de 1963, Hovhaness y su quinta esposa, Elizabeth Whittington (hija del director Dorsey Whittington y pianista que había estudiado con Mieczyslaw Horszowski), tuvieron la idea de publicar un LP autoeditado de su música. Después de este LP de prueba, siguieron varios lanzamientos a principios de los años 70 en el propio sello de la pareja, Poseidon Society. Poseidón grabaría y distribuiría su música de forma independiente, con todas las grabaciones supervisadas o dirigidas por el compositor y financiadas por ellos mismos. Algunas de estas grabaciones tuvieron licencia para el sello independiente británico Unicorn. Los lanzamientos de Poseidón, que comprenden principalmente obras orquestales dirigidas por el compositor, pueden considerarse interpretaciones definitivas de sus obras. Se incluyeron piezas importantes como las Sinfonías 9, 11, 19, 24, 25 y el oratorio de gran escala La Dama de la Luz . Esta postura proactiva permitió que la música llegara a audiencias nacionales y extranjeras más amplias. A través del boca a boca, en lugar de publicidad, los LP de Poseidon se vendieron bien: la compañía aparentemente pudo en algún momento recaudar más de 100.000 dólares al año. Tras el divorcio de la pareja, Elizabeth retuvo la propiedad de las grabaciones de Poseidon, quien luego vendió el catálogo a Crystal Records, quien las publicó en casete y luego en formato CD. Sin embargo, no fueron sólo los lanzamientos de Poseidon los que se vendieron bien a principios de la década de 1970, sino que la música en sí tenía demanda para presentaciones en vivo. La declaración de regalías de Hovhaness de 1975 del editor CF Peters Corp. tenía 17 páginas. Casi todas sus 240 composiciones se habían vendido ese año, desde 1 copia del Concierto para acordeón hasta 5.620 copias de la pieza coral de 4 páginas Desde los confines de la Tierra . Así, a pesar de estar todavía críticamente pasado de moda, el compositor podía vivir de su trabajo, en lugar de enseñar en cualquier institución académica. Además, todavía llegaban regularmente encargos de patrocinadores extravagantes, como el gobierno coreano para la Sinfonía nº 35. A pesar de las buenas ventas de música, en 1972 Hovhaness se separó de la editorial principal Peters Edition después de 17 años. Brevemente, Peer (1972-77) y AMP (1974) lo publicaron nuevamente. Unos años más tarde, en un concierto de su música, conoció a la soprano japonesa y ex actriz Hinako Fujihara. Ella se convertiría en su esposa durante los últimos 23 años de su vida. Fujihara Music se creó para publicar su nueva música. Al igual que su esposa anterior, que había administrado Poseidon Society, Fujihara administró una compañía discográfica independiente para publicar la música del compositor, esta vez llamada Fujihara Records. Los lanzamientos incluyeron las Sinfonías 31, 38, 40 y 47, así como obras de cámara vocal. Aunque alejado del establishment de la música clásica estadounidense, pero habiendo aportado una gran cantidad de música, en 1977 Hovhaness fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras.

1980 - 2000

Durante las dos últimas décadas de su vida, el estilo de vida nómada de Hovhaness cesó un poco. Felizmente casado y algo frágil, viajó al extranjero con mucha menos frecuencia, pero continuó componiendo noticias a su ritmo prolífico habitual. La productividad finalmente disminuyó en la década de 1990 y las enfermedades agudas aparecieron alrededor de 1996. En mayo de 1981, Henry Hinrichsen, presidente de CF Peters, se acercó a Hovhaness con un encargo excepcional para una sinfonía sobre el tema del Monte St. Helens, el famoso volcán que había entrado en erupción en 1980. Hovhaness se entusiasmó con la idea y aceptó, en el proceso de recibir la primera comisión pagada a un compositor durante los 10 años de asociación del Sr. Hinrichsen con Peters. Tanto la Sinfónica de Seattle como la Sinfónica de San José quisieron dar el estreno de la obra, lo que finalmente decidió el compositor al lanzar una moneda al aire. Entre 1980 y 1989 Hovhaness escribió unas 80 obras, incluidas casi 20 sinfonías. Sólo en 1986 se crearon seis sinfonías. Generalmente mucho más extensas que las sinfonías anteriores, algunos comentaristas han aludido a una prolijidad musical en sus últimas sinfonías que no se evidencia en sus trabajos anteriores. En un programa de concierto de la Sinfónica de Knoxville de 1986, el compositor afirma que parece "volverse más prolífico con los años, desafortunadamente para mis editores. Mi éxito actual es una gran sorpresa para mí: durante la primera mitad de mi vida fui conocido como el compositor que nunca fue interpretado. No tuve suerte hasta los 41 años, cuando Leopold Stokowski, el gran director, dirigió una de mis piezas y decidió defender mi trabajo". En 1991, como homenaje al compositor en su 80 cumpleaños, la American Composers Orchestra, junto con la Iglesia Apostólica Armenia de América, presentó una celebración de gala en el Carnegie Hall. Contó con el director y compositor ganador del premio Pulitzer Karel Husa, el clarinetista Lawrence Sobol, el cantante Richie Havens y el propio Hovhaness dirigiendo la primera y la última obra, una de las cuales fue la primera interpretación de su Sinfonía n.º 65, op.428, titulada Artstakh. . Sólo le seguirían dos sinfonías más el año siguiente. En 1994, todavía componiendo, comentó: "No tengo miedo de morir porque tengo tantos amigos esperándome al otro lado". En 1996, la buena salud de Hovhaness finalmente comenzó a deteriorarse notablemente. Por primera vez en 80 años no pudo componer. Después de tres años de cuidados intensivos, murió en Seattle el 21 de junio de 2000 a causa de una prolongada enfermedad estomacal. El 23 de abril de 2001 se celebró un concierto en memoria de Hovhaness en el Benaroya Hall de Seattle y posteriormente se repitió en Nueva York. Por primera vez, la sala de conciertos renunció a pagar la tarifa de alquiler y el director de la Sinfónica de Seattle, Gerard Schwarz, y la arpista solista Yolanda Kondanassis ofrecieron sus servicios como voluntarios. El director leyó una carta del compositor Lou Harrison en la que declaraba a Hovhaness "uno de los grandes melodistas del siglo XX" y "un maestro para todos nosotros". Schwarz, él mismo un defensor de Hovhaness durante más de 30 años, rindió el siguiente homenaje al hablar con el Seattle Times: "Estaba tratando de añadir belleza y sensibilidad al mundo. Se preocupaba profundamente por la bondad y la naturaleza, y ha tenido una tremenda Conozco a Alan desde 1963... durante todo este tiempo, incluso en los tiempos en que su música no estaba tan de moda, se mantuvo fiel a su pensamiento y a su estilo distintivo, que tenía pasión y también una gran reserva. Destacó. Alan fue increíble... fue uno de los grandes compositores de nuestro tiempo”.

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Hovhaness tenía una conducta distante y varios asociados comentaron que era cortés pero distante. En privado, era un ávido conversador con un agudo ingenio. Se casó varias veces, pero encontró una felicidad duradera con su sexta esposa, durante los últimos 23 años de su vida. No le gustaba enseñar ni asumir ninguna responsabilidad a largo plazo, probablemente un factor que contribuyó a la ruptura de varios matrimonios. Algunas de sus esposas eran artistas creativas (la primera pintora, la quinta pianista). La preocupación de su vida fue la composición, y pensaba que poco más tenía importancia comparable. Podía ser hipersensible a las críticas (muchas de las cuales, de hecho, se debían a una mala comprensión de su música), pero luego las críticas le molestaron menos. También podría perder la paciencia con intérpretes menos capaces, ya que ha trabajado durante años con algunos de los principales directores y orquestas de Estados Unidos. Hovhaness tenía una presencia física imponente, era alto, con un rostro de rasgos marcados y manos muy grandes. En persona era, según todos los indicios, amable y educado, aunque en ocasiones algo distante. Su destreza intelectual fue considerable: desde muy joven se mostró receptivo al arte, la literatura y la filosofía, no sólo a la música. Más adelante en su vida, afirmó que algunas experiencias místicas le habían aportado secciones musicales completas (como parte de Mysterious Mountain y el tema largo de Fra Angelico ). Las preocupaciones místicas y religiosas de muchas obras reflejan una perspectiva espiritual panteísta (Hovhaness nunca se adhirió a ninguna doctrina religiosa específica) que refleja exactamente la enorme diversidad de sus influencias musicales: Hovhaness era verdaderamente un ciudadano del mundo. Hovhaness se dedicó a la composición a tiempo completo tan pronto como fue económicamente viable, alrededor de mediados de la década de 1950, aunque los compositores generalmente se establecían una vez que conseguían un nombramiento académico. Hovhaness podía componer en medio del ruido y la actividad, simplemente aislándose del mundo exterior. La música siempre sonaba en su cabeza; las ideas lo "perseguirían" si no las escribiera. Probablemente padecía la condición conocida como hipergrafía: una necesidad abrumadora de crear a diario. Incluso en un restaurante tomaba una servilleta para anotar ideas, y casi todas las fotografías suyas muestran uno o dos útiles de escritura listos para usar en el bolsillo del pecho. Una vez habló de escribir fugas "para mantenerme ocupado"; es posible que haya escrito más fugas que cualquier otro compositor del siglo XX. Mientras que muchos compositores han coqueteado con la música de culturas distantes simplemente como un recurso conveniente para su propio banco de ideas, Hovhaness incorporó la estética y la esencia de estos modismos a su propio pensamiento musical, creando una música homogénea y verdaderamente trascendental en una época en la que, si bien la mayoría de sus compañeros estaban atrincherados en la ciudadela del "modernismo" musical. En su mayor parte, la suya era una Gebrauchsmusik (o música funcional) accesible y no elitista , bastante capaz de transportar al oyente desde el tiempo cotidiano a la contemplación interior o sobrenatural.

"Desde sus días como un excéntrico aislado que interpretaba su música exótica para amigos en el área de Boston mientras vivía con un magro ingreso obtenido como organista de la iglesia, hasta hoy en día, cuando es considerado como uno de los compositores más originales, interpretados y grabados de Estados Unidos. , Hovhaness se guió por una dignidad, humildad e integridad que le permitieron hacer uso de todos los medios y oportunidades disponibles para perseguir su propia visión única e intransigente".

Walter Simmons

	Mi propósito es crear música no para snobs, sino para todas las personas, música que sea hermosa y curativa. Intentar lo que los viejos pintores chinos llamaban "resonancia espiritual" en melodía y sonido.
	Alan Hovhaness Foto cortesía de la Sra. Hinako Hovh

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Sinfonía Nº 2, denominada Montaña misteriosa, en la versión de la Orquesta All-Star, dirigida por Gerard Schwarz.

Stith Thompson

Stith Thompson nació en Bloomfield, Estados Unidos, el 7 de marzo de 1885, y murió en Columbus, Estados Unidos, el 10 de enero de 1976. Folclorista.

El sitio www.wikiwand.com publicó este recordatorio.

Stith Thompson

Es el "Thompson" del Índice Aarne-Thompson-Uther, que indexa los cuentos populares por tipo, y el autor del Motif-Index of Folk-Literature, un recurso para folcloristas que indexa motivos y elementos granulares del folclore.

Biografía

Primeros años de vida

Stith Thompson nació en Bloomfield, condado de Nelson, Kentucky, el 7 de marzo de 1885, hijo de John Warden y Eliza (McClaskey). Thompson se mudó con su familia a Indianápolis a la edad de doce años y asistió a la Universidad Butler de 1903 a 1905 antes de obtener su licenciatura en la Universidad de Wisconsin en 1909 (su tesis universitaria se tituló "El regreso de los muertos en cuentos y baladas populares"). Durante los dos años siguientes enseñó en Lincoln High School en Portland, Oregón, tiempo durante el cual aprendió noruego de los leñadores. Obtuvo su maestría en literatura inglesa en la Universidad de California, Berkeley en 1912, donde su tesis se tituló "La idea del alma en los cuentos y baladas populares teutónicos".

Educacion universitaria

Estudió en la Universidad de Harvard de 1912 a 1914 con George Lyman Kittredge, escribió la tesis "Préstamos europeos y paralelos en los cuentos indios de América del Norte" y obtuvo su doctorado. (La tesis revisada se publicó posteriormente en 1919). Esto surgió de la tarea de Kittredge, cuyo tema era investigar cierto cuento llamado "La Banda Azul", recopilado de la tribu Chipewyan en Saskatchewan y que puede derivar del contacto con un cuento escandinavo análogo.

Postgrado

Thompson fue profesor de inglés en la Universidad de Texas, Austin, de 1914 a 1918, enseñando composición.

Universidad de Indiana

En 1921, Thompson fue nombrado profesor asociado en el Departamento de Inglés de la Universidad de Indiana (Bloomington), que también tenía la responsabilidad de supervisar su programa de composición.  Al cabo de un año comenzó a ofrecer cursos de folclore: estos estuvieron entre los primeros cursos en este campo impartidos en los Estados Unidos. Su compromiso con la promoción de la investigación académica en folclore dio lugar a la creación del programa de doctorado en folclore en Indiana en 1949, el primero de su tipo en los Estados Unidos. El primer doctorado se concedió (a Warren E. Roberts) en 1953. Por esto, junto con el establecimiento de cursos de folclore en otras partes del mundo académico estadounidense por parte de sus antiguos alumnos, se ha afirmado que Thompson fue "en gran parte responsable de establecer el folclore en una base firme", base académica en los Estados Unidos".

Organizó un "Instituto de Folklore" informal de verano cada cuatro años a partir de 1942, que duró más allá de su retiro del cargo en 1955. Esto reunió a académicos interesados ​​en el campo del folclore y ayudó a estructurar la creciente disciplina. En 1962, se estableció un Instituto permanente de Folklore en Bloomington, con Richard Dorson como administrador y editor jefe de su publicación.

Investigación e influencia

Si bien Thompson escribió, coescribió o tradujo numerosos libros y artículos sobre folclore, podría decirse que se hizo más conocido por su trabajo sobre la clasificación de motivos en los cuentos populares. Su Motif-Index of Folk-Literature (1955-1958), de seis volúmenes, se considera la clave internacional del material tradicional.

En la década de 1920, Thompson comenzó a recopilar y archivar baladas, cuentos, proverbios, aforismos, acertijos, etc. tradicionales. Aproximadamente en esta época, los estudiosos europeos (en particular Antti Aarne) estaban estudiando de nuevas maneras el estudio de los paralelos y las distribuciones mundiales de los cuentos populares. en Finlandia). Thompson había desarrollado una comprensión de estas nuevas técnicas a través de viajes e investigaciones y publicó una traducción ampliada de The Types of the Folktale de Aarne en 1928, creando un catálogo de tipos de cuentos populares que incluía cuentos de Europa y Asia. Thompson utilizó esta clasificación en sus Cuentos de los indios norteamericanos publicados en 1929.

Sobre la base de esto, Thompson publicó su "obra histórica" ​​The Motif-Index of Folk-Literature en seis volúmenes entre 1932 y 1936.  El Motif-Index organizó miles de motivos extraídos de los tipos de cuentos populares que había catalogado en The Types of the Folktale.

Al presentar estas técnicas a los folcloristas estadounidenses, se ha descrito que Thompson tuvo una "marcada influencia en la dirección de los estudios sobre el folclore estadounidense en el siglo XX".

Durante casi veinte años después de su jubilación, Thompson continuó trabajando en su Motif-Index y The Types of the Folktale; publicó ediciones revisadas de los volúmenes del Motif-Index entre 1955 y 1958. Durante este tiempo, Thompson también colaboró ​​en proyectos con otros folcloristas como The Oral Tales of India de Jonah Balys y Types of Indic Folktales de Warren Roberts. Incluso produjo una antología a la edad de 83 años, Cien cuentos populares favoritos.

Años despues

En 1976, Thompson murió de insuficiencia cardíaca en su casa de Columbus, Indiana.

Reconocimiento

Thompson se desempeñó como presidente de la Sociedad Estadounidense de Folclore entre 1937 y 1939 y fue elegido miembro de la Sociedad Filosófica Estadounidense en 1947.

Recibió varios títulos honoríficos de universidades como la Universidad de Carolina del Norte (1946), el Indiana Central College (1953) y la Universidad de Kentucky (1958).

Publicaciones Seleccionadas

Thompson, Stith (1919). Cuentos europeos entre los indios norteamericanos: un estudio sobre la migración de los cuentos populares. Colorado Springs, Colorado: Junta Directiva de Colorado College. OCLC 30703248.

Aarne, Antti; Thompson, Stith (1928). Los tipos de cuento popular: clasificación y bibliografía. Helsinki: Suomalainen tiedeakatemia. OCLC 604047970.

Thompson, Stith (1929). Cuentos de los indios norteamericanos. Cambridge, Massachusetts: Harvard University Press. OCLC  1295733602.

Thompson, Stith (1955). Índice de motivos de la literatura popular: clasificación de elementos narrativos en cuentos populares, baladas, mitos... rev. y edición ampliada . Bloomington: Prensa de la Universidad de Indiana. OCLC 301495255.

Thompson, Stith (1946). El cuento popular. OCLC 1156806364.

Thompson, Stith (1953). Cuatro simposios sobre folklore. Bloomington, Indiana: Indiana University Press. OCLC 706445956.

Thompson, Stith (1968). Cien cuentos populares favoritos. Bloomington: Prensa de la Universidad de Indiana. OCLC 836339166.

Thompson, Stith; McDowell, John Holmes; Carpintero, Inta Gale; Trenza, Donald; Peterson-Veatch, Erika (1996). El progreso de un folclorista: reflexiones de la vida de un erudito. Bloomington: Universidad de Indiana. ISBN 1-879407-09-4. OCLC 37282199.

Miscelánea

El artículo de Thompson de 1954 para The Filson Club History Quarterly titulado "La familia Beauchamp" continúa siendo utilizado por los genealogistas a partir de 2011. [verificación fallida] En este artículo, Thompson afirma que desciende de Costin Beauchamp (n. 1738) de Somerset Co., Maryland, que se remonta a John Beauchamp, uno de los miembros de Plymouth Company. 

Gina Cigna

 

Louise Geneviève Cigna, más conocida como Gina Cigna, nació en Angers, Francia, el 6 de marzo de 1900, y murió en Milán, Italia, el 26 de junio de 2001. Soprano.

El sitio www.ecured.cu publicó este recordatorio.

Gina Cigna. Fue una soprano dramática italiana famosa Turandot, Tosca y Norma. Junto a Rosa Raisa y Eva Turner, considerada la más notable Turandot de la época. Nació el 6 de marzo de 1900 en París, Francia.

Primeros estudios

Sus estudios fueron en el Conservatorio de París donde estudió piano con Alfred Cortot. En 1923 se casó con el tenor Maurice Sens quien la instó a tomar clases de canto con Emma Calvée, Hariclea Darclée y Rosina Storchio. La cantante descubrió sus dotes vocales después de diplomarse como pianista en el Conservatorio de París cuando asistió a una representación de una obra de Jules Massenet.

Carrera artística

Como Ginette Sens debutó en 1927 en La Scala de Milán en el rol de Freia de la ópera de Richard Wagner "El oro del Rhin", primer capítulo de la Tetralogía, pero el repertorio que le era más afín era el verdiano y el verista. Dos años más tarde se consagró como Donna Elvira y Elisabeth de Tannhäuser. En el Teatro Colón de Buenos Aires debutó en 1932 como Aida, Tosca y Norma, regresando en varias temporadas y estrenando mundialmente la ópera Bizancio de Héctor Panizza en 1939. Cantó en todos los grandes teatros de Italia (Genova, Pavia, Verona, Florencia, Catania, Bologna, Turin, Trieste, Parma, Venecia, Roma), debutó en 1933 en Covent Garden en La Damnation de Faust de Berlioz y como Aida el día de la coronación en 1936. En 1937 en San Francisco fue Amelia de Un ballo in maschera, Norma y Violetta en La Traviata. Debutó en el Metropolitan Opera de Nueva York en 1937 como Aída, cantó Norma, La Gioconda e Il trovatore en la siguiente temporada 1938. Otros papeles incluyeron Elvira de Ernani, Abigaille de Nabucco, Isabeau, Wally, Francesca da Rimini y en las premieres italianas de Jenufa (1941) y Daphne de Strauss (1942) en La Scala. Lamentablemente su carrera fue muy corta, apenas 20 años, hasta que en 1947 la truncó un accidente automovilístico cuando se dirigía a cantar Tosca en Vicenza. A partir de entonces se dedicó entonces a la enseñanza entre sus alumnas Ghena Dimitrova y Maria Dragoni. Dotada de una voz de rara potencia y movilidad, gracias a una técnica increíble de la que dan fe algunas grabaciones, sabía también moverse en escena.

Muerte

Murió a los 101 años el 20 de junio del 2001 en Milán, Italia.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con el aria Casta Diva, de la ópera Norma, de Vincenzo Bellini. 

Rafael Lozano Martínez

Rafael Lozano Martínez nació en Zaragoza, España, el 5 de marzo de 1938, y murió en Cap d'Agde, Francia, el 27 de marzo de 2010. Violinista y profesor.

El sitio www.es.wikipedia.org publicó este recordatorio.

Rafael Lozano Martínez (Zaragoza, 5 de marzo de 1938 - Cap d'Agde, 27 de marzo de 2010) fue un violinista, profesor y músico español, conocido por su contribución al desarrollo cultural y musical de Zaragoza. Intérprete y concertista de violín, fue Profesor del Conservatorio profesional y asesor artístico del Ayuntamiento de Zaragoza. Su esposa fue la pianista italiana Marina Pesci.

Comienzos

Rafael Lozano Martínez nació el 5 de marzo de 1938 en Zaragoza, ciudad donde inició sus estudios musicales de la mano del Maestro Joaquín Roig.​

En 1956 se trasladó a Madrid para continuar sus estudios con el Maestro Luís Antón,​ finalizando sus estudios de violín con las más altas calificaciones y obteniendo el premio extraordinario de fin de carrera.

En 1959 obtuvo una beca del gobierno italiano, se trasladó a Venecia y posteriormente a Roma para realizar virtuosismo de la mano de Maestros como Remy Principe.​ Luego comenzó una dilatada actividad concertística tanto en agrupaciones de cámara como solista.

Trayectoria Concertística

En Italia fue concertino en las siguientes orquestas:

Orchestra Giovanile Internazionale da Camera dirigida por el Maestro Franco Ferrara​

Orquesta del Conservatorio Santa Cecilia

I Giovani Strumentisti di Roma dirigida por el Maestro Enrico Cortese

Orquesta de Cámara “Giuseppe Tartini” dirigida por el Maestro Nino Zerdos

Orquesta de Cuerda del Coro Polifónico Romano12​ dirigida por el Maestro Gastone Tosato.

Orquesta de Cámara de la Accademia Musicale Napoletana dirigida por el Maestro Piero Guarino​

Orquesta “I Virtuosi di Roma” dirigida por el Maestro Renato Fasano.

Rafael Lozano volvió a España rechazando ofertas en otras orquestas como la Sinfónica de la RAI o la Orquesta Sinfónica de El Cairo. En España perteneció a las siguientes Orquestas:

Orquesta Sinfónica de Zaragoza, allí realizó conciertos como solista.

Orquesta Sinfónica "Luis Aula".

Cuarteto Clásico.​

Orquesta de Cámara del Conservatorio de Zaragoza, como concertino​

Orquesta de Cámara de Juventudes Musicales de Zaragoza, miembro fundador​

Orquesta de Cámara Ciudad de Zaragoza, como concertino.​

Orquesta Sinfónica de San Sebastián.

Orquesta Sinfónica de Bilbao.

Orquesta Sinfónica de Pamplona.

Cuarteto Barroco de Zaragoza.​

Trío Paganini.

Trayectoria didáctica

Obtuvo la Cátedra de Profesor de violín del Conservatorio de Zaragoza.9​Fue profesor de música del Colegio Baltasar Gracián y Colegio Montearagón.​

Creó junto a su esposa Marina Pesci el Centro de Música "Niccolo Paganini".​

Impartió Clases Magistrales y Cursos de formación del profesorado en el Conservatorio Privado Citta di Roma y también fue profesor de violín en el Conservatorio de Logroño

Otros méritos

En 1973 dio conferencias sobre la problemática de las orquestas no estatales, destacando la realizada en la Universidad de Sevilla

Gracias a que poseía también el título de Profesor de Solfeo, teoría de la música, transposición y acompañamiento, impartió esta especialidad en diferentes conservatorios.

La A.S.M.E. le hizo entrega de una Mención Honorífica por su trabajo en el desarrollo de la música en Aragón y la creación de la Orquesta de Cámara Ciudad de Zaragoza.​

Realizó actividades de investigación en los archivos de la Basílica del Pilar para la recopilación, transcripción y difusión de obras musicales.

Colaboró en la realización de la Gran Enciclopedia Aragonesa​ y la Gran Enciclopedia Aragonesa 2000.​

Fue asesor musical en el área de cultura del Ayuntamiento de Zaragoza, director de la Escuela Municipal de Zaragoza​ y posterior Conservatorio Municipal de Zaragoza.

Componente del jurado del Campeonato Mundial de Patinaje Artístico.

Presidente desde 1997 del jurado del Torneo Internacional de Música,​ en 2001 presidió el jurado del Concurso de violín "Teodoro Ballo". Fue presidente del jurado del Concurso Internacional de Música “Città di Chieri” los años 2008 y 2009.

Homenaje

El 27 de marzo de 2010 Rafael Lozano falleció en Francia. Al día siguiente el Auditorio de Zaragoza le dedicó el concierto que ofrecía, Misa de Réquiem en re m. de W.A. Mozart. ​

Aniversario del estreno del Ballet El Lago de los Cisnes, de Piotr Ilich Tchaikovski.

El lago de los cisnes Op. 20 es un cuento de hadas-ballet estructurado en cuatro actos, de Piotr Ilich Tchaikovski, con libreto de Vladímir Petróvich Béguichev y Vasily Geltser, basado en el cuento Der geraubte Schleier, o El velo robado, de Johann Karl August Musäus, y coreografía de Julius Reisinger.

La obra surgió de un encargo del Teatro Bolshói en 1875, fue el primer ballet compueto por Tchaikovski. La primera representación tuvo lugar el 4 de marzo de 1877 en el Teatro Bolshói de Moscú.

A continuación, el Ballet El lago de los cisnes, en la versión de los primeros bailarines Yulia Makhalina como Odette, e Igor Zelensky como el Príncipe Siegfried, junto al cuerpo de Ballet y la Orquesta del Teatro Kirov de Leningrado, dirigidos por Viktor Fedotov.

El sitio https://www.danzaballet.com publicó este artículo.

El Lago de los cisnes es uno de los ballets clásicos tradicionales más conocidos en todo el mundo.

Su primera presentación tuvo lugar en el Teatro Bolshói de Moscú con la coreografía de Julius Reisinger el 4 de marzo de 1877. Paradójicamente, no fue muy aceptado en su momento. Sin embargo, el 15 de enero de 1895, con la nueva coreografía de Marius Petipa y de Lev Ivanov esta obra logró un gran éxito en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo. Marius Petipa se encargó del primer y tercer acto (actos en el castillo) y Lev Ivanov del segundo y cuarto acto (actos del lago).

La obra transcurre entre el amor y la magia, enlazando en sus cuadros la eterna lucha del bien y del mal. La protagonizan el príncipe Sigfrido, enamorado de Odette, joven convertida en cisne por el hechizo del malvado Von Rothbart y Odile el cisne negro e hija del brujo.

Coreografía de Marius Petipa y Lev Ivanov

Música Pitr Ilich Tchaikovsky

Libreto de Vladimir Beghitchev / Vasili Geletzer

Primer acto (El jardín del castillo del príncipe Sigfrido)

Es el vigésimo primer cumpleaños de Sigfrido, y el joven príncipe está celebrando la ocasión en el jardín de su palacio. Jóvenes de los estados de alrededor han venido a rendirle tributo. Cuando todos empiezan a divertirse en la fiesta, el buen humor es perturbado por la entrada de la Reina y sus damas de honor. Ella observa a sus amigos con considerable desdén. Sigfrido se altera cuando su madre le señala que debe escoger pronto una esposa.

Su indicación, en el fondo, es una orden, y Sigfrido la rechaza obstinadamente. Mañana por la noche, su cumpleaños se celebrará formalmente con un baile en la corte, y allí, entre las más hermosas damas de la comarca, debe escoger a su futura esposa. Sigfrido ve que toda discusión es imposible y parece que se somete a su voluntad. El Bufón, intenta restaurar el espíritu de la feliz ocasión. La noche comienza a caer. El Bufón, su amigo, sabe que Sigfrido debe distraerse en lo que queda de la velada. Oye el sonido de alas agitadas por encima, mira hacia arriba y ve en el cielo hermosos cisnes salvajes en pleno vuelo. El Bufón sugiere que el príncipe forme una partida de caza y vaya en busca de los cisnes. Sigfrido accede.

Segundo acto (La orilla del lago)

La partida de caza comienza. A una pequeña distancia de ellos, se están deslizando plácidamente los cisnes. Conduciendo al grupo de cisnes hay una hermosa ave. El príncipe camina a lo largo de la orilla del lago hacia los cisnes; cuando está a punto de seguirlos ve algo en la distancia que le hace vacilar. Se para cerca de la orilla, luego se retira rápidamente a través del claro para esconderse. Ha visto algo tan extraño y extraordinario que debe observarlo detenidamente en secreto.

Apenas se ha escondido, entra en el claro la más hermosa mujer que nunca ha visto. No puede creer lo que ven sus ojos, puesto que la joven parece ser a la vez cisne y mujer. Su hermosa cara está enmarcada por plumas de cisne, que se unen a su pelo. Su vestido, puro y blanco está embellecido con suaves plumas de cisne, y en su cabeza descansa la corona de la Reina de los Cisnes. La joven piensa que está sola y aterrorizada, todo su cuerpo tiembla, sus brazos se aprietan contra su pecho en una actitud, casi desvalida, de autoprotección; retrocede ante el príncipe, moviéndose frenéticamente, hasta el punto de caer desesperadamente al suelo. El príncipe, ya enamorado, le ruega que no se marche volando y ante su miedo el príncipe le indica que nunca le disparará, que la protegerá. Ella es Odette. El príncipe la saluda y dice que la honrará, pero le pregunta, que ¿a qué se debe que sea la Reina de los Cisnes? El lago, le explica, fue hecho con las lágrimas de su madre. Su madre lloraba porque un hechicero malvado, Von Rotbart, convirtió a su hija en la Reina Cisne. Y seguirá siendo cisne, excepto entre la media noche y el amanecer, a no ser que un hombre la ame, se case con ella, y le sea fiel.

Sigfrido apoya las manos en su corazón y le dice que la ama, que se casará con ella y que nunca amará a otra, y promete su fidelidad. Ahora, indignado por el destino de su amor, quiere saber dónde se esconde Von Rotbart. Justo en este momento, el mago aparece a la orilla del lago. Su cara parecida a la de un búho es una odiosa máscara, tiende sus garras haciendo señas para que Odette vuelva a él. Von Rotbart señala amenazadoramente a Sigfrido. Odette se mueve entre ellos, suplicando piedad a Von Rotbart. El príncipe le dice que debe ir la próxima noche al baile de palacio. Acaba de cumplir la mayoría de edad y debe casarse, y en el baile debe escoger a su novia. Odette le replica que no puede ir al baile hasta que no se case -hasta que Von Rotbart no deje de tener poder sobre ella- de otro modo el hechicero la descubriría y su amor peligraría.

Cuando los amantes han dejado el claro, las huestes de Odette, todos los cisnes que, como ella misma, asumen forma humana sólo en las horas entre la medianoche y el amanecer, entran bailando desde la orilla del lago.

Tercer acto: (El gran salón del castillo del príncipe Sigfrido)

El baile está a punto de comenzar. Embajadores de tierras extranjeras, ataviados con sus brillantes trajes nativos, han llegado a rendir tributo al príncipe en su cumpleaños. Se anuncia la llegada de cinco hermosas muchachas, invitadas por la Reina como posibles novias para su hijo. Sigfrido, piensa sólo en el claro a la orilla del lago y en su encuentro con Odette. Su madre le inquiere a que baile con sus invitadas.

Baila de forma automática e indiferente y se sume en una profunda melancolía. Un heraldo se apresura a informar a la Reina de que una extraña pareja ha llegado. No sabe quiénes son, pero manifiesta que la mujer posee una extraordinaria belleza. Un caballero alto y con barba entra con su hija. Cuando el caballero se presenta a si mismo y a su hija Odile, a la Reina. Sigfrido -perturbado casi hasta perder el control mira fijamente a la hermosa joven. Está vestida de sobrio negro, pero es la viva imagen de su querida Odette. Se trata de Von Rotbart, que se ha transformado a si mismo y a su fingida hija para engañarlo y rompa la promesa hecha a Odette de que nunca amará a otra.

La Reina tiene ahora esperanzas de que su hijo se case con una dama de rango, como Odile aparenta ser, e invita a Von Rorbart a sentarse a su lado en el estrado.

Odile ha logrado enamorar a Sigfrido y éste piensa que no es otra que Odette. Mientras bailan los dos jóvenes Odette se deja ver en la distancia y hace señales a Sigfrido de que si continúa en esa actitud puede ser fatal para ella. Luego, Sigfrido se aproxima a Von Rotbart y pide la mano de Odile y éste da inmediatamente su consentimiento. En ese momento hay un estrépito de trueno. La sala de baile se oscurece. Rápidos destellos de luz muestran a los asustados cortesanos abandonando el salón de baile, a la princesa madre aturdida, y a Van Rotbart y Odile de pie ante el príncipe en triunfo final de autorrevelación. Sigfrido no puede soportar sus risas odiosas y crueles, y se vuelve para ver en la distancia la patética figura de Odette. Buscándole desesperadamente, con su cuerpo agitado por los sollozos. Cae al suelo atormentado por su falta.

Acto cuarto (La orilla del lago)

Las doncellas cisne se han agrupado a la orilla del lago. Cuando aparece llorando, intentan consolarla. Le recuerdan que Sigfrido es solo un humano, que podría no haber conocido el hechizo, y podría no haber sospechado del plan de Von Rotbart. Sigfrido entra corriendo en el claro y busca frenéticamente a Odette entre los cisnes. Le toma entre sus brazos, pidiéndole que le perdone y jurándole su amor infinito. Odette le perdona pero le dice que no sirve para nada, pues su perdón se corresponde con su muerte. Cuando aparece Von Rotbart, Sigfrido le desafía, quien tras la lucha, es vencido por la fuerza del amor del príncipe a Odette.

Shalom – III Jornadas Interreligiosas en Córdoba

Shalom – III Jornadas Interreligiosas en Córdoba

Córdoba ha acogido las III Jornadas Interreligiosas 'Espíritu de Córdoba', en el Palacio de Congresos, donde se han reunido líderes y representantes de cuatro confesiones religiosas: judíos, evangélicos, católicos y musulmanes, bajo el lema ''Convivencia e Igualdad''.

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/iii-jornadas-interreligiosas-cordoba/15996009/

 

Marie Bigot

Marie Kiéné Bigot de Morogues, más conocida como Marie Bigot, nació en Colmar, Francia, el 3 de marzo de 1786, y murió en París, Francia, el 16 de septiembre de 1820. Profesora de piano y compositora.

El sitio www.wikiwand.com publicó este recordatorio.

Marie Bigot, cuyo nombre completo era Marie Kiéné Bigot de Morogues, (Colmar, 3 de marzo de 1786-París, 16 de septiembre de 1820) fue una profesora de piano y compositora francesa. En esta faceta, es más conocida por sus sonatas y estudios.

Biografía

Marie Kiéné nació el 3 de marzo de 1786 en Colmar, en Alsacia. Después de casarse con M. Bigot, se trasladó a Viena en 1804, donde vivió durante cinco años. Consiguió grandes logros en el teclado y tocó para Joseph Haydn, quien exclamó: «Oh, mi querida niña, yo no escribí esta música, ¡eres tú quien la ha compuesto!». Escribió en la hoja desde la que ella interpretó: «El 20 de febrero de 1805, Joseph Haydn fue feliz».

Posteriormente, se hizo amiga de Antonio Salieri. Como su esposo era el bibliotecario del conde Andréi Razumovski, entabló amistad con Ludwig van Beethoven, quien admiraba su forma de interpretar. Fue la primera en tocar para él, desde la partitura autógrafa, su Sonata Appassionata recién compuesta, que lo impresionó tanto que le dijo: «Ese no es exactamente el carácter que quería darle a esta pieza; pero sigue adelante. Si no es completamente mío, es algo mejor». Le dio el autógrafo de la Appassionata. En 1808, después de un malentendido sobre la invitación de Beethoven de llevar a Marie y su hija de tres años, Caroline, a dar un paseo y su negativa, el famoso compositor les envió una carta de disculpa a ella y a su esposo, en la que escribió: «Uno de mis principios más importantes es no tener nunca más relaciones que las de amistad con la esposa de otro hombre. Nunca debería desear llenar mi corazón de desconfianza hacia aquellos que algún día puedan compartir mi destino conmigo y así destruir la vida más hermosa y pura para mí».

Los Bigot regresaron a París en 1809. Marie compuso, dio lecciones e hizo mucho para presentar la música de Beethoven al público parisino. En 1812, su esposo cayó prisionero como parte de la campaña de Napoleón en Rusia, y Marie comenzó a enseñar piano para mantener a sus dos hijos. En 1816 dio lecciones a Felix y Fanny Mendelssohn en París. Falleció el 16 de septiembre de 1820 en esa ciudad, a los 34 años.

Obra

Marie Bigot estudió armonía y composición con Daniel-François Auber y Luigi Cherubini en París. Compuso una Sonata, op. 1 (dedicada a la reina Luisa de Prusia) y Andante varié op. 2 (con ocho variaciones y un capricho, dedicado a su hermana Caroline Kiéné) mientras vivía en Viena. Luego, después de regresar a París, publicó un Rondeau y un conjunto de Ètudes. François-Joseph Fétis mencionó una serie de valses, y aunque están escritos con su letra y se les atribuye su nombre, puso en duda que ella los compusiera. Un artículo escrito sobre su muerte a los 34 años menciona que había compuesto más música, pero se había negado a publicarla «por modestia».

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento con el Estudio Nº 1 del ciclo de la Suite d'études, en la versión de Ratko Delorko.

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Shela Alteratz.

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Shela Alteratz.

Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se emite por Radio Sefarad.

Shela Alteratz: toma esta chiquitika

TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON CECILIA LEVIT – Shela Alteratz nació en 1934 en Štip, Macedonia, siendo la benjamina de una familia de cuatro hijos. El padre, David Sion, falleció antes de la guerra. En abril de 1941 Macedonia fue ocupada y anexada a Bulgaria. El 11 de marzo de 1943, Shela y su familia fueron expulsados a la estación de trenes local y sus posesiones fueron saqueadas. La familia fue obligada a subir a vagones de ganado, junto con centenares de miembros de la comunidad judía, y deportados a los almacenes de la fábrica de cigarrillos «Monopol» en Skopie, donde fueron retenidos en condiciones en las que reinaban el hambre, el hacinamiento y la inmundicia. Su hermana Bella recibió autorización para abandonar el predio de «Monopol» por tener ciudadanía italiana. Antes de salir la madre –Dudun- empujó a Shela a sus brazos diciéndole en ladino: «Llévate a la pequeña». Después de que ambas salieron, los habitantes del sitio fueron obligados a golpes y gritos a subir a trenes de carga. Todos los miembros de la familia fueron asesinados en Treblinka. Shela enfermó de tifus y tuvo que ser hospitalizada, pero debió huir debido a una delación. Ella y la amiga Sonia fueron arrestadas y encerradas en la cárcel de Pristina, de donde fueron trasladadas a un campo de concentración para presos políticos. Después de que el campo fue liberado por el Ejército Rojo, Shela fue llevada a un orfanato en Belgrado. Allí, en compañía de otros niños golpeados como ella, sintió que podía llorar y sentirse niña. Durante cuatro años recibió cuidados en el orfanato. El 29 de julio de 1949 emigró a Israel. Shela tiene cuatro hijos, diez nietos y tres bisnietos.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

 

Tamara Tumánova

Tamara Tumánova nació en Tiumén, Rusia 2 de marzo de 1919, y murió en Santa Mónica, California, Estados Unidos, el 29 de mayo de 1996. Bailarina y actriz.

El sitio www.ecured.cu publicó este recordatorio.

Tamara Toumanova fue una destacada Bailarina rusa.

Síntesis biográfica

Nació en Tiumén, Rusia, siendo hija de padres de origen georgiano o armenio. Nació en un tren mientras su madre abandonaba Georgia para ir al reencuentro con su esposo, del cual había tenido que separarse en el año antes a la Revolución rusa de 1917. Cuando sus padres pudieron reunirse nuevamente, Tamara contaba con 18 meses de edad.

Trayectoria

Formada en París junto a Olga Preobrazhénskaia, debutó en la Ópera de París en 1929 y desde entonces participó en numerosas obras de ballet. Formó parte de compañías como los Ballets Rusos de Montecarlo (desde 1932) o el ballet del marqués de Cuevas, y destacó por su estilo clásico (Fedra, 1950).

Otros trabajos

Nacionalizada estadounidense en 1944, también actuó en varias películas,entre las que sobresalen Días de gloria (1943), de Jacques Tourneur, y Tonight We Sing (1953) de Mitchell Leisen, en la que encarnó a la gran bailarina rusa Anna Pavlova.

Vida privada

En 1944 contrajo nupcias con el productor y guionista cinematográfico Casey Robinson, del cual se divorció tiempo después.

Fallecimiento

Falleció en Santa Mónica, (California) en 1996.Tenía 77 años de edad. Fue enterrada en el Cementerio Hollywood Forever de Los Ángeles, California.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con un fragmento de la película Invitación al Baile, acompañada por Gene Kelly.

Piotr Ilich Tchaikovski. Sinfonía Nº 6 en Si Menor Op. 74. Myung-Whun Chung.

Hadi Karimi

A continuación, de Piotr Ilich Tchaikovski, la Sinfonía Nº 6 en Si Menor Op. 74, en la versión de la Orquesta Filarmónica de Radio Francia, dirigida por Myung-Whun Chung.

Carles Benavent

Carles Benavent nació en Barcelona, España, el 1 de marzo de 1954. Bajista.

El sitio www.apoloybaco.com publicó esta biografía.

Carles Benavent.

Nace en Barcelona el 1 de Marzo de 1954. En 1967 forma junto a Salvador Font y Emili Baleriola el grupo de blues-jazz-rock «Crack», del que más adelante, en 1969, surgiría el grupo Máquina!, que marcó un hito en la música española de vanguardia de la época. Realiza estudios de contrabajo y armonía en el Conservatorio de Barcelona. Entre 1973 y 1974 alterna trabajos con grupos de rock, jazz o música brasileña con la cantante Erica Norimar. Un año mas tarde, junto a Salvador Font, Joan Albert Amargós, Mathew Simón, Jaume Cortadellas y Jordi Bonell, funda el grupo Música Urbana considerado como el grupo de jazz-rock más importante que ha existido en España.

En 1980, entra a formar parte del grupo de Paco de Lucía, realizando giras por Europa, América y Japón, donde entra en contacto con músicos como Jorge Pardo, Rubem Dantas, Pepe de Lucía y Ramón de Algeciras. En 1982 toca con Chick Corea, con el que graba dos álbumes y realiza una gira mundial. En 1983 toca con el quinteto de Jorge Pardo, con el que graba dos discos. Este mismo año graba su primer disco como solista y debuta con su propia banda en el IV Festival Internacional de Jazz de Madrid. En 1985 publica su segundo disco, junto a Joan Albert Amargós, mientras que el primero es editado en Alemania, Suiza y Austria. Este mismo año participa en los festivales internacionales de Estambul y Cork.

En 1986 actúa en el Festival de Grenoble. En mayo de este año recibe el premio especial de la crítica otorgado por Radio Nacional, TVE y la revista Quártica Jazz.

Durante los años 1986 y 87 realiza giras por todo el mundo con Paco de Lucía Sexteto y colabora con el violinista francés Didier Lockwood. En 1989 trabaja con el grupo Flamenco Fusión y con el Max Sunyer Trío. Este año graba su tercer disco, para el que cuenta con la colaboración entre otros de Didier Lockwood. En 1990 es invitado, junto a Jorge Pardo, para actuar con el pianista Gil Goldstein, el percusionista Don Alias y el batería Alex Acuña, entre otros, en un concierto especial de la TV Suiza, que originan unas apariciones especiales de esta misma banda en Nueva York en octubre de este mismo año y la grabación de un disco para Blue Note.

En julio de 1991 es invitado a tocar en un concierto especial con Miles Davis y Quincy Jones en el festival de Montreux. En junio de 1992 se presenta en el Town Hall de Nueva York junto a Jorge Pardo y es invitado al New Music Seminar. En julio del mismo año participa en el proyecto alemán Jazzpaña (flamenco jazz) con la big band de la televisión alemana encabezando un grupo de invitados españoles. En 1994 fue galardonado como el mejor músico de jazz catalán del año. En 1995 edita su disco: «Agüita que corre», para después lograr en París un gran éxito con el grupo que lidera junto a Jorge Pardo. Después de ésto, reaparece en el Festival de Jazz Europeo de Getxo con nuevo grupo. El resultado fue una formación única que incluye a algunos de los más interesantes músicos europeos y americanos del momento.

En 2001 edita con Nuevos Medios su último disco: «Aïgua», donde recoge sus composiciones más intimistas, cada una originada por una experiencia poética.

Premios y reconocimientos:

1986.- Recibe el premio especial de la crítica otorgado por RNE, RTVE y la revista Quártica Jazz.

1994. Fue galardonado por la Generalitat de Catalunya como mejor músico de jazz del año.

2002.- Edita su séptimo disco (Aigua) Galardonado como el mejor disco de jazz del año por los ‘Premios de la Música’.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Madrid. Carles Benavent, en bajo y Aleix Tobías, en percusión.