Alan Hovhaness Chakmakjian nació en Somerville, Massachusetts, Estados Unidos, el 8 de marzo de 1911, y murió en Seattle, Estados Unidos, el 21 de junio de 2000. Compositor.
El sitio www.hovhaness.com
publicó su biografía.
| Alan Hovhaness Resumen biográfico por Marco Shirodkar |
| Primeros años (1911-1930) |
Sin ningún estímulo especial, Hovhaness se sintió atraído por la música a la edad de 4 años y recibió sus primeras lecciones de piano alrededor de los 7 años, momento en el que ya improvisaba y componía con su propia notación. Afirmó haber compuesto a veces en secreto durante la noche en sus primeros años, y la creatividad nocturna fue sin duda la norma durante gran parte de su vida. En una entrevista dijo una vez: "Mi familia pensaba que escribir música era anormal, por lo que confiscarían mi música si me sorprendían en el acto. Solía componer en el baño y esconder los manuscritos debajo de la bañera". Hovhaness dijo que nunca "quiso convertirse" en compositor, pero que el acto de componer le parecía natural. Al crecer sin hermanos y con una naturaleza algo tímida, dedicó sus energías a actividades solitarias pero creativas, como leer, escribir y pintar. Otro interés de la infancia fue la astronomía. Sin embargo, a los 14 años ya se había decidido firmemente por el camino musical. Junto con un libretista de la escuela secundaria, Hovhaness escribió sus primeras óperas Flor de loto , Barba Azul y Daniel . Cuando era niño, adquirió el amor por las montañas a través de largas caminatas y aparentes experiencias metafísicas en las colinas de Nueva Inglaterra. Estos paisajes fueron temas frecuentes de sus pinturas y dibujos. Las montañas siempre fueron importantes para él, determinando los lugares en los que eligió vivir, como Lucerna en Suiza y Seattle en la costa del Pacífico, y demostrarían ser una inspiración durante toda su vida para muchas obras con títulos evocadores, como Montaña de Profecía y Visión desde High Rock . La educación universitaria de Hovhaness comenzó en Tufts College y su formación musical fue académica normal. Aunque su educación parece haber sido relativamente convencional para un bostoniano, Hovhaness desde el principio poseyó un gran interés en asuntos de naturaleza espiritual. |
| década de 1930 |
Pero Hovhaness también miraba hacia el Este: "En los años 30, en Boston y Nueva York, escuchaba a cantantes armenios y kurdos y me influenciaba lo que hacía Uday Shankar, el hermano de Ravi. Las modalidades orientales siempre estuvieron ahí". El bailarín Uday Shankar y el músico del norte de India Vishnu Shirali actuaron en Boston en 1936, una época en la que la música india apenas era conocida en Occidente. |
 | Hovhaness en 1935 derechos de autor de la foto y cortesía de Hinako Fujihara Hovhaness |
Sin perspectivas de actuaciones orquestales, Hovhaness naturalmente escribió predominantemente música de cámara en la década de 1930. Hay canciones y muchas obras para piano, incluida una ( Mystic Flute , 1937) de la que Hovhaness escribió más tarde y que Rachmaninov tocaba en sus giras de conciertos. El Cuarteto de Cuerda No.1 Op.8 de 1936 muestra un dominio impresionante del contrapunto disciplinado. En particular, el cuarto movimiento trata fugazmente cuatro temas contrastantes antes de superponerlos con gran facilidad, un concepto probablemente inspirado en el final de la Sinfonía de Júpiter de Mozart . Con la Sinfonía del exilio de 1937 (ahora conocida como Sinfonía n.º 1, op.17), la humanidad del joven compositor brilló al abordar la persecución de los armenios por parte de los turcos en la década de 1930. Un éxito temprano significativo se produjo en 1939 cuando Leslie Heward, directora principal de la BBC Midland Orchestra, Inglaterra, dirigió la Exile Symphony . Heward quedó muy impresionado; en una entrevista en Nueva York consideró la música de Hovhaness "poderosa, viril y musicalmente muy sólida; tiene agallas, se apega a los fundamentos; es un genio y creará obras aún mayores". Lamentablemente para Hovhaness, Heward murió poco después de tuberculosis a la edad de 46 años, privando así al compositor de un defensor útil. |
| década de 1940 |
Su receptividad a la cultura armenia se reavivó en 1940 cuando se convirtió en organista de la Iglesia Armenia St. James en Watertown, Massachusetts. Aquí estuvo expuesto a los modos y la monodia de la liturgia armenia, así como a las obras del sacerdote y compositor Komitas Vartabed, de quien tenía cierto conocimiento. "Cuando era niño, mi padre tenía este maravilloso disco de música coral del compositor armenio Komitas. Para mí, él es el minimalista original, y fue a través de Komitas que se me ocurrió la idea de decir todo lo posible con la menor cantidad posible. notas." Mucho más tarde, a principios de la década de 1970, Hovhaness grabó la música para piano de Komitas y dirigió sus obras corales. Durante la mayor parte de la década de 1940, Hovhaness se mantuvo modestamente gracias a su puesto de organista en la iglesia armenia de St. James. Durante la década de 1940, Hovhaness hizo varios intentos de conseguir ayuda financiera a través de las becas Guggenheim. En 1940, Hovhaness escribió el siguiente credo altruista en sus documentos de solicitud:
Habría cuatro solicitudes más fallidas para la financiación del Guggnheim antes de que finalmente llegara el éxito en 1953 y 1954. En 1942, Hovhaness ganó una beca en Tanglewood para estudiar en la Master Class de Bohuslav Martinu. Este período se agrió cuando también entró en contacto con Bernstein, Copland y su círculo impresionable en la clase de composición. Ya un poco marginado entre esta camarilla (no siendo judío, homosexual o entrenado en París), su comportamiento naturalmente tímido y distante sólo podría haber amplificado su inquietud en el ambiente altamente competitivo de Tanglewood. Hovhaness declaró más tarde que su música fue ridiculizada por los miembros de este grupo, destacando a Bernstein y Copland. Mientras que Leslie Heward había aclamado públicamente la Exile Symphony , Bernstein supuestamente la había descartado como "música de gueto" después de escuchar sólo parte de la grabación de Heward, y Copland procedió a hablar en voz alta (en español) sobre la grabación, impidiendo que otros escucharan. Al percibirse a sí mismo como objeto de burla, Hovhaness, un tanto reaccionario, abandonó abruptamente Tanglewood, con su seguridad artística algo socavada. Al final, sólo hubo una reunión con Martinu, contrariamente a la afirmación frecuente de que Hovhaness era un "alumno de Martinu". En este punto de crisis artística, Hovhaness encontró fuerza en la amistad con dos artistas de Boston, Hyman Bloom (que más tarde se hizo bastante famoso) y Hermon di Giovanno. En 1943, di Giovanno, un pintor y místico griego, supuestamente guió a Hovhaness a los mundos antiguos de Grecia, Egipto, Armenia e India. Hovhaness describió a di Giovanno como el "maestro espiritual que abrió la puerta a la dimensión espiritual". Fue una influencia fundamental porque animó a Hovhaness a buscar su herencia armenia paterna y ser fiel a sí mismo en sus objetivos. Las decepciones del compositor en Tanglewood, su implicación con la música religiosa armenia y posiblemente las enseñanzas de di Giovanni de seguir la propia voz interior y no el ego, convergieron para impulsar a Hovhaness a hacer un balance serio de su identidad y su arte. Actuó con decisión, destruyendo o descartando muchas piezas escritas hasta el momento, aunque probablemente no las míticas "más de mil" obras de las que se puede leer en otros lugares. Con este acto catártico desaparecieron algunas de sus primeras obras importantes, incluidas dos óperas y unas siete sinfonías, una de las cuales ganó el premio Samuel Endicott en 1933. Sin embargo, algunas de las primeras piezas sobrevivieron (por ejemplo, un Concierto para violonchelo de 1937 que apareció para su estreno profesional en 1999). ), fueron reciclados en obras posteriores, o simplemente reintroducidos en el catálogo del compositor años más tarde con números de opus engañosamente altos. Unos 50 años después, comentando este acto de autocrítica, Hovhaness comentó: "En realidad, me estaba mudando [de Boston] a un apartamento más pequeño en Nueva York y tuve que deshacerme del exceso de equipaje". En febrero de 1944, Hovhaness formó una orquesta amateur para interpretar música basada en intervalos puros, que había aprendido a través de su puesto en la iglesia de St. James, donde trabajó con sacerdotes armenios. La respuesta al primer concierto de la orquesta en junio animó a Hovhaness a crear "melodías gigantes en modos simples y complejos alrededor de centros tonales móviles o de papelería". Así, a partir de 1944 se inició un período de obras con títulos o temáticas armenios. En su mayor parte, Hovhaness empleó modos armenios y no citó melodías populares armenias, con la aparente excepción de las tres Rapsodias armenias . De ahí que el período 1943-1951 se conozca como el "período armenio" de Hovhaness, aunque reconoció influencias indias concurrentes en estas obras. El encantamiento melódico extendido, casi a expensas de la armonía, es la preocupación predominante durante esta fase creativa, y largas secciones de obras son armónicamente estáticas con solo un zumbido de pedal (o quinta abierta sostenida). En el concierto para piano y cuerdas de 1944, Lousadzak , la parte del solista es una melodía gigante exquisitamente filigrana, monofónica en todas partes, que imita los instrumentos de cuerda armenios y turcos. En esta obra fundamental, Hovhaness introdujo su técnica aleatoria, inicialmente llamada "murmullo espiritual". Aquí, los intérpretes repiten individualmente una frase melódica designada una y otra vez sin sincronía con el resto de los intérpretes de esa sección. La invención de esta técnica llamada ad libitum se ha atribuido erróneamente al compositor polaco Witold Lutoslawski, porque unos 17 años después la utilizó por primera vez en su obra orquestal de 1961 Jeux Venitiens . A mediados de la década de 1940, varias de las nuevas obras de Hovhaness se estrenaron bajo su batuta en Boston. La reputación del joven bostoniano como una fuerza musical que desafiaba la categorización estaba creciendo. Poco después tuvo lugar su memorable debut en Nueva York, que incluyó el estreno del concierto para piano de Lousadzak , que marcó un punto de inflexión para Hovhaness. El compositor y crítico periodístico Lou Harrison lo recordó así: |
"Recuerdo el estreno de esa obra en el Ayuntamiento y la enorme emoción que produjo la repentina aparición de Alan en Nueva York. El intermedio que siguió [ Lousadzak ] fue lo más cerca que he estado jamás de uno de esos renombrados disturbios artísticos. En el En el lobby, los cromatistas y los americanistas estaban actuando a altos decibeles. Lo que lo desencadenó, por supuesto, fue que llegó un hombre de Boston cuya música obviamente hermosa y excelente no tenía nada que ver con ninguno de los dos bandos, sino que, de hecho, era propia. "Para empezar, es algo muy maravilloso. Mi invitado John Cage y yo estábamos muy emocionados, y corrí al lamentado Herald Tribune y escribí una crítica entusiasta mientras John regresaba a la Sala Verde para encontrarse con Alan". |
Con diferencia, la mayor ayuda que Hovhaness recibió (y necesitó) en la segunda mitad de la década de 1940 fue la de sus colegas armenios en las áreas de Boston y Nueva York. La Dra. Elizabeth Gregory se hizo amiga de Hovhaness a principios de la década de 1940 y fue la fuerza impulsora detrás de sus primeros conciertos en Boston. Poco después, el pianista Maro Ajemian conoció a Hovhaness en Boston y ayudó a lanzar su carrera en Nueva York al cofundar el Comité de Amigos de la Música Armenia a fines de la década de 1940. En el centro de este comité estaban la pianista Maro Ajemian y su hermana violinista, Anahid. Las talentosas hermanas Ajemian sacrificaron el estrellato internacional para concentrarse en la música contemporánea, de la que Hovhaness fue quizás el principal beneficiario cuando comenzaron. Ayudaron a crear un 'rumor' en Nueva York sobre el compositor a través de dos conciertos de música orquestal de Hovhaness patrocinados por Friends de enorme éxito, primero en el Carnegie Hall y luego en el Town Hall, con excelentes críticas en el New York Times (Olin Downes), el Herald Tribune (Virgil Thomson) y otros periódicos de Nueva York. Los comentarios de Thomson, frecuentemente citados, de febrero de 1947, fueron los siguientes: |
"...la gran calidad de esta música, la pureza de su inspiración, se evidencia en la extrema belleza de su material melódico (que es material original, no folklore recopilado) y en la perfecta dulzura de sabor que deja en la boca. "No hay en él ninguna vulgaridad, nada meritorio, tonto, fácil o de baja intención. Trae deleite al oído y placer al pensamiento. A pesar de toda su complejidad auditiva -pues la ornamentación es su esencia- es absolutamente simple en sentimiento, puro de espíritu y altivo. Y para los oídos occidentales es profundamente refrescante. Entre todas nuestras contribuciones americanas al arte musical, que son muchas, es una de las más curiosas y originales, sin apoyarse en ningún punto en la ignorancia, idiosincrasia o encanto personal". |
Los Amigos de la Música Armenia también ayudaron financieramente a Hovhaness durante su desesperada situación financiera en la década de 1940 y principios de la de 1950. La defensa de Maro Ajemian continuó en casi todas las primeras grabaciones de Hovhaness. Ella fue la intérprete esencialmente responsable de 38 de las 40 grabaciones de Hovhaness realizadas entre 1946 y 1957, y muchas de ellas fueron producidas por el marido de su hermana, George Avakian (en Disc) o sus amigos productores (en Mercury).
En 1947 Hovhaness se casó con su tercera esposa, la bailarina Serafina Ferrante. Él tenía 36 años y ella 18, pero era su matrimonio más feliz hasta la fecha. Al año siguiente, Hovhaness fue invitado a unirse a la facultad del Conservatorio de Música de Boston, donde enseñó durante tres años, mientras mantenía sus funciones en la iglesia armenia de Watertown. Sus deberes en el Conservatorio incluían enseñar composición y dirigir la orquesta de estudiantes. Este puesto docente no obstaculizó su productividad, y los estudiantes recuerdan que en sus clases no impuso ningún dogma compositivo, a diferencia de otros compositores de allí. |
| En 1949, el American Music Center le pidió a Hovhaness que contribuyera con alguna información para su American Composers Biographical Survey. Plenamente consciente de que estaba evitando las modas musicales de mediados de siglo (americana, composición dodecafónica e incluso atonalidad), escribió: "Es mejor que no se haga mención de mis becas o educación porque mi dirección está completamente alejada de la camino aprobado por cualquiera de mis maestros; por lo tanto, la responsabilidad [por las actitudes hacia mi música] no recaerá en nadie más que en mí mismo". |  |
| década de 1950 |
En 1951, sintiéndose capaz de mantenerse más a sí mismo componiendo, Hovhaness se mudó nuevamente a Nueva York para comenzar a componer a tiempo completo. Escribió música para radio, televisión, teatro y danza. Pasó dos años (1951-53) componiendo música en diversos estilos étnicos para Voice of America (donde una de sus funciones fue la de director musical, compositor y consultor musical para la sección de Cercano Oriente y Transcaucásica). La singularidad y el creciente aprecio de su música le valieron un premio del Instituto Nacional de Artes y Letras. Entre 1953 y 1955 obtuvo dos becas de composición de la Fundación Guggenheim. Durante este tiempo viajó a Grecia y las islas griegas orientales. 1954/55 vio el éxito en Broadway con su fascinante música para la obra de Clifford Odet The Flowering Peach , que tuvo 135 funciones en el Teatro Belasco de Broadway. A continuación, NBC encargó dos bandas sonoras documentales, para Assignment India y Assignment South-East Asia . Muchos de estos pequeños éxitos condujeron al mayor avance de Hovhaness a mediados de los años cincuenta. La Sinfonía n.° 2, titulada Montaña misteriosa , se estrenó (pero probablemente no fue encargada) para el debut de Leopold Stokowski con la Sinfónica de Houston en octubre de 1955, y le dio a Hovhaness exposición nacional y muchas críticas elogiosas. Stokowski también presentó la Sinfonía n.º 3, un año después en el Carnegie Hall. Otra bendición para Hovhaness fue que entre 1955 y 1957 MGM Records lanzó una serie de LP exclusivamente de Hovhaness, grabando obras importantes como los conciertos Khaldis, Lousadzak, Talin, el Concierto n.º 2 para violín , la Sinfonía de Saint Vartan y varias obras de cámara; En total, unas 20 piezas repartidas en 8 discos. Durante los veranos de 1956 a 1959, Hovhaness enseñó en la Escuela de Música Eastman en Rochester. En 1958, la Universidad de Rochester otorgó a Hovhaness un título honorífico de Doctor en Música. Oliver Daniel, en el Saturday Review del 22 de febrero de 1958, describió la música de Hovhaness como "momentos de tranquilidad en un mundo caótico". Este fue también el año en que la Fundación Koussevitsky encargó el Magnificat , durante muchos años una de las obras más populares de Hovhaness. En abril de 1958 se produjo la grabación comercial de Mysterious Mountain por Fritz Reiner y la Orquesta Sinfónica de Chicago, un gran golpe para el compositor. Apareció en el sello RCA y desde entonces se convirtió en su grabación más famosa y su obra orquestal más interpretada. En junio de 1959, Bates College, Maine, confirió a Hovhaness el título honorífico de Doctor en Música, el segundo de los cinco doctorados que finalmente se otorgaron al compositor. La originalidad y accesibilidad de la contribución de Hovhaness a la música estadounidense se destacaron en la cita doctoral de la siguiente manera: |
"por la audacia y la delicadeza de la imaginación, por la originalidad y la individualidad sin excentricidad, por un gran número de composiciones, cada una de ellas fresca y distintiva, por fusionar la vieja melodía con la técnica y el espíritu modernos; en resumen, por hacer música para elevar los corazones de los hombres como única él puede." |
El catálogo de obras de Hovhaness comenzó en la década de 1950 alrededor del Opus 80; a finales de los años cincuenta se acercaba al Opus 200, lo que indica una tenacidad creativa de alrededor de una docena de nuevas obras al año. Sumado a sus viajes e investigaciones musicales, esto es muy impresionante, ya que las obras de los años 50 son en general de gran calidad, inventiva y variedad. |
| década de 1960 |
Hovhaness hizo su primer viaje a Japón en 1960, donde dirigió sus obras con la Sinfónica de Tokio y la Filarmónica de Japón. Esta última orquesta grabó posteriormente la versión original de la sublime Meditación sobre Orfeo . La edición del 16 de mayo de 1960 de la revista Time informó: "Los japoneses estaban intrigados por la música de Hovhaness, parecida a un trance, que respiraba tranquilamente, con su uso de patrones de danza oriental, sus pequeños remolinos de sonido". Al regresar de Oriente, Hovhaness estuvo en Europa durante un año, dirigiendo e interpretando varias de sus obras. Una beca Rockefeller permitió a Hovhaness volver a visitar el Lejano Oriente en 1962 para estudiar Ah-ak (música de la antigua corte de Corea), Bunraku y Gagaku (música antigua ceremonial y de la corte de Japón) con Masataro Togi, un reconocido músico Gagaku. En Japón, Hovhaness fue bien recibido por los medios de comunicación, según un informe "ensalzado por la prensa". Durante su estancia se estrenó la cantata Fuji , para coro femenino japonés, flauta, arpa y cuerdas. 1962 también vio un período de seis meses como compositor residente en el Centro Este-Oeste de la Universidad de Hawaii. Aquí participó en el Festival de Música y Arte de Honolulu, que incluyó el estreno de la Sinfonía nº 15 Peregrinación de Plata . En 1963 Hovhaness se instaló en Seattle. En 1965 Hovhaness emprendió una gira por Rusia patrocinada por el Departamento de Estado en el marco del Programa de Intercambio Cultural. La visita al Lejano Oriente implicó una mayor investigación con músicos nativos, lo que condujo a nuevos elementos en el estilo de Hovhaness y provocó un cuarto período estilístico. Aquí, Hovhaness regresa a las largas secciones armónicamente estáticas de la década de 1940, aunque ahora con melodías a menudo en cánones unísonos y empleando frecuentemente glissandi. Es en esta fase creativa donde retroceden la fuga y la polifonía renacentista. Hay más escasez de armonía en los años 1960 que en los años 1950, a menudo un drone es todo lo que sustenta las melodías. La repetición y elaboración del material reemplaza por completo cualquier desarrollo. De hecho, un comentarista japonés comparó la música de Hovhaness con un pergamino desplegado, en lugar de con la impresión fotográfica propia de la mayoría de la música occidental. 1963 vio la segunda colaboración de Hovhaness con Martha Graham para su ballet Circe ; esta música se convirtió en la Sinfonía número 18. Graham volvió a recurrir a los servicios de Hovhaness en 1973 para su ballet Myth Of A Voyage , y la música se publicó bajo el título Dream Of A Myth . A mediados de los años 60 Hovhaness dividió su tiempo entre el paisaje montañoso de Lucerna (Suiza) y Nueva York. En ese momento, el patrocinio entusiasta del director André Kostelanetz aseguró que varias obras de Hovhaness fueran estrenadas y posteriormente grabadas por la Filarmónica de Nueva York (un defensor posterior de la música de Hovhaness fue el joven trompetista de la orquesta, Gerard Schwarz). En este momento, Hovhaness creó algunas de sus obras neoorientales más logradas. Estos incluyeron Floating World - Ukiyo , un poema sinfónico virtuoso con connotaciones budistas, y el posteriormente popular Fantasy on Japanese Woodprints , una especie de concierto de marimba inspirado en imágenes japonesas de bloques de madera, encargado para Seiji Ozawa y la Orquesta Sinfónica de Chicago. |
 | Hovhaness (izquierda) con el director de la Filarmónica de Nueva York, André Kostelanetz, a mediados de los años 60. Kostelanetz encargó varias obras a Hovhaness, incluida la famosa pieza Y Dios creó grandes ballenas , de la que el compositor luego se arrepintió de haber escrito. Foto cortesía del Archivo Filarmónico de Nueva York |
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| década de 1970 |
En 1966/67, Hovhaness había sido compositor residente de la Sinfónica de Seattle. A principios de la década de 1970, Hovhaness se mudó permanentemente a Seattle, Washington. Su reciente vinculación con la Orquesta Sinfónica de Seattle le había provocado, sin saberlo, una historia de amor con el paisaje: "Me gustan mucho las montañas. No tengo que ir a Suiza, espero quedarme aquí". El cambio más obvio en la música de Hovhaness de la década de 1970 (y posteriormente) fue la retirada de los dispositivos de sonido abiertamente orientales. En todo caso, Hovhaness viró hacia un enfoque neorromántico más occidental, pero todavía dentro de los ámbitos de la melodía rapsódica y la expresión mística. Es de destacar la expansión de la armonía desde puramente modal (como en la década de 1960) hasta completamente cromática, incluidos tonos completos y acordes disminuidos. Como siempre, estas relaciones sirven únicamente para sus efectos sensoriales. Al referirse a un trabajo de principios de la década de 1970, Hovhaness escribió: "este período de mi música va hacia una expresión romántica". A principios de la década de 1960, los LP de MGM y Mercury Hovhaness de la década de 1950 estaban agotados desde hacía mucho tiempo y las nuevas grabaciones eran menos frecuentes. Alrededor de 1963, Hovhaness y su quinta esposa, Elizabeth Whittington (hija del director Dorsey Whittington y pianista que había estudiado con Mieczyslaw Horszowski), tuvieron la idea de publicar un LP autoeditado de su música. Después de este LP de prueba, siguieron varios lanzamientos a principios de los años 70 en el propio sello de la pareja, Poseidon Society. Poseidón grabaría y distribuiría su música de forma independiente, con todas las grabaciones supervisadas o dirigidas por el compositor y financiadas por ellos mismos. Algunas de estas grabaciones tuvieron licencia para el sello independiente británico Unicorn. Los lanzamientos de Poseidón, que comprenden principalmente obras orquestales dirigidas por el compositor, pueden considerarse interpretaciones definitivas de sus obras. Se incluyeron piezas importantes como las Sinfonías 9, 11, 19, 24, 25 y el oratorio de gran escala La Dama de la Luz . Esta postura proactiva permitió que la música llegara a audiencias nacionales y extranjeras más amplias. A través del boca a boca, en lugar de publicidad, los LP de Poseidon se vendieron bien: la compañía aparentemente pudo en algún momento recaudar más de 100.000 dólares al año. Tras el divorcio de la pareja, Elizabeth retuvo la propiedad de las grabaciones de Poseidon, quien luego vendió el catálogo a Crystal Records, quien las publicó en casete y luego en formato CD. Sin embargo, no fueron sólo los lanzamientos de Poseidon los que se vendieron bien a principios de la década de 1970, sino que la música en sí tenía demanda para presentaciones en vivo. La declaración de regalías de Hovhaness de 1975 del editor CF Peters Corp. tenía 17 páginas. Casi todas sus 240 composiciones se habían vendido ese año, desde 1 copia del Concierto para acordeón hasta 5.620 copias de la pieza coral de 4 páginas Desde los confines de la Tierra . Así, a pesar de estar todavía críticamente pasado de moda, el compositor podía vivir de su trabajo, en lugar de enseñar en cualquier institución académica. Además, todavía llegaban regularmente encargos de patrocinadores extravagantes, como el gobierno coreano para la Sinfonía nº 35. A pesar de las buenas ventas de música, en 1972 Hovhaness se separó de la editorial principal Peters Edition después de 17 años. Brevemente, Peer (1972-77) y AMP (1974) lo publicaron nuevamente. Unos años más tarde, en un concierto de su música, conoció a la soprano japonesa y ex actriz Hinako Fujihara. Ella se convertiría en su esposa durante los últimos 23 años de su vida. Fujihara Music se creó para publicar su nueva música. Al igual que su esposa anterior, que había administrado Poseidon Society, Fujihara administró una compañía discográfica independiente para publicar la música del compositor, esta vez llamada Fujihara Records. Los lanzamientos incluyeron las Sinfonías 31, 38, 40 y 47, así como obras de cámara vocal. Aunque alejado del establishment de la música clásica estadounidense, pero habiendo aportado una gran cantidad de música, en 1977 Hovhaness fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras. |
| 1980 - 2000 |
Durante las dos últimas décadas de su vida, el estilo de vida nómada de Hovhaness cesó un poco. Felizmente casado y algo frágil, viajó al extranjero con mucha menos frecuencia, pero continuó componiendo noticias a su ritmo prolífico habitual. La productividad finalmente disminuyó en la década de 1990 y las enfermedades agudas aparecieron alrededor de 1996. En mayo de 1981, Henry Hinrichsen, presidente de CF Peters, se acercó a Hovhaness con un encargo excepcional para una sinfonía sobre el tema del Monte St. Helens, el famoso volcán que había entrado en erupción en 1980. Hovhaness se entusiasmó con la idea y aceptó, en el proceso de recibir la primera comisión pagada a un compositor durante los 10 años de asociación del Sr. Hinrichsen con Peters. Tanto la Sinfónica de Seattle como la Sinfónica de San José quisieron dar el estreno de la obra, lo que finalmente decidió el compositor al lanzar una moneda al aire. Entre 1980 y 1989 Hovhaness escribió unas 80 obras, incluidas casi 20 sinfonías. Sólo en 1986 se crearon seis sinfonías. Generalmente mucho más extensas que las sinfonías anteriores, algunos comentaristas han aludido a una prolijidad musical en sus últimas sinfonías que no se evidencia en sus trabajos anteriores. En un programa de concierto de la Sinfónica de Knoxville de 1986, el compositor afirma que parece "volverse más prolífico con los años, desafortunadamente para mis editores. Mi éxito actual es una gran sorpresa para mí: durante la primera mitad de mi vida fui conocido como el compositor que nunca fue interpretado. No tuve suerte hasta los 41 años, cuando Leopold Stokowski, el gran director, dirigió una de mis piezas y decidió defender mi trabajo". En 1991, como homenaje al compositor en su 80 cumpleaños, la American Composers Orchestra, junto con la Iglesia Apostólica Armenia de América, presentó una celebración de gala en el Carnegie Hall. Contó con el director y compositor ganador del premio Pulitzer Karel Husa, el clarinetista Lawrence Sobol, el cantante Richie Havens y el propio Hovhaness dirigiendo la primera y la última obra, una de las cuales fue la primera interpretación de su Sinfonía n.º 65, op.428, titulada Artstakh. . Sólo le seguirían dos sinfonías más el año siguiente. En 1994, todavía componiendo, comentó: "No tengo miedo de morir porque tengo tantos amigos esperándome al otro lado". En 1996, la buena salud de Hovhaness finalmente comenzó a deteriorarse notablemente. Por primera vez en 80 años no pudo componer. Después de tres años de cuidados intensivos, murió en Seattle el 21 de junio de 2000 a causa de una prolongada enfermedad estomacal. El 23 de abril de 2001 se celebró un concierto en memoria de Hovhaness en el Benaroya Hall de Seattle y posteriormente se repitió en Nueva York. Por primera vez, la sala de conciertos renunció a pagar la tarifa de alquiler y el director de la Sinfónica de Seattle, Gerard Schwarz, y la arpista solista Yolanda Kondanassis ofrecieron sus servicios como voluntarios. El director leyó una carta del compositor Lou Harrison en la que declaraba a Hovhaness "uno de los grandes melodistas del siglo XX" y "un maestro para todos nosotros". Schwarz, él mismo un defensor de Hovhaness durante más de 30 años, rindió el siguiente homenaje al hablar con el Seattle Times: "Estaba tratando de añadir belleza y sensibilidad al mundo. Se preocupaba profundamente por la bondad y la naturaleza, y ha tenido una tremenda Conozco a Alan desde 1963... durante todo este tiempo, incluso en los tiempos en que su música no estaba tan de moda, se mantuvo fiel a su pensamiento y a su estilo distintivo, que tenía pasión y también una gran reserva. Destacó. Alan fue increíble... fue uno de los grandes compositores de nuestro tiempo”. |
Hovhaness tenía una presencia física imponente, era alto, con un rostro de rasgos marcados y manos muy grandes. En persona era, según todos los indicios, amable y educado, aunque en ocasiones algo distante. Su destreza intelectual fue considerable: desde muy joven se mostró receptivo al arte, la literatura y la filosofía, no sólo a la música. Más adelante en su vida, afirmó que algunas experiencias místicas le habían aportado secciones musicales completas (como parte de Mysterious Mountain y el tema largo de Fra Angelico ). Las preocupaciones místicas y religiosas de muchas obras reflejan una perspectiva espiritual panteísta (Hovhaness nunca se adhirió a ninguna doctrina religiosa específica) que refleja exactamente la enorme diversidad de sus influencias musicales: Hovhaness era verdaderamente un ciudadano del mundo. Hovhaness se dedicó a la composición a tiempo completo tan pronto como fue económicamente viable, alrededor de mediados de la década de 1950, aunque los compositores generalmente se establecían una vez que conseguían un nombramiento académico. Hovhaness podía componer en medio del ruido y la actividad, simplemente aislándose del mundo exterior. La música siempre sonaba en su cabeza; las ideas lo "perseguirían" si no las escribiera. Probablemente padecía la condición conocida como hipergrafía: una necesidad abrumadora de crear a diario. Incluso en un restaurante tomaba una servilleta para anotar ideas, y casi todas las fotografías suyas muestran uno o dos útiles de escritura listos para usar en el bolsillo del pecho. Una vez habló de escribir fugas "para mantenerme ocupado"; es posible que haya escrito más fugas que cualquier otro compositor del siglo XX. Mientras que muchos compositores han coqueteado con la música de culturas distantes simplemente como un recurso conveniente para su propio banco de ideas, Hovhaness incorporó la estética y la esencia de estos modismos a su propio pensamiento musical, creando una música homogénea y verdaderamente trascendental en una época en la que, si bien la mayoría de sus compañeros estaban atrincherados en la ciudadela del "modernismo" musical. En su mayor parte, la suya era una Gebrauchsmusik (o música funcional) accesible y no elitista , bastante capaz de transportar al oyente desde el tiempo cotidiano a la contemplación interior o sobrenatural. |
"Desde sus días como un excéntrico aislado que interpretaba su música exótica para amigos en el área de Boston mientras vivía con un magro ingreso obtenido como organista de la iglesia, hasta hoy en día, cuando es considerado como uno de los compositores más originales, interpretados y grabados de Estados Unidos. , Hovhaness se guió por una dignidad, humildad e integridad que le permitieron hacer uso de todos los medios y oportunidades disponibles para perseguir su propia visión única e intransigente". | |
| Walter Simmons | |
 | Mi propósito es crear música no para snobs, sino para todas las personas, música que sea hermosa y curativa. Intentar lo que los viejos pintores chinos llamaban "resonancia espiritual" en melodía y sonido. |
| Alan Hovhaness Foto cortesía de la Sra. Hinako Hovh |
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Sinfonía Nº 2, denominada Montaña misteriosa, en la versión de la Orquesta All-Star, dirigida por Gerard Schwarz.
