Hola, soy Leonardo Liberman.
Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo efemérides y temas de interés general.
Podes mandarme tu comentario al E-mail elmiradornocturno@gmail.com
Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Conrad Hansen (Lippstadt, 24 de noviembre de 1906 -
Hamburgo, 22 de junio de 2002), pianista alemán. Fue galardonado con la medalla
Brahms de la ciudad hanseática de Hamburgo, un premio que han recibido también
Günter Wand o Yehudi Menuhin. La Escuela de Música de Lippstadt (enlace en
alemán) lleva hoy su nombre.
Carrera
Hansen inició las clases de piano a los 8 años, y dio sus
primeros conciertos públicos a los 10. En 1922 se trasladó a Berlín, para
estudiar con Edwin Fischer, y cinco años más tarde debutó con la Filarmónica
berlinesa. Su fama procede, sobre todo, de la interpretación de las obras de
Ludwig van Beethoven; entre sus discos más memorables se recuerda la grabación
en 1943 del cuarto concierto para piano, junto con la Filarmónica de Berlín,
dirigida por Wilhelm Furtwängler.
Aparte de su tarea interpretativa, fue un reputado profesor,
cofundador de la Escuela Superior de Música de Detmold. En 1960 sustituyó al
pianista letón Eduard Erdmann al frente de la Escuela Superior de Hamburgo; en
los últimos años de su vida pasó a impartir clases en Lübeck.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con su interpretación del Concierto para Piano y Orquesta Nº 4 en Sol Mayor Op
58, de Ludwig van Beethoven, y la Orquesta Filarmónica de Berlín, dirigida por Wilhelm
Furtwängler.
El Mirador Nocturno – Radio / Compositores Polacos – Franciszek
Lessel
Hoy les presento el 2º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, con el Gran Trío para Clarinete, Trompa y Piano Op. 4, el Adagio y
Rondo a la Polonesa en Mi Bemol Mayor Op. 9, la Misa Polaca, el Concierto para
Piano y Orquesta Nº 2 en Do Mayor Op. 14, de Franciszek Lessel.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Nació en Quito, Ecuador el 23 de noviembre de 1932. Estudió
en el colegio Mercantil de Quito, y cuando aún cursaba sus estudios, formó
parte de un grupo musical llamado El Trío Quito, iniciando así su carrera
musical el 10 de agosto de 1947 y luego fue parte del grupo Los Lemari. Más
tarde fue parte de Los Latinos del Ande, junto a Homero Hidrovo y Eduardo
Erazo, y después de un tiempo se unió al grupo Olga Gutiérrez para así llamarse
Los Cuatro Brillantes. Varios desacuerdos hicieron que Homero Hidrovo y Eduardo
Erazo se separen del grupo, pero Hidrovo regresó al poco tiempo y así ser El
Trío Los Brillantes.
Su primer tema musical como solista fue "El Pañuelo
Blanco", por el cual se debe su apodo ya que dicho tema fue el que lo
catapultó. Entre sus canciones más conocidas están "Ódiame si
quieres", "El clavel negro", "El paisano" y una de las
canciones más importantes llamada "Chola cuencana".
Y como cantar es su pasión quiere vivir muchos años más de
su música “gracias a Dios hago lo que me gusta hacer y me pagan por eso”.
Está casado desde hace 38 años con la guayaquileña Adelaida
Fabre Plaza con quien procreó dos hijos, Adelaida y Juan José. Al referirse a
su compañera de vida, los ojos le brillan y nos dice “parece que me hubiera
casado ayer, vivimos una eterna luna de miel y como ella es 15 años menor a mí,
cada día me inyecta de energía”.
Don Héctor nos contó que le dedicó a su musa la canción
“Enséñame a querer” y ella, aunque no es cantante, le respondió con “Sólo
tuya”. Esta letra le gustó tanto al artista que le cambió ciertas partes para
luego grabarla como “Sólo tuyo”.
Aunque ha grabado más de 400 canciones y ha recorrido varios
países de América y Europa con aproximadamente 80 giras con su música, su
humildad permanece intacta “no soy el mandamás del Ecuador, ni el mago ni nada
por el estilo, como muchos se hacen llamar. Mantengo un perfil bajo y simplemente
soy el hombre del pañuelo blanco”.
Uno de los proyectos de este contador público autorizado,
quien dejó botado este puesto en una empresa por dedicarse a la música, es
escribir un libro sobre su vida.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus
grandes éxitos: El Pañuelo Blanco.
En El Mirador Nocturno recordamos a Santa Cecilia, con la
publicación de su recordatorio preparado por el sitio www.biografiasyvidas.com
Santa Cecilia
(?-Roma, 232) Virgen, santa y mártir romana, patrona de los
músicos. A pesar de ser una de las santas más populares de todos los tiempos,
es muy poco lo que se conoce sobre ella. Se cree que nació en Roma, en el seno
de una ilustre familia, y que fue casada contra su voluntad con un joven pagano
llamado Valerio.
Santa Cecilia
Cecilia logró que su marido respetara su virginidad y se
convirtiera al cristianismo. Valerio fue bautizado por el papa Urbano, y, junto
con su hermano Tiburcio, también convertido, dio sepelio a los mártires de la
persecución de Turco Almaquio. Denunciados por esta práctica, ambos hermanos
fueron decapitados.
Cecilia fue también denunciada y condenada a ser arrojada al
fuego de las termas de su propia casa, pero salió ilesa. Turco Almaquio ordenó
entonces que fuese degollada; Cecilia, herida tres veces con el hacha, expiró
tras tres días de agonía. El papa Urbano, ayudado por sus diáconos, enterró a
la mártir y consagró su casa como basílica.
El culto de Santa Cecilia de Roma se difundió ampliamente a
causa del relato de su martirio, que la ensalza como ejemplo de la mujer
cristiana. Una frase del acta de su martirio, según la cual Santa Cecilia cantó
durante el tormento, le valió ser patrona de los músicos. Las agrupaciones
musicales, coros y orquestas la celebran como patrona el 22 de noviembre.
A continuación la recordamos como la Santa protectora de la
música y los músicos, con la Sonata para Dos Pianos en Re Mayor K. 448, de Wolfgang
Amadeus Mozart, en la interpretación de Marta Argerich y Daniel Barenboim.
Jean-Étienne Marie nació en Pont-l'Évêque, Calvados, Baja
Normandía, Francia, el 22 de noviembre de 1917, y murió en Niza, Francia, el 25
de diciembre de 1989. Compositor y docente.
Jean-Étienne Marie (Pont-l'Évêque, Calvados, Baja Normandía;
22 de noviembre de 1917-25 de diciembre de 1989) fue un compositor francés de
música contemporánea.
Jean-Étienne
Marie
Biografía
Estudia en la Escuela Superior de Comercio de Ruan y en
1940-41 es nombrado Secretario de la Cámara de Comercío de Pau. Ese mismo año
comienza a estudiar Teología (1946-49).
Se dedica a la música después de la Segunda Guerra Mundial,
e ingresa en el Conservatorio de París. Trabaja con Olivier Messiaen y Darius
Milhaud. En 1947, funda el «Cercle Culturel du Conservatoire», que dará un
ciclo de 10 conciertos de Música Contemporánea en la Sorbona. Más tarde,
trabajó en la ORTF (Radiodifusión francesa), como especialista en
retransmisiones y sonorizaciones de Festivales de música contemporánea (Royan,
SMIP...). En 1953, obtuvo el «Prix d'Académie» por su obra "Musique Vivante".
Organizó en la «Schola Cantorum» el primer «Curso de Musique
Expérimentale», donde formó a varios jóvenes músicos franceses, como Fernand
Vandenbogaerde, Pascal Bolbach y Daniel Raguin. Entre los temas de dicho curso
figuran las relaciones entre la música y la matemática, la acústica
arquitectónica, la microtonalidad, y con especial énfasis en la obra teórica y
musical de Julián Carrillo, varios de cuyos pianos microtonales instaló en
dicha escuela parisina.
Sus conocimientos sobre Carrillo atrajeron a sus clases a
varios músicos mexicanos, entre los que figuran Alicia Urreta, Mario Lavista,
Federico Ibarra, Francisco Núñez, Héctor Quintanar, quien le llevó a México
como profesor en el Conservatorio, y Julio Estrada, su alumno en la Schola
Cantorum entre 1967-69, quien a su vez le acogió como profesor invitado en la
Escuela Nacional de Música, UNAM.
En 1968 fundó en París el «Centre International de Recherche
Musicale» (CIRM) y más tarde, en Orléans, las «Semaines de Musique
Contemporaine».
Entre 1970 y 1975, enseñó en la Universidad de París VIII,
donde coincide con el musicólogo Daniel Charles, experto en el indeterminismo y
junto a quien contribuye a crear una formación más abierta a las nuevas ideas
musicales.
En 1976 y 1977 realizó su tesis universitaria y en 1978 se
doctoró en Letras y Ciencias Humanas. Ese mismo año, 1978, implantó en Niza el
CIRM, y un año más tarde, en 1979, creó el Festival MANCA («Musiques actuelles
Nice Côte-d'Azur»). En 1985 fue nombrado «Officier des Arts et Lettres» y un
año más tarde, recibió la Medalla de Oro de la ciudad de Niza.
Fundó el MITT («Micro Intervalles, Théorie et Technologie»),
con el que realizó giras de conciertos (Ruan, Zaragoza, Nuremberg, Bourges,
Alicante...).. En 1988 fue invitado de honor en Festival de Música
Contemporánea de Darmstadt.
Entre los años 1954 y 1982 realizó misiones para los
Servicios Culturales del Ministerio de Asuntos Exteriores: España (1954, 1964,
1973 y 1982), Escandinavia (1955), Líbano (1965), Finlandia (1965), Yugoslavia
(1966), México (1966, 1968 y 1981), Grecia (1972) y U.S.A (1981).
Música
Sus primeras obras se agrupan en tres líneas compositivas:
música microtonal; música para instrumentos (u orquesta) con cinta magnética;
investigaciones audiovisuales. A partir de 1965 el compositor se orientara
hacia una formalización matemática en los mismos tres campos de investigación.
Su técnica compositiva desarrolla una reflexión sobre la
percepción del "tiempo musical", no como un tiempo lineal de
naturaleza espacial, sino como un tiempo formado por tiempos autónomos,
aislados, en los que la organización producirá la hondura de la obra.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con
Reflejos de la Noche, una obra de su alumno Mario Lavista, en la versión del Cuarteto
Latinoamericano.
Murió Horacio Malvicino, pionero del jazz moderno y compañero musical de Piazzolla
Guitarrista, arreglador y director musical, tocó en todas formaciones del compositor argentino y grabó 15 discos. Falleció a los 94 años de edad
21 Nov, 2023 11:08 a.m. AR
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Murió Horacio Malvicino, pionero del jazz moderno y compañero musical de Piazzolla
El gran guitarrista entrerriano Horacio Malvicino, considerado uno de los pioneros del jazz moderno en la Argentina y quien fue miembro de las distintas formaciones de Astor Piazzolla, junto a quien grabó 15 discos, murió a los 94, según informó esta madrugada la Academia Nacional del Tango. “Acompañamos a su familia y amigos en este momento de honda tristeza para todos”, expresó a través de un comunicado la entidad, para despedirse del músico que lo largo de su vida tocó tango, jazz y bossa nova, y compartió proyectos junto a músicos de la talla de Leopoldo Federico y DanielBinelli.
Malvicino fue arreglador y director, escribió para obras musicales en televisión, fabricó jingles, musicalizó películas y acompañó a conjuntos de ritmos diversos y de tango. Si bien lo suyo fue el jazz, la llegada de Astor Piazzolla a su vida cambió su destino, aunque eso impidió abandonara su pasión por este género, ni dejara de tocarlo. El bandoneonista y compositor de “Libertango” conoció a “Malveta”, como él lo llamaba en 1955, y le propuso integrar su octeto junto a Enrique Francini, José Bragato, Hugo Baralis, Roberto Pansera —pronto reemplazado por Leopoldo Federico—, Atilio Stampone y Aldo Nicolini —luego reemplazado por Juan Vasallo— y el propio Astor.
“El que mejor comprendió todo lo que yo escribí es Horacio Malvicino”, dijo alguna vez Piazzolla en referencia a sus guitarristas, expresión que se puede leer en el libro Astor Piazzolla: a manera de memorias, que recopiló Natalio Gorin. “Malveta” lo acompañó en el innovador uso de la guitarra de jazz en el tango y fue parte del Octeto Buenos Aires, el Quinteto, el Conjunto Electrónico y su último grupo, el Sexteto.
Guitarrista, arreglador y director musical, tocó en todas formaciones del compositor argentino y grabó 15 discos. Falleció a los 94 años de edad
El guitarrista tuvo sus primer contacto con al tango cuando tenía 16 años, en Concordia, su ciudad natal, tiempos en los que tocó con el bandoneonista Alberto Caracciolo y el guitarrista Héctor Besada. Luego, formaron un conjunto para actuar en Buenos Aires en Radio Splendid, pero en este caso tocando música hawaiana. Caracciolo tocaba el órgano y escribía los arreglos. En 1964 se publicó Horacio Malvicino Jazz Quinteto, disco grabado por el sello Melopea en el auditorio de la Radio Municipal de Buenos Aires. donde también tocaron las figuras más representativas de distintos géneros.
Luego se registró el Volumen 2 de estas actuaciones, que luego se convirtieron en los únicos álbumes donde se lo puede escuchar al Malvicino tocando jazz. Las grabaciones pertenecen al Archivo Sonoro de Julio Alvarez Vieyra y cuentan con un sonido restaurado y masterización realizada por el técnico Mario Sobrino y con la especial participación del saxofonista Horacio Chivo Borraro, integrante para ese momento del Horacio Malvicino Jazz Quintet.
El músico fue presidente de la Asociación Argentina de Intérpretes (Aadi), y en 2018 fue nombrado Personalidad Destacada de la Cultura en la Ciudad de Buenos Aires por su trayectoria musical y su desempeño en la defensa de los derechos de los músicos, en tanto, en 2022 recibió el Premio Tagini a la trayectoria fonográfica, otorgado por la Academia Nacional de Tango. Malvicino fue director musical de la discográfica RCA y orquestador de éxitos populares, y dejó un enorme legado en cultura argentina.
A continuación, lo recordamos en el día de su fallecimiento,
con Los Mejores Momentos. El tema utilizado en una de las
legendarias publicidades de cigarrillos de L&M, con la Orquesta de Horacio
Malvicino, en la voz de Nono Pugliese, y que protagonizaba con su mujer, la
inolvidable Claudia Sanchez.
Eleanor Torrey Powell, más
conocida como Eleanor Powell, nació en Springfield, Massachusetts,
Estados Unidos, el 21 de noviembre de 1912, y murió en Los Ángeles, California,
Estados Unidos, el 11 de febrero de 1982. Bailarina y actriz.
Eleanor Powell, considerada "la bailarina femenina de
ritmo y claqué más grande del mundo" de su tiempo, nació como Eleanor
Torrey Powell, de padre Clarence Powell, un minorista de ferretería, y de
madre, Blanche Torrey. Cuando sus padres se separaron cuando ella tenía once
meses, fue criada por sus abuelos maternos, Harold y Susie Belle Torrey,
mientras su madre trabajaba como camarera, y cajera de banco. "Todo lo que
soy como mujer se lo debo a mi madre y a la forma en que ella me crio",
dijo Powell sobre su madre. A los siete años, para ayudarla a superar su
timidez, se matriculó en una escuela de danza donde estudió ballet y acrobacia
con Ralph McKernan. En el verano de 1925, durante una visita familiar a
Atlantic City, Nueva Jersey, estaba dando volteretas en la playa cuando la
descubrió el empresario Gus Edwards, quien le ofreció trabajo trabajando tres
noches a la semana, ganando un salario de siete dólares por espectáculo, en un
club de cena en el Ambassador Grill.
En el verano de 1927, Powell regresó a Atlantic City para
trabajar en Silver Slipper and Martins, un club de cenas de alto precio. Su
rutina combinaba ballet clásico y acrobacia; despreciaba a los bailarines de
claqué que aparecían con ella en el club y consideraba que su estilo era
incómodo. Instada a probar suerte en Broadway, Powell se dirigió a Nueva York
en el otoño de 1929, donde trabajó en el club nocturno Ben Bernie y bailó en
fiestas privadas, donde conoció y apareció en el mismo cartel que Bill
Robinson. Con él ideó un número de baile en el que se retaban entre sí. Powell
y Robinson actuaron en varias fiestas de sociedades privadas organizadas por
los Vanderbilt, los Rockefeller y otros, por las que les pagaban 500 dólares la
noche. Robinson se convirtió en su amigo de toda la vida y luego le enseñó su
famoso baile de escaleras. Sin embargo, fue el claqué rítmico de John Sublett
Bubbles lo que más influyó en su juego de pies y estilo rítmico. Powell conoció
a Bubbles en 1928, en una gira de vodevil de veinte semanas que incluyó el
Teatro Paramount de Nueva York. En el mismo cartel que Buck y Bubbles, y
haciendo cinco shows al día, dijo que eran la audiencia más agradecida el uno
del otro. Recordó "acostarse boca abajo entre bastidores, viendo a Bubbles
bailar conmigo". Entre espectáculos, los bailarines pasaban tiempo detrás
del escenario probando nuevos pasos. Usando zapatos de claqué de tacón alto con
tacón cubano, uno que es más ancho que el tacón de aguja o de reloj de arena de
un bailarín de coro, comenzó a dominar los talones que marcaban el estilo de
baile de claqué rítmico de Bubbles. "A menudo me preguntaba si tenía algo
de sangre de color dentro de mí", dijo más tarde, "porque el tipo de
golpeteo poco convencional que se me ocurrió era un sonido de color".
Después de audicionar para espectáculos de Broadway y
encontrarse con el rechazo debido a su falta de experiencia en claqué, Powell
se matriculó en la escuela de danza de Jack Donahue, donde estudió con el
maestro bailarín de zapatos blandos y Johnny Boyle, un bailarín de vodevil
conocido por su "terre a terre" estilo de buck-and-wing. Se inscribió
en diez clases, y en algún momento entre la primera y la quinta lección se sintió
frustrada al aprender los pasos: su entrenamiento en ballet y acrobacia hizo
que su baile de claqué fuera demasiado aéreo. En lecciones privadas, Donahue se
sentaba en el suelo frente a ella y le sujetaba los tobillos, explicando que el
tapping se hacía con los pies y no con todo el cuerpo. Luego, Donahue y Boyle
idearon un cinturón, comprado en una tienda de excedentes de guerra, con un
gran saco de arena a cada lado. Le hicieron usarlo en la práctica, entrenándola
así para tocar el suelo. En la octava lección, se dio cuenta y a menudo la
llamaban en clase para hacer demostraciones. Esas lecciones de claqué fueron
todo lo que Powell necesitaba para ayudar a lanzar su carrera en Broadway.
Debutó en Follow Thru (1929), en la que audicionó con la rutina de clase de
Donahue para "Button Up Your Overcoat". Durante la duración del
espectáculo, Powell practicó doce horas al día, ideando sus propias rutinas,
bailando al ritmo de discos de pianistas de jazz como Fats Waller. Entre
espectáculos, actuó con jazz y big bands, como la Paul Whiteman Orchestra,
donde tuvo la distinción de ser la primera bailarina de claqué en actuar en el
Carnegie Hall.
Powell hizo su debut en la pantalla en la comedia musical de
Paramount Picture Queen High (1930) y regresó a Broadway con Fine and Dandy
(1930), que incluía tres números de tap dance: "I'll Hit a New High",
"Jig Hop," y "Ballet de Vals". Variety la llamó "una
bailarina rítmica inteligente" y el Washington Post escribió que amenazó
con detener el espectáculo con "su baile de claqué con ritmo roto y su
ballet de vals". Luego actuó en Hot-Cha! de Florenz Ziegfeld. (1932);
Variety escribió sobre su baile "No hay nada que importe conmigo" que
"se abrió camino hacia un éxito". Cuando actuó en el Music Hall de
George White (1933) con dos números de claqué rítmico, el New York Times la
llamó "una excelente bailarina de claqué que se destaca
notablemente". A principios de los años treinta, en el peor momento de la
Depresión, los productores de Broadway estaban recortando costes. Powell, que
nunca tuvo la intención de ir al cine, fue elegido por Louis B. Mayer para
Broadway Melody de 1936, para el papel de un bailarín en apuros que llega a la
gran ciudad para convertirse en una estrella. Su rutina combinaba elementos de
ballet y baile acrobático, con giros de pivote, arabescos y claqué rítmico
cerca del suelo. El New York Times la elogió por "los pies más elocuentes
del mundo del espectáculo" y la comparó con Fred Astaire, afirmando su
estatus como "la mejor bailarina de claqué del mundo". Inmediatamente
le ofrecieron un contrato a largo plazo en MGM, comenzando con Born to Dance
(1936), un lujoso musical, con canciones de Cole Porter, en el que interpretaba
a una suplente de danza enamorada de un marinero, interpretado por James Stewart.
Lo más destacado fue el final, "Swingin' the Jinx Away", en el que se
deslizaba por un poste metálico de fuego en un acorazado y golpeaba la
cubierta. Por muy virtuoso que fuera el baile de Powell, nunca se la consideró
glamorosa. En una reseña de Rosalie (1938), en la que Powell bailaba con la
batería, Time la llamó "asexuada, sobrehumana y morbosamente hábil, como
si estuviera animada por una siniestra inteligencia propia". En MGM,
Powell tenía pleno control de su coreografía; le dieron un estudio para ensayar
y le dieron la oportunidad de doblar sus propios pasos de claqué. Mientras que
Broadway Melody de 1938 le dio a Powell la oportunidad de bailar tap con George
Murphy y Buddy Ebsen, Honolulu (MGM, 1939) fue su oportunidad de reconocer a
Bill Robinson, aunque en un número atlético de tap con cara negra.
La publicidad fue enorme cuando Powell fue emparejado con
Fred Astaire en su primera película posterior a Ginger Rogers, Broadway Melody
of 1940. Presentaba a Astaire y George Murphy como un equipo de baile, que
compiten por un papel en un espectáculo de Broadway, y a Powell como su
protagonista dama e interés romántico. En el ensayo, Powell y Astaire
trabajaron de forma independiente, en rincones opuestos de la sala mientras
improvisaban con la música de Cole Porter. En "Begin the Beguine", un
remate competitivo en el deslumbrante final, Astaire encontró su rival, no en
el sentido de pareja romántica que siempre buscó con Ginger Rogers, sino en la
ferocidad rítmica, vivaz y energizante del baile de Powell eso creó una
propulsión de avance. Después de Broadway Melody de 1940, se habló de volver a
formar equipo con Powell y Astaire en una versión cinematográfica del musical
de Broadway Girl Crazy, pero Astaire no estaba muy entusiasmado con el proyecto,
lo que provocó que se archivara. Los planes para emparejar a Powell y Astaire
en una película sobre la vida detrás del escenario en Ziegfeld Follies también
se disolvieron, cuando Powell se enteró de que Astaire no había estado
"contento con su colaboración" en Broadway Melody de 1940.
Powell había comenzado en el escenario como independiente y
permaneció así durante el resto de su carrera. En el espectacular final del
número "Fascinating Rhythm" de Lady Be Good (1941), restableció su
independencia como solista estrella. Vestida con sombrero de copa y frac, bailó
con una legión de hombres, que la encuadran y la lanzan en vertiginosos giros
aéreos hacia el ojo de la cámara. Su asociación grupal con ella no es tanto
para mostrarla como un objeto de deseo contemplativo, sino como un dispositivo
en el que ella los utiliza para mostrar su fenomenal experiencia como la
virtuosa bailarina de los años treinta de Hollywood.
Powell representa una figura triunfante como solista
femenina de tap rítmico. Era una bailarina que vestía sombrero de copa y frac y
se movía con gracia y velocidad, driblando ritmos mientras hacía flexiones
hacia atrás y llevaba la cabeza al suelo; la velocidad y agresión de sus
golpeteos contrarrestadas por sus piernas largas, elegantes y bien formadas. Su
fraseo rítmico no se ajustaba a la estructura estándar de ocho compases y dos
compases, pero era variado y complicado con fraseos rítmicos que se movían
sobre la barra, combinando ballet, tap rítmico y acrobacias en rutinas que eran
completamente de su propia invención.
[Fuente: Constance Valis Hill, Tap Dancing America, A
Cultural History (2010)]
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con Fascinatin' Rhythm, de Lady Be Good, de 1941.
Joseph Fidler Walsh, más conocido como Joe Walsh, nació en Wichita,
Kansas, Estados Unidos, el 20 de noviembre de 1947. Guitarrista, cantante y
compositor.
Joe Walsh, de nombre completo Joseph Fidler Walsh, es un
cantante, músico multiinstrumentista y compositor estadounidense. Nació en
Kansas, Estados Unidos, el 20 de noviembre de 1947. Con una carrera de casi
seis décadas, ha sido integrante de varias bandas de rock. De esas
agrupaciones, destacan James Gang, Eagles y Ringo Starr & His All-Starr
Band.
También ha tenido éxito como solista y como músico de
sesión. En esta última actividad ha resultado muy prolífico, apareciendo en una
amplia gama de grabaciones de otros artistas. Entre sus mayores éxitos en
solitario, se mencionan los siguientes. "Rocky Mountain Way", "Life's Been Good", "All
Night Long", "A Life of Illusion" y "Ordinary Average
Guy".
Conocido por su maestría en la guitarra eléctrica, lleva
casi seis décadas en la música rock. Sus lucidas interpretaciones han quedado
grabadas desde el comienzo, para satisfacción de los aficionados.
Niñez, Juventud y Vida Familiar
Joe Walsh sufrió la pérdida de su padre, Robert Newton
Fidler, siendo un niño muy pequeño. Su progenitor era teniente, instructor de
vuelo del Lockheed F-80 Shooting Star de la Fuerza Aérea estadounidense. Murió
en un accidente aéreo en Okinawa, el 22 de julio de 1949.
Se crio junto a su madre, quien era pianista de formación
clásica, especializada en música escocesa. Cuando más adelante se casó de
nuevo, el padrastro del niño le dio su apellido.
Luego se fue a vivir con su familia a Columbus, Ohio, a más
de mil kilómetros de su ciudad natal. En esta ciudad estadounidense pasaría
varios años. Después vendrían otras mudanzas. Cuando tenía doce años de edad,
el grupo familiar se estableció en la ciudad de Nueva York. Más tarde llegarían
a Montclair, Nueva Jersey. Al asistir a Montclair High School, mostró gran
interés por la música.
A la edad de diez años, tuvo su primera guitarra. Luego de
varias prácticas, decidió hacer carrera musical con este instrumento. Al
egresar de secundaria, asistió por poco tiempo a la Universidad Estatal de
Kent, en Ohio. Por esa época pasó un tiempo en varias bandas, tocando en el
área de Cleveland, en el mismo estado.
Inicios de Joe Walsh en la Música
Joe Walsh comenzó su carrera musical en 1965. Ese año formó
la banda de rock The Measles, junto a cuatro compañeros de la universidad.
Luego pasó varios años trabajando con diversas agrupaciones, con las que ganó
experiencia y reconocimiento.
Entre esas bandas de rock estuvo James Gang, que fue donde
primero estuvo. Luego formó el trío Barnstorm. De allí pasaría a Eagles, donde
consiguió su bien ganada fama mundial como guitarrista. También estuvo con
Ringo Starr & His All-Starr Band.
Entre 1975 y 1989, estuvo de manera formal como integrante
de Eagles. Sin embargo, no se desligó completamente de esta banda. Por el
contrario, más adelante volvería a colaborar con ella.
Igual puede decirse del grupo de Ringo Starr. En simultáneo
con esos trabajos, Joe Walsh emprendió en solitario. Es precisamente de su
faceta como solista, de la que nos ocuparemos en esta reseña.
Su contribución a la música ha recibido elogios de muchos de
los mejores guitarristas de rock. Incluso del británico Jimmy Page, fundador
del afamado grupo Led Zeppelin, quien dijo lo que sigue. "Tiene un sentido
tremendo para el instrumento. Me encanta su estilo desde los primeros años de James
Gang".
Género musical
Joe Walsh interpreta música rock, con preferencia en géneros
y subgéneros musicales como los que se mencionan de seguida. Hard rock, blues
rock, pop rock, rock progresivo y country rock, de los que también hace
fusiones.
Ha recibido influencia de innumerables músicos. En
particular de guitarristas que, con su singular estilo de tocar, han aportado a
las grabaciones que ha realizado.
Trayectoria y Legado
Joe Walsh estrenó nueve discos en solitario, durante el
período comprendido entre 1974 y 1992. Hay que decir que en ese tiempo también
estuvo tocando, componiendo o cantando para otras dos bandas de rock. Después
de esos años, en lo que va del nuevo siglo, solo ha lanzado otros dos álbumes
de estudio.
A ese inventario deben añadirse dos discos en vivo y cuatro
recopilatorios. Pero además, unos veinte sencillos lanzados desde 1970.
Músico multiinstrumentista, desde el principio se destacó
con la guitarra eléctrica. Mostró su especial talento para este instrumento
desde James Gang, la primera agrupación profesional en la que participó. Para
entonces sobresalía, como opinan algunos críticos, por sus ritmos innovadores y
sus creativos riffs.
Como artista en solitario no ha tenido igual éxito que con
Eagles, aunque ha vivido momentos memorables. Los años setenta fueron su mejor
década como solista.
El que muchos consideran su álbum debut, fue publicado en
diciembre de 1974 con el nombre de "So What". Incluye una canción en
memoria de su hija Emma, quien murió trágicamente ese mismo año.
Entre las canciones de hard rock que contiene ese disco,
está "Welcome To The Club". Asimismo, una nueva versión de la pista
del trío Barnstorm, titulada "Turn To Stone". Incluye también temas
más introspectivos, como "Help Me Through The Night" y "Song For
Emma".
El disco, lanzado con ABC-Dunhill Records, cuenta con
colaboraciones de Don Henley, Glenn Frey y Randy Meisner. Estos integrantes de
Eagles, contribuyeron con los coros. Poco más de un año y medio después, Joe
Walsh sería captado por esa agrupación. Entraría como reemplazo del integrante
fundador, Bernie Leadon. Tocó en "Hotel California", el álbum de
estudio más vendido de esa famosa banda.
Volvamos a su trabajo en solitario. Dos meses antes del
lanzamiento de ese disco debut, Joe Walsh respondió una pregunta de mucho
significado. Dijo que sabía que sería un álbum muy importante para él. Había
retrasado el lanzamiento hasta lograr el desarrollo musical que deseaba, aunque
la disquera lo pedía a gritos. "Quiero que sea un gran, gran paso... en
pensamientos, voces, interpretación y madurez", dijo para finalizar.
Quizás sea por eso que "So What" es considerado el
su álbum debut. El sonido de sus dos discos anteriores, con su trío Barnstorm,
son precisamente lo que no deseaba repetir.
"You Can't Argue With A Sick Mind" es un álbum en
directo, publicado con ABC Records en 1976. Fue grabado poco antes de que Joe
Walsh se uniera a Eagles.
Al retomar su carrera como solista, Joe Walsh lanzó en 1978
"But Seriously Folks". Este disco se convirtió en su mayor éxito en
solitario. Llegó al puesto doce de la cartelera estadounidense Billboard Hot
200. Como es bien sabido, esa lista muestra los doscientos álbumes más vendidos
en una semana.
"A Life Of Illusion" es uno de los sencillos de
mayor éxito de Joe Walsh. Fue incluido en el disco "There Goes the
Neighborhood, de 1981, lanzado tras separarse de Eagles.
Durante toda esa década, publicó otros álbumes, pero con un
nivel moderado de ventas. Salieron
con los nombres de "You Bought It-You Name", "The
Confessor" y "Got Any Gum". Fueron lanzados,
respectivamente, en 1983, 1985 y 1987.
Con esos resultados, comercialmente pocos auspiciosos, Joe
Walsh quedó al margen de las tendencias musicales. Las críticas, en general,
tampoco fueron favorables. Perdió el apoyo de Warner Bros. y de Full Moon,
sellos discográficos a cargo de esos tres últimos álbumes.
Sin dejar sus actividades en el estudio de grabación, su
música pareció entrar en una etapa de menor proyección. Situación que empezó a
mejorar a mediados de los noventa. En estos años, logró controlar sus problemas
de adicción.
En 1993 hubo una reconciliación con Eagles. Con esta afamada
agrupación, emprendió una gira de conciertos que resultó muy exitosa. Además,
participó en la grabación en directo del álbum "Hell Freezes Over",
publicado en 1994.
Joe Walsh estuvo durante más de una década sin publicar
nuevo material discográfico. Hubo quienes llegaron a pensar que su último álbum
había salido en 1992. Sin embargo, en 2012 estrenó "Analog Man", su
décimo primer álbum de estudio.
Contentivo de nueve canciones, fue lanzado en Estados Unidos
y Reino Unido con respaldo del sello Fantasy Records. Además del tema que le da
el nombre, se mencionan los siguientes. "Lucky That Way", "Wrecking Ball",
"Family", "Funk 50", "Band Played On",
"India" y "Spanish Dancer"".
Han pasado otros diez años desde entonces. ¿Será el último
disco de Joe Walsh, ahora de setenta y cinco años de edad? No es posible
saberlo con un hombre tan talentoso e inquieto como él. Entre otras cosas,
porque no ha anunciado su retiro de la industria musical.
En todo caso, está su obra y la huella que ha dejado. Una
labor de casi seis décadas, desde que se inició en la música rock. Como
compositor, cantante, guitarrista y músico multiinstrumentista, se ha hecho un
espacio. Una actividad en solitario bien reconocida, como hemos visto. Pero
sobre todo con Eagles, esa banda legendaria a la que tanto aportó.
Vida Personal
Joe Walsh tuvo que lidiar con su adicción al alcohol y a
ciertas otras drogas, por muchos años. Esa penosa situación le trajo problemas
personales y con algunas agrupaciones de música, en particular con Eagles. Fue
en los noventa, cuando pudo liberarse de esa nefasta dependencia.
Quizás por eso solo consiguió estabilidad en su vida de
pareja, después de bastante tiempo. A lo que sin duda habría que agregar la
muerte de Emma Kristen, su niña de tres años. Esta murió en 1974, después de
ser atropellada por un automóvil.
Desde los sesenta, cuando se casó por primera vez, suma
cinco matrimonios. En esa década tuvo por esposa a Margie Walsh, una relación
que resultó breve.
Su segundo matrimonio fue con Stephanie Walsh, en 1971. Ese
mismo año nació su primera hija, Emma. La trágica muerte de la pequeña lo
atormentó con frecuencia, por muchísimos años.
En su memoria de su niña, escribió la canción "Song
From Emma". Fue incluida en su álbum debut en solitario, "So
Wath", publicado ese mismo año de 1974. También hizo colocar una fuente,
con una placa conmemorativa, en un parque donde la pequeña solía jugar.
Esa tragedia influyó de manera notable en el matrimonio. La
pareja se mantuvo hasta 1979.
El 4 de octubre de 1980, se casó de nuevo. En esa tercera
ocasión fue con la modelo Juanita Boyer. De esa unión nació su segunda hija,
Lucy Walsh.
Quince años después, arribaría a su cuarta relación conyugal.
De este matrimonio con Denisse Driscoll Walsh, nacerían sus hijos Alden y
Emmerson. Luego de once años, la pareja se separó en 2006.
Actualmente, Joe Walsh está casado con Marjorie Bach,
hermana de Barbara Bach y cuñada de Ringo Starr. Unidos en matrimonio desde
diciembre de 2008, es hasta ahora su relación sentimental más estable.
Como dato curioso, se menciona la postulación en 1980 de Joe
Walsh a la presidencia de Estados Unidos. Entonces estaba en uno de los mejores
momentos de su carrera musical. Al parecer, lo hizo como un simulacro de
campaña.
Prometió que si ganaba, su canción "Life's Been
Good" sería el nuevo himno nacional. Además, hizo la promesa de Free Gas
For Everyone (Gas gratis para todos). Aunque no tenía edad suficiente para ese cargo,
quiso sensibilizar al público respecto a las elecciones. En 1992 se volvió a
presentar como candidato a la Vicepresidencia de su país, pero no tuvo éxito.
Conocido por su maestría en la guitarra eléctrica, Joe Walsh
lleva casi seis décadas en la música rock. Sus lucidas interpretaciones han
quedado grabadas desde el comienzo, para satisfacción de los aficionados. A
través de los años, se ha destacado haciendo hard rock, blues rock, pop rock,
rock progresivo o country rock. Con Eagles o en solitario, ha dejado su
impronta.
Su condición de músico multiinstrumentista ha potenciado su
talento para componer. Además, en muchas de sus canciones está presente su fino
sentido del humor. Especialmente por su extraordinaria habilidad para
combinarlo con el dolor de la vida cotidiana. Es una muestra de que ha
asimilado todo lo que le ha tocado vivir. No hay duda.
A continuación, celebramos su cumpleaños con Funk #49.
Webb Parmelee Hollenbeck, más conocido como Clifton Webb,
nació en Indianápolis, Indiana, Estados Unidos, el 19 de noviembre de 1889, y
murió en Beverly Hills, Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 13 de
octubre de 1966. Actor, bailarín y cantante.
Actor estadounidense, de nombre completo Webb Parnalee
Hollenbeck, nacido el 11 de noviembre de 1889 en Indianápolis (Indiana) y
fallecido el 13 de octubre de 1966 en Beverly Hills (Los Angeles, California).
Vida
Desde muy pequeño recibió instrucción como bailarín y actor
y a los trece años dejó la escuela para estudiar pintura y canto. A los
diecisiete entró a formar parte de la Boston Opera Company y a los diecinueve
comenzó a aparecer como primer bailarín en espectáculos de variedades en Nueva
York, junto a Bonnie Glass, antes de que ésta alcanzase la fama como pareja de
Rodolfo Valentino. En 1917 apareció por primera vez en una comedia musical. A
partir de los años veinte se dedicó a la interpretación en los escenarios de
Broadway y de Londres, así como en algunas películas mudas. Entre sus más
famosas interpretaciones sobre los escenarios destacó Un espíritu burlón, de su
amigo el dramaturgo Noel Coward.
Tras más de una década sobre los escenarios regresó al cine
con uno de sus papeles fundamentales y por el cual recibió su primera
nominación al Oscar de la Academia como mejor actor secundario. Se trata de su
interpretación del pedante villano Waldo Lydecker en Laura (1944), de Otto
Preminger, uno de los grandes clásicos del cine negro. Pese a la oposición de
su productor Darryl Zanuck, Webb interpretó de forma magistral uno de los
personajes arquetípicos de su carrera, el inteligente y cínico columnista
enamorado en secreto de la protagonista, interpretada por Gene Tierney.
Webb consiguió el Globo de Oro y recibió su segunda
nominación al Oscar al mejor secundario por un papel muy similar en El filo de
la navaja (1946), adaptación de la novela homónima de Somerset Maugham dirigida
por Edmund Goulding. En un reparto estelar en el que destacaron Tyrone Power,
Gene Tierney y Anne Baxter, Webb dio vida al marchante y coleccionista de arte
Elliott Templeton, “el mayor snob del mundo” según la descripción del propio
Maugham.
Su siguiente película, Niñera moderna (1948), de Walter
Lang, profundizó aún más en su imagen de solterón mordaz y pedante al mismo
tiempo, y le proporcionó su tercera nominación al Oscar y una enorme
popularidad. En ella dio vida al elegante y pomposo Lynn Belvedere, obligado
por las circunstancias a ejercer de niñera en esta pequeña joya de la comedia.
Su éxito le llevó a interpretar dos secuelas, Mr. Belvedere goes to college
(1949), de Elliot Nugent, y Mr. Belvedere rings the bell (1951), de Henry Koster.
Durante los años cincuenta interpretó un buen número de películas,
ocasionalmente en papeles protagonistas, como en el drama de espionaje
ambientado en la Segunda Guerra Mundial El hombre que nunca existió (1956), de
Ronald Neame. A partir de 1962 se retiró del mundo del espectáculo y cuatro
años más tarde falleció de un ataque al corazón en su casa de Beverly Hills.
Filmografía
1920: Polly
with a past.
1925: New
toys; The heart of a siren.
1930: The still alarm.
1944: Laura.
1946: Envuelto en la sombra; El filo de la navaja.
1948:
Niñera moderna.
1949: Mr.
Belvedere goes to college.
1950: ¿Se puede entrar?; Trece por docena.
1951:
Elopement; Mr. Belvedere rings the bell.
1952:
Dreamboat; Stars and stripes forever.
1953: Mr. Scoutmaster; El hundimiento del Titanic.
1954: Creemos en el amor; El mundo de las mujeres.
1956: El hombre que nunca existió.
1957: La sirena y el delfín.
1959: The remarkable Mr. Pennypacker; Vacaciones para
enamorados.
1962: Satán nunca duerme.
Autor F. Pascual
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Easter Parade, grabación realizada en Nueva York, el 3 de octubre de 1933.
Carlos Aganzo y Nano Cañas, artífices del libro "La
huella de Sefarad", nos ayudan a entender mejor cómo eran y cómo vivían
los judíos sefarditas y cuáles son los vestigios que permanecen hasta la
actualidad.
Guido Santórsola nació en Canosa di Puglia, Apulia, Italia,
el 18 de noviembre de 1904, y murió en Montevideo, Uruguay, el 25 de septiembre
de 1994. Violinista, compositor, director de orquesta y profesor.
Guido Antonio Santórsola di Bari Bruno, nacido el 18 de
noviembre de 1904 en Canosa di Puglia y murió el 24 de septiembre de 1994, es
compositor, violinista, director de orquesta y docente de origen italiano
naturalizado uruguayo.
Biografía
Guido Santórsola nació en Italia pero su familia se mudó a
São Paulo, Brasil, en 1909. Después de recibir la instrucción musical inicial
de su padre, Enrico, ingresó en el Conservatorio Dramático y Musical de São
Paulo donde estudió música. Violín con Zaccaria Autuori, contrapunto, armonía y
composición con Agostino Cantù y Lamberto Baldi. Después de ganar un concurso y
la beca, estudió violín con Gaetano Fusella (1876-1973) en Nápoles y en el
Trinity College of Music, Londres con Alfred Mistowski (1872-1964).
De regreso a Brasil en 1925, fundó el Instituto Musical de
Brasil y se convirtió en violinista del Cuarteto Paulista con la orquesta del
Teatro Municipal de Río de Janeiro. Posteriormente, fue profesor de violín,
viola y armonía en el Conservatorio Dramático y Musical de São Paulo antes de
instalarse en Montevideo en 1931. El maestro italiano Lamberto Baldi, director
de la orquesta sinfónica el SODRE, invita a Santórsola para ser el primer
violista de su orquesta. Posteriormente Santórsola fundó y dirigió las
orquestas de la Sociedad de Cultura Artística de Uruguay y el Instituto
Cultural Brasil-Uruguay, también enseñó en el Instituto de Postgrados de la
Escuela Normal de Música de Montevideo y en la Universidad Nacional de Cuyo .
Guido Santórsola ha compuesto una gran cantidad de obras
(más de 150) que abarcan todos los géneros entre las que destacan muchas
composiciones para guitarra clásica como Giga e himnos regionales (para los
departamentos) de Artigas, Canelones, Lavalleja y Treinta y Very. Su estilo
musical está influenciado por su interés por el contrapunto barroco, la música
popular brasileña y uruguaya y el serialismo posterior; entre sus obras:
Romanza para violín y piano (1926)
Imperio burlesco para violín y piano
Concierto para viola, viola d'amore, con coro y orquesta
(1933)
Cinco preludios para piano (1936) y Agonía (1937) para
orquesta de contralto
Concertino para guitarras y orquesta (1943)
Cantata para Artigas (1965) con coro femenino y orquesta
Concierto para dos guitarras y orquesta
Concierto para dos bandoneones y orquesta
Cinco imágenes musicales, inspiradas en los axiomas del
filósofo Carlos Bernardo González Pecotche
Fantasía para guitarra y piano,
Sinfonía para orquesta en cuatro movimientos
y su última composición Prélude, Aria y Final.
Guido Santorsola ha realizado giras por Roma, Madrid,
Londres y París y ha sido invitado a enseñar en Brasil, Alemania, Austria,
Italia, España y Estados Unidos.
Guido Santórsola falleció en Montevideo el 25 de septiembre
de 1994.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concierto para Dos Guitarras y Orquesta, en la versión de Sergio y
Eduardo Abreu, junto a la Orquesta de Cámara Inglesa, dirigida por Enrique
García Asencio.
Michele Enrico Carafa di Colobrano, más conocido como Michele
Carafa, nació en Nápoles, Italia, el 17 de noviembre de 1787, y murió en París,
Francia, el 26 de julio de 1872. Militar, docente musical y compositor.
Michele Carafa (Nápoles, 28 de noviembre de 1787 París, 26
de julio de 1872) fue un compositor y militar italiano.
Biografía
Nacido Michele Enrico Francesco Vincenzo Aloisio Paolo
Carafa de Colobrano, era el segundo hijo de Giovanni Carafa, Príncipe de
Colobrano y Duque de Alvito. Michele recibió una sólida educación musical y en
1802 compuso su primera ópera, Il Fantasma, que se representó en 1805 en el
teatro de su padrastro, el Príncipe de Caramanico. En estos años asistió como
estudiante a la Academia Militar Nunziatella de Nápoles. En 1806 se trasladó a
París, donde recibió lecciones de composición de Luigi Cherubini y de piano de
Friedrich Kalkbrenner.
Sin embargo, su padre le pidió que abandonara la música por
una carrera militar y se convirtió en teniente de los húsares en el ejército
francés. Hecho prisionero en Campotenese en 1806, fue liberado y participó en
la expedición a Sicilia, donde llegó a ser capitán.
Al regresar a Nápoles en 1808, se casó con Antonietta
d'Aubenton (o Daubenton) y reanudó sus estudios musicales bajo la dirección de
Fedele Fenaroli. Aún bajo la presión de sus padres, siguió a Joachim Murat en
la campaña rusa. Después de la batalla de Ostrovno, Napoleón lo condecoró con
la Legión de Honor y también lo nombró barón del Reino de Italia.
La restauración de los Borbones en Nápoles provocó la
decadencia de Carafa y el fin de su carrera militar. En 1814 se representó en
el Teatro del Fondo su ópera Il vascello d'occidente y en 1816 Gabriella di
Vergy con libreto de Andrea Leone Tottola. La obra obtuvo un éxito igual al de
Otello de Rossini, representada ese año en el mismo teatro.
Su música se caracteriza por una cierta soltura en las
melodías y una orquestación monótona en una época dominada por Rossini, Bellini,
Auber, Halévy que también era amigo suyo. Consagrado como compositor de ópera,
regresó a París en 1821, donde triunfó con Jeanne d'Arc à Orléans y Le Valet de
Chambre en 1823.
Paria puso fin a su carrera italiana en Venecia y se
trasladó definitivamente a París, donde, a pesar de algunos fracasos, logró un
éxito total con Masaniello (libreto de Moreau y Lafortelle) repetido 136 veces
en la Ópera Cómica. Este fue el punto culminante de su carrera: sin embargo, la
comparación con las obras de Rossini y Donizetti no le favorece.
Obtuvo la ciudadanía francesa en 1834 y fue elegido miembro
de la Academia de Bellas Artes, de la que asumió la dirección, en sustitución
de Lesueur, en 1837. Luego fue nombrado director del Gimnasio de Música Militar
en 1838. De 1840 a 1858, enseñó contrapunto y composición en el Conservatorio
de París. Su última obra fue Thérèse, en 1838, cuando ya se había dedicado
exclusivamente a la docencia. Una de sus últimas contribuciones a la ópera fue
la adaptación francesa de Semiramide de Rossini, habiéndole donado este último
sus derechos de autor en reconocimiento a su larga amistad.
Sufrió parálisis en 1867 y murió en París a la edad de 84
años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Recitativo y el Aria de la ópera Le Nozze di Lammermoor, en la versión
de Joyce DiDonato, mezzosoprano, acompañada en clarinete por Samuel Marqués, y Pierre
Vallet, en piano.
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