Chaka Khan

Yvette Marie Stevens, más conocida como Chaka Khan, nació en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 23 de marzo de 1953. Compositora, cantante, productora, actriz, y activista.

El sitio www.chakakhan.com publicó su biografía.

El Chaka Khan esencial

Chaka Khan es la última mujer en ser incluida en la codiciada promoción de 2023 del Salón de la Fama del Rock and Roll. Es una estrella musical mundial que ha servido de inspiración para generaciones de cantantes, compositores, artistas, narradores y músicos.

Además de cantante, es una distinguida compositora, productora, artista visual, autora, actriz, humanitaria, activista y madre.

Si bien su certificado de nacimiento puede decir Yvette Marie Stevens, en muchos sentidos, Chaka Khan es única.

Ella es una creadora de tendencias, una luchadora y una sobreviviente. Redefinió el pop, el soul, el jazz y el funk, y ha ayudado a moldear el panorama musical contemporáneo hasta convertirlo en lo que es hoy.

Aunque a Chaka se la conoce cariñosamente como la “Reina del Funk” y también como la “Emperatriz del Funk, el Rock y el Soul”, prefiere deshacerse de los apodos que limitan el género. Después de todo, tiene la rara habilidad de cantar en ocho géneros musicales diferentes, que incluyen R&B/soul, pop, rock, gospel, country, músicas del mundo, danza y música clásica.

Chaka ha desarrollado una vasta y leal base de fans internacionales y ha actuado en seis continentes.

Principios humildes

Creció en Chicago, Illinois y era la mayor de cuatro hermanos. En su adolescencia, Chaka y su hermana, Bonnie, formaron un grupo vocal, The Crystalettes, con dos amigas de la escuela.

Posteriormente, Chaka cantó con varias bandas locales antes de convertirse en la cantante principal de la banda Ask Rufus, que se convertiría en Rufus, un grupo que produciría éxito tras éxito.

Aprendió a confiar en su corazón y sus instintos y a seguir sus sueños desde una edad temprana. Ella llamó la atención de Stevie Wonder, quien escribió el sencillo debut de Rufus, "Tell Me Something Good".

Esta canción les valió a Chaka y Rufus su primer premio Grammy en la categoría “Mejor interpretación vocal de R&B por un dúo, grupo o coro”; Además, se convirtió en un sencillo Top 5 en las listas Billboard Hot 100 y en las listas Billboard R&B Songs.

Rufus entretuvo al público con conciertos con entradas agotadas, y sus grandes éxitos incluyen el omnipresente "Ain't Nobody", "Once You Get Started", "Sweet Thing", "Do You Love What You Feel" y "You Got the Love". ”, escrito conjuntamente por Chaka y Ray Parker Jr.

Un año histórico

2023 es un año histórico para Chaka. Celebra su 50 aniversario en el negocio de la música, así como su 70 cumpleaños.

A principios de mayo de 2023, Chaka fue anunciada como la última incorporación al Salón de la Fama del Rock and Roll, donde se le otorgará el “Premio a la Excelencia Musical” en la próxima ceremonia el viernes 3 de noviembre en el Barclays Center en Brooklyn, Nueva York. York.

El prestigioso “Premio a la Excelencia Musical” reconoce a artistas, músicos, compositores y productores cuya originalidad e influencia en la creación musical han tenido un impacto dramático en la música.

“El Premio a la Excelencia Musical significa mucho para mí”, afirmó. "Esto significó incluso más para mí que ingresar al Salón de la Fama del Rock and Roll, especialmente solo por tener las palabras 'excelencia musical' adjuntas a mi nombre".

A principios de esta primavera, el 29 de marzo de 2023, Chaka hizo una aparición especial en el Salón de la Fama del Rock and Roll, como parte del “Mes de la Historia de la Mujer”, donde celebró su aniversario de oro en la industria musical y su 70 cumpleaños. Cinco de sus conjuntos de su carrera musical se muestran en la exposición “Leyendas del Rock”.

Durante más de cinco décadas, Chaka ha seguido siendo relevante como una de las voces más poderosas e influyentes de la música moderna. Su trabajo artístico ha resistido la prueba del tiempo y continúa inspirando a otros artistas, músicos y fanáticos por igual.

Chaka posee una voz de fuego seductor y humo dulce. A la edad de 18 años, saltó a la fama con el innovador grupo multirracial de funk y rock Rufus. En la década de 1970, Chaka era el arma secreta del grupo y era a la vez intrépida y femenina.

A Rufus se le atribuye ser “funky, sexy y soul” y posteriormente “dejaron una huella indeleble en una generación de música”.

'I'm Every Woman' y otros éxitos en solitario

"I'm Every Woman" fue su sencillo debut de su álbum en solitario "Chaka", que lanzó en 1978. Fue el primer éxito de Khan fuera de sus grabaciones con el grupo Rufus. Su canción característica, “I'm Every Woman”, es más que un sencillo exitoso y una canción nominada al Grammy, es un estilo de vida lleno de positividad.

Como artista solista, sus otros éxitos incluyen “Clouds”, “What Cha' Gonna Do for Me”, “Through the Fire” y “I Feel For You”, todos los cuales se han convertido en pop, R&B/soul y para adultos, clásicos contemporáneos por derecho propio.

Hablando de "I Feel For You", escrita por Prince, fue su interpretación la que la catapultó a la estratosfera. Fue una de las canciones más populares de los años 80 e hizo historia al convertirse en la primera canción de R&B que incluía una voz de rap (interpretada por el Gran Maestro Melle Mel).

También prestó su potente voz en dos de las canciones más importantes ganadoras de premios Grammy en 1986: “Higher Love” de Steve Winwood y “Addicted to Love” de Robert Palmer.

Chaka: El colaborador frecuente

Además de ser una de las artistas más distintivas del mundo, es conocida como una perenne exploradora musical y estilista de canciones. Ha colaborado con artistas tan diversos como Prince, Joni Mitchell, Stevie Wonder, Mary J. Blige y Ariana Grande, hasta George Benson, Dizzy Gillespie, Quincy Jones y Miles Davis.

Su espíritu colaborativo ha dado origen a tantas joyas musicales. Uno que se ha convertido en un tema de trivia musical es que en 1999 la voz de Chaka se convirtió en la voz del tema principal del programa de televisión infantil "Reading Rainbow".

Chaka también ha colaborado en innumerables bandas sonoras de películas a lo largo de los años, incluidas "Love Me Still" de la película de Spike Lee, Clockers, "My Funny Valentine" de la banda sonora de Waiting to Exhale, "Missing You", de la banda sonora de Set It Off, y su Interpretación ganadora del premio Grammy del clásico de Marvin Gaye, “What's Goin' On”, del documental Standing in the Shadows of Motown.

Chaka: El artista escénico y teatral.

En 1995, Chaka hizo su debut teatral en el icónico West End de Londres, donde protagonizó “Mama I Want to Sing”.

Siete años después, en 2002, encabezó “Signed, Sealed Delivered”, el musical basado en la música y la letra de Stevie Wonder. Luego, en 2008, se dirigió a Broadway, donde asumió el papel principal de Sophia en el musical de Oprah Winfrey, nominado al Tony, “The Color Purple”.

Ganador de 10 premios Grammy

Con ventas de música y streaming que superan los 100 millones de unidades, Chaka's Mantel tiene 10 premios Grammy (y ha sido nominada 22 veces, tres de las cuales fueron como miembro de la banda Rufus), y constantemente figura como una influencia musical durante generaciones. de artistas jóvenes, especialmente mujeres.

“Es maravilloso ser reconocido por tus compañeros, quienes piensan que estás haciendo un trabajo lo suficientemente bueno como para merecer un Grammy. Sin embargo, sería bueno si eso afectara mi nivel salarial”, dijo Chaka con una dulce risa.

Influencias

Una de sus mayores influencias musicales, la fallecida pero gran Aretha Franklin, proclamó a Chaka como una "vocalista principal". Otra de sus mayores inspiraciones musicales, Miles Davis, le hizo lo que ella considera un gran halago al reconocer que “ella canta como mi trompeta”.

Chaka también se inspiró en la legendaria Sarah Vaughan, así como en la estrella de folk rock Joni Mitchell y el pionero del R&B/soul Stevie Wonder.

Artistas modernos como Mary J. Blige, Erykah Badu, Janelle Monae, Lizzo y Sam Smith han citado a Chaka como una influencia musical.

Una discografía ecléctica

En su respetada y prolífica carrera, Chaka ha lanzado 22 álbumes de estudio, 10 de los cuales fueron certificados oro y platino por la Recording Industry Association of America (RIAA). Diez de sus sencillos se han catapultado al primer puesto de las listas de Billboard.

Su música grabada ha producido más de 2000 ubicaciones de canciones de catálogo.

Su último sencillo, “Woman Like Me”, se lanzó en julio de 2022 y genera conciencia sobre el respeto por sí mismas de todas las mujeres y las anima a vivir en sus propias verdades.

“La vida inspira mi música. Amor, rupturas y casi todo en la vida”, dijo sobre su música y su inspiración para escribir canciones.

El emprendedor

Además de animadora, también es emprendedora. Es conocida por “Chakalates”, sus chocolates gourmet, que lanzó en 2004. Lanza su nueva fragancia, Chaka by Chaka Khan, para las fiestas navideñas de 2023.

La Fundación Chaka Khan

En 1999, fundó la Fundación Chaka Khan, cuya misión es educar, inspirar y empoderar a mujeres y niños para que alcancen su máximo potencial.

Incluyó una variedad de programas e iniciativas educativos para ayudar a mujeres y niños en riesgo, especialmente niños con antecedentes difíciles y autismo.

Ahora está relanzando su fundación y centrando iniciativas en la salud mental y el bienestar.

Con esta fundación, puede marcar una gran diferencia y ayudar a las personas, especialmente a los niños, en una escala superior. Ella cree firmemente que “las artes, la música y la salud mental son muy importantes, especialmente para nuestros jóvenes”.

A cambio, Chaka siente que “dar es mejor que recibir”, por lo que se siente más feliz cuando hace algo por otra persona.

Chaka: el autor más vendido

La historia de vida de Chaka y su carrera musical se describieron en su autobiografía "Through the Fire", que se publicó en 2003 a través de Rodale Books.

Sus memorias "Through the Fire" son un relato sincero de las pruebas y tribulaciones que atravesó en su vida y carrera musical. No tiene miedo de ser cruda y vulnerable y habla abiertamente sobre su abuso de sustancias, donde ofrece optimismo y aliento a sus fans y lectores. En consecuencia, ella se refiere a “caminar por la vida” como una metáfora de “caminar a través del fuego”.

Dr. Chaka Khan: Doctorado Honoris Causa

En diciembre de 2004, Chaka recibió el título de Doctor Honoris Causa en Música del Berklee College of Music de Boston por sus servicios y logros en la música contemporánea y por su filantropía.

“Muchos niños se distraen y sienten que deberían ponerse unos pantalones cortos y cantar la canción, y eso es triste. Esa es una de las cosas que me molesta y me entristece de este negocio. También siempre les recuerdo a los niños que vayan a la universidad porque siempre hay contrataciones en la oficina de correos y alguien tiene que manejar las computadoras”, les dijo a los artistas jóvenes y aspirantes.

Premios y reconocimientos de Chaka

Chaka ha recibido innumerables elogios y premios bien merecidos. Estos incluyen una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, una incorporación al Salón de la Fama del Hollywood Bowl, el premio Soul Train Legend, el premio BET Lifetime Achievement Award y Triumph, el World Music Lifetime Achievement Award, el premio “An Tributo Evening of Stars y un premio Grammy de honor del Capítulo NARAS Chicago.

Su ciudad natal de Chicago también la honró con “Chaka Khan Way”, una calle que lleva su nombre, y el domingo 28 de julio de 2013 fue declarado oficialmente “Día de Chaka Khan”.

Vida personal

Chaka ha vivido durante un tiempo tanto en Londres como en Alemania, además de Nueva York. Ahora reside en California. Es madre de dos hijos, su hija Indira Milini y su hijo Damien Holland. Abuela de cuatro hijos, Raeven, Daija, Josh y Jett; y dos bisnietos, MacKenzie y Caiiya.

Chaka es una verdadera mujer del Renacimiento que puede utilizar su música y su libro como un recipiente para ayudar a difundir su energía de radio y su espíritu indomable con el resto del mundo.

“Gracias por estar conmigo durante todos estos años. Espero haberle traído a alguien algo de alegría, algo de verdad y algo de amor”, dijo a sus dedicados fans.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus éxitos: Ain't Nobody.

Piotr Ilich Tchaikovski. Sinfonía Nº 6 en Si Menor Op. 74. Mariano Fidanza.

Hadi Karimi

A continuación, de Piotr Ilich Tchaikovski, la Sinfonía Nº 6 en Si Menor Op. 74, en la versión de la Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional José de San Martín, dirigida por Mariano Fidanza.

Jorge Anckermann

Jorge Anckermann Rafart nació en La Habana, Cuba, el 22 de marzo de 1877, y murió en su ciudad, el 3 de febrero de 1941. Pianista, violinista, contrabajista, compositor, director de orquesta.

El sitio www.uneac.org.cu publicó este recordatorio firmado por Astrid Barnet.

Jorge Anckermann, artista consagrado de nuestra Cultura nacional

“La música es el hombre escapado de sí mismo; es el ansia de lo ilímite surgido de lo limitado y de lo estrecho; es la armonía necesaria, anuncio de la armonía constante y venidera”. (1)

Por Astrid Barnet

Bien pudiera resumirse en este pensamiento del Héroe Nacional de Cuba José Martí, toda la riqueza que en cada una de sus creaciones e interpretaciones tuvo uno de los más altos exponentes de nuestra Cultura nacional del pasado siglo: Jorge Anckermann.

Pianista, violinista, director de orquesta y compositor, nacido en La Habana el 22 de marzo de 1877 y fallecido en la misma capital cubana el tres de febrero de 1941—cumpliéndose este año 8 décadas de su partida física–, Anckermann se inició en la música a los ocho años de edad junto a su padre, violinista, clarinetista y pedagogo mallorquín Carlos Ánckermann (1829-1909).

A los diez años empezó a trabajar profesionalmente en un terceto y, en 1892, partió a México donde llegó a ser durante años un exitoso director musical de la compañía bufa del artista y empresario Narciso Nacho López. ​

En la Nación azteca fue además profesor de música, mientras que en Cuba se desempeñó como director musical de los principales teatros de La Habana, siendo el Teatro Alhambra el principal testigo de sus estrenos y éxitos.

A los diecisiete años escribió la partitura de su primera obra teatral, La gran rumba –parodia de la revista española La Gran Vía–, estrenada en el entonces teatro Tacón, de La Habana. Asimismo, dio a conocer sus composiciones al público capitalino con una pequeña orquesta que formó, con Luis Casas Romero en la flauta, para acompañar proyecciones de películas silentes.

Entre las funciones del cinematógrafo, Anckermann tocaba algunas de sus vivaces danzas para piano, y también danzones; así se dio a conocer en el ambiente musical habanero y comenzó a relacionarse con gente de teatro, como los hermanos Gustavo y Francisco Robreño, quienes le encargaron la composición de la música de la revista Ni loros, ni gallos, estrenada en septiembre de 1899.

Compuso y produjo piezas de zarzuelas y comedias –las cuales abarcan un catálogo de más de 400 obras–, al igual que boleros. Según especialistas, fue el creador de la gustada Guajira criolla, pieza que jamás puede ni podrá faltar dentro del repertorio de lo más genuino de lo Cubano. ​

Igualmente, sus Danzones fueron, en buena medida, responsables del éxito de los artistas bufos cubanos desde su debut en el circo Orrín, de Ciudad de México; sin embargo, piezas consagradas para todos los tiempos fueron: su habanera titulada Juventud escrita para cuatro violines y piano, y la conmovedora La bella cubana para dos violines y piano.

A esas habría que agregar La Isla de las Cotorras –de clara denuncia político-social contra la Ley Hay-Quesada del vecino norteño--; El quitrín, Napoleón, La República griega y Papaíto, entre otras…Todas, representativas de una abierta protesta popular contra la corrupción política y administrativa de los gobiernos de turno y de su mercenarismo a los designios imperiales.

Con la reapertura, en noviembre de 1900, del Teatro Alhambra ―cerrado desde el estallido de la Guerra de Independencia de 1895―, Anckermann decide estrenar en su escenario la obra bufa Napoleón, con música de su autoría y libreto de los hermanos Robreño. Al año siguiente, se puso en escena La segunda República, también con partitura suya, y libreto de su hermano Guillermo.

Obras exitosas

En 1909 Anckermann obtuvo el primer premio en un concurso convocado por el Ayuntamiento de La Habana, con su obra Aires cubanos. En septiembre de 1911 el maestro Manuel Mauri abandonó su plaza de dirección en el Alhambra, y convoca a Ánckermann para dirigir la orquesta y salvar la temporada de La revolución china (con libreto de Federico Villoch). En el Alhambra, el reconocido artista permanece como director musical hasta 1935, en que dicho coliseo cierra sus puertas.

En julio de 1912 se estrenó su obra La casita criolla, con libreto de Villoch, que constituyó un gran éxito. La obra trataba satíricamente la reelección del presidente José Miguel Gómez, y al mismo tiempo, hacía propaganda electoral a favor de Mario García Menocal, el candidato que prometía honradez y enarbolaba su humilde origen en su “casita criolla”. Para la obra, Anckermann creó un género nuevo: el Tango-congo, que se hizo muy popular en la interpretación de la inolvidable actriz y cantante Blanca Becerra: “Tumba la caña/ anda ligero/ que viene el mayoral/ sonando el cuero”.

Así en el teatro Alhambra encontraban su reflejo sucesos y asuntos de actualidad, tanto nacionales como internacionales. Cada tres o cuatro meses se presentaba una obra “en grande”, cuyo libreto era invariablemente, a partir de 1911, de Villoch o los hermanos Robreño, y la música de Jorge Anckermann. Entre cada uno de los estrenos se glosaban acontecimientos sociales y políticos a través de pequeños sainetes o simpáticas revistas que se presentaban cada viernes. La partitura de aquellas puestas semanales, que constaban de cinco o seis números musicales, también eran compuesta por Anckermann.

Su obra musical por entonces ya incluía casi todos los géneros populares cubanos, afincada en “lo criollo” e insertaba el “choteo” ―la burla simpática, la alusión pícara, la intertextualidad del habla popular―, en ambientes musicales o dramáticos “refinados”.

Interpretación de obras de otros compositores

Anckermann transcribió durante años obras de compositores populares que no sabían escribir música, sobre todo de la trova; o instrumentaba, para la escena del Alhambra, composiciones de Alberto Villalón, Rosendo Ruíz, Manuel Corona, Graciano Gómez, Eusebio Delfín y Sindo Garay.

En varias de sus crónicas Alejo Carpentier se refiere a la faena de Ánckermann como músico, elogia sus trepidantes danzones, que servían de obertura a los espectáculos, y asegura “que sabía contrapunto y fuga, que sabía instrumentar”.

Patria en España (1913), Flor de té (1915), La danza de los millones (1916), El rico hacendado (1919), Delirio de automóvil (1921), La señorita de Maupin y Las enseñanzas de Liborio (ambas de 1922), son algunas de las obras que, con música de Anckermann, estrenó el Alhambra en esa época.

El 28 de febrero de 1923 se estrenó, con partitura de Anckermann y libreto de Federico Villoch, una de las obras más exitosas de la historia del teatro musical cubano: La isla de las cotorras, recreada mucho después, en 1989, en la película La bella del Alhambra, de Enrique Pineda Barnet.

Dicha obra fue repuesta en agosto de 1962, con la dirección de Francisco Morín y Gilberto Valdés como director de orquesta. Fragmentos de esa reposición aparecen en el documental Cuentos del Alhambra (1963), de Manuel Octavio Gómez, que recoge un conmovedor homenaje a varias figuras del famoso teatro, entonces, aún vivas.

Jorge Anckermann falleció en 1941. Seis años antes, el 18 de febrero de 1935, el pórtico del Alhambra y una parte de la platea se habían desplomado tras terminar una función.

Obras más importantes estrenadas por Anckermann (II)

 “Entre 1923 y 1935 estrenó La verbena de los mantones (1924), La rumba en España (1925), La revista sin hilos (1926); Las bodas de plata (1927); Los grandes de Cuba (1928), La revista loca (1929), El bolero (1930) y Bocetos de Cuba (1931), entre otras revistas, sainetes y zarzuelas. Además de conducir durante más de tres décadas la orquesta del Alhambra. Anckermann dirigió orquestas en otros teatros habaneros: Molino Rojo, Albisu, Payret y Tacón. Según el catálogo del Seminario de Música Popular, fue autor de más de quinientas partituras, y de 1 159 números musicales.

“Tiempo después y, en homenaje a su extensa trayectoria en las tablas, se fundó el conjunto teatral Jorge Ánckermann, que funcionó a lo largo de varias décadas en el teatro Martí dirigido por Rodrigo Prats, Eduardo Robreño y Enrique Núñez Rodríguez, el cual repuso numerosas obras musicales vernáculas y presentó antologías del repertorio lírico cubano”.

La película cubana La Bella del Alhambra del director Enrique Pineda Barnet (La Habana, 1933-2021) –estrenada con rotundo éxito de taquilla en la capital cubana en 1989, y ganadora de innumerables premios y distinciones nacionales e internacionales, entre ellos el Premio Goya (1991)–, traslada a ella hechos, imágenes, música…algunos de los sucesos más representativos y oprobiosos de la Historia de la Pseudo república cubana.

Vivencias, en general, concebidas a través del lenguaje de lo satírico, de lo burlesco, y referidas a la situación económica y político-social de gobiernos títeres al servicio del vecino del Norte. La música de Jorge Anckermann es fiel exponente del éxito de dicho largometraje cubano.

Referencias:

José Martí, Revista Universal, mayo de 1875. T.5, p.294.

Jorge Anckermann, Sitio web de la Enciclopedia de historia y cultura caribeñas.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con El Adiós del Soldado, con letra de M.Garabito.

Bismillah Khan

Qamaruddin Khan, más conocido como Bismillah Khan, nació en Dumraon, India, el 21 de marzo de 1916, y murió en Benarés, India, el 21 de agosto de 2006. Interprete de shehnai.

El sitio www.academia-lab.com publicó este recordatorio.

Bismillah Khan

Ustad Bismillah Khan (nacido Qamaruddin Khan, el 21 de marzo de 1916 – 21 de agosto de 2006), a menudo denominado Ustad, fue Músico indio al que se le atribuye la popularización del shehnai, un instrumento de viento de madera con lengüetas. Lo tocó con tal virtuosismo expresivo que se convirtió en un destacado artista de música clásica indostánica. Su nombre quedó indeleblemente ligado al instrumento de viento madera. Si bien el shehnai había tenido durante mucho tiempo importancia como instrumento folclórico que se tocaba principalmente en ceremonias tradicionales, a Khan se le atribuye haber elevado su estatus y llevarlo al escenario de conciertos.

Khan era un musulmán devoto, pero actuaba en ceremonias tanto hindúes como musulmanas y era considerado un símbolo de armonía religiosa. Su fama fue tal que fue seleccionado para actuar en la ceremonia en el histórico Fuerte Rojo de Delhi cuando se desplegó la bandera india en el momento de la independencia de la India el 15 de agosto de 1947. Su música se transmitió por televisión todos los días. Día de la Independencia. Rechazó invitaciones para actuar en otros países antes de 1966, cuando el gobierno indio insistió en que actuara en el Festival Internacional de Edimburgo. Esto le ganó seguidores en Occidente y, a partir de entonces, continuó apareciendo en Europa y América del Norte.

En 2001, Bismillah Khan recibió el Bharat Ratna, el honor civil más alto de la India, y el país celebró un día de luto nacional tras su muerte en 2006. Se convirtió en el tercer músico clásico de la India después de M. S. Subbalakshmi y Ravi Shankar recibirá el Bharat Ratna.

Vida personal

Bismillah Khan nació el 21 de marzo de 1916 en una familia de músicos musulmanes tradicionales en la ciudad de Dumraon, India británica, como segundo hijo de Paigambar Bux Khan y Mitthanbai. Su padre era un músico de la corte empleado en la corte del maharajá Keshav Prasad Singh de Dumraon Estate en Bihar. Sus dos abuelos, Ustad Salar Hussain Khan y Rasool Bux Khan, también fueron músicos en el palacio de Dumraon. Al nacer lo llamaron Qamruddin, para rimar con el nombre de su hermano mayor, Shamsuddin. Se dice que al ver al recién nacido, su abuelo Rasool Baksh Khan, también jugador de shehnai, exclamó "Bismillah", o "En el nombre de Alá", y luego volvió a ser conocido por Ustad Bismillah Khan.

A la edad de tres años, se mudó a Varanasi en el estado de Uttar Pradesh, para ser aprendiz de su tío materno, Ali Bux 'Vilayatu' Khan, un jugador shehnai adjunto al templo Kashi Vishwanath. A la edad de 14 años, Bismillah acompañó a su tío a la conferencia de música de Allahabad.

Bismillah Khan comenzó su carrera tocando en varios espectáculos teatrales. Obtuvo su primera gran oportunidad en 1937, cuando tocó en un concierto en All India Music Conference en Kolkata o Calcuta. Esta actuación puso a Shehnai en el centro de atención y fue muy apreciada por los amantes de la música. Luego pasó a tocar en muchos países, incluidos Afganistán, Estados Unidos, Canadá, Bangladesh, Irán, Irak, África occidental, Japón, Hong Kong y varias partes de Europa. Durante su ilustre carrera participó en muchos eventos destacados en todo el mundo. Algunos de los eventos en los que participó incluyen la Exposición Mundial de Montreal, el Festival de Arte de Cannes y la Feria Comercial de Osaka.

Vida escolar

Bismillah Khan atribuyó su habilidad a las bendiciones de nath (Shiva) y creía que había poco que pudiera enseñar a sus discípulos. Khan rara vez aceptaba estudiantes. Pensó que si pudiera compartir sus conocimientos, no sería útil, ya que solo les daría a sus alumnos un poco de conocimiento. Algunos de sus discípulos y seguidores incluyen a S. Ballesh y Krishna Ballesh, Baljeet Singh Namdhari, Gurbaksh Matharu (Reino Unido) y los propios hijos de Khan, Nazim Hussain y Nayyar Hussain.

Muerte

El 17 de marzo de 2006, la salud de Bismillah Khan se deterioró y fue ingresado en el Heritage Hospital de Varanasi para recibir tratamiento. El último deseo de Khan, actuar en la Puerta de la India, no se pudo cumplir. Quería rendir homenaje a los mártires. Esperó en vano hasta sus últimos ritos. Murió de un paro cardíaco el 21 de agosto de 2006.

El Gobierno de la India declaró un día de duelo nacional por su muerte. Su cuerpo junto con un Shehnai fue enterrado en el cementerio de Fatemaan del antiguo Varanasi bajo un árbol de neem con una salva de 21 disparos del ejército indio.

Legado

Shehnai maestro Ustad Bismillah Khan llama al Primer Ministro Dr. Manmohan Singh, en Nueva Delhi el 30 de septiembre de 2004

Khan en un sello de la India 2008

Street in Hyderabad, Telangana, named after Bismallah Khan which was inaugurated by Pandit Hariprasad Chaurasia and K Viswanath on 7 April 2013.

Sangeet Natak Akademi, Nueva Delhi, instituyó el Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar en 2007, en su honor. Se otorga a jóvenes artistas del campo de la música, el teatro y la danza. El Gobierno de Bihar ha propuesto la creación de un museo, un ayuntamiento-biblioteca y la instalación de una estatua de tamaño natural en su lugar de nacimiento en Dumraon.

Bismillah Khan fue conmemorado en su 102.º aniversario de nacimiento por el motor de búsqueda Google, que mostró un doodle especial para él en su página de inicio india el 21 de marzo de 2018.

En el documental Eric Clapton: Life in 12 Bars, Clapton cita a Bismillah Khan como una influencia y cómo intentó usar su guitarra para imitar la música del instrumento de viento de madera de Khan. .

En la cultura popular

Khan tuvo una breve asociación con el cine de la India. Interpretó el shehnai para el papel de Appanna de Rajkumar en la película en idioma kannada de Vijay Sanaadi Appanna que se convirtió en un éxito de taquilla. Actuó en Jalsaghar de Satyajit Ray y tocó el shehnai en Goonj Uthi Shehnai de Vijay Bhatt (1959).

El destacado director Goutam Ghose dirigió Sange Meel Se Mulaqat (1989), un documental indio sobre la vida de Khan.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con una de sus interpretaciones en vivo en Rusia.

Rosetta Tharpe

Rosetta Nubin, también conocida como Sister Rosetta Tharpe o Rosetta Tharpe, nació en Cotton Plant, Arkansas, Estados Unidos, el 20 de marzo de 1915, y murió en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 9 de octubre de 1973. Cantante y guitarrista.

El sitio www.husheduphistory.com publicó este recordatorio.

Hermana Rosetta Tharpe: la rosa de la que surgió el rock

18 de noviembre de 2016

Cuando se les pide que piensen en los arquitectos de la música rock, algunos nombres están en la mente de la gente. Seguramente aparecerán Elvis, Chuck Berry, Jerry Lee Lewis, Little Richard, Jimmy Hendrix y Buddy Holly, pero un nombre que se ha escapado de muchas de las listas populares es Rosetta Tharpe, la madrina del rock and roll que rasguea la guitarra y escribe canciones, con quien todos tienen una gran deuda.

Nacida en Cotton Plant, Arkansas, el 20 de marzo de 1915, Rosetta Nubin comenzó a tocar música muy temprana con el fuerte apoyo de su madre, cantante y mandolina. Su madre también era predicadora de la Iglesia de Dios en Cristo (COGIC), una congregación extremadamente progresista que permitía predicadoras femeninas y ponía un fuerte énfasis en la expresión musical como parte de la adoración. A la edad de cuatro años, Rosetta ya estaba en el escenario interpretando canciones como “Jesus is on the Main Line” y en los dos años siguientes se convirtió en una habitual junto a su madre en un grupo evangélico ambulante. Antes de cumplir diez años, estaba claro que la joven tenía más que talento, era un absoluto prodigio musical más que merecedora de ser catalogada como “un milagro para cantar y tocar la guitarra”.

Después de hacerse un nombre en los estados del sur, Rosetta y su madre se mudaron a Chicago, Illinois, a mediados de la década de 1920, donde la pareja siguió viajando y actuando mientras seguían llamando a la iglesia COGIC su base de operaciones. Su considerable talento, junto con el hecho de que rara vez se veía a guitarristas afroamericanas prominentes, la convirtió en una estrella aún mayor y continuó ganando grandes elogios por sus habilidades de guitarra de otro mundo y su sonido único que combina gospel, blues y jazz. En 1934, Rosetta se casó con un ministro llamado Thomas A. Thorp y, aunque el matrimonio solo duró unos años, su apellido modificado, Tharpe, sería el apodo que Rosetta usaría durante el resto de su carrera. También añadió una tercera parte a su nombre y a partir de ese momento fue conocida como Hermana Rosetta Tharpe.

La ciudad de Nueva York ha sido durante mucho tiempo un lugar donde los sueños se hacen realidad y, para Tharpe, eso no podría haber sido más exacto. Llegó a la Gran Manzana en 1938 y el 31 de octubre de ese año se encontraba en un estudio grabando cuatro canciones para Decca Records. Las cuatro canciones, "Rock Me", "That's All", "The Man and I" y "The Lonesome Road", fueron las primeras grabaciones de gospel para el sello, pero superaron con creces el ámbito normal del género. Combinando a la perfección lo sagrado y lo secular con su voz y su guitarra, rompió todos los moldes y se convirtió en un nombre familiar y una de las primeras cantantes de gospel de éxito comercial. Su grabación de "This Train" de Thomas Dorsey elevó su perfil ante todos los públicos, independientemente de su religión o color de piel, y preparó el escenario para que actuara en el famoso concierto Spirituals to Swing de John Hammond en honor a Bessie Smith en el Carnegie Hall el 23 de diciembre de 1938.

La actuación en el Carnegie Hall fue a la vez de conmoción y asombro. La conmoción la sintieron principalmente figuras religiosas que no podían aceptar la noción de una mujer tocando música, y mucho menos cantando lo que consideraban palabras sagradas respaldadas por una orquesta fuertemente sazonada con folk, jazz y blues. El asombro vino de todos los que vieron la actuación y comprendieron que lo que estaban presenciando era algo totalmente fuera de lo normal y una muestra única de un don extraordinario. Actuando con los Jordanaires, junto a Cab Calloway en el famoso Cotton Club y grabando con la orquesta de Lucky Millinder, continuó llevando su estilo musical animado a nuevos oídos en la década de 1940. Aunque era una cantante de gospel de corazón, comenzó a agregar música puramente secular a su repertorio y su exitosa canción "That's All" también marcó su primer disco con una guitarra eléctrica. Continuaría inspirando a miles de músicos, incluidos Chuck Berry y Elvis Presley.

Si bien su atractivo cruzado ya se había solidificado entre los oyentes de los Estados Unidos, su voz viajó a través del Atlántico durante la Segunda Guerra Mundial cuando se convirtió en una de los dos únicos artistas de gospel afroamericanos grabados en “V-Discs” para enviarlos a las tropas estadounidenses que luchaban en Europa. En 1944 Tharpe grabó dos canciones más que serían definitivas en su carrera. Acompañada por el pianista de blues Sammy Price, las canciones "Strange Things Happening Every Day" y "Two Little Fishes and Five Loaves of Bread" combinaron piano, guitarra y canto gospel, convirtiéndose "Strange Things Happening Every Day" en el primer éxito gospel del Listas de Billboard R&B donde alcanzó el puesto número 2.

A lo largo de sus colaboraciones con artistas de jazz, blues y folk, la fama de Tharpe aumentó, pero su reputación entre sus seguidores del gospel original dio un giro a la baja debido a que muchos de ellos creían que sus colaboraciones eran música del diablo. En 1946, Tharpe buscaba volver a sus raíces más gospel y, mientras asistía a una actuación de Mahalia Jackson, otra cantante llamada Marie Knight llamó su atención y más tarde le pidió a Knight que la acompañara. La pareja de cantantes realizó una gira por el circuito gospel durante varios años bajo el nombre de The Saint and the Sinner y grabaron dos canciones exitosas, "Up Above My Head" y "Gospel Train". Aunque tuvo éxito durante su carrera, Knight notó que su ex compañero Jackson estaba superando su fama y comenzó a considerar la idea de romper el dúo para seguir una carrera en solitario. En 1953, Tharpe y Knight decidieron hacer un álbum de blues juntos, pero la empresa resultó desastrosa y el disco fue un total fracaso comercial. Knight finalmente se fue y Tharpe decidió volver al gospel, pero sus colaboraciones anteriores combinadas con el álbum de blues habían formado una profunda división entre ella y su audiencia original. Ni Knight ni Tharpe recuperaron su éxito previo a la colaboración y, a finales de la década de 1950, Tharpe fue retirada de Decca Records.

En la década de 1960, un resurgimiento de la música blues en Europa también condujo a un resurgimiento de la carrera de Tharpe y en la primavera de 1964 realizó una gira por el continente como parte de Blues and Gospel Caravan junto a artistas como Muddy Waters y Otis Spann. Continuó de gira por ambos lados del Atlántico y en 1970 estaba nuevamente en el extranjero con Muddy Waters cuando de repente enfermó y se vio obligada a regresar a Estados Unidos. Una vez en casa, sufrió un derrame cerebral y cayó en una lista complicada de problemas de salud, incluida la amputación de una pierna debido a complicaciones de la diabetes. A pesar de su deterioro de salud, Tharpe continuó actuando hasta octubre de 1973, cuando sufrió un segundo derrame cerebral. Rosetta Tharpe falleció tres días después, el 9 de octubre de 1973, a la edad de 58 años, la noche antes de su regreso al estudio de grabación. Fue enterrada en el cementerio de Northwood ubicado en su ciudad natal de Filadelfia, Pensilvania.

Rosetta Tharpe, un prodigio, revolucionario e influencia directa en algunos de los nombres más importantes de la historia de la música, ahora es considerada una de las grandes músicas legendarias de nuestro tiempo. Little Richard y Johnny Cash la citan como una de sus cantantes e intérpretes favoritas, como Tina Turner, Aretha Franklin y Jerry Lee Lewis, todos dan fe de su vital importancia no sólo para sus carreras sino para la música en general. En 1998, el Servicio Postal de los Estados Unidos emitió un sello conmemorativo con la imagen de Tharpe y en 2007 fue incluida póstumamente en el Salón de la Fama del Blues. Ahora hay marcadores históricos afuera de su casa en Filadelfia y en 2008 se colocó una nueva piedra en su tumba.

Si bien no hay una gran cantidad de imágenes de video de Tharpe, se televisó una actuación de sus días en Europa con Blues and Gospel Caravan. Grabada en una estación de tren fuera de servicio en Inglaterra, Tharpe cantó su canción "Did't It Rain" ante una audiencia sentada frente al andén del tren donde ella y la banda actuaron, de manera bastante apropiada, mientras llovía.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Did't It Rain.

Ruth Pointer

Ruth Pointer nació en Oakland, California, Estados Unidos, el 19 de marzo de 1946. Cantante.

El sitio www.fiftyplusadvocate.com publicó este artículo firmado por Jane Keller Gordon.

Ruth Pointer llama hogar a Massachusetts

Por Jane Keller Gordon, editora adjunta

Hopedale: la vida de Ruth Pointer se ha dividido en dos mitades: antes y después. En muchos sentidos, después ha sido mejor.

Antes estuvo radicada en la costa oeste, donde montó una ola de éxito con las Pointer Sisters, conocidas por sus sonidos sonoros y movimientos sinuosos. Durante ese tiempo, sin embargo, la vida de Pointer estuvo plagada de alcohol y drogas, abuso y cuatro matrimonios fallidos, incluido uno con Dennis Edwards de los Temptations.

After se desarrolla en Massachusetts, donde Pointer vive con su quinto marido, Mike Sayles, quien creció en Milford. Aquí han criado felizmente a sus gemelos Ali y Conor, que ahora tienen 26 años. Issa, la hija de Pointer, de un matrimonio anterior, también se graduó de la escuela secundaria en Massachusetts. Faun y Malik, los hijos mayores de Pointer, son de su primer matrimonio.

La vida de Pointer y sus tres hermanas comenzó en Oakland, California. Hijas de ministros, dijo, “cantábamos en la iglesia todo el tiempo”.

Las hermanas Pointers

En 1969, sus hermanas June y Bonnie formaron "Pointers, a Pair", y más tarde se sumó su hermana Anita.

“Nunca soñé con ser una cantante famosa, pero estaba dejando una relación muy abusiva con mi marido. Yo era madre soltera y tenía niños pequeños”, dijo Pointer. “Ganaba 400 dólares al mes como operador clave y me di cuenta de que podía ganar 100 dólares por sesión cantando como respaldo. Mis hermanas tuvieron la amabilidad de permitirme unirme al grupo”.

Renombrado como The Pointer Sisters, en 1974 el cuarteto ganó su primer Grammy por Fairytale, a la mejor interpretación vocal country. Unos años más tarde, Bonnie dejó el grupo para seguir una carrera como cantante solista. Ahora como trío, The Pointer Sisters lograron un gran éxito durante la década de 1980. Luego ganaron dos premios Grammy más, una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y muchos sencillos Top 40, incluidos "I'm So Excited", "Jump (For My Love)" y "He's So Shy".

Todo eso tuvo un precio muy alto.

Con el coautor Marshall Terrill, Pointer detalló sus luchas en su libro de 2016, "Still So Excited!: My Life as a Pointer Sister". Describió el período de 1984, cuando a la edad de 38 años, después de años de abusar del crack, fue hospitalizada con meningitis viral.

“Eso me catapultó a preocuparme, tenía tres hijos a quienes criaba como madre soltera y pensé: Soy todo lo que ellos tenían”, recordó.

Era tiempo de un cambio.

Pointer se mudó de Los Ángeles a Malibú para alejarse de lo que ella describió como “malas influencias”. Trabajó duro para romper con su adicción a las drogas y al alcohol, y luego también a la comida.

Ella dijo: “Chica, cuando dejé de consumir cocaína, comí como loca. Necesitaba cambiar... Me involucré con Dianética de L. Ron Hubbard y realmente me ayudó. Pero era muy caro. Mi hijo Malik estaba en el programa de 12 pasos, así que lo intenté. Permanecí allí durante años”.

Tres años después de su trabajo de recuperación, Pointer conoció a Sayles en un gimnasio de Malibú del que era copropietario. Se había metido en el culturismo con su mejor amigo Howie Long, nativo de Milford, ex jugador de fútbol profesional y ahora en el Salón de la Fama del Fútbol Americano.

Pointer se enamoró de Sayles y los dos decidieron casarse y tener un hijo. A sus 46 años, no estaba segura de que eso pudiera suceder.

“Estaba enamorada y quería formar una familia de manera tradicional con una mamá y un papá, algo que nunca había hecho”, dijo.

Gracias a la FIV y a la donación de óvulos de una mujer parecida a Pointer, el sueño de Pointer y Sayles se hizo realidad. Pointer continuó actuando. Con ocho meses de embarazo, estaba en la costa este dando conciertos y siendo entrevistada en televisión sobre su experiencia de FIV. Terminó teniendo a sus bebés por cesárea en Providence, Rhode Island.

Pointer y su esposo trajeron a su hijo y a su hija recién nacidos de regreso a Malibú. Durante ese tiempo, terribles incendios se acercaban a la casa de Pointer. Sayles le pidió que se mudara a Massachusetts.

“Me sonó bien. Ya no tenía familia en California y sabía que tendríamos mucha ayuda de su familia. Ya habíamos acordado que no queríamos criar a nuestros hijos en California”, dijo Pointer.

Y añadió: “Siempre me ha encantado Nueva Inglaterra desde que The Pointer Sisters actuaron aquí. Lo considero un lugar hermoso y tradicional... Aquí a la gente no le importan tanto las cosas materialistas... La gente aquí no muestra su valor en sus cuerpos como lo hacen en California”.

Pointer y Sayles han construido una vida maravillosa juntos, como lo demuestran las fotos familiares expuestas en toda su casa, junto con fotos de Pointer con presidentes y celebridades y, por supuesto, premios.

Las Pointer Sisters todavía actúan, ahora con Pointer, su hija Issa y su nieta Sadaka. Todavía hacen esos sonidos sonoros y movimientos sinuosos en sus éxitos, incluidos: “I'm So Excited”, “Jump (For My Love)”, “Automatic”, Slow Hand” y muchos más.

Sin embargo, hay un cambio: ahora usa zapatillas.

"¡Ya terminé con los tacones altos!"

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: I'm So Excited, en una presentación en vivo en Alemania, en 2002.

Smiley Burnette

Lester Alvin Burnett, más conocido como Smiley Burnette, nació en Summum, Illinois, Estados Unidos, el 18 de marzo de 1911, y murió en Encino, California, Estados Unidos, el 16 de febrero de 1967. Actor, compositor y cantante.

El sitio www.rottentomatoes.com publicó este recordatorio.

Smiley Burnette

Smiley Burnette trabajó en una variedad de géneros y desarrolló una carrera diversa y de buena reputación. Burnette comenzó su carrera como actor con papeles en películas como el western "In Old Santa Fe" (1934) con Ken Maynard, "Melody Trail" (1935) y "Tumbling Tumbleweeds" (1935). También apareció en "Waterfront Lady" (1935), el western "The Phantom Empire" (1935) con Gene Autry y el musical de Gene Autry "The Singing Vagabond" (1935). Su pasión por la actuación continuó con sus papeles en proyectos como "Rootin' Tootin' Rhythm" (1937), "The Old Corral" (1937) y "Springtime in the Rockies" (1937). También apareció en el musical de Gene Autry "Yodelin' Kid From Pine Ridge" (1937). En la última parte de su carrera, interpretó papeles en "Down Mexico Way" (1941), "Under Fiesta Stars" (1941) y "Ridin' on a Rainbow" (1941). También apareció en "Corazón del Río Grande" (1942) y "Corazón del Dorado Oeste" (1942). Burnette actuó por última vez en "Green Acres" (1965-1971). Smiley Burnette falleció en junio de 1967 a la edad de 56 años.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con That's How Donkeys Were Born, fragmento de la película Gold Mine in the Sky, de 1938.

Shalom – Los niños de Winton

Shalom – Los niños de Winton

Diamond Films lleva a la gran pantalla una novela basada en unos hechos reales nunca desvelados hasta 1988 cuando un documental de la BBC hizo pública la lista de 669 niños rescatados de las garras del ejército nazi por un joven agente de bolsa, Nicholas Winton, 50 años atrás.

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/ninos-winton/16019103/

Élisabeth Jacquet de La Guerre

Élisabeth Jacquet de La Guerre, también conocida como o Élisabeth-Claude Jacquet de La Guerre, nació en París, Francia, el 17 de marzo de 1665, y murió en su ciudad, el 27 de junio de 1729. Clavecinista y compositora.

El sitio www.barcelonaclasica.info publicó este recordatorio.

Élisabeth Jacquet de la Guerre, “la petite merveille” del rey Sol

La historia de la clásica escrita por mujeres XI

19-11-2020

Superada la decena de artículos en este ciclo de La historia de la clásica escrita por mujeres, hoy retrocedemos en el tiempo para recuperar la figura de la compositora y clavecinista francesa Élisabeth Jacquet de la Guerre.

Hace 355 años, el 17 de marzo de 1655, nació en la ciudad de París Élisabeth-Claude Jacquet de la Guerre (née Jacquet) en una familia de larga tradición musical: hija de una talentosa clavecinista y un reconocido organista de la iglesia Ile-Saint Louis de la capital francesa, su abuelo era un famoso constructor de órganos y sus hermanos también se convirtieron en reputados músicos. Desde antes de su nacimiento, era evidente, pues, que la música iba a jugar un importante papel en la vida de Élisabeth. Y así fue. Habiendo recibido previamente formación en esta disciplina por parte de su padre, la niña prodigio, con tan sólo cinco años, fue presentada en la corte francesa de Luis XIV, donde impresionó al rey Sol con sus improvisaciones al clave.

Si bien no podemos asegurar que la acción fuera más el resultado de un deseo ingenuo de Luis XIV de querer promocionar el talento artístico que de satisfacer uno de los posibles caprichos de su amante, Madame de Montespan, el caso es que el monarca francés inmediatamente ofreció a la familia Jacquet una importante propuesta de patrocinio de cara al talento de su hija que de ninguna manera hubieran podido rechazar. Cuando Élisabeth Jacquet de la Guerre entró en la etapa de la adolescencia, fue aceptada en la Corte Real francesa de la mano de Françoise-Athenas —Madame de Montespan—, que le supervisaría una educación exquisita, la craría como si se tratara de una hija más y constituiría una puerta directa para Élisabeth Jacquet a la sociedad francesa más cultivada de la época.

Élisabeth, que fue conocida como “La petite Merveille” del monarca, comenzó a componer obras dramáticas que se representaban en la corte y, ocasionalmente, ante el rey, como pequeñas óperas. Estas le supusieron el reconocimiento de todos los maestros de su tiempo, y su fama trascendió la capital francesa, con un éxito que se extendió por todo el país e incluso en el extranjero.

Después de su 19º aniversario, Élisabeth Jacquet de la Guerre abandonó la corte de Versalles y la compañía de Madame de Montespan para casarse con el organista Marin de la Guerre, hijo del difunto organista de la Sainte-Chapelle, Michel de la Guerre , y posición que él mismo acabaría ocupando. La unión con un músico permitió a Élisabeth Jacquet continuar con su carrera profesional: se estableció con su marido en París, donde, además de ofrecer clases particulares de clave, organizó conciertos como compositora e intérprete que disfrutaron de un gran éxito. Grandes músicos y eruditos venían de todo el mundo para escuchar esta prodigio del clave, que a los 26 años fue incluida por Titon du Tillet en su Parnaso, al lado Lalande y Marais y justo debajo de Lully.

Jacquet de la Guerre, que fue de las pocas mujeres que tuvieron acceso a estudios de composición, también formó parte del minoritario conjunto de compositores contemporáneos que vio sus obras publicadas

En 1687 Élisabeth Jacquet de la Guerre publicó sus obras por primera vez: Premier livre de pièces de clavessin, que se rescató en 1970 del olvido, contenía cuatro suites dedicadas a Luis XIV y constituyó una de las pocas colecciones de obras para clavecín impresas en Francia en el siglo XVII. Jacquet de la Guerre, que fue de las pocas mujeres que tuvieron acceso a estudios de composición, también formó parte del minoritario conjunto de compositores contemporáneos que vio sus obras publicadas. Cuatro años más tarde, compuso el ballet Les Jeux à la honneur de la victoire, partitura que a día de hoy está perdida y la que, junto con su ópera Céphale et Procris —la primera compuesta por una mujer en Francia—, representa un periodo de esplendorosa y ambiciosa producción para Jacquet de la Guerre. Gracias a su testamento del año 1726, sabemos también de la existencia de dos óperas más compuestas durante esta etapa creativa. A lo largo de su vida, la compositora francesa se atrevió a experimentar con diversos géneros musicales, también italianos: en la década de los noventa, compuso cantatas y sonatas en trío, de las cuales las últimas forman parte de los primeros ejemplos de sonata francesa junto con las de Couperin y Charpentier, entre otros.

Me he esforzado, Majestad, para merecer su aprobación, que siempre ha supuesto todo para mí …

Sin duda, la carrera de Madame de la Guerre, descrita en la edición de diciembre de 1690 del Mercure Galant como el «sombra de Lully […] la compositora y músico más prominente», iba in crescendo a velocidad exponencial. La muerte de sus padres, de su marido, de uno de sus hermanos y, incluso, de su hijo de 10 años en los años siguiente, provocó un pequeño parón compositivo, si bien continuó ofreciendo conciertos como intérprete más recluida en la intimidad. Finalmente, en 1707 volvió a la composición con la publicación de una colección de obras para clavecín —Pièces de Clavecin qui peuvent se jouer sur le Violon— y seis Sonatas pour le violon et pour le clavecin, una nueva muestra de composiciones con acompañamiento de clave, en el rol de obbligato respecto al violín. La dedicatoria al rey Sol que acompañaba las dos colecciones es una de las numerosas muestras de agradecimiento que Élisabeth Jacquet de la Guerre mostró al monarca por su admiración y su mecenazgo continuado mientras vivió: «Te complació ver el nacimiento del talento que te he dedicado; e incluso me has honrado con tus elogios, cuyo valor yo no entendía en aquella época. Desde ese momento, mi modesto talento ha crecido. Y me he esforzado, Majestad, para merecer su aprobación, que siempre ha supuesto todo para mí…»

Al monarca francés también le fueron dedicados los dos libros de Cantates françoises sur des sujets tirez de l’Ecriture en los años 1708 y 1711, las primeras cantatas sacras compuestas en Francia. Élisabeth Jacquet de la Guerre publicó por última vez su obra en 1715: se trataba de una colección de Cantatas francesas profanas dedicadas al príncipe elector de Baviera, Maximiliano II Manuel, e incluía tres cantatas y un dúo para soprano y bajo continuo. Con la muerte de Luis XIV el 1 de septiembre de ese mismo año, la voz creativa de la compositora francesa se sumió en un silencio que nunca más se rompió.

Jacquet de la Guerre fue la única música en el círculo intelectual femenino real durante los 72 años de reinado del rey Sol

El 27 de junio de 1729, la luz de Élisabeth Jacquet de la Guerre se apagó para siempre. En el conjunto de sus posesiones encontradas después de su muerte, había tres clavecines y un clavicémbalo manual doble de los Países Bajos. La compositora, que fue la única música en el círculo intelectual femenino real durante los 72 años de reinado del rey Sol, legó a la historia de la clásica numerosas obras, de las que a día de hoy hemos recuperado los manuscritos de sus sonatas en trío y sonatas para violín o viola da gamba más tempranas, entre otros. Aunque cayó en el olvido entrado el siglo XIX, a finales del siglo XX se renovó el interés en sus composiciones, algunas de las cuales han sido grabadas.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con la Sonata para Violín Nº 1 en Re Menor, en la versión de Rebecca Nelson, en violín barroco; Sydney ZumMallen, en viola da gamba; Joshua Stauffer, en tiorba; y David Belkovksi, en clave.

Jerry Jeff Walker

Ronald Clyde Crosby, más conocido como Jerry Jeff Walker, nació en Oneonta, Nueva York, Estados Unidos, el 16 de marzo de 1942, y murió en Austin, Texas, Estados Unidos, el 24 de octubre de 2020. Cantautor.

El sitio www.jerryjeff.com publicó su biografía.

BIOGRAFÍA

Hay una foto en la parte posterior de un álbum de Jerry Jeff Walker, agotado hace mucho tiempo, que lo resume todo.

En la imagen, Jerry Jeff está afuera de una vieja posada en una carretera solitaria. Es de noche y tiene el cuello levantado para protegerse de la brisa fría mientras se inclina para encender un cigarrillo. Su guitarra está colgada a la espalda. Es difícil saber si está entrando o saliendo de la posada, pero de cualquier manera te das cuenta de que le quedan muchos kilómetros por recorrer antes de dormir...

De algún modo, uno se hace a la idea de que así es como Jerry Jeff siempre se ha imaginado a sí mismo. Incluso cuando tocaba rock 'n' roll de vaqueros a gritos ante miles de personas en los años 70 y 80, el trovador solitario siempre estaba dentro, mirando hacia afuera.

"ES DIFÍCIL SABER SI ESTÁ ENTRANDO O SALIENDO DE LA CASA DE CARRETERA, PERO EN CUALQUIER MANERA imaginas que le faltan MUCHAS MILLAS PARA IR ANTES DE DORMIR..."

Y todo eso sucedió antes de que se convirtiera en una estrella.

La mayoría de la gente conoce esa historia: cómo Jerry Jeff se mudó a Austin, Texas, a principios de los años setenta y se reinventó como un rockero country de Lone Star. Se convirtió, junto con Willie Nelson y Asleep At The Wheel, en uno de los árbitros de la internacionalmente famosa comunidad musical de Austin. Desde entonces, ha celebrado la música de compañeros como Guy Clark y Townes Van Zandt, y ha servido como fuente e inspiración para músicos más jóvenes como Robert Earl Keen, Pat Green, Jack Ingram y un músico country de éxito moderado llamado Garth Brooks. ...

Siguió una serie de discos para MCA y Elektra antes de que Jerry Jeff abandonara el negocio de la música convencional y formara su propio sello discográfico independiente, Tried & True Music, en 1986. Siguió otra serie de discos cada vez más autobiográficos bajo el sello Tried & True. El último, Moon Child, eleva el catálogo de álbumes de Jerry Jeff a un total de 33.

" SUS CANCIONES SON LA MANERA EN QUE LE DA SENTIDO AL MUNDO, CÓMO TRANSMITE LAS HISTORIAS DE LAS PERSONAS QUE CONOCE, CÓMO SE SIENTE UNA MAÑANA DETERMINADA. "

Ha tocado para cuatro o cinco presidentes, estuvo de gira con Lear Jets y compró una segunda casa en Belice (fruto, en parte, de haber escrito un estándar del pop estadounidense, "Mr. Bojangles").

Pero incluso con todo eso, Jerry Jeff todavía ve el mundo con ojos de trovador. Sus canciones son la forma en que hace que el mundo tenga sentido, cómo transmite las historias de las personas que conoce, cómo se siente en una mañana determinada. Ha cerrado el círculo y ha vuelto a sus raíces como cantautor. Se podría decir que iba en esta dirección todo el tiempo.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Jaded Lover.

Piotr Ilich Tchaikovski. Sinfonía Nº 6 en Si Menor Op. 74. Leopold Ludwig.

Hadi Karimi

A continuación, de Piotr Ilich Tchaikovski, la Sinfonía Nº 6 en Si Menor Op. 74, en la versión de la Orquesta Filarmónica del Estado de Hamburgo, dirigida por Leopold Ludwig.

Berthold von Stauffenberg

Berthold Schenk Graf von Stauffenberg, nació en Stuttgart, Alemania, el 15 de marzo de 1905, y murió en la prisión de Plötzensee, Berlín, Alemania, el 10 de agosto de 1944. Jurista y docente.

El sitio www.wikiwand.com publicó este recordatorio.

Berthold von Stauffenberg

Berthold Schenk Graf von Stauffenberg (Stuttgart, Alemania; 15 de marzo de 1905 - Berlín, Plötzensee; 10 de agosto de 1944) fue un jurista perteneciente a una antigua familia católica de la región de Baviera, hermano mayor del coronel Claus von Stauffenberg y conspirador del atentado del 20 de julio de 1944 en contra de Hitler.

Biografía

Berthold von Stauffenfenberg fue junto con su hermano gemelo Alexander Schenk Graf von Stauffenberg el mayor de los cuatro hermanos de la familia de la alta aristocracia prusiana formada por el conde Alfred Graf Schenk von Stauffenberg y la condesa Caroline née von Üxküll-Gyllenband. El tercer hermano, llamado Konrad Maria falleció al nacer, Claus fue su tercer hermano nacido en Jettinger en 1907.

Berthold von Stauffenfenberg, junto a sus hermanos, pertenecieron al Movimiento de la Juventud Alemana y al círculo íntimo del poeta Stefan George.

Estudió leyes en la Universidad de Tübingen y se graduó como jurista en Derecho Internacional y posteriormente fue docente en el Instituto Kaiser Wilhelm en su especialidad.

Posteriormente entre 1930 y 1932, trabajó en el Tribunal Permanente de Arbitraje en La Haya y retorno al Instituto en 1933 permaneciendo hasta 1938.

Conoció y se casó en 1936 con María Classen y tuvieron dos hijos.

Resistencia alemana

Artículo principal: Resistencia alemana al nazismo

Su tío, Nikolaus Graf von Üxküll-Gyllenband, fue uno de los primeros miembros de la familia en unirse a la resistencia alemana. Después de la Noche de los Cuchillos Largos, se unió a la resistencia alemana junto a su primo. Peter Yorck von Wartenburg. Su hermano Claus sólo se uniría a la facción militar conspirativa en 1943 tras ser herido de gravedad en combate en África.

En 1939, se unió como asesor jurídico (juez de competencia militar) en Derecho Internacional a la Armada alemana. Berthold junto a su hermano se unieron a los conspiradores contra Hitler para planificar un atentado. Berthold estaba a favor de derrocar al gobierno de Hitler y no estaba de acuerdo con asesinarlo, al contrario de la radical forma de pensar de su hermano, el coronel Claus von Stauffenberg.

Después del atentado del 20 de julio, Berthold von Stauffenberg fue detenido por la policía alemana ese mismo día. Mientras la Gestapo interrogaba a Berthold su hermano Claus era fusilado por orden del general Fromm en un patio interior de Bendlerblock.

Fue incluido dentro del Volksgerichtshof (Tribunal de Pueblo) presidido por el infame juez Roland Freisler y condenado a la horca el 10 de agosto de 1944.

Giovanni Bella

Giovanni Bella más conocido como Gianni Bella, nació en Catania, Italia, el 14 de marzo de 1946. Cantautor.

El sitio www.buenamusica.com publicó esta biografía.

Biografía de Gianni Bella

La historia, vida y legado musical de Gianni Bella

Gianni Bella

¿Quién es Gianni Bella?

Gianni Bella (Catania, Italia; 14 de marzo de 1946), es un cantautor italiano, con un estilo musical de balada y pop.

Hermano de la cantante Marcella Bella, como también de los músicos Antonio y Salvatore Bella.

Ha participado en varios festivales de cantos en su país, siempre destacándose siendo premiado en muchas ocasiones; en su carrera profesional ha grabado canciones en italiano y en castellano. De su autoría es el tema "Esta amor no se toca" ("Questo amore non si tocca"), interpretado también por Yuri

Contenido

Cantante y guitarrista de algunos grupos de Catania, a finales de los años 60's Gianni Bella se mueve hacia el norte de Italia para seguir a su hermana Marcella, que estaba empezando su carrera como cantante. En 1972, Marcella participa en el Festival de Sanremo con la canción Montagne Verdi (Montaña Verde), escrito por Gianni y Giancarlo Bigazzi.

Aunque Marcella se impone entre los cantantes italianos de mayor éxito, Gianni comenzó su carrera como solista, con la ayuda del letrista Bigazzi, inmediatamente obtiene un gran éxito, al participar en Un disco para el verano 1974 con el tema Più ci pensó ("más que pensamos"). En 1975 con menos éxito en un disco para el verano interpreta Oh mama, mientras que en 1976 ganó el Festivalbar con la canción Non si può morire dentro ("no se puede morir por dentro"). En 1978 vuelve a participa reuniendo un gran éxito cantando No nuovamente nella manifestazione de Vittorio Salvetti pero no lo gana. En la década de los 80's, además de ser solista se vuelve el autor en los temas de su hermana, inició la colaboración con Mogol, que se convierte en su productor y letrista. A finales de los 90's firma uno de los mayores éxitos en la carrera de Adriano Celentano: L'emozione non ha voce, a través de la cual el álbum Io non so parlar d'amore ("No puedo hablar de Amor") estuvo durante dos años entre los primeros lugares en el Top 50 italiano. En 2001 participa en el Festival de Sanremo, con la presentación del tema Il profumo del mare ("El aroma del mar"). Retorna a San Remo como autor de Marcella en el 2005, firmando el éxito de Uomo bastardo ("Hombre Bastardo").

En la 7° edición del Festival de Sanremo interpreta junto a su hermana la canción Forever per sempre ("Siempre para siempre") teniendo un gran éxito de ventas.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Non si può morire dentro.