Hola, soy Leonardo Liberman.
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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Carl Bechstein fue un fabricante de pianos alemán que tenía
como objetivo dar respuesta a las grandes exigencias de los virtuosos de la
época, como Franz Liszt. Pronto sus pianos se vendían en toda Europa. A principios
del siglo XX, Bechstein tenía el mayor concesionario de pianos de Londres y
acababa de terminar la construcción de su sala de conciertos al lado, el
Bechstein Hall, que fue inaugurado el 31 de mayo de 1901. Tras el estallido de la Primera Guerra Mundial, el Bechstein
Hall fue confiscado en 1916 como propiedad del enemigo. Al año siguiente reabrió sus puertas como Wigmore Hall.
El Wigmore Hall es una sala de conciertos especializada en
música clásica, en la calle Wigmore, de Londres.
Originalmente se llamó Bechstein Hall, fue diseñado por
Thomas Edward Collcutt, que también diseñó el Hotel Savoy en el Strand, para
Bechstein, el constructor alemán de pianos cuya sala de exposición y venta
estaba en la puerta de al lado. Salas parecidas se construyeron por Carl
Bechstein en San Petersburgo y París.
El edificio sigue el estilo renacentista, usando paredes de
alabastro y mármol para amueblar un sala rectangular y lisa con una zona de
escenario elevado pequeño con una cúpula representando arriba el Alma de la
Música. Se considera que la sala tiene una excelente acústica.
La sala se inauguró el 31 de mayo de 1901 con un concierto
interpretado por el virtuoso pianista y compositor Ferruccio Busoni y el
violista Eugène Ysaÿe. Durante este primer periodo, atrajo a artistas como
Artur Schnabel, Pablo Sarasate, Percy Grainger, Myra Hess, Arthur Rubinstein y
Camille Saint-Saëns.
Debido a que era de propiedad alemana, la sala fue
considerada "propiedad enemiga" durante la Primera guerra mundial
pero reabrió como Wigmore Hall en 1917.
Desde su reapertura grandes artistas han actuado en él,
entre ellos Elisabeth Schwarzkopf, Serguéi Prokófiev, Paul Hindemith, Andrés
Segovia, Benjamin Britten y Francis Poulenc.
Dirigido por John Gilhooly sucedió a William Lyne su
director entre 1966-2003. Artistas que actúan regularmente en la sala son
Andras Schiff, Joshua Bell, Maxim Vengerov, Thomas Quasthoff, Ian Bostridge,
Susan Graham, Angela Hewitt, Steven Isserlis, Thomas Allen, Matthias Goerne,
Dame Felicity Lott, Pierre Laurent Aimard, Simon Keenlyside, Anne Sofie von
Otter, Bernarda Fink y Wolfgang Holzmair, entre otros.
Está ubicado cerca de la Broadcasting House de la BBC en
Portland Place, por lo que sus conciertos se han retransmitido frecuentemente
por la Radio 3. El Wigmore hall alberga muchos recitales de música de cámara y
solistas, con cerca de 400 conciertos al año.
El 5 de mayo de 2005, la sala anunció que iba a poner en
funcionamiento su propio sello discográfico.
El célebre fabricante de pianos alemán C. Bechstein ha
anunciado su regreso a Wigmore Street en Londres después de una ausencia de más
de un siglo.
Este artículo apareció originalmente en la revista
International Piano.
La compañía abrió su primer Bechstein Hall en 36 Wigmore
Street en 1901 con un concierto en el que actuaron las luminarias del teclado
Ferruccio Busoni y Vladimir de Pachmann. Debido a que Bechstein era propiedad
alemana, la Primera Guerra Mundial provocó la incautación del lugar como
propiedad enemiga en 1916. Reabrió sus puertas como Wigmore Hall al año
siguiente.
El nuevo edificio C. Bechstein estará ubicado en 22 Wigmore
Street y comprenderá una sala de exposición emblemática en dos niveles, 13
salas de ensayo y una sala de selección de pianos de alquiler para conciertos.
También se creará un apartamento de un dormitorio equipado con un piano
Bechstein y acceso a instalaciones de práctica las 24 horas para los artistas
internacionales que visiten Londres para actuar.
La joya de la corona de este proyecto es una sala de
conciertos con capacidad para 100 personas, que se llamará Bechstein Hall.
Terence Lewis, director general de Jaques Samuel Pianos , asumirá el papel de
director artístico y planea ofrecer lo que él describe como "un enfoque
nuevo y completamente diferente a la forma en que se estructuran los conciertos".
Lewis añadió: 'Bechstein regresa a los escenarios de
concierto, que una vez dominó como el piano favorito de la edad de oro del
pianismo. Con esta enorme inversión en Londres, uno de los principales centros
de excelencia musical del mundo, Bechstein proclama con valentía: ¡ha vuelto!'
Ya están en marcha las obras del nuevo edificio, cuya
inauguración está prevista para la primavera de 2023.
Lincoln Theodore Monroe Andrew Perry, más conocido como Stepin
Fetchit, nació en Cayo Hueso, Florida, Estados Unidos, el 30 de mayo de 1902, y
murió en Woodland Hills, Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 19 de
noviembre de 1985. Actor y comediante.
Stepin Fetchit trabajó en una variedad de géneros y
desarrolló una carrera diversa y de buena reputación. La carrera temprana de
Fetchit como actor consistió en papeles en varias películas, como el drama de
Laura La Plante "Show Boat" (1929), "Big Time" (1929) y el
drama "Salute" (1929) con George O'Brien. También apareció en "Hearts in Dixie"
(1929), el musical de John Breeden "Fox Movietone Follies of 1929"
(1929) y "The Big Fight" (1930). Siguió trabajando en el cine
durante los años treinta, protagonizando "David Harum" (1934) con
Will Rogers, "Marie Galante" (1934) y "Stand Up and Cheer"
(1934). También apareció en la adaptación dramática "Carolina" (1934)
con Janet Gaynor. El cine siguió siendo su pasión, ya que interpretó papeles en
"Fifty Roads to Town" (1937), "On the Avenue" (1937) y la
comedia "Zenobia" (1939) con Oliver Hardy. También apareció en
"Miracle in Harlem" (1947) y en el western de James Stewart
"Bend of the River" (1952). Fetchit actuó por última vez en la
comedia de Moms Mabley "Amazing Grace" (1974). Fetchit estaba casado
con Bernice Sims y tenía dos hijos, Donald Fetchit y Jemojo Joseph Perry.
Stepin Fetchit falleció en noviembre de 1985 a la edad de 83 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con un fragmento de la película Miracle in Harlem, de 1948.
"¡Un aire de libertad! París me permitió desarrollar mi
propio temperamento."
Notas de biografía
Grabador y escritor, Lars Bo nace en 1924 en Kolding
(Jutland, Dinamarca). Su padre, arquitecto talentoso es un acuarelista
delicado. Lars, alumno mediocre, se distingue… ¡por el afán de dibujar! El
joven estudia en la Academia de Artes Aplicadas de Copenhague y publica sus
primeros dibujos en los periódicos y las revistas daneses. Lars Bo asiste a las
clases del pintor P. Rostrup Boyesen en el Statens Museum for Kunst
(1939-1940), continúa estudiando en la Escuela Danesa de Diseño, entre 1941 y
1943. Viaja y descubre Europa.
Tras afiliarse al movimiento danés de la resistencia y pasar
el fin de la guerra en Odense (isla de Fionia, Dinamarca), Lars Bo se radica en
París en 1947. Empieza a grabar, aprendiendo las bases de este arte con Johnny
Friedlander y Albert Flocon (Taller del Ermitage, período 1948-1950). Jacques
Villon le anima a seguir esta vía.
Lars Bo escribe y publica su primera novela, “La maravillosa
casa de París” (Det videunderlige hus i Paris). A principios de los años 50,
con el fin de profundizar las técnicas del grabado, Lars Bo se inscribe en el
Taller 17 que dirige Stanley William Hayter.
En 1952, el artista ilustra un libro por primera vez; esta
expresión artística le granjeará una reputación internacional. Hasta 1996, Lars
Bo ejecutará las ilustraciones de numerosos libros (Voltaire, Strinberg, Kafka,
Robert Giraud, Francis Garnung, Gogol o Gerard de Nerval). Los dibujos que
ilustran la obra de su paisano Hans Christian Andersen se consideran de primera
importancia (“En torno a la Reina de las Nieves”, en 1968, “El Lago de los
Cisnes”, en 1969).
Las primerísimas exposiciones de Bo Larsen se organizan en
Estocolmo y en Copenhague en 1949, y la primera parisina en 1954. Por un tiempo
colabora con Le Monde.
Una noche de insomnio y una larga conversación con su mujer
le hacen cambiar de rumbo: a partir de 1959, el artista se dedica enteramente a
la obra gráfica (grabados, ilustración de libros). Se da a conocer por su
trabajo inspirado de motivos surrealistas y de un mundo fantástico.
Bo será socio de los Salones de Otoño, de Le Trait (el
Trazo), los Pintores y Grabadores Franceses, de Punta y Buril y de la Sociedad
de Gronningen.
En 1969 realiza los decorados, el vestuario y el telón, en
el Teatro Nacional de Copenhague, para “El Lago de los Cisnes” (coreografía de
Flemming Flint).
En el transcurso de los años Lars Bo expuso en todos los
países del mundo (Francia, Inglaterra, Estados Unidos, Japón…) y su obra - que
representa más de 400 grabados - está presente en las colecciones de los mayores
museos internacionales.
Los grandes perduran, y Gladys Knight ha sido durante mucho
tiempo una de las más grandes. Muy pocos cantantes en los últimos cincuenta
años han igualado su arte incuestionable. Este siete veces ganadora del Grammy
ha disfrutado de éxitos número uno en pop, gospel, R&B y música
contemporánea para adultos, y ha triunfado en cine, televisión y presentaciones
en vivo.
El otoño de 2015 marcó el lanzamiento del primer disco de
baile convencional de Knight, “Just A Little”, en casi veinte años. La canción
sirve como sencillo principal de su duodécimo álbum de estudio en el que se
encuentra actualmente.
Knight, que ha ganado dos premios Grammy en la categoría de
gospel, abrazó una vez más sus raíces gospel y lanzó su inspirador álbum
"Where My Heart Belongs" en septiembre de 2014. El álbum fue un gran
éxito y ganó un premio NAACP Image Award por " Mejor álbum de gospel”.
La temporada navideña de 2014 encontró a Knight regresando a
la pantalla chica en la película original de Lifetime "Seasons of
Love". En la historia sobre dos amantes en su viaje por la vida, el amor y
la familia, Knight protagoniza junto a la nominada al Oscar Taraji P. Henson y
al también ganador del Grammy Cliff “Method Man” Smith. En el Año Nuevo
aparecerá como invitada en la nueva serie “Empire” de Lee Daniels y FOX TV
junto a Terrence Howard y Taraji P. Henson.
Knight disfrutó del éxito con su octavo trabajo en
solitario, “Another Journey”, con los sencillos exitosos “I Who Have Nothing”,
así como con el tema dinámico “Settle”, producido por Randy Jackson, con quien
colaboró anteriormente en
su álbum ganador del Grammy, álbum, “Por fin”.
Knight también disfrutó del éxito de su canción “You and I Ain't Nothin' No
More”, que apareció en los créditos finales de la película aclamada por la
crítica de Lee Daniels, THE BUTLER.
También en la pantalla chica, Knight compartió su
experiencia musical en la primera y segunda temporada de la serie original de
Centric, “Apollo Live”. Junto a los jueces Doug E. Fresh y Michael Bivins, la
legendaria cantante guió a los concursantes mientras subían al escenario con la
esperanza de impulsar su carrera en la industria del entretenimiento.
Knight, que no es ajena a la actuación y las coreografías
ligeras a lo largo de su carrera, subió las apuestas cuando se puso sus zapatos
de baile en la primavera de 2012. Se unió al elenco del exitoso concurso de
telerrealidad de ABC "Dancing with the Stars" para la temporada 14,
en asociación con Tristan MacManus.
El año 2011 fue un año de mucho reconocimiento ya que Knight
estaba siendo honrada, primero en un concierto tributo a Michael Jackson y
luego en los premios Soul Train Awards 2011. En el Millenium Stadium de
Cardiff, Gales, Knight se unió a artistas como Jennifer Hudson, Beyoncé y
Smokey Robinson en un homenaje al legendario Rey del Pop en un concierto
llamado “Michael Forever”. Después de eso, Knight fue honrada con un “Premio
Leyenda” junto con sus compañeros ganadores Earth, Wind & Fire en la
transmisión BET de la tercera edición anual de los Soul Train Awards,
presentada por Cedric the Entertainer.
Knight, conocida como la “Emperatriz del Soul”, residente de
Las Vegas desde hace mucho tiempo, regresó al Strip a finales de la década de
2000, al famoso Hotel Tropicana, para un compromiso especial que tuvo lugar en
el recién nombrado Teatro Gladys Knight, convirtiéndola en la primera africana.
-La artista estadounidense tendrá un lugar que llevará su nombre en Las Vegas.
Esto siguió a un exitoso espectáculo de cuatro años en The Flamingo, que el Las
Vegas Review-Journal elogió como “el espectáculo número uno del Strip”. Knight,
una humanitaria incansable, es una defensora icónica del Boys & Girls Club
of America, al que donó una canción producida por Randy Jackson, "The
Dream". Como célebre cantante de la eterna canción “Midnight Train to
Georgia”, Knight encajaba perfectamente como portavoz nacional y presentador del
Día Nacional del Tren de Amtrak, cuya celebración tuvo lugar en la famosa Union
Station de Washington, DC.
En febrero de 2011, Knight se reunió con Elton John, Dionne
Warwick y Stevie Wonder por primera vez en 25 años para interpretar su canción
ganadora del Grammy, "That's What Friends Are For" en un evento
benéfico sobre la investigación del SIDA en el centro de Cipriani en Nueva
York. . Adorado en todo el mundo, Knight luego realizó una gira por todo el
Reino Unido, actuando en estadios abarrotados que incluyeron una actuación con
entradas agotadas en el estadio de Wembley.
Los fanáticos de Knight disfrutaron de Before Me, el último
gran esfuerzo comercial de Knight, que rindió homenaje a las grandes leyendas
de la canción: Ella, Duke, Billie, Lena, así como a los muchos artistas que
sirvieron como amigos, mentores, colegas e inspiración de Knight a lo largo de
su carrera. La segunda colaboración de Knight con el coro de gospel Saints
Unified Voices, A Christmas Celebration, fue un álbum de clásicos navideños.
Después de ganar un Grammy al “Mejor Álbum de Gospel/Coro” con su álbum debut
One Voice, Knight volvió a dirigir el coro multicultural de 100 miembros que
formó, inyectando su sabor único y alma definitiva en temas navideños como
“Silent Night, “White Christmas” y un popurrí de “Winter Wonderland/Jingle
Bells”, entre otros.
Sumándose a su ya impresionante colección, Knight ganó otro
Grammy por su dueto con el fallecido Ray Charles en su álbum póstumo Genius
Loves Company (2005). El dúo ganó el premio a la Mejor Interpretación de Gospel
por su dúo “Heaven Help Us All”. El álbum solista de Knight, At Last, también
ganó un Grammy al Mejor Álbum Vocal de R&B Tradicional en 2002 y contó con
un dueto con Jamie Foxx, "I Wanna Be Loved". Durante las ceremonias
de apertura televisadas que dieron inicio a los Juegos Olímpicos de Invierno de
2002 en Salt Lake City, Knight interpretó "This is Our Time" (que
coescribió con su esposo William McDowell), que apareció en un álbum olímpico
conmemorativo.
Knight, un artista incansable que aún cautiva al público de
todo el país y el mundo, también encuentra tiempo para hacer incursiones en el
cine y la televisión. Su versión de “I Hope You Dance” se escuchó durante los
créditos finales de THE FAMILY QUE PREYS TOGETHER de Tyler Perry, y apareció en
su película I CAN DO BAD ALL BY MYSELF (que incluía su canción “The Need to
Be”). También protagonizó HOLIDAZE, de temática navideña, su primer proyecto
animado al que también contribuyó con un tema, UNBEATABLE HAROLD, y la película
de Harrison Ford HOLLYWOOD HOMICIDE. En la pantalla chica, Knight hizo un cameo
en la exitosa comedia de NBC “30 Rock”, ganadora de un Emmy, y también apareció
en “Las Vegas” de NBC, el ex éxito de CBS “JAG” y en los concursos de talentos
de FOX “American Juniors” y “Duetos”. También interpretó a la madre de Jamie
Foxx en “The Jamie Foxx Show”. Knight ha aparecido como juez invitado en el
gran éxito de FOX “American Idol” y ha actuado en el final del programa,
siempre repleto de estrellas. En la segunda temporada de “Idol”, Knight apodó
al eventual ganador Ruben Studdard el 'Oso de peluche de terciopelo' mientras
estaba sentada en la silla del juez invitado.
Knight, nacida en Georgia, comenzó a interpretar música
gospel a los cuatro años en la Iglesia Bautista Mount Mariah y cantó como
solista invitada con el Coro del Morris Brown College. Tres años después, ganó
el gran premio del programa de televisión “Ted Mack's Amateur Hour” y al año
siguiente, su madre Elizabeth Knight creó el grupo formado por Gladys, su
hermano Bubba, su hermana Brenda y sus primos William y Elenor Guest. Se
llamaron a sí mismos The Pips en honor a su primo/manager, James Pip Woods. En
1959, Brenda y Elenor abandonaron el grupo, reemplazadas por el primo Edward
Patten y su amigo Langston George. El grupo pasó a llamarse Gladys Knight &
The Pips y, tras la partida de George en 1962, la formación clásica estaba en
su lugar.
El grupo debutó con su primer álbum en 1960, cuando Knight
tenía sólo dieciséis años. Con Knight como solista y The Pips brindando
exuberantes armonías y elegantes coreografías, el grupo alcanzó el estatus de
ícono, habiendo grabado algunas de las canciones más memorables de las décadas
de 1960, 1970 y 1980. Los 20 éxitos principales, como “Every Beat of My Heart”,
“Letter Full of Tears”, “I Heard it Through the Grapevine” y “If I Were Your
Woman”, prepararon el escenario para una carrera increíble a mediados de la
década de 1970. con sencillos Top 10 con certificación de oro como
"Ninguno de nosotros (quiere ser el primero en decir adiós)",
"Tengo que usar mi imaginación", "Lo mejor que me ha
pasado" y el éxito número uno. “Midnight Train to Georgia” estableció a
Gladys Knight y The Pips como el principal conjunto vocal pop/R&B del
mundo. La fiesta continuó con éxitos como “On and On” de la banda sonora
nominada al Premio de la Academia de “Claudine” de Curtis Mayfield, la comedia
de 1974 sobre el amor en el centro de la ciudad. Knight disfrutó de otro éxito
número uno en 1985 cuando formó equipo con Stevie Wonder, Elton John y Dionne
Warwick en "Para eso están los amigos". Ella y Stevie Wonder
volvieron a cantar juntos para el exitoso álbum Frank Sinatra Duets II, uniendo
su voz para la canción “For Once in My Life” en 1994.
En total, Knight ha grabado más de 38 álbumes a lo largo de
los años, incluidos cuatro álbumes en solitario durante la última década: “Good
Woman” (1991); “Sólo para ti” (1994); la inspiradora “Muchos caminos
diferentes” (1999); y “Por fin” (2001). “At Last” mostró al mundo que todavía tiene
lo necesario para grabar un álbum exitoso, empleando el talento de productores
contemporáneos como Randy Jackson, Gary Brown y James DC Williams III, Jon
John, Jamey Jaz, Keith Thomas, Tom Dowd y Tiger Roberts.
Su participación en otras empresas creativas, proyectos
comerciales y actividades humanitarias ha sido extensa y le ha valido honores
tanto de la industria como de la comunidad. En 1986, produjo y protagonizó la
película ganadora del premio Cable Ace “Sisters in the Name of Love”, un
especial de HBO coprotagonizado por Dionne Warwick y Patti LaBelle. Ese mismo
año, demostró sus habilidades interpretativas cuando coprotagonizó con Flip
Wilson la comedia de CBS “Charlie & Co”. Siguieron otros papeles actorales
en programas de televisión como "Benson", "The Jefferson's"
y "New York Undercover", y en películas para televisión como
"Pipe Dreams", "An Enemy Among Us" y "Desperado".
Grabó el tema principal de la película de James Bond "Licencia para
matar" (1989). En 1999, completó su carrera protagónica en Broadway con el
gran éxito musical "Smokey Joe's Café".
En 1995, Knight obtuvo su estrella en el Paseo de la Fama de
Hollywood y, al año siguiente, Gladys Knight & The Pips fueron incluidos en
el Salón de la Fama del Rock 'N' Roll. Knight publicó una autobiografía,
"Between Each Line of Pain and Glory" (una línea extraída de su
grabación con ventas millonarias "Best Thing That Ever Happened to
Me"), en 1997, y al año siguiente, ella y The Pips recibieron el premio.
Premio a la Trayectoria del Salón de la Fama del Rhythm & Blues. En 2004,
Knight recibió el "Premio a la Trayectoria" en la ceremonia anual de
premios BET.
Knight, humanitaria y filántropa, se ha dedicado a varias
causas valiosas, incluida la Asociación Estadounidense de Diabetes, de la que
es portavoz nacional, la Sociedad Estadounidense del Cáncer, el Proyecto
Minoritario sobre SIDA, amFAR y Crisis Intervention, y The Boys and Girls Club.
También ha sido honrada por numerosas organizaciones, incluido el Fondo de
Defensa Legal de la NAACP, el Congreso de Igualdad Racial (CORE), B'Nai Brith,
y recientemente recibió el premio Lifetime Achievement Award de BET.
Hoy, Knight y su esposo William, junto con varios otros
miembros de la familia, supervisan su ocupada carrera desde la sede de Las
Vegas. Es esposa, madre, abuela, bisabuela, intérprete, restauradora y
empresaria con una visión espiritual de su vida. Su fe en Dios ha sido la
fuerza impulsora detrás de todos los esfuerzos de Knight, guiándola a través de
sus muchos éxitos.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus
grandes éxitos: Best Thing That Ever Happened To Me.
Una selección de textos de distintos autores y tiempos para
disfrutar en silencio. Reflexiones, pensamientos, frases y poesía para
acompañarte allí donde te encuentres.
Hoy: Casa tomada – Julio Cortázar.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
27 de mayo de 1930 Tallin - 24 de diciembre de 2010 Tallin
Miembro de la Unión de Compositores de Estonia desde 1955
Miembro de la Asociación de Cine de Estonia desde 1968
Miembro de la Unión de Teatro de Estonia desde 1982
Eino Tamberg es un compositor con talento para el teatro, un
romántico y un bardo del amor en la música estonia. La música para orquesta y
escenario ocupa un lugar central en su obra: es autor de cuatro sinfonías,
nueve conciertos para instrumento solista y numerosas obras para escenario.
El Concierto Grosso (1956) de Tamberg, con tintes
neoclásicos, fue una de las obras fundamentales de la “nueva ola” que marcó el
regreso del modernismo a la música estonia post-estalinista, y también se
presentó en el Festival de Primavera de Praga en 1959. Realidad social y
actualidad Las tendencias musicales no son la influencia más importante en el
trabajo de Tamberg, que, incluso en tiempos cambiantes, resuena con la belleza
y el dolor del ser humano. El amor es el tema omnipresente en la obra de
Tamberg, y la experiencia literaria y poética también se refleja profundamente.
El propio compositor ha dividido su obra en cinco periodos.
Ya en el primer período (1955-1965) mostró interés por la música sinfónica y
los géneros escénicos. Aunque en obras anteriores (Shostakovich, Prokofiev) se
podían escuchar influencias sinfónicas rusas, en esos años el compositor estaba
forjando un lenguaje personal único: un discurso musical fundado en intervalos
nucleares, timbres personalizados, ritmos exaltados y patrones simbólicos
eufónicos, como si anhelara algo, mundos ideales.
En el segundo período (1967-1978), Tamberg experimentó con
las posibilidades de la música dodecafónica (“Toccata” para orquesta sinfónica,
1967; ballet “Joanna tentata”, 1970), pero el pensamiento tonal y un concepto
musical dramatúrgico continuaron siendo características definitorias. Se
completaron muchas obras importantes para orquesta y escenario: Concierto para
trompeta n.° 1 (1972), ópera “Cyrano de Bergerac” (1974), Sinfonía n.° 1 (1978)
y otras.
El estilo de Tamberg se volvió más íntimo en el tercer
período poshiatal (1981-1983), y sus paisajes sonoros se esculpieron más
finamente. El pensamiento modal y las influencias minimalistas entraron en el
idioma, dando lugar a obras que se consideran parte del panteón de la música
estonia y que se inspiraron directa o indirectamente en el tema del amor:
Concierto para violín (1981), oratorio “Amores” (1981), ópera “Vuelo” (1983).
El cuarto período (1984-1990) fue una época de búsqueda. Las
melodías populares y sus mecanismos de desarrollo (variabilidad y heterofonía)
volvieron a aparecer en la música de Tamberg: el quinteto de viento “Shepherd's
Melodies” (1984), las Sinfonías n.° 2 (1986) y n.° 3 (1989).
En el quinto período (1991-1999), Tamberg se liberó de los
cánones formales y tonales. El resultado fue una obra como una secuencia libre
de eventos auditivos, un “viaje” cuyo final no podía predecirse. El número de
piezas se hizo más pequeño y la textura más detallada. Las posibilidades de
color tonal, ritmo y polifonía cobraron predominio. El silencio es a menudo más
importante que los estallidos de emoción en la música de Tamberg de los años
90, la detención más importante que el impulso. Los símbolos de la belleza y el
amor pasaron a un segundo plano o pasaron rápidamente como sombras
melancólicas. No pocas de las obras de este período suenan a comentario
filosófico de trabajos anteriores. La Sinfonía n.º 4 (1998) es representativa
de este período.
En los últimos años, el lenguaje musical de Eino Tamberg se
ha vuelto conciso y aforístico. El género del concierto con su enfoque
monológico se ha vuelto prominente. El nuevo estilo se refleja de manera
intrigante también en las obras de cámara, donde el detalle y el timbre pueden
dar su opinión. Parece que al compositor sólo le interesan los estados de energía
más generales: el movimiento y el movimiento congelado, la vitalidad y la falta
de vida. El tono principal de la música es lúdico o irónico, y parece que
luchar contra la rutina en el discurso musical es más importante que la
expresión.
La educación musical de Eino Tamberg comenzó tocando el
piano en casa y continuó con lecciones de piano bajo la tutela de Valentine
Riives. De 1947 a 1953, Tamberg estudió composición en el Conservatorio de
Tallin con el profesor Eugen Kapp. Tamberg se ha desempeñado como director
musical en el Teatro Dramático de Tallin (1952-1953) y como director de sonido
en la Radio de Estonia (1953-1959). De 1960 a 1969 fue asesor de la Unión de
Compositores de Estonia. Desde 1968, Eino Tamberg es miembro de la facultad de
composición de la Academia de Música de Estonia; fue jefe del departamento de
composición entre 1978 y 2005 (incluido un año sabático) y profesor desde 1983.
Treinta y un compositores estonios se graduaron durante su mandato, entre ellos
Raimo Kangro, Mari Vihmand, Toivo Tulev, Peeter Vähi, Margo Kõlar y Alo
Mattiisen. .
La música de Eino Tamberg se ha interpretado en muchos
países europeos (Alemania, Finlandia, Suecia, Francia, Dinamarca, Noruega,
etc.), Canadá y Estados Unidos y en grandes salas de conciertos (entonces)
soviéticas en Moscú, Leningrado, Riga, Ereván y Novosibirsk, Tbilisi y otras
ciudades. Sus obras orquestales han sido interpretadas por la Filarmónica de
Nueva York, la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington, la Orquesta
Filarmónica Real de Estocolmo, la Orquesta Sinfónica de Gotemburgo, la Orquesta
Filarmónica de Helsinki, la Orquesta Sinfónica de Oslo, la Orquesta Sinfónica
Académica Filarmónica de Leningrado, la Orquesta Sinfónica de la URSS, la
Orquesta Sinfónica Filarmónica Estatal de Moscú con muchos directores de
renombre (Neeme Järvi, Paavo Järvi, Kurt Masur, Valery Gergiev, Mstislav
Rostropovich, Jevgeny Svetlanov, Kirill Kondrashin, Dmitri Kitayenko, Maksim
Shostakovich, Lev Markiz, Nikolai Alexeev, Eri Klas, Peeter Lilje, Arvo Volmer y
otros) dirigiendo.
Muchas de las obras de Tamberg han sido compuestas para
artistas de fama mundial, incluida la orquesta de cámara canadiense Lyra
Borealis (“Journey for Strings”, estrenada en Toronto en 1990), el quinteto
Stockholm Chamber Brass (“Music for Five”, estrenada en 1993 en Verona) y el
trompetista alemán Matthias Höfs (Concierto para trompeta n.º 2, estrenado en
Tampere en 1999). El Concierto para trompeta n.º 1, escrito en 1972, fue un
encargo del virtuoso de la trompeta rusa Timofei Dokshizer. La pieza se ha
interpretado decenas de veces en los grandes escenarios del mundo, con solistas
como, entre otros, Håkan Hardenberger, Philip Smith y Rolf Smedvig.
“Celebration Fanfares” fue un encargo de los intérpretes de la Filarmónica de
Nueva York y Neeme Järvi para el 50º aniversario de la ONU; se estrenó en 1995
en Nueva York en un concierto dedicado al evento. En octubre de 2003, la
Orquesta Sinfónica de Detroit, dirigida por Neeme Järvi, interpretó por primera
vez la nueva obra “Festive Music”, encargada para la inauguración de una nueva
ala de la sala de conciertos de Detroit. El Festival de Helsinki (“Waiting”,
1991), el Festival David Oistrakh (Concierto para flauta, 2003), el Festival
Internacional de Pianistas “Klaver” (“Non-stop y Postlude para cuatro”, 2004) y
el festival Estonian Music Days, entre muchos otros, han encargado obras a
Tamberg.
Tamberg también mantiene una estrecha colaboración con
artistas estonios como la Orquesta Sinfónica Nacional de Estonia, la Orquesta
de Cámara de Tallin, el NYYD Ensemble, el Quinteto de Viento Jaan Tamm, la
Camerata Tallin, el Cuarteto de Saxofones de Tallin, la mezzosoprano Leili
Tammel, el saxofonista Villu Veski, el clarinetista Toomas Vavilov, el
fagotista Martin Kuuskmann, el violonchelista Aare Tammesalu y muchos otros.
Durante la temporada de conciertos 1997/1998, Tamberg fue el compositor
residente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Estonia. Las óperas y ballets
del compositor han sido producidos por la Ópera Nacional de Estonia y el Teatro
Tartu Vanemuine.
El sello discográfico Antes ha producido dos CD (1997, 2000)
y BIS un CD (2010) con obras de Eino Tamberg; en 2009, sus conciertos para
trompeta fueron editados en CD. La música del compositor también ha aparecido
en Melodiya, Finlandia, BIS, Estonian Radio y otros discos. El libro
“Sentimental Journey” ofrece una imagen de la vida y obra de Tamberg. Eino
Tamberg”, publicado en la primavera de 2005 por el Centro de Información
Musical de Estonia.
En 1960, Eino Tamberg recibió el título honorífico de
Trabajador de Arte Merecido de la RSS de Estonia y, en 1975, Artista del Pueblo
de la RSS de Estonia.
Eino Tamberg recibió el primer premio en el Concurso del
Festival Mundial de Jóvenes y Estudiantes de Moscú (1957, por Concerto Grosso),
el Premio de la Estonia Soviética (1967), el Premio Estatal de la RSS de
Estonia (1987), el Premio Anual de Música de la RSS de Estonia (1979, 1984) y
el Premio Cultural Estatal de Estonia en dos ocasiones: en 1999 por la Sinfonía
nº 4 y en 2006 por su destacada actividad creativa de larga data. También
recibió dos veces el Premio Anual del Fondo de Música del Fondo Cultural de
Estonia: en 1998 por la Sinfonía nº 4 y en 2002 por la obra escénica “The
Mirror Conspiracy” (ballet corto “Going into a mirror” y corto ópera “Me
gustaría convertirme en humano”). Por su enseñanza de la música y su
contribución a lo largo de su vida a las artes musicales, Eino Tamberg obtuvo
el Premio Anual del Fondo Cultural de Estonia en 2005. En 2010, Tamberg recibió
el Premio de Composición del Consejo de Música de Estonia.
(actualizado en octubre de 2010) Los textos de la página web
de la EMIC están protegidos por la ley de derechos de autor. Se pueden utilizar
con fines no comerciales haciendo referencia al autor (cuando se especifique) y
la fuente (Centro de Información Musical de Estonia).
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con la Sinfonía Nº 1, en la versión de la Orquesta de la Radio de Estonia,
dirigida por Neeme Järvi.
Ingeborg Simon, más conocida como Inge Borkh, nació en Mannheim,
entonces República de Weimar, actual Alemania, el 26 de mayo de 1917 o 1921, y
murió en Stuttgart, Alemania, el 26 de agosto de 2018. Soprano.
Murió a los 97 años -algunos sostienen que eran 101-, el 26
de agosto pasado, en una casa de retiro de Stuttgart. Lo cierto es que la
imponente Inge Borkh conservaba sus atributos, bella aún a sus 95, cuando fue
homenajeada en Múnich donde había inaugurado la reconstruida Ópera Nacional en
1963 con La mujer sin sombra, de Richard Strauss, junto a Ingrid Bjoner, Martha
Mödl, Dietrich Fischer Dieskau, Jess Thomas, Hans Hotter y la jovencita
Brigitte Fassbänder, una irrepetible reunión de gigantes bajo la batuta de
Joseph Keilberth.
Con ella se extingue una antorcha que encendía la tragedia
en su voz, la última de las grandes straussianas de su generación era eso: puro
fuego, lava, llamarada. La Salomé y la Elektra de su época, papeles implacables
que cantó durante un cuarto de siglo. Solo de la vengativa hija de Agamenón
hizo 300 representaciones, y téngase en cuenta que unas pocas pueden arruinar
para siempre una voz de acero.
Pero la suya no poseía el metal cortante de Astrid Varnay o
Birgit Nilsson, que la eclipsó en América, ni la belleza mediterránea de Renata
Tebaldi, mejor candidata a grabaciones que pudieron inmortalizarla. Su voz en
cambio tenía esa opacidad velada con fulgores intermitentes inherente a voces
teutónicas, era una voz desgarrada y carnal, tan humana como apocalíptica,
semejante a la incomparable Leonie Rysanek, a Martha Mödl, Christel Goltz, Erna
Schlüter, o a la americana Gladys Kuchta.
Esta rugiente leona era una experta en plasmar sus
personajes en grandes pinceladas salvajes; auxiliada por una estampa
avasalladora, única, esa figura no podía no ser la de una gran trágica. Y lo
fue, porque en el principio quiso ser solo actriz. Nacida en Mannheim, cuando
en 1933 la familia tuvo que emigrar a Austria porque su padre era judío, Ingeborg
Simon (su verdadero nombre) cursó estudios con Max Reinhardt en Viena debutando
en teatro en 1937 en Linz. Pero con el fatídico Anschluss de 1938, los Simon
terminaron en Suiza. De Ginebra y luego Basilea a estudiar canto en Milán para
debutar en 1940 en Lucerna con Millocker, Lehar y Mozart. La consagración llegó
en 1951 en el estreno alemán de El cónsul de Menotti: la fugada de los nazis
con conocimiento de causa componía una estremecedora, antológica Magda Sorel.
La década del cincuenta marcó su plenitud mediante un paso
demasiado breve por el Festival de Bayreuth, de Wieland Wagner, como Siglinda
en La Valquiria y Freia en El oro del Rhin; en 1952 dio paso al gran repertorio
de las jóvenes dramáticas o spinto: Senta, Aída, las Leonoras verdianas y la
beethoveniana, Amelia, Euryanthe, Clitemnestra (de la Ifigenia de Gluck),
Alceste, una sola Elsa, Agata, Santuzza, Maddalena de Chenier, Adriana, Tosca y
una importante Lady Macbeth que marcó su debut americano en San Francisco en
1955 llevándola hacia la de Ernest Bloch, más acorde a su temperamento y que
supo terminar con la de Shostakovich en la Scala de Milán.
Si Medea y Turandot (la cantó en el Colón porteño en 1958)
fueron polémicas, Borkh logró grabar su vibrante princesa de hielo, más cálida
y apasionada que otras; Salomé y Elektra (y luego Helena y la inolvidable
Tintorera de La mujer sin sombra) le aseguraron su lugar en la historia de la
ópera, tanto que llamó a su autobiografía No solo Elektra y Salomé. Su incisiva
princesa de Judea era la contracara de la paradigmática Ljuba Welitsch que se
“suicidó” vocalmente con Salomé. En el esencial disco de escenas de ambas
heroínas bajo Fritz Reiner se comprueba su entrega sin reservas, Borkh
encarnaba ambas princesas, a las que más tarde añadió la Antígona de Carl Orff.
En 1973, con treinta y tres años de carrera a cuestas, este
genuino animal escénico dijo adiós a sus feroces hermanas después de una
Elektra -otra más- en Palermo para reaparecer como actriz shakespeariana en la
madre de Coriolano, Hamburgo, 1977. Y otra vez impredecible, revelándose como
diseuse en Inge Borkh canta sus memorias con un timing perfecto, tomándose el
pelo y una voz que sobraba, una extraña mezcla de Lotte Lenya e Hildegard Knef.
A los ochenta y tantos, en 1999, grabó una Elektra recitada con acompañamiento
de piano que permanece inédita; quienes la escucharon aseguran es un testamento
de su histrionismo intacto.
Al morir su marido, el bajo barítono Alexander Welitsch
(1906-1991), siguió trabajando, escribiendo, enseñando, impulsando la carrera
del barítono Christian Gerhaher, entre otros intérpretes, y también nadando con
férrea disciplina cada día. Publicó otra autobiografía (El teatro no me deja) y
a sus noventa y cinco fue requerida con honores merecidísimos en la Ópera muniquesa,
“su casa”, rodeada de viejos adoradores y flamantes admiradores que recién la
descubrían. Aquella actriz que se expresaba con una voz torrencial de agonía y
éxtasis, que prefería a un Richard (Strauss) sobre otro (Wagner), vehemente,
decidida y vital como siempre, era el eslabón entre el turbulento pasado
germánico y el presente incierto. Sus ojos desmentían que estaba casi ciega y
su cara como un pergamino ajado era tanto o más bella que la que de joven se
transfiguraba en la de sus hermanas de la Antigüedad.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con dos momentos de su carrera. El dúo O Namenlose Freude, de la ópera Fidelio,
de Ludwig van Beethoven, con Jess Thomas, y el aria Vieni t´affretta, de la
ópera Macbeth, de Giuseppe Verdi, junto a la Orquesta Filarmónica de Viena,
dirigida por Herbert von Karajan.
El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta:
Tributo a Yehudá Mimón.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Yehudá Mimón: el riesgo de vivir
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Yehudá Mimón Waserman nació en Cracovia, Polonia, en 1924. Sus
padres, Sara y Meir, tenían un hijo mayor llamado Moshe. Yehudá recibió
educación judía y asistió a los movimientos juveniles. En 1939 la Alemania nazi
ocupó Cracovia y rápidamente comenzaron las persecuciones a los judíos. Yehudá
se unió al grupo clandestino Akiva para luchar contra los nazis. La madre y el
hermano de Yehudá fueron trasladados al campo de trabajo de Plaszow, donde Sara
fue asesinada. El padre de Yehudá fue asesinado en Belzec. El 22 de diciembre
de 1942, Yehudá y otros miembros de la resistencia recibieron órdenes de ayudar
en un asalto al café Cyganeria en Cracovia, donde se reunían los soldados
alemanes. Soldados y oficiales alemanes murieron en el ataque, que resonó en
toda Polonia. Los alemanes arrestaron a Yehudá,fue encarcelado y deportado a Auschwitz en abril de 1943. El 18 de enero
de 1945, Yehuda y cinco de sus camaradas escaparon de la marcha de la muerte de
Auschwitz y se escondieron hasta que fueron liberados. En junio de 1946, Yehudá
emigró a Eretz Israel con Aviva Lieberman, con quien más tarde se casó, Yehudá
y Aviva tienen dos hijos, siete nietos y dos bisnietos.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Luther Robinson, más conocido como Bill Bojangles Robinson,
nació en Richmond, Virginia, Estados Unidos, el 25 de mayo de 1878, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 25 de noviembre
de 1949. Bailarín, actor y cantante.
Bill Robinson, apodado Bojangles fue un bailarín de claqué,
actor y cantante estadounidense, y fue el artista afroamericano más conocido y
mejor pagado de Estados Unidos durante la primera mitad del siglo 20.
Su carrera comenzó en la era de los espectáculos minstrel y
luego pasó al vodevil, el teatro de Broadway, la industria discográfica, las
películas de Hollywood, la radio y la televisión.
Su rutina emblemática fue el Stair Dance (baile en la
escalera), en el que subía y bajaba escaleras con una secuencia de pasos con un
ritmo complejo, una rutina que intentó, sin éxito, patentar.
Robinson introdujo el baile "de puntillas" en el
claqué. Moviéndose principalmente de cintura para abajo, Robinson tenía un
control impresionante de su cuerpo. El hecho de que Robinson rara vez usara los
talones marcó un cambio significativo en la técnica de popular del claqué.
Debido a su habilidad para ser ligero en sus pies pero
impecable en sus ritmos, Robinson fue llamado el "Padre de la
Claqueología".
También fue famoso por su habilidad única para correr hacia
atrás, casi tan rápido como otros hombres podían correr hacia adelante; una vez
corrió casi 92 metros hacia atrás en 13,5 segundos.
Es mejor conocido hoy por su baile con Shirley Temple en una
serie de películas durante la década de 1930, y por protagonizar el musical
Stormy Weather (1943), basado libremente en su propia vida y seleccionado para
su preservación en el Registro Nacional de Cine.
Usó su popularidad para desafiar y superar numerosas
barreras raciales, incluso convertirse en:
Uno de los primeros intérpretes de minstrel y vodevil en
aparecer como negro sin el uso de maquillaje Blackface.
Uno de los primeros artistas negros en actuar en solitario,
superando la regla de dos colores del vodevil.
Uno de los primeros artistas negros en espectáculos de
Broadway.
El primer artista negro en aparecer en una película de
Hollywood en un equipo de baile interracial (con Shirley Temple en The Little
Colonel, 1935)
El primer artista negro en encabezar una producción de
Broadway de etnia mixta.
Robinson fue una figura popular en el mundo del
entretenimiento en blanco y negro de su época, y es recordado por el apoyo que
brindó a sus compañeros artistas, incluidos Fred Astaire, Lena Horne, Jesse
Owens y los Nicholas Brothers.
Sammy Davis Jr. y Ann Miller lo acreditaron como maestro y
mentor, Miller dijo que "cambió el curso de mi vida".
Gregory Hines produjo y protagonizó una película biográfica
sobre Robinson por la que ganó el premio al mejor actor de la NAACP.
A pesar de ser el artista negro mejor pagado de la época,
Robinson murió en 1949 sin un centavo, debido a su generosidad y sus hábitos de
juego. Su funeral pagado por su viejo amigo Ed Sullivan.
En 1989, el Congreso estableció que el cumpleaños de
Robinson, el 25 de mayo, fuera el Día Nacional del Claqué.
A continuación, lo recordamos el en día de su nacimiento,
con The Sand Dance, fragmento de la película Stormy Weather.
A continuación, de Ludwig van Beethoven, el Trío para
Piano en Re Mayor Op. 70 Nº 1, denominado Fantasma, en la versión de Eugene
Istomin en piano, Isaac Stern en violin, y Leonard Rose en violonchelo.
Abraham Geiger nació en Fráncfort del Meno, entonces Gran
Ducado de Fráncfort, el 24 de mayo de 1810, y murió en Berlín, entonces Imperio
alemán, el 23 de octubre de 1874. Historiador, rabino, profesor universitario y
teólogo.
El sitio www.cdijum.mx
publicó este recordatorio firmado por Luis
Fernando Meneses.
Abraham Geiger: el padre del judaísmo reformista
CDIJUM 24 mayo, 2019
El rabino Abraham Geiger nació el 24 de mayo de 1810.
Por Luis Fernando Meneses
Durante el siglo XIX, había rabinos europeos que pensaban
que el judaísmo se encontraba en una especie de estancamiento, por lo que
decidieron comenzar un movimiento que permitiera recuperarlo de dicho estado. A
este movimiento se le llamó “reformismo”. El más famoso de esos rabinos fue
Abraham Geiger, quien por muchos es considerado el padre del judaísmo reformista.
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Abraham Geiger nació en Frankfurt el 24 de mayo de 1810.
Estudió en Heidelberg y Bonn. El rabino Geiger comenzó a concebir la idea de
proyectos de reformas al judaísmo debido a los estudios que había realizado,
además de la tendencia a la alza de los judíos alemanes a separarse de la
religión.
De acuerdo con la enciclopedia judaica, Geiger pretendía
“eliminar del judaísmo todo lo que podía rebajarlo ante la mente científica del
siglo XIX y depurarlo de todos sus elementos nacionales para que el judío pudiese
ser un individuo tan respetable y respetado como su vecino cristiano”. Pensaba,
por ejemplo, que esto podría lograrse introduciendo reformas de manera
paulatina, proclamando el carácter universal, ético e individual de la religión
judía o limitando el uso del hebreo en las liturgias. Por otro lado, consciente
del fracaso de otros reformistas anteriores a él, decidió no tomar las medidas
drásticas que fallaron antes, implantando así el principio de la continuidad
histórica.
Aunque había muchos rabinos apoyando el movimiento
reformista, él ganó más relevancia gracias a sus trabajos en torno al tema,
mismos que desarrolló con la intención de buscar apoyo histórico en su tesis de
reforma.
En 1863 aceptó el rabinato de su ciudad natal, luego de
fungir como el segundo rabino en Breslau; y en 1870 se trasladó a Berlín tras
ser nombrado como profesor en el Instituto Superior de Estudios Judíos
(Lehranstalt für die Wissenschaft des Judentums).
Símbolo de la otología: él fue Robert Barany
Geiger trabajó junto con otros rabinos reformistas como
Samuel Holdheim, de quien terminó distanciándose por diferencias entre ellos
–pese a que ambos tenían como uno de los objetivos primordiales de la reforma
terminar con el antisemitismo de Europa-, ya que Holdheim pensaba por ejemplo
que se debía trasladar los ritos de Shabat al domingo, cambio al que se opuso
siempre Geiger.
Abraham Geiger falleció el 23 de octubre de 1874. Sin
embargo, su legado quedó plasmado en sus obras, entre las cuales destacan:
Lehr- und Lesebuch zur Sprache der Mischna (Gramática y lectura del lenguaje de
la Mishná, 1845); Studien (Estudios, análisis de la obra del filósofo medieval
judío Maimónides, 1850) y Das Judentum und seine Geschichte (El judaísmo y su
historia, 1865-1871).
Petras Baublys. Un médico que hizo el bien. El orfanato de
Kovno (Kaunas)
Como hemos dicho muchas veces y espero que se siga pudiendo
decir, las guerras y las catástrofes destapan lo mejor y lo peor de los seres humanos.
Petras Baublys fue un médico pediatra que dirigía el
orfanato de la ciudad lituana de Kaunas (Kovno). El orfanato estaba y está
ubicado en las proximidades del antiguo gueto de Kovno. Dada esta cercanía el
orfanato fue usado como un lugar en el que se ocultaba a niños judíos de forma
definitiva o de forma temporal hasta que eran llevados de forma clandestina a
otros lugares.
Los niños judíos que hablaban algo de lituano se quedaban
dentro del orfanato y los que no hablaban lituano o eran mayores eran llevados
desde el mismo a familia que les
ocultaban. El Dr. Baublys ocultaba al personal del orfanato el origen de los
niños.
El destino de los niños judíos fue absolutamente trágico
durante el Holocausto. Fue junto con las mujeres el grupo que más sufrió. Con
los niños los nazis demostraron una especial inquina: eran los depositarios de
la sangre “impura”. Durante el Holocausto los niños padecieron además de las
mismas crueldades que los adultos todo tipo de experimentos médicos y perdieron
la posibilidad de tener una vida. Fueron vidas truncadas. Se estima en más de
un millón el número de niños desaparecidos en el Holocausto.
En 1977, el Dr. Petras Baublys fue reconocido de forma
póstuma como Justo entre las Naciones por el Estado de Israel. Su hermano y su
cuñada también fueron reconocidos como Justos, por haber ocultado a judíos.
En 1924 Igor Stravinsky recibió el encargo de una obra. El
pedido lo formuló el director de orquesta Serge Koussevitzky.
El resultado fue el Concierto para Piano e Instrumentos de
Viento Op. 42, que el compositor estrenó el 22 de mayo de 1924, en la Ópera de
París, con la orquesta dirigida por Koussevitzky.
Orquestación: flautín, 2 flautas, 2 oboes, corno inglés, 2
clarinetes, 2 fagotes (2º = contrafagot), 4 trompas, 4 trompetas, 3 trombones,
tuba, timbales, bajos y solo piano
Primera interpretación Los Angeles Philharmonic: 6 de
septiembre de 1972, con Roger Woodward como solista y Lukas Foss como director.
Cuando Stravinsky se trasladó de Suiza a Francia en jun de
1920, el compositor poco podía prever los tremendos cambios que iban a
producirse en su vida personal y artística. En febrero de 1921 conoció a la
artista Vera de Bosset (Mme. Serge Sudeikin), que se convertiría en su
compañera durante 50 años, los primeros 18 de los cuales hicieron que el
compositor llevara una doble vida con respecto a su mujer y su familia. En el
terreno artístico, Stravinsky, exiliado ruso a causa de la revolución
bolchevique, se encontró en un París dominado intelectualmente por el
movimiento neocatólico francés conocido como neotomismo, basado en los
principios de la escolástica medieval derivada de los escritos de Tomás de
Aquino. El neo-tomismo enfatizaba la obra de arte como un artefacto de orden,
forma, disciplina y, sobre todo, trabajo y artesanía al servicio de algo
distinto o trascendente de las emociones del artista; en resumen, lo universal.
Este movimiento "neoclásico" fue una reacción al desorden, la falta
de forma y de disciplina que se percibían en una estética que fomentaba la
expresión individual de las emociones descontroladas del artista; en una
palabra, el Romanticismo.
Al entrar en este ambiente intelectual maduro y darse cuenta
de que estaba física, artística y espiritualmente aislado de la canción popular
rusa que había impregnado su trabajo hasta ese momento, Stravinsky eligió
repensar su posición estética y comenzó a formular una filosofía del arte. Este
cambio en su pensamiento musical tuvo lugar durante el breve período de dos
meses que transcurrió entre la finalización de sus Sinfonías para Instrumentos
de Viento (generalmente reconocidas como la última obra de su período
"ruso"), el 30 de noviembre de 1920, y el fugato del Octeto para
Instrumentos de Viento, el 1 de febrero de 1921.
Este cambio estético es más notable en lo que respecta a la
apropiación por parte de Stravinsky de las formas del siglo XVIII como modelos
de trabajo, y su nuevo énfasis tanto en los instrumentos de viento como en
piano para hacer realidad la claridad de una música absoluta libre de
asociaciones ajenas a sí misma. En palabras de Stephen Walsh, estudioso y
biógrafo de Stravinsky: "En todas las primeras obras neoclásicas de
Stravinsky, el uso de la forma clásica es referencial más que orgánico, y se
interpreta mejor, como sus otros recursos 'clásicos', como simbólico". En
cuanto al uso de instrumentos de viento para plasmar mejor el sonido de sus
nuevas ideas, Stravinsky lo expresó de la siguiente manera: "Los
instrumentos de viento me parecen más aptos que otros instrumentos para dar
cierta rigidez a la forma que tenía en mente... la diferencia de volumen de
estos instrumentos hace más evidente la arquitectura musical".
Stravinsky terminó Concierto para Piano and Wind Instruments
el 21 de abril de 1924. Tras escuchar un ensayo privado en París, el director
de orquesta Ernest Ansermet comentó a un amigo: "Acabo de escuchar el
Concierto Piano de Stravinsky, admirablemente interpretado por el compositor.
Es una obra muy importante... ¡en la línea del Octeto pero en un estilo más
monumental y à la Bach!". Fiel a un concierto del siglo XVIII, el de
Stravinsky consta de tres movimientos -rápido con introducción lenta, lento,
rápido-, pero eso es lo más parecido. A la luz de esta afirmación, dejaremos
que nada menos que una autoridad como Béla Bartók tenga la última palabra:
"La opinión de algunas personas de que el estilo neoclásico de Stravinsky se
basa en Bach, Haendel y otros compositores de su época es bastante
superficial... sólo recurre al material de ese periodo, a los patrones de Bach,
Haendel... Stravinsky utiliza este material a su manera, arreglándolo y
transformándolo según su propio espíritu individual.... Si también hubiera
intentado transponer el espíritu de Bach o Haendel a su obra, el resultado
habría sido la imitación y no la creación".
Steve Lacoste es Archivero de la Asociación Filarmónica de
Los Ángeles.
A continuación, de Igor Stravinsky, el Concierto para Piano
e Instrumentos de Viento Op. 42, en la versión de Tamara Stefanovich, y la Orquesta
Sinfónica de la Radio de Berlín, dirigida por Vladimir Jurowski.
El canto y la música son artes por sí mismas. Cuando ambos
se juntan, el resultado puede ser más profundo, más emocionante, más hermoso. El
ingrediente necesario para que eso ocurra es el transmisor del canto y de la
música.
Y si unimos a las virtudes intrínsecas del transmisor del
canto y de la música su sensibilidad humana, se consigue un resultado mucho más
cercano. El oyente llega casi casi a tocar al intérprete. Y el puente que se
crea entre el público y el músico se vuelve más íntimo.
Nació en una familia muy dada a la empresa y al arte. Es
hijo de un personaje que brilló de manera muy especial en el mundo de la
cultura vasca. ¿Por qué no nos su infancia en torno a ese ambiente
artístico?...
Tendría que empezar diciendo que mi padre tuvo una enorme
influencia en mí y en todos mis hermanos. Mi padre, Antonio Valverde “Ayalde”,
era pintor, hombre de arte, escritor y dueño de una empresa. Yo nací en el
mismo edificio de la empresa; por lo tanto, se puede decir que vine al mundo
debajo de una imprenta. Vivíamos allí y eso me marcó para siempre. Y, claro, la
afición de mi padre por el arte me permitió desde bien pequeño tener contacto
directo con mucha gente perteneciente a diversas disciplinas artísticas.
Hice los mismos estudios básicos que podía hacer cualquiera
y, al terminar, empecé la carrera en la ESTE de Donostia. Y la terminé. Y como
estaba prácticamente predestinado a la empresa familiar, me puse a trabajar en
ella. El trabajo ha sido lo más importante de mi vida. Nunca me hubiera
atrevido a hacer de la música y el canto mi profesión. He trabajado hasta la
jubilación y, mientras tanto, también he cultivado el arte, aprovechando las
oportunidades que me permitían mis responsabilidades empresariales.
Ese doble perfil de mi padre como dueño de una industria
gráfica y amante del arte hizo que por la empresa pasaran muchos artistas de
entonces. Todavía tengo clavado en la retina a Nestor Basterretxea sobre una
plancha de imprimir y con un lápiz litográfico en la mano diseñando un cartel;
Jorge Oteiza también pasó por el taller mil veces; y lo mismo los pintores de
la escuela del Bidasoa, a los que les preparábamos los catálogos... Todo eso
marcó vivamente mi afición por el arte.
Pero no fue esa la única manifestación artística de mi
familia. Una tía mía, Maria Josefa Valverde, era organista, y según dicen fue
la alumna preferida de Jesus Guridi. De hecho, la cátedra de órgano de Guridi la
ganó mi tía, cuando este la dejó. Tenía una estrecha relación con nosotros y en
verano solía venir a nuestra casa de Donostia, por lo que ésta rebosaba de
ambiente musical y, gracias a eso, pude conocer a muchos músicos, como Guridi,
Aita Donostia y Urteaga. Eso también tuvo una honda repercusión en mí.
Antton Valverde (Donostia, 1943)
Músico vasco. Antton Valverde terminó la carrera de ESTE en
Donostia y comenzó a trabajar en la empresa familiar, Gráficas Valverde.
De joven estudió música y en la década de los 60 comenzó su
carrera musical. Se ha movido a la vez entre el mundo de la música y el de la
empresa. Tras publicar varios discos pequeños, fue uno de los miembros del
grupo Oskarbi y participó en el disco “Eskutari” (Herri Gogoa, 1972). A
continuación, comenzó una estrecha colaboración con Xabier Lete y Julen
Lekuona. Con ellos publicó “Bertso zaharrak” (Herri Gogoa, 1974), trabajo que
recuperaba bertsos de una época pasada. A los dos años publica junto con Xabier
Lete un disco que tenía como base el bertsolarismo “Txirritaren bertsoak”
(Herri Gogoa, 1976). Para entonces ya había sacado a la luz su primer disco
largo en solitario “Antton Valverde” (Herri Gogoa, 1975). El siguiente disco
estuvo dedicado a uno de sus poetas favoritos: “Lauaxeta” (Herri Gogoa, 1978).
Este poeta ha ha sido una de las fuentes principales de Valverde. A la hora de
componer Valverde ha utilizado poemas escritos por Lete, Bitoriano Gandiaga o
Joxean Artze.
En 1983 participó, junto a Xabier Late, en el homenaje que
se le hizo a Xabier Lizardi. De ahí nació un disco muy especial, “Urte giroak
ene begian” (Elkar, 1986).
Tuvieron que pasar 11 años para el siguiente disco:
“Larogeitamazazpi” (Elkar, 1997). En este disco se incluye una canción
compuesta por el mismo Valverde, “Barberian”. En 2007 publicó un nuevo trabajo,
“Hamabi amodio kanta” (Elkar, 2007).
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Amonaren
hileta, Funeral de la abuela.
Una selección de textos de distintos autores y tiempos para
disfrutar en silencio. Reflexiones, pensamientos, frases y poesía para
acompañarte allí donde te encuentres.
Hoy: El Testamento de Heiligenstadt – Ludwig van Beethoven.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Selección en la plataforma, Birkenau, Polonia, 27.5.1944.
Las personas están en camino a la cámara de gas II, cuyo crematorio es
discernible en el centro de la fotografía, arriba.
Auschwitz-Birkenau, Polonia, 27.5.1944, judíos parados en el
andén del tren
El campo de concentración y campo de exterminio nazi más
grande, ubicado cerca de la ciudad polaca de Oswiecim, a 60 km. al oeste de
Cracovia, en la región de Polonia anexada a Alemania a comienzos de la Segunda
Guerra Mundial. La sexta parte de todos los judíos asesinados por los nazis fue
gaseada en Auschwitz.
Fue construido en abril de 1940 por orden del jefe de las
SS, Heinrich Himmler, y comandado por el teniente coronel de las SS Rudolf
Hess. Los primeros prisioneros políticos polacos llegaron a Auschwitz en junio
de 1940, y en marzo de 1941 había 10.900 confinados, en su mayoría polacos.
Pronto se hizo famoso como el más brutal de todos los campos de concentración.
En marzo de 1941, Himmler ordenó la construcción de una
segunda sección, mucho más grande que la primera, a unos 3 km. del campo
principal. Este lugar, destinado a campo de exterminio, fue denominado Birkenau
o Auschwitz II. De hecho, Birkenau alojó a la mayor cantidad de prisioneros del
complejo de Auschwitz: judíos, polacos, alemanes y gitanos. También tenía las
peores y más inhumanas condiciones, e incluía las cámaras de gas y el
crematorio del complejo.
Una tercera sección, Auschwitz III, construida en la cercana
Monowitz. Consistía en un campo de trabajos forzados denominado Buna-Monowitz y
otros 45 campos anexos de trabajos forzados. El nombre Buna provenía de la
fábrica de caucho sintético del mismo nombre, perteneciente a la I. G. Farben,
la compañía química más importante de Alemania. Los prisioneros, casi todos
judíos, eran obligados a trabajar en esta y en otras fábricas alemanas hasta
morir exhaustos, y entonces se los reemplazaba por otros.
Auschwitz fue dirigido en la primera etapa por el comandante
del campo Rudolf Hess y vigilado por un cruel regimiento de las unidades Totenkopfverbände
(calavera) de las SS, con la ayuda de un número de prisioneros que recibían
mejores condiciones y alimentación y la posibilidad de sobrevivir a cambio de
imponer el orden brutal en el campo.
Auschwitz I y II estaban rodeados por cercos electrificados
de alambre de púa de varios metros de altura, custodiados por hombres de las SS
armados con fusiles y ametralladoras. A un kilómetro de los cercos se hallaba
una serie de puestos de guardia adicionales.
En marzo de 1942 comenzaron a llegar a diario trenes que
transportaban judíos. En algunas ocasiones llegaban varios trenes el mismo día,
cada uno de ellos con mil o más víctimas procedentes de los guetos de Europa
oriental, así como también de países del oeste y del sur de Europa. Durante
1942 llegaron transportes de Polonia, Eslovaquia, Holanda, Bélgica y Yugoslavia
y de Theresienstadt. Los transportes de judíos y también de gitanos continuaron
durante todo el año 1943. En 1944 fueron llevados a Auschwitz judíos de Hungría
y de los últimos guetos destruidos en Polonia (véase Bombardeo de Auschwitz).
En agosto de 1944 había 105.168 prisioneros en Auschwitz. Otros 50.000
prisioneros judíos vivían en los campos satélites. La población del campo
crecía constantemente, a pesar de la elevada tasa de mortalidad provocada por
la exterminación, el hambre, los trabajos forzados y las enfermedades
contagiosas.
Cuando los judíos llegaban al andén en Birkenau, eran
arrojados fuera de los vagones sin sus pertenencias y obligados a formarse en
dos hileras, hombres y mujeres por separado. Los oficiales de las SS, entre
ellos el Dr. Josef Mengele, realizaban una selección entre las filas. La
mayoría de los recién llegados era enviada a las cámaras de gas, donde eran
asesinados el mismo día y sus cuerpos incinerados en el crematorio. La minoría
restante era puesta en «cuarentena», se les afeitaba la cabeza y se les daban
uniformes a rayas. Registrados como prisioneros, su número de identificación
era tatuado en el brazo izquierdo. La mayoría de ellos debían realizar trabajos
forzados en Auschwitz I, Auschwitz III, en los campos satélites o en otros
campos de concentración, donde generalmente sólo lograban sobrevivir pocos
meses. Los prisioneros que quedaban en «cuarentena» sobrevivían unas pocas
semanas.
Los prisioneros cumplían con una dura rutina de trabajo: se
levantaban al amanecer, formaban fila para el control matutino y marchaban al
trabajo. Tras largas horas de duro trabajo debían colocarse en fila para
recibir una comida miserable, retornaban al campo, pasaban la inspección de las
barracas y volvían a formar fila para la toma de lista nocturna. Durante estos
controles los prisioneros permanecían de pie durante horas, completamente
inmóviles y en silencio, precariamente vestidos cualesquiera fuesen las
condiciones climáticas. Quien caía o aun tropezaba era enviado a la muerte. Los
prisioneros debían concentrar toda su energía para sobrevivir las torturas
cotidianas.
Las cámaras de gas en el complejo de Auschwitz constituyeron
el más grande y eficiente método de exterminio masivo utilizado por los nazis.
Cuatro cámaras funcionaban en Birkenau, cada una de las cuales tenía capacidad
para matar a 6.000 personas por día. Exteriormente parecían salas de duchas,
para así confundir a las víctimas: los recién llegados a Birkenau eran
informados que antes de ir a trabajar necesitaban ducharse y desinfectarse. De
ese modo se los llevaba a las cámaras, donde eran rápidamente gaseados con
Zyklon B hasta morir.
Algunos prisioneros en Auschwitz fueron utilizados para
experimentos médicos, por ejemplo, para medir la resistencia humana en extremas
condiciones de calor y de frío. Otros eran esterilizados, sobre todo las
mujeres. También se experimentaba con personas que constituían casos
especiales, como gemelos y enanos.
A pesar de las horrendas condiciones, existieron casos de
fuga y de resistencia armada. En octubre de 1944, miembros del Sonderkommando,
los grupos de prisioneros que trabajaban en los crematorios, lograron matar a
varios miembros de las SS y destruir una cámara de gas. Todos los sublevados
murieron. Sus diarios personales proporcionan documentación auténtica sobre las
atrocidades cometidas en Auschwitz.
En enero de 1945, ante el avance de las tropas soviéticas
hacia Auschwitz, los nazis, desesperados por huir, enviaron a casi todos los
58.000 prisioneros que quedaban a una «marcha de la muerte» hacia Alemania. La
mayoría de los prisioneros fueron asesinados en el trayecto. El ejército
soviético liberó Auschwitz el 27 de enero. Las tropas encontraron, en todo el
complejo del campo, sólo 7.650 prisioneros al borde de la muerte. En total,
fueron asesinados en Auschwitz aproximadamente un millón de judíos.
Zadoff, Efraim (Ed.), SHOA - Enciclopedia del Holocausto,
Yad Vashem y E.D.Z. Nativ Ediciones, Jerusalén 2004. Basado en: Rozett, Robert & Shmuel Spector
(Ed.), Encyclopedia of the Holocaust, Yad Vashem and Facts On File, Inc.,
Jerusalem Publishing House Ltd, 2000
A continuación, el documental Experimentos médicos en
Auschwitz, realizado por Deutsche Welle.
El ginecólogo Carl Clauberg intentó esterilizar a cientos de
mujeres en Auschwitz. Muchas murieron como consecuencia de sus experimentos
inhumanos. Testigos de la época relatan sus terribles experiencias en el campo
de exterminio.
"Nos llamaban por nuestro número y entonces Clauberg
nos inyectaba algo en la vagina. Y luego a veces decían: ‘Ya no tendrás
niños’". Este es el testimonio de Leny Adelaar, sobreviviente de
Auschwitz. Hace casi 80 años el ginecólogo alemán Carl Clauberg realizó
experimentos para esterilizar a cientos de mujeres en el Bloque 10 de este
campo de exterminio por encargo de Heinrich Himmler, reichsführer de las SS.
Para ello Clauberg hizo uso de preparados hormonales y medios de contraste que
anteriormente había desarrollado con la colaboración de la empresa química
alemana Schering-Kahlbaum. En aquel entonces Carl Clauberg era uno de los
médicos más reputados a nivel mundial en el campo de la reproducción.
Su ambición y sus altas aspiraciones le llevaron a ponerse
al servicio del régimen nazi. Por otra parte, sus investigaciones sirvieron de
base para desarrollar años después la píldora anticonceptiva. Del mismo modo,
sus trabajos sobre control de natalidad e infertilidad forman hoy en día parte
de los cánones de la medicina moderna, aunque la gran mayoría desconoce la
relación entre estos y sus experimentos en Auschwitz.
Las últimas sobrevivientes de aquellas inhumanas pruebas
narran en este documental sus espantosas experiencias y hablan sobre su vida
antes y después de Auschwitz, su sufrimiento, sus pérdidas y cómo lograron
seguir con sus vidas después de los experimentos. Una de ellas incluso tuvo la
increíble suerte de llegar a tener hijos pese a todo.
