Hola, soy Leonardo Liberman.
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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta:
Tributo a Faivel Wichter.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Faivel Wichter: el sol de primavera
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT –Francisco (Faivel) Wichter nació en Maski, Polonia en 1926. Su
padre era zapatero y su madre ama de casa. Tiene cinco hermanos y constituyen
una familia numerosa y rica en tradiciones. Cuando estalla la guerra, la
familia huye para encontrar diferentes escondites pero nada de esto podrá
salvar sus vidas. Solo Feivel sobrevive a la Shoá gracias al empresario Oskar
Schindler que le dio trabajo en la fábrica de cacerolas en Cracovia. Cuando
acaba la guerra, llega a la Argentina con su esposa y allí comienza su segunda
vida. Escribió su historia en un libro titulado “El Undécimo Mandamiento”.
Falleció a los 99 años en febrero de 2025.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Tapio Rautavaara nació en Nokia, Pirkkala, Finlandia, el 8
de marzo de 1915, y murió en Oulunkylä, Helsinki, Finlandia, el 25 de
septiembre de 1979. Atleta, cantante y actor de cine.
El sitio www.allmusic.com/apor Jason Birchmeier
Biografía de Tapio Rautavaara por Jason Birchmeier
Tapio Rautavaara es una leyenda del canto finlandés con más
de 300 canciones en su haber, cuya carrera discográfica se extendió desde 1946
hasta 1979. Nacido el 8 de marzo de 1915 en Nokia, Finlandia, saltó a la fama
inicialmente como medallista de oro en lanzamiento de jabalina en los Juegos
Olímpicos de Verano de 1948 en Londres. Al año siguiente cantó un par de
sencillos de éxito, "Reissumies ja Kissa" y "Päivänsäde ja
Menninkäinen". Había comenzado su carrera como cantante unos años antes,
en 1946, pero no había conseguido un sencillo de éxito hasta 1949, en parte
gracias a su nueva celebridad como medallista de oro olímpico. Su mayor éxito
se produjo a principios de los años 50, cuando publicó algunos de sus grandes
éxitos, entre ellos "Kulkuri ja Joutsen", "Isoisän
Olkihattu", "Ontuva Eriksson", "Sininen Uni" y
"Juokse Sinä Humma". Mientras tanto, también fue una estrella en la
pantalla grande, habiendo debutado en el cine como actor en 1945 con Vain
Sinulle. Al igual que con su canto, su mayor éxito como actor fue durante la
década de 1950, cuando protagonizó una larga lista de películas. Aunque
Rautavaara pasó de moda durante la revolución cultural de los años 60, se
mantuvo activo durante esa década y la siguiente. De hecho, estuvo activo hasta
su muerte el 25 de septiembre de 1979, en Helsinki; sufrió una hemorragia
cerebral después de una caída. La trágica muerte de Rautavaara enriqueció su
legado como icono finlandés y, en años posteriores, su catálogo anterior se
reeditó una y otra vez en una serie de recopilaciones de grandes éxitos y
exhaustivas cajas para coleccionistas. Las más notables de estas recopilaciones
posteriores son En Päivääkään Vaihtaisi Pois - Sata Levytystä Vuosilta
1946--1979 (1995), una caja de cinco CD reeditada para su reedición en 2004, y
Kulkurin Taival (2008), una gigantesca caja de 14 CD.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus grandes éxitos: Juokse sinä humma.
A continuación, de
Wolfgang Amadeus Mozart, el Cuarteto con Piano Nº 1 en Sol Menor K. 478, en la
versión de James Weaver, en
fortepiano; Jaap Schröder, en violín; Judson Griffin, en viola; y Kenneth
Slowik, en violonchelo.
Townes Van Zandt nació en Fort Worth, Texas, Estados Unidos,
el 7 de marzo de 1944, y murió en Nashville, Tennessee, Estados Unidos, el 1 de
enero de 1997. Cantautor y guitarrista.
El sitio www.allmusic.com
publicó este recordatorio firmado por Kurt Wolff.
Biografía de Townes Van Zandt
Con una voz discreta que rebosaba silenciosamente de
melancolía, humor y perspicacia, Townes Van Zandt fue un icono de la
composición de canciones estadounidense. Sus canciones se convertirían en
éxitos para otros artistas, pero los problemas de abuso de sustancias, los
problemas con las discográficas y la mala suerte en general hicieron que pasara
la mayor parte de su vida como una figura de culto en el mejor de los casos,
vagando por el mundo tocando en pequeñas salas hasta su temprana muerte a los
52 años. Van Zandt fue respetado y admirado por sus contemporáneos durante su
vida, particularmente por una gran racha de discos que grabó a principios de
los años 70, entre los que se incluyen High, Low and in Between y The Late
Great Townes Van Zandt. Su legado crecería después de su muerte, con varios
libros y proyectos documentales que examinan la trágica belleza que tocó tanto
su arte como su vida.
Van Zandt nació en Fort Worth, Texas, el 7 de marzo de 1944.
Su padre trabajaba en el sector petrolero y la familia se mudaba mucho (a
Montana, Colorado, Minnesota, Illinois, entre otros lugares), lo que explicaba
sus respuestas a veces vagas a las preguntas sobre su "origen". Pasó
un par de años en una academia militar y un poco más de tiempo en la universidad
en Colorado antes de abandonar sus estudios para convertirse en cantante de
folk. (Van Zandt volvió a menudo a Colorado en los años siguientes y pasó
veranos enteros, según dijo, solo en las montañas a caballo).
Vive en el Barrio Antiguo
Consiguió sus primeros conciertos remunerados en el circuito
folk de Houston a mediados de los años 60, tocando en clubes como Sand Mountain
y Old Quarter (donde en 1973 grabó uno de sus mejores álbumes, Live at the Old
Quarter, publicado cuatro años después). Durante esta época conoció a cantantes
como Guy Clark (que se convirtió en su amigo de toda la vida y compañero de
gira habitual), Jerry Jeff Walker y la leyenda del blues Lightnin' Hopkins, que
tuvo una gran influencia en la forma de tocar la guitarra de Van Zandt en
particular.
Por el bien de la canción
Otro compositor de Texas, Mickey Newbury, vio a Van Zandt en
Houston una noche y pronto le consiguió un concierto de grabación en Nashville
(con Jack Clement como productor). Las sesiones se convirtieron en el álbum
debut de Van Zandt, For the Sake of the Song, publicado en 1968 por Poppy
Records. Los siguientes cinco años fueron los más prolíficos de la carrera de
Van Zandt, ya que Poppy lanzó los álbumes Our Mother the Mountain, Townes Van
Zandt, Delta Momma Blues, High, Low and in Between y The Late Great Townes Van
Zandt. Estos incluían joyas como "For the Sake of the Song", "To
Live's to Fly", "Tecumseh Valley", "Pancho and Lefty"
y muchos más que lo han convertido en una leyenda en los círculos de composición
de canciones estadounidenses y europeos.
En 1973, grabó sesiones que pretendían continuar con esta
prolífica carrera. Las canciones iban a ser lanzadas como séptimo álbum Seven
Come Eleven, pero las discusiones sobre facturas impagas entre su manager y el
estudio finalmente resultaron en que el ingeniero del estudio nunca recibiera
compensación por su trabajo y reaccionó borrando las cintas. En ese momento,
Van Zandt ya había adquirido el hábito del consumo regular de heroína y el
consumo problemático de alcohol, y sus tiempos productivos comenzaron a
disminuir.
Zapatos voladores
Van Zandt se mudó a Nashville en 1976 a instancias de su
nuevo manager, John Lomax III. Firmó un nuevo contrato con Tomato Records y en
1977 lanzó Live at the Old Quarter, un álbum doble (y el primero de varias
grabaciones en vivo) que contenía muchas de sus mejores canciones. En 1978,
Tomato lanzó Flyin' Shoes ; la larga lista de músicos en ese álbum incluía a
Chips Moman y Spooner Oldham.
En mi ventana
Van Zandt no volvió a grabar durante casi una década, pero
siguió de gira. Se mudó a Texas brevemente y volvió a Nashville a mediados de
los 80. Durante esa década, sus canciones comenzaron a aparecer como versiones
bien recibidas por artistas de country y folk. Merle Haggard y Willie Nelson
tuvieron un éxito country número uno con "Pancho and Lefty" en 1983,
y versiones de sus canciones también aparecieron en interpretaciones de Emmylou
Harris, Jimmie Dale Gilmore, Nanci Griffith y muchos otros. En 1987, Van Zandt
volvió al negocio con su octavo álbum de estudio, At My Window, que salió a la
venta en su nuevo sello, Sugar Hill. Para entonces, la voz de Van Zandt había
bajado a un registro más bajo, pero el tono desgastado y algo cansado de la
carretera era tan puro y expresivo como siempre. Dos años después, Sugar Hill
lanzó Live & Obscure (grabado en un club de Nashville en 1985), y dos
álbumes en vivo más (Rain on a Conga Drum y Rear View Mirror) aparecieron en
sellos europeos a principios de los 90. En 1990, Van Zandt realizó una gira con
los Cowboy Junkies y escribió una canción para ellos, "Cowboy Junkies
Lament", que apareció en el álbum Black Eyed Man del grupo (junto con una
canción que los Junkies escribieron para él, "Townes Blues").
Canciones de carretera
Sugar Hill publicó Roadsongs en 1994, en el que Van Zandt
versionó canciones de Lightnin' Hopkins, Bruce Springsteen, los Rolling Stones
y otros, todas grabadas en el soundboard durante conciertos recientes. A
finales de ese mismo año, Sugar Hill publicó No Deeper Blue, el primer álbum de
estudio de Van Zandt desde 1987. Van Zandt lo grabó en Irlanda con un grupo de
músicos irlandeses. Van Zandt cantó todas las canciones, pero solo tocó la
guitarra en una.
Los últimos derechos: la vida y la obra de Townes Van Zandt
Un año y medio después del lanzamiento de No Deeper Blue,
Van Zandt murió de un ataque cardíaco debido a años de abuso de sustancias el 1
de enero de 1997; tenía 52 años. Los lanzamientos póstumos incluyeron
colecciones como Last Rights: The Life & Times of Townes Van Zandt y
Anthology: 1968-1979, así como álbumes como Abnormal de 1998 y Far Cry from
Dead del año siguiente, que incluían canciones inéditas.
Al principio...
En abril de 2003, el sello de Houston Compadre publicó una
colección de demos de Van Zandt que datan de 1966, dos años antes de su debut
oficial, con el título In the Beginning.... En 2004, llegó el documental
dirigido por Margaret Brown Be Here to Love Me: A Film About Townes Van Zandt.
Utilizando material de archivo y nuevas entrevistas con sus amigos, familiares
y compañeros, la película inspeccionó la corta y turbulenta vida del cantante y
las impresiones duraderas que dejó su música. A lo largo de la década de 2000,
habría un resurgimiento del interés por la música y la enigmática vida de Van
Zandt, impulsado por trabajos cinematográficos como Be Here to Love Me, así
como varios libros y una gran cantidad de artículos de revistas y cobertura de
prensa que revisaban el impacto de sus canciones y su historia. En 2019, se lanzó
más material de archivo en forma de Sky Blue. Esta colección de demos se grabó
en 1973 cuando Van Zandt estaba de viaje por Georgia e incluía dos canciones
originales nunca antes escuchadas, así como versiones y originales que verían
un lanzamiento adecuado en álbumes de estudio.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con If I Needed You.
Un cartel muestra la imagen de Shiri Bibas, cuando permanecía como rehén (AP Foto/Mahmoud Illean)Mahmoud Illean - AP
El 7 de octubre de 2023 marcó un quiebre. La masacre perpetrada por Hamas, con una brutalidad que no condice con la condición de ser humano, evocó los capítulos más oscuros de la historia. Sin embargo, lo que sucedió después fue igualmente revelador. Mientras muchos lo observaban con horror, otro fenómeno emergía, menos explícito pero no menos inquietante: el antisemitismo del silencio.
No se trata del antisemitismo burdo de quienes justifican o celebran la violencia contra quien es judío. Tampoco del que se manifiesta en pintadas, profanaciones de tumbas, ataques físicos o discursos inflamados, como los vergonzosos eventos acaecidos en prestigiosas universidades norteamericanas. Se trata de una forma más sutil, más insidiosa, pero igualmente corrosiva: el antisemitismo de quienes eligen callar.
En la Argentina, país con una de las comunidades judías más grandes del mundo, el silencio se hizo sentir con una intensidad dolorosa. Intelectuales, referentes sociales y políticos que, en otras circunstancias, no dudan en repudiar cualquier manifestación de violencia o discriminación, de pronto se tornaron esquivos. Muchos callaron ante la masacre de civiles israelíes, ante la toma de rehenes, ante las atrocidades documentadas por los propios perpetradores, aún ante un hecho puntual que emocionalmente podría haberlos afectado por su cercanía, como los sádicos asesinatos de Kfir y Ariel Bibas, un bebe de pocos meses y un pequeño, cuya única culpa fue haber nacido judíos.
El antisemitismo del silencio es particularmente peligroso porque, a diferencia del odio abierto, se disfraza de neutralidad, de equilibrio, o peor aún de afirmar que el antisemitismo no existe. Pero, ¿desde cuándo el asesinato de niños, la violación de mujeres y la tortura de ancianos son justificables? Es absurda la pregunta en sí misma; intentar justificar lo injustificable no es más que un ejercicio de hipocresía e insensibilidad.
Este silencio no es ingenuo ni inocente. Es un mensaje. Comunica que la vida judía tiene un valor relativo, que su sufrimiento es menos digno de ser repudiado, que su asesinato puede ser contextualizado.
El peligro del antisemitismo del silencio radica en su capacidad de normalizar lo inaceptable. Cuando las voces que deberían marcar un límite se apagan, los extremos avanzan. La historia nos ha mostrado repetidamente lo que ocurre cuando la indiferencia se convierte en la norma: la violencia se vuelve tolerable, el odio se institucionaliza y, finalmente, se traduce en acción.
¿Cómo enfrentarlo? La educación de nuestros niños y jóvenes es el único antídoto contra uno de los prejuicios más antiguos de la humanidad. El gobierno argentino, al decretar duelo nacional envió un mensaje claro: las atrocidades llevadas a cabo por Hamas no son un hecho más, sino un inimaginable crimen que debe ser recordado y repudiado.
Sin embargo, cabe preguntarse: ¿se explicó en las escuelas el motivo del duelo? ¿Se aprovechó la ocasión para reflexionar sobre el antisemitismo y sus peligros, o se optó pasar el tema por alto?
Lamentablemente, en muchas aulas, la respuesta ha sido el silencio. Si bien hubo excepciones, en gran parte del sistema educativo el duelo transcurrió sin explicación alguna. No hubo un esfuerzo sistemático por utilizar el contexto con el fin de educar sobre el antisemitismo. La omisión no puede ser vista como un simple descuido, tiene un significado en sí mismo.
Sin una enseñanza clara y comprometida, el antisemitismo seguirá reproduciéndose generación tras generación. No es un problema nuevo ni una mera cuestión coyuntural, es uno de los prejuicios más antiguos de la humanidad y que, como quedó en evidencia tras los ataques del 7 de octubre de 2023, sigue latente en el mundo y en nuestra propia sociedad. Si queremos que las nuevas generaciones crezcan en una cultura de respeto y tolerancia, las instituciones educativas deben asumir un rol fundamental en la enseñanza de la verdad histórica y la condena inequívoca de la barbarie.
Las escuelas tienen la responsabilidad ineludible de formar ciudadanos críticos, capaces de identificar y rechazar las manifestaciones del odio. Esto implica no solo estudiar el Holocausto como un evento histórico, sino también analizar el antisemitismo en sus distintas formas: el que se expresa abiertamente en ataques violentos y el que se oculta tras eufemismos, dobles estándares o indiferencia cómplice.
Hoy, más que nunca, es urgente que el sistema educativo aborde estos temas con seriedad y profundidad. Nuestros chicos y jóvenes deben aprender que la negación del sufrimiento judío, el silenciamiento de su dolor y la relativización de crímenes atroces son expresiones de antisemitismo. Deben comprender que la convivencia democrática se sustenta en el reconocimiento del otro, en la empatía y en la defensa intransigente de los derechos humanos.
No hay atajos ni soluciones mágicas, la educación es el único antídoto contra el antisemitismo. Solo la educación puede sentar las bases de una sociedad libre de prejuicios y de odios ancestrales. Depende de nosotros garantizar que las generaciones futuras no repitan los errores del pasado. Porque el antisemitismo no desaparecerá solo: es necesario combatirlo con memoria, con conocimiento y con una educación que no deje margen para la indiferencia.
El vergonzoso silencio no es una opción. No condenar el antisemitismo, en cualquiera de sus formas, es explícitamente justificarlo, es hora de admitirlo, pues está sucediendo hoy en todo el mundo y también en la Argentina, antes de que la indiferencia allane el camino a nuevas atrocidades.
No hay excusas ni margen para la neutralidad. Si la educación no asume su papel en la transmisión de la memoria y la condena del antisemitismo, las imágenes de Shiri, Kfir y Ariel Bibas, cuyas vidas fueron destruidas por una barbarie que no condice con la condición humana, se desvanecerán en el olvido. No debemos permitir que ello nunca suceda.
Miembro de la Academia Nacional de Educación y Rector de la Universidad del CEMA
Rogelia Medina Romero, más conocida como Canelita Medina o Canelita,
nació en La Guaira, Venezuela, el 6 de marzo de 1939, y murió en Caracas,
Venezuela, el 4 de julio de 2023. Cantante.
Rogelia Medina Romero es el nombre “de pila” de la cantante
venezolana conocida en el mundo de la música latina como “Canelita” Medina; a
quien dedicamos nuestra acostumbrada sección el salsero del mes de nuestra
página.
Canelita Medina nació en el estado Vargas, llamado
actualmente La Guaira, el 6 de marzo de 1939; se le conoce también como La
Sonera del Caribe o La Sonera de Venezuela. De niña soñaba con ser cantante e
imitaba a la recordada cantante cubana Celia Cruz. En un programa radial de
talentos en Radio Continente, el tono de su voz llamó la atención de
empresarios musicales que se interesaron en su talento y su hermosa y melodiosa
voz.
Con el trascurrir del tiempo, en los años 50 y 60, Canelita
Medina se especializó en los ritmos cubanos como La Guaracha, El Son cubano, El
Son montuno, El Bolero, El Bolero Son y La Guajira; lo que la convirtió
posteriormente, en los años 70 y 80, en una leyenda de la música afro caribeña,
conocida posteriormente como Salsa.
Su carrera artística como profesional se inició en 1957 con
La Sonora Caracas, con la cual realizó su primera grabación, un número con el
título de su seudónimo, se llamó precisamente: “Canelita”; con la Sonora
Caracas permaneció por espacio de siete años. En el año 1957, La Sonora Caracas
realizó grabaciones para el sello Discomoda, junto a cantantes de la categoría
de Bienvenido Granda, Víctor Piñero, Alberto Beltrán, y, el recordado Inquieto
Anacobero Daniel Santos. Otro tema de La Sonera de Venezuela con La Sonora
Caracas se tituló Hechicera grabado en 1958 para el sello Discomoda, por esa
época Canelita interpretaba con la Sonora Caracas el repertorio de la Sonora
Matancera.
La experiencia de Canelita con La Sonora Caracas le permitió
participar en otras agrupaciones como “Pan con Queso y sus Tambores”, “Los
Megatones de Lucho”, “Los Caribes” y “Estrellas Latinas” de La Guaira y el
maestro Ray Pérez; (Las participaciones de Canelita con estas agrupaciones no
necesariamente son grabaciones, son también presentaciones en conciertos y
programas de radio y televisión, las cuales no siempre fueron grabadas y
publicadas).
En el año 1966 su voz quedó registrada junto a la de Víctor
Piñero en el álbum de la Orquesta de Pedro José Belisario: “Bésame Negro”.
Rogelia Medina Romero se retiró parcialmente de la música por espacio de ocho
años aproximadamente. A pesar de eso, La Sonera del Caribe participó en una
grabación de Las Estrellas Latinas en 1971, el álbum se tituló Soroso y fue
publicado por el sello Pyraphon Records, un LP que contiene los ritmos como
Boogaloo, Guaguancó, Merengue y Salsa. Grabó nuevamente con Las Estrellas
Latinas en el año 1974; un número titulado “La Cenicienta”, en el álbum
titulado Las Estrellas Latinas, publicado por discos Victoria y Venus – LPV-0138.
El regreso definitivo de La Sonera de Venezuela a la música,
se dio como cantante del grupo “Federico y su Combo Latino”, del músico y
director de orquesta Federico Betancourt, natural de Valencia, Venezuela. Con
Federico Betancourt participó en la grabación de los álbumes: Sabor de 1977;
Ayer Y Hoy de 1977; Mis Éxitos Y Mas... de 1978, Federico y Su Combo 78 de
1978, publicado por los sellos Foca Records, Discos Gas, el sello BASF y,
posteriormente en 1982, algunos de estos temas fueron publicados por el sello
Integra en el álbum No le digan; El Maestro de 1979 y Federico Y Su Combo,
también del año 1979.
Con el álbum “Sones y guajiras”, se inicia la carrera
musical de Canelita como solista, el cual se convirtió en un clásico de la
música de Venezuela y de Latinoamérica. Entre los casi veinte álbumes que se
han publicado de Canelita desde 1979; se incluyen Sonero Clásico De Caribe
& Canelita, año 1980; Canela Y Naty – La Experiencia Y El Futuro, año 1986; Imagen Latina & El
Trabuco Venezolano, año 1989;
Canelita Y Andy Durán – En Concierto Tributo A Celia, año 2004 y Trina Medina, ¡En
Vivo!, año 2006.
La voz de Canelita le ha ameritado éxito nacional e
internacionalmente y es considerada como la Reina del Son en Venezuela, durante
sus casi seis décadas de historia musical, su maravillosa voz ha quedado
registrada en éxitos como: Ay, Simón; Bésame Negro, Besos Brujos, Canto a La
Guaira, El Guajiro De Cunagua, Guajira Ven, Hoy la Rumba, Lamento Del
Carretero, Noche triunfal, Quiéreme, Tanto Y Tanto, Tata Candela, Ven Bernabé,
Y Donde Están Los Rumberos, entre muchos otros.
Durante su carrera tuvo la oportunidad de alternar con
muchos de los grandes embajadores de nuestra música como lo son las orquestas
América, Orquesta Aragón y La Sonora Matancera de Cuba, El Gran Combo de Puerto
Rico, Los Hermanos Lebrón, Las Estrellas de Fania, La Sonora Ponceña, Richy Ray
y Bobby Cruz, Johnny Pacheco, Celia Cruz, Oscar D' León y José Mangual Jr.
Nuestra cantante venezolana celebró medio siglo de música
con un concierto titulado Canelita Medina, en Vivo 50 años de vida artística,
publicado por el sello TM Producciones (Trina Medina Producciones), en el año
2010. Entre los temas de este trabajo tenemos: El que se va no hace falta,
Tanto y Tanto, La Ruñidera, Soy Canela, El Son de mi Nación, La Alborada y Coco
Seco.
De igual forma la máxima exponente del son cubano en
Venezuela fue homenajeada en el Aula Magna de la Universidad Central de
Venezuela, en un emotivo concierto junto a tres generaciones de músicos, un
trío y una orquesta sinfónica se unieron para celebrar sus 65 años de
trayectoria musical de Canelita Medina, quien cantó a dúo con su hija, la
también cantante Trina Medina.
En su extensa vida a artística, Canelita Medina, asistió a
muchísimos festivales y conciertos como Festival de Salsa Internacional
realizado en el Teatro Teresa Carreño; el Festival en Homenaje a Benny Moré
realizado en la ciudad de Santiago Cuba, el Festival del Son en Curazao.
El presente trabajo en nuestra página es una aproximación a
la vida y obra musical de la gran cantante venezolana Canelita Medina, como un
homenaje a su extensa carrera artística, una de las más destacadas voces
femeninas en nuestro firmamento musical, toda una embajadora de nuestra música
en Venezuela y Latinoamérica.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con Besos Brujos y Canto a La Guaira, con la participación de Trina Medina, en
vivo en 1996.
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