Hola, soy Leonardo Liberman.
Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo temas de interés general.
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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
El Cuarteto para Cuerda Nº 10 en Mi Bemol Mayor Op. 74, fue
dedicado al príncipe Ferdinand Lobkowitz, y publicado en 1809.
Como sucede con muchas de las obras de Beethoven, este
cuarteto fue bautizado por el editor cuando lo publicó por primera vez. La
denominación “de las arpas” se refiere al pizzicato del primer movimiento, en
el cual dos miembros del cuarteto alternan notas en arpeggio, evocando el sonido de un arpa.
A continuación, de Ludwig van Beethoven, el Cuarteto para
Cuerda Nº 10 en Mi Bemol Mayor Op. 74, en la interpretación de Kristin Lee y
Miki-Sophia Cloud, en violines, Caitlin Lynch, viola y Jia Kim, violoncello, alumnas
del Perlman Music Program.
Samuel Joel Mostel, más conocido como Zero Mostel, nació en
Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos, el 28 de febrero de 1915 y
murió en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 8 de septiembre
de 1977. Actor teatral y cinematográfico.
Mostel estudió en una escuela pública, e inició una afición
por el dibujo y la pintura que mantuvo a lo largo de toda su vida. En
1935 consiguió su título de grado, continuó sus estudios
artísticos y entró en el programa Public Works of Art Project, que
le pagaba un sueldo por enseñar arte.
Parte de las obligaciones de Mostel con el programa consistían en
dar charlas en los museos de Nueva York, donde mostró sus dotes
cómicas. Su reputación iba en aumento, y era invitado a reuniones y
otros eventos en los cuales mezclaba el humor con los comentarios
sociales. En 1941, el Café Society, un nightclub de Manhattan, le ofreció
a Mostel la oportunidad de ser humorista profesional y de actuar de
manera regular. En poco tiempo pasó a ser la atracción principal del Café
Society, y allí adoptó el nombre artístico de Zero.
El ascenso en la popularidad de Mostel fue rápido. Actuó en
programas de Radio, trabajó en espectáculos en Broadway, actuó en
el Teatro Paramount, e intervino en la película Du Barry Was a Lady,
y realizó presentaciones en el ambiente teatral Idish.
En marzo de 1943 Mostel entró en el Ejército, donde colaboró
con la United Service Organizations para dar entretenimiento a las
tropas.
En 1945, tras dejar el ejército, la carrera de Mostel despegó
nuevamente. Actuó en diversas obras, en musicales, óperas y
películas.
En la década de 1950, por sus ideas políticas, fue investigado
por el FBI, incluído en la lista negra de Hollywood, y debió
testificar ante el Comité de Actividades Anti-estadounidenses.
En su declaración se negó a dar nombres, y se enfrentó al
comité por motivos ideológicos, ganándose la admiración de sus
colegas, pero Mostel
continuó en dicha lista, y su familia debió pasar el resto de la
década con escasos ingresos económicos.
En 1957, Toby Cole, un agente teatral, opuesto al macartismo,
lo contactó para ser su representante, y esta asociación revitalizó su carrera. Aceptó el papel de Leopold
Bloom en Ulysses in Nighttown, en una producción fuera del circuito de Broadway.
Las críticas fueron muy favorables, y gracias a su actuación,
recibió el Premio Obie a la mejor interpretación fuera de Broadway
en la temporada 1958-1959.
En 1960 y tras reponerse de un grave accidente, tomó el papel de
Estragon en una adaptación televisiva de la obra Esperando a Godot.
En 1961 fue Jean en El rinoceronte, con críticas muy favorables, y ganó el Premio Tony al Mejor Actor, a pesar de que no
interpretaba el personaje principal.
En 1962 empezó a trabajar con el papel de Pseudolus, del musical A Funny Thing Happened on the Way to the
Forum, basada en la obra Pseudulus de Plauto, que fue una de sus
actuaciones más recordadas.
Las críticas fueron excelentes, la obra fue un éxito, con un total de 964
funciones, Zero Mostel se convirtió en una estrella, y ganó
el Premio Tony al Mejor Actor en un Musical. Mostel también
participó en la versión cinematográfica rodada en 1966.
El 22 de septiembre de 1964 Mostel interpretó a Tevye en la
producción original en Broadway de El violinista en el tejado. El
respeto de Mostel por el trabajo de Sholem Aleijem, hizo que se incorporara al musical el estilo y el humor del autor.
Además creó los sonidos Hazzan que hicieron famosas a canciones
como "If I Were a Rich Man". El musical recibió críticas entusiastas, convirtiendose en un éxito, con 3242 representaciones. Mostel recibió un
nuevo Tony y fue invitado a una recepción en la Casa Blanca,
finalizando así de manera oficial su exclusión política. En 1967 Mostel fue Potemkin en Great Catherine, y en 1968 hizo uno
de sus papeles más famosos, el de Max Bialystock en Los productores,
film dirigido por Mel Brooks. Su actuación recibió críticas
variadas, y el film no tuvo un gran éxito, aunque con el tiempo
alcanzó el estatus de película de culto.
En su última década participó en películas en las cuales
cosechó críticas dispares, y su figura, dejó de ser sinónimo de
éxito, con algunas excepciones como la versión filmada de El
rinoceronte, The Front, un film sobre un artista incluido en la lista
negra, y por el cual fue nominado a un BAFTA al mejor actor de
reparto, y las reposiciones teatrales de El violinista y Ulysses in
Nighttown. También tuvo actuaciones memorables en programas
infantiles como Sesame Street y The Electric Company, y dio voz a la
gaviota Kehaar en la película de animación Watership Down. Así
mismo fue artista invitado en la segunda temporada de The Muppet
Show. Su estado de salud mostró un significativo deterioro y durante
los ensayos de la obra The Merchant, en Filadelfia, sufrió un
colapso en su camarín y fue trasladado al Hospital Thomas Jefferson
University, y poco después, el 8 de septiembre de 1977, falleció.
A continuación, Zero Mostel, y una de sus interpretaciones
más famosas: If I Were a Rich Man, del musical El violinista en el tejado.
La fuerza del destino, o La forza del destino, es una ópera en
cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de
Francesco Maria Piave, basado en la obra teatral Don Álvaro o la
fuerza del sino, de Ángel de Saavedra, Duque de Rivas.
Fue
encargada y representada por vez primera en el Teatro Bolshói
Kámenny, actual Teatro Mariinski de San Petersburgo, Rusia, el 10 de
noviembre de 1862, con la presencia del compositor.
Verdi recibió las felicitaciones del zar Alejandro II de Rusia,
que acudió a la cuarta representación, pero posteriormente, le
encomendó a Piave una revisión del libreto para el estreno
italiano, y que completó Antonio Ghislanzoni, debido a que Piave
cayó enfermo.
El estreno de la segunda versión, la más conocida y grabada
actualmente, ocurrió el 27 de febrero de 1869 en el Teatro alla
Scala de Milán, y es la que se ha convertido en la versión
estándar.
A continuación, de Giuseppe
Verdi, la ópera La forza del destino, en la interpretación de los
pricipales papeles a cargo de Eva-Maria Westbroek, Zoran Todorovich,
Carlo Colombara, José van Dam, y Marianne Cornetti, junto al Coro y
la Orquesta Sinfónica del Teatro La Monnaie de Bruselas, dirigidos
por Kasushi Ono, en la producción de 2008.
La acción transcurre en España e Italia, alrededor de 1750.
Acto
I
Habitación del castillo de Calatrava, cerca de Sevilla
Don Álvaro es un joven noble de Sudamérica (presumiblemente
Perú) que es en parte indio y que se ha establecido en Sevilla,
donde, sin embargo, no se piensa bien de él. Se enamora de doña
Leonora, la hija del marqués de Calatrava, quien, a pesar de su amor
por su hija, ha decidido que ella se case sólo con un hombre de la
más alta cuna. Leonora, conociendo la aversión de su padre, y
profundamente enamorada de Álvaro, decide abandonar su casa y su
país para fugarse con él, ayudada por su sirvienta, Curra.(A.:Me
pellegrina ed orfana - "Yo, exiliada y huérfana").
Su padre entra inesperadamente y descubre a Álvaro; él lo
amenaza de muerte, y, para eliminar cualquier sospecha sobre la
castidad de Leonora, Álvaro ofrece entregarse al marqués. Tira su
pistola con tan mala suerte que del golpe se dispara y hiere
mortalmente al padre de Leonora quien muere maldiciendo a su hija.
Acto II
Cuadro I
Taberna en las afueras de Hornachuelos
El Alcalde, varios muleteros y don Carlos de Vargas, hermano de
doña Leonora, están reunidos en la cocina de una posada. Don
Carlos, disfrazado como un estudiante de Salamanca, bajo el nombre
ficticio de Pereda, busca vengarse de Álvaro y Leonora (Son Pereda
son ricco d'onore - "Soy Pereda, de noble ascendencia").
Durante la cena, Preziosilla, una joven gitana, narra las fortunas de
los jóvenes y los exhorta a alistarse a la guerra (Al suon del
tamburo - "Cuando suene el tambor") por la libertad de
Italia, algo con lo que todos se muestran de acuerdo. Habiéndose
separado de Álvaro, Leonora llega disfrazada de varón, pero se
escapa sin ser descubierta por Carlos.
Cuadro II
Atrio del monasterio
Leonora se refugia en el monasterio (R.: Sono giunta! [¡He
llegado!] ... A.: Madre, pietosa Vergine [Madre, piadosa Virgen])
donde ella cuenta al abad, Padre Guardián, su verdadero nombre y que
pretende pasar el resto de su vida como ermitaña. El abad le relata
los desafíos por los que va a apasar. Leonora, el Padre Guardián,
Fray Melitón y otros monjes se unen en oración.
Acto III
Cuadro I
Bosque próximo al pueblo italiano de Velletri, en Italia
Mientras tanto, don Álvaro se ha unido al ejército español bajo
el nombre de don Federico Herreros (R.: La vita è inferno: O tu che
in seno agli angeli - "La vida es un infierno para aquellos que
son infelices... ¡Oh, mi amada, entre los ángeles!"). Una
noche salva la vida de don Carlos que sirve en el mismo ejército
bajo el nombre de don Félix Bornos. Se hacen amigos y van a la
batalla uno al lado del otro.
Cuadro II
Habitación de los oficiales
En una de esas escaramuzas don Álvaro resulta, como él supone,
mortalmente herido, y confía a don Carlos el cuidado de una valija
que contiene un puñado de cartas que tiene que destruir en cuanto
don Álvaro muera. (D.: Solenne in quest'ora - "Júrame, en esta
solemne hora"). Don Carlos ha jurado no mirar el contenido de
las cartas, pero empieza a sospechar de su amigo. (Sc.: Morir!
Tremenda cosa! ... A.: Urna fatale del mio destino - "¡Morir,
qué cosa tan tremenda!... Aléjate, fatal lote enviado a mi
Destino!"). Abre la valija, encuentra el retrato de su hermana,
y se da cuenta de la verdadera identidad de Álvaro. En ese momento
un cirujano dice que don Álvaro puede recuperarse. Don Carlos se
alegra de poder vengar la muerte de su padre.
Cuadro III
Campamento militar cerca de Velletri
Don Álvaro se ha recuperado y se enfrenta a don Carlos. Empiezan
un duelo, pero los soldados los separan a la fuerza. Mientras
contienen a don Carlos, el angustiado don Álvaro jura entrar en un
monasterio.
Los soldados se reúnen. Trabucco, un vendedor ambulante, intenta
venderles sus productos; fray Melitón los sermonea por sus
comportamientos viciosos; y Preziosilla los lidera en un coro en
alabanza de la vida militar (Cr.: Rataplan, rataplan, della gloria -
"Rataplán, rataplán, del tambor es la música que enardece el
espíritu marcial de un soldado").
Acto IV
Cuadro I
El monasterio
Don Álvaro ha ingresado en el monasterio de Hornachuelos, cerca
de donde está la cueva de Leonora, con el nombre de Padre Rafael.
Don Carlos llega y le fuerza a luchar (D.: Col sangue mio [Con mi
sangre]; Le minacci, i fieri accenti - "Con mi sangre... Las
amenazas, los acentos fieros").
Cuadro II
Exterior de la cueva donde vive Leonora
Leonora reza para encontrar la paz en la muerte (A.: Pace, pace
mio Dio! - "¡Paz, oh Dios padre todopoderoso, dame paz!").
Álvaro entra, pidiendo ayuda, después de haber herido mortalmente a
don Carlos en su duelo. Los dos amantes se reconocen. Leonora sale de
escena para ver a su hermano, quien, mientras ella se inclina hacia
él, la apuñala en el corazón. Leonora regresa con el Padre
Guardián; él y don Álvaro rezan al cielo mientras ella muere.
Marcelo Raúl Álvarez, nació en Córdoba, Argentina, el 27 de
febrero de 1962. Tenor.
Estudió canto en La Escuela de Niños Cantores de Córdoba, y cursó economía.
En 1994 cantó en el Teatro del Libertador General San Martín de
Córdoba, el Conde Almaviva de El barbero de Sevilla, Nemorino en el
Teatro Roma y en el Teatro Avenida de Buenos Aires la zarzuela Luisa
Fernanda.
Después de infructuosas audiciones en el Teatro Colón de Buenos
Aires, en 1995 se radicó en Italia, donde debutó en La sonámbula
de Bellini en el Teatro La Fenice de Venecia, después de ganar la
competencia lírica de Pavía.
Posteriormente debutó en Génova, Zúrich, Turín, París, Viena,
Londres, Nueva York, en la Arena de Verona, La Scala de Milán y
otras casas de ópera, y en 1997, debutó en el Teatro Colón como el
Duque en Rigoletto de Verdi.
Los principales personajes de su repertorio son Werther, Il Duca en
Rigoletto, des Grieux en Manon, Maurizio en Adriana Lecouvreur,
Andrea Chénier, Manrico en Il trovatore, Riccardo en Un ballo in
maschera, Edgardo en Lucia di Lammermoor, Hoffman en Les contes
d'Hoffmann, Romeo en Roméo et Juliette, Faust , Rodolfo en la
Bohème, Cavaradossi en Tosca, Nemorino en L'elisir d´amore, y
Gennaro en Lucrezia Borgia entre muchos otros personajes. Marcelo Alvarez recibió premios y menciones como el Concurso
Pavia, Italia, y Leyla Gencer Voice Competition, Estambul en 1995, el
Gold Camera Award, 33rd Annual International Film and Video Festival,
la Honorable mention, Columbus International Film and Video Festival
y Cantante clásico del año - Premio Echo Klassik en 2000, Cantante
clásico del año - Echo Klassik en 2002, La Martesana Opera Award,
Associazione Musicale Harmonia en 2007 y el Premio Konex de Platino,
Cantante masculino de la década, Argentina, en 2009.
A
continuación, Marcelo Alvarez, en el aria Cielo e mar, de la ópera
La Gioconda de Amilcare Ponchielli, en la Opera Nacional de Paris,
dirigida por Daniel Oren, el 13 de mayo de 2013.
Antoine Dominique Domino, más conocido como Fats Domino, nació
en Nueva Orleans, Luisiana, Estados unidos, el 26 de febrero de 1928.
Cantante, compositor y pianista.
Antoine nació en el seno de una familia numerosa con varios
miembros músicos, a los 6 años aprendió a tocar el piano, y más
tarde comenzó a presentarse en público acompañado de Billy
Diamond, un bajista que lo bautizó "Fats". En 1948 se presentó en el Hideway Club, donde fue descubierto por
Lew Chudd de Imperial Records, y su verdadera carrera comenzó en
1949 con el tema "The Fat Man", que compuso junto con Dave
Bartholomew.
La grabación, fue un enorme éxito, vendió cerca de un
millón de copias, llegó al segundo puesto en la lista de Billboard
R&B Charts, y está considerada por los investigadores como la
primera grabación de un rock and roll.
Después de esta afortunada grabación, Domino lanzó una serie de
nuevos éxitos con el productor y co-autor Dave Bartholomew, el
saxofonista Alvin "Red" Tyler y el batería Earl Palmer.
Domino finalmente atravesó la corriente principal del pop con
"Ain't That a Shame" de 1955 que fue un éxito en los Top
Ten, y Pat Boone llegó al Nº 1 con una versión de esta
canción. En noviembre de 1956 presentó su primer álbum, Carry on Rockin',
y al año siguiente lanzó una serie de 35 simples que entraron en
los Top 40, incluyendo "Whole Lotta Loving", "Blue
Monday" y una versión funky de la vieja balada "Blueberry
Hill".
En 1963 se vinculó a la ABC-Paramount, siguió actuando en
conciertos en vivo, y en 1968 logró un gran éxito con una versión
de "Lady Madonna" de los Beatles. Como artista afamado, fue incluído en el Rock and Roll Hall of
Fame, realiza apariciones anuales en el New Orleans Jazz &
Heritage Festival y otros acontecimientos locales.
En 1987, Fats Domino recibió el Lifetime Achievement Award en la
29 edición de los Premios Grammy, y es mencionado como uno de los
más importantes enlaces entre la música Rhythm & Blues y el
Rock and Roll.
Fats Domino se inspiró para las letras de sus canciones en las
experiencias de la gente. En una oportunidad declaró: "Algo
que le pasó a alguien, así es como escribo mis canciones".
"Solía escuchar a la gente hablar todos los días, las cosas
suceden en la vida real. Solía ir a diferentes lugares, escuchaba a
la gente hablar. A veces no esperaba oír nada, y mi mente estaba en
mi música".
A continuación, Fats Domino y su orquesta en un clásico del
repertorio: Jambalaya.
George Harrison nació en Liverpool, Inglaterra, Reino Unido,
el 25 de febrero de 1943 y murió en Los Ángeles, Estados Unidos, el 29 de
noviembre de 2001. Músico multiinstrumentista, compositor, cantante, productor
musical y productor cinematográfico.
George Harrison (Liverpool, 1943 - Los Ángeles, 2001) Guitarrista
y compositor británico de música pop, miembro fundador de los Beatles.
George Harrison nació el 24 de febrero de 1943 en Wavertree,
suburbio de Liverpool, ciudad por entonces devastada por los aviadores nazis.
Su padre, Harold, fue marinero y conductor de autobús, y su
madre, Louise, ama de casa, era de origen irlandés e intentó educar a sus hijos
(tres niños y una niña) en el catolicismo. Harrison recordó haber tenido una
infancia feliz, aunque humilde. Creció en una pequeña casa de protección
social, sin cuarto de baño y a veinte minutos a pie de la estación donde tomaba
el autobús para ir a la escuela.
Desde pequeño, escuchaba todo tipo de música por la radio,
desde el viejo music-hall británico hasta el country de Hank Williams. A los
trece años le compró a un amigo su primera guitarra, por algo más de tres
libras. Por entonces se hizo amigo de Paul McCartney, con quien realizaba el
mismo trayecto diario en autobús. Paul le presentó a John Lennon, con quien
formaba el grupo The Quarrymen.
George se uniría a ellos más tarde, ya que entonces era
demasiado joven (catorce años). Paul era nueve meses mayor, y John le llevaba
dos años. Por entonces, estaba enamorado de Fats Domino, Elvis Presley y del
rock, aunque lo que tocaba era skiffle: una especie de rockabilly en el que la
percusión consiste en una escobilla frotando una tabla de fregar, y cuyo máximo
ídolo era Lonnie Donegan.
Harrison participó en la primera formación de los Beatles,
con quienes trabajó durante años en clubes de Liverpool y Hamburgo (Alemania).
La historia emprendió el vuelo cuando, en 1962, el mánager Brian Epstein les
consiguió un contrato con EMI y grabaron, con George Martin de productor, Love
me do. Durante esa sesión fue expulsado el batería Pete Best. Su sustituto,
Ringo Starr, se convertiría en uno de los mejores amigos de George hasta el
final de sus días.
En pocos meses, el grupo se convirtió en un fenómeno de
masas en Gran Bretaña, y en 1964 en el grupo favorito de América con I want to
hold your hand. La película A hard day’s night, estrenada el mismo año, hizo de
la «beatlemanía» un fenómeno mundial.
La primera canción de George que apareció en un disco de los
Beatles fue Don’t bother me, del segundo álbum, Meet the Beatles, pero sus
composiciones no tuvieron apenas salida hasta años más tarde. Su contribución
como guitarra solista al sonido de la banda fue, sin embargo, decisiva. Sus
punteos afilados y melódicos, herederos de Chet Atkins y Carl Perkins, y su
acompañamiento vocal a las armonías de Lennon y McCartney fueron sus señas de
identidad más características.
En 1966 se casó con la modelo y actriz Patti Boyd. Ese mismo
año, los Beatles abandonaron los escenarios para consagrarse al trabajo en
estudio, y Harrison entró en su fase más productiva en la banda. Aportó tres
temas al clásico Revolver, entre ellos Taxman, y experimentó con instrumentos
inéditos en el mundo del pop, como el sitar indio (él fue el introductor de
Ravi Shankar en Gran Bretaña). Enamorado de la música y la religión hindúes y
gran aficionado al LSD, participó activamente en Sgt. Peppers Lonely Hearts
Club Band (1967), probablemente el disco más famoso de la historia, que dio el
fogonazo de salida al «verano del amor», al hippismo y a la psicodelia.
En 1968 arrastró a los otros tres beatles y sus respectivas
esposas a unas jornadas de meditación en la India con el Maharishi Mahesh Yogi,
un gurú espiritual que había conocido a través de Patti. La idea de George no
llegó muy lejos, y en lugar de unir más al grupo tras la muerte del mánager
Epstein, acentuó las discrepancias entre los cuatro.
Aquel año publicó la banda
sonora de la película Wonderwall music, el primer disco en solitario de un
beatle, y compuso While my guitar gently weeps, una de las canciones más bellas
del álbum conocido como «doble blanco».
Carrera en solitario
Para Abbey Road (1969) aportó dos de sus mejores
composiciones: Here comes the sun y Something, el primer single de los Beatles
no firmado por Lennon-McCartney, que fue número uno en ventas en Estados
Unidos. Poco después de la separación oficial de la banda, publicó el triple
All things must pass (1970), con material acumulado durante años. Fue saludado
como una obra maestra y contenía el éxito My sweet lord, una oda al Hare
Krishna que fue el primer número uno en ventas logrado por un beatle en
solitario. Años más tarde, sin embargo, tuvo que pagar una cuantiosa multa por
ese tema, acusado de ser un «plagio involuntario» del She’s so fine de The
Chiffons.
En 1971 impulsó el Concierto por Bangladesh, junto con Bob
Dylan, Eric Clapton y Ringo Starr, entre otros, del cual se hicieron una
película y otro triple disco. Sin embargo, el dinero recaudado estuvo retenido
casi una década por culpa de las disputas legales acumuladas por los Beatles. A
pesar de las tremendas expectativas creadas, el material publicado por Harrison
en los años setenta no fue de gran nivel: discos como Living in the material
world, publicado en 1973, Dark horse (nombre también de la discográfica que
fundó en 1974) o 33 & 1/3 (1976) estaban claramente por debajo de All
things must pass.
A mediados de los años setenta se separó de Patti, que lo
abandonó por su amigo Eric Clapton (un hecho muy publicitado por la prensa,
aunque ambos nunca abandonarían su amistad). Poco después se casó con su
segunda y última esposa, Olivia Arias, que le dio su único hijo, Dhani, nacido
en 1978. Ese mismo año impulsó la productora cinematográfica Handmade Films,
nacida para sacar adelante la película La vida de Brian, de los Monthy Python.
La compañía se convirtió en una importante referencia del cine alternativo
británico en la década de los ochenta, aunque fracasó en su intento de ampliar
mercados con la fallida Shanghai Surprise (1986), con Madonna y Sean Penn, y
acabó en venta.
Última grabación con los Beatles
Harrison se alejó de la vida pública tras el asesinato de
Lennon en 1980, y publicó la autobiografía I me mine en 1982. Volvió a la
actualidad musical con el gozoso Cloud nine (1987), uno de sus mejores discos,
que contenía el éxito Got my mind set on you. A continuación se sumó al curioso
proyecto The Traveling Wilburys, un supergrupo junto a Bob Dylan, Tom Petty,
Jeff Lynne y Roy Orbison. Publicaron dos discos, Volume I (1988) y Volume III
(1990, Orbison, fallecido, fue sustituido por Del Shannon), llenos de optimismo
y buenas melodías.
En 1992 publicó el directo Live in Japan, que sería su
último disco en solitario aparecido en vida. En 1995 se reunió con los otros
dos beatles para grabar sus voces encima de dos canciones inéditas de Lennon,
Free as a bird y Real love, pero por enésima vez se descartó el regreso de la
banda. Ccon su característico sarcasmo, Harrison declaró: «Los Beatles no se
reunirán mientras John siga muerto».
En 1999, un desequilibrado irrumpió en su mansión en
Oxfordshire, en el sur de Inglaterra, y lo apuñaló en el pecho. Pudo escapar a
la muerte gracias a que su mujer redujo al desconocido con una lámpara. En sus
últimos días, George no dejó de crear música. Grabó su última canción un mes
antes de su muerte, A horse to water, coescrita con su hijo Dhani, y que fue
publicada la misma semana en que se despidió del mundo con el mensaje: «Amaos
los unos a los otros».
El 29 de noviembre de 2001, George Harrison murió rodeado de
su mujer y su hijo en casa de un amigo en Los Ángeles, California. Su lucha
contra el cáncer le había llevado a varias intervenciones en clínicas de Suiza
y Estados Unidos, desde que se le detectó un tumor en la garganta en 1997. La
reina Isabel II, el presidente George W. Bush y los primeros ministros
británico y francés, Tony Blair y Lionel Jospin, entre otros, expresaron sus
condolencias, y los dos beatles que le han sobrevivido, Paul McCartney y Ringo
Starr, lamentaron emocionados la pérdida de su amigo.
Mientras el mundo iniciaba el duelo y miles de aficionados
se reunían en lugares emblemáticos de la memoria beatle -los estudios Abbey
Road, en Londres, los Strawberry Fields de Nueva York o el local The Cavern, en
Liverpool-, los medios de comunicación recordaban la poco reconocida
contribución creativa de Harrison, durante mucho tiempo, a la música de los
Beatles y su influencia en géneros como la psicodelia. También, su introducción
de temas espirituales en el mundo del pop y su devoción por las causas
humanitarias, que le llevó a impulsar, en 1971, el Festival por Bangladesh, el
primer concierto benéfico de rock.
Su pérdida conmocionó a generaciones enteras en todo el
mundo, sólo un año depués de que los Beatles volvieran al número uno de ventas
con el recopilatorio Anthology. Su legado en la obra de la banda más famosa del
mundo y dentro de la música rock es indiscutible.
El caracter retraído y a veces esquivo de George le valió el
apodo de «el beatle silencioso», «serio», o incluso «místico», por su afición a
las religiones orientales, en oposición a la exhuberancia y el magnetismo de
sus compañeros de banda. Sin embargo, a su muerte, sus amigos recordaron
principalmente su humanidad, su cáustico sentido del humor y su capacidad para
disfrutar de la vida y de aficiones mundanas como la jardinería y los coches
deportivos.
Recordamos a George Harrison, con dos de sus más grandes éxitos: My Sweet Lord y Give Me Love. Give Me Peace On Earth.
En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Fabiana Mastrangelo sobre su libro, Valores humanos de José de San Martín. Su misión americana. Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Celso Miño - Jorge Falcone
Fabiana Mastrangelo es historiadora, máster en docencia
universitaria y especialista en docencia universitaria egresada de la
Universidad Nacional de Cuyo (Mendoza).
Escritora especializada en
biografías y en formación de valores humanos. Entre sus obras
escritas se encuentran: Godoy Cruz, pasado y presente; El paradigma
del siglo XXI: la sociedad educativa (P.N.U.D.); Don Santiago, vida y
obra del Señor Santiago Bovisio (Declarada de Interés por las
ciudades de Mendoza, Godoy Cruz y Tunuyán); Santiago Bovisio, El
Maestro de América; Las bendiciones de Tutankamón (Premio Escenario
de Novela); Dinámica Social de la Esperanza; La creatividad y el
sentido de la vida (Declarada de Interés por el H. Senado de la
Nación); Pensador de síntesis. Hacia una nueva conciencia
antropológica.
Ha ocupado, entre otros, los siguientes cargos:
coordinadora de Comisiones Académicas de Post-grado en Desarrollo
Humano en el marco del Programa de Naciones Unidas para el
Desarrollo; corresponsal de la revista científica Saber y Tiempo;
integrante del equipo de Ediciones Santillana; investigadora del
Centro de Documentación Histórica de la Universidad Nacional de
Cuyo; integrante de la misión argentina académica – científica
realizada en Luxor, Egipto (dirigida por la egiptóloga V. P. de
Fidanza, UBA - 2006).
Vive en Buenos Aires, investiga, escribe y
dicta talleres, conferencias, seminarios y cursos de su especialidad
en el país y en el extranjero.
Eladia Blázquez nació en Gerli, Provincia de Buenos Aires,
el 24 de febrero de 1931 y murió en la Ciudad de Buenos Aires, el 31 de agosto
de 2005. Cantante y compositora de tango. El sitio www.todotango.com publicó este recordatorio, firmado por Julio Nudler
Eladia Blázquez. Pianista, guitarrista, compositora, autora, cantante (24 de febrero de 1931 - 31 de agosto de 2005)
Nadie logró, como Eladia Blázquez, crear tangos con letra de
tanto éxito -y en algunos casos aislados de tanta calidad- desde fines de la
década del 1960, cuando la popularidad del género había caído en la Argentina a
sus mínimos históricos. Sólo pueden comparársele algunos títulos del binomio
Astor Piazzolla-Horacio Ferrer. Ella creó un tango canción verdaderamente
nuevo, aunque sobre moldes no vanguardistas, con su rara habilidad para
combinar notas y palabras. Con una temática nueva y un lenguaje actualizado
impactó en un público amplio, no necesariamente tanguero. Los tradicionalistas
la recibieron fríamente, aunque sin la agresividad que reservaron para otras
propuestas más heterodoxas. Era frecuente que se la apodara "la Discepolo con
faldas", pero esa comparación con Enrique Santos Discepolo (el autor de
"Yira yira" y "Cambalache") es realmente excesiva. Aunque
Blázquez suela ser crítica, incisiva y escéptica, sus versos no tienen -salvo
en algunos destellos- la profundidad, la riqueza de imágenes ni la poesía de
los del autor de "Canción desesperada".
Dentro de la irregular
calidad de sus piezas, ella cae por momentos en una exaltación desmedida y
retórica de Buenos Aires, que soslaya la deteriorada calidad de vida en esa
gran urbe de crecimiento desordenado, poluída y en algunos sectores caótica.
Otro rasgo desdeñable de su creación es el nacionalismo
hueco que por momentos profesa. Un ejemplo de ello puede hallarse en el tango
"Convencernos", que escribió junto a Chico Novarro, lanzado en 1976,
cuando la Argentina comenzaba a sufrir la dictadura militar más sangrienta de
su historia. La letra propone
"Y ser al menos una vez nosotros,
sin ese tinte de un color de otros,
recuperar la identidad,
plantarnos en los pies,
crecer hasta lograr la madurez,
y ser al menos una vez nosotros,
bien nosotros, tan nosotros
¡como debe ser!"
Quizá sin proponérselo, Eladia nos ofrece con esta
composición, vista a la distancia, una buena muestra de la desfiguración de las
ideas imperantes por entonces.
Blázquez fue recorriendo a través de su vida de artista
diversos caminos, según fueran las circunstancias, buscando un lugar para su
empuje creador. De muy niña triunfó cantando el repertorio popular español,
determinada por el origen de sus padres. Los inmigrantes españoles formaban un
público enorme, y Buenos Aires pasaba a ser la mayor ciudad gallega del mundo,
con más habitantes nacidos en Galicia que La Coruña, capital de esa región
hispana. El folklore argentino, luego el bolero, más tarde el tango y por fin
la balada fueron sucediéndose en su labor.
De 1970 es su primer disco LP dedicado al tango, donde canta
sus propias obras. En los dos años previos había perdido sucesivamente a su
madre y a su padre. En esa placa histórica incluye el excelente "Sueño de
barrilete" (así se llama en la Argentina a la cometa), que en realidad
había compuesto en 1959 y dado a conocer recién en 1968.
Con un magistral
engarce entre la melodía y los versos, presenta a un personaje frustrado, que
no alcanzó la altura de su ideal. En ese mismo álbum figuran otros de los
mejores tangos que jamás compondría Eladia, como "Contáme una
historia" y "Sin piel", además de "Mi ciudad y mi
gente", que ganó el Festival de la Canción de Buenos Aires de 1970.
Después de "El precio de vencer", uno de sus temas
más cuestionadores, que grabó en 1973, año en que en la Argentina predominaban
las ideas políticas radicalizadas, sobresale nítidamente como su tango más
popular "El corazón al sur", que registró en 1976. Blázquez había
nacido en Avellaneda, ciudad lindante con Buenos Aires por el sur de ésta. Ese
punto cardinal equivale para los porteños a pobre y popular. De hecho, el éxito
le permitió a esta artista habitar en el Barrio Norte, en uno de los sitios más
caros de Buenos Aires, pero con ese tango vino a decir que su corazón había
permanecido del otro lado.
A continuación, de Eladia Blázquez, Honrar la vida, con Alberto Favero en piano.
Jules-Géraud Saliège nació en Mauriac, Cantal, Francia, el 24 de febrero de 1870 y murió en Toulouse, Francia, el 5 de noviembre de 1956. Cardenal y arzobispo. El sitio www.yadvashem.org publicó este recordatorio
Monseñor Jules-Gérard Saliège
Francia
Monseñor Saliège, el Arzobispo de Toulouse, fue un activo y
vigoroso simpatizante de los judíos, que se esforzó por mejorar su situación en
los campos de dentención en el sudoeste de Francia. Ya el 23 de noviembre de
1941, Saliège envió una carta de protesta a las autoridades de Vichy contra su
política antijudía, aun cuando el resto de la jerarquía católica francesa se
había mantenido en silencio o incluso la apoyaba. Saliège obtuvo información
precisa acerca de las primeras deportaciones en agosto de 1942, desde los
campos de detención hacia el campo de tránsito de Drancy. El domingo 23 de
agosto de 1942, curas de todas las iglesias en la archidiócesis de Toulouse
leyeron en voz alta su protesta pública:
“Mujeres y niños, padres y madres tratados como ganado, los
miembros de la familia separados unos de otros y deportados hacia destinos
desconocidos: se ha reservado para nuestro propio tiempo el ser testigo de tan
triste espectáculo. ¿Por qué es que el derecho de santidad no existe más en
nuestras iglesias? ¿Por qué es que somos derrotados?... Los judíos son hombres
y mujeres reales. Los extranjeros son hombres y mujeres reales. No se puede
abusar de ellos sin límite... Son parte de la especie humana. Son nuestros hermanos,
como lo son tantos otros”.
De la noche a la mañana, el documento se convirtió en un
manifiesto; se imprimieron cientos de miles de copias, que fueron distribuidas
por miembros de la Resistencia por toda Francia. Los historiadores le adjudican
a la protesta de Saliège una vasta influencia en el abrupto viraje de la
opinión pública francesa en ese tiempo, cuando el apoyo al régimen de Vichy
cayó en picada. La protesta, también, allanó el camino hacia la acción práctica
de frustrar las políticas antisemitas de la gendarmería francesa y de las
autoridades de ocupación. Saliège dio instrucciones a los clérigos y las monjas
de su archidiósesis de ocultar judíos, particularmente niños. El adjunto de
Saliège, el Obispo de Courreges, fue nombrado para coordinar actividades de
salvataje de judíos por las instituciones de la Iglesia en la archidiócesis de
Toulouse. Por instrucciones del Ministerio del Interior, el alcalde de la
ciudad aplicó presiones, acompañadas de amenazas, en un intento de disuadir a
los sacerdotes de leer la protesta de Saliège desde sus púlpitos. El Arzobispo
resistió dichas presiones con enorme coraje y nobleza de espíritu. Las
autoridades, entonces, intentaron impugnar su prestigio y autoridad espiritual
publicando declaraciones incendiarias en su contra, pero no se atrevieron a
silenciar ni castigar al líder católico, quien se mantuvo enérgico a pesar de
su avanzada edad y precaria salud.
El 8 de julio de 1969, Yad Vashem reconoció a Monseñor
Jules-Gérard Saliège como Justo de las Naciones.
Cleopatra, o Cléopâtre en su título original en francés, es
una ópera en cuatro actos con música de Jules Massenet y libreto en
francés de Louis Payen, basado en la novela homónima de Anatole
France, y se estrenó en la Opéra Monte-Carlo, el 23 de febrero de
1914.
Estructurada en cuatro actos y cinco escenas, Cléopâtre es la
última obra de Massenet, estrenada dos años después de la muerte
de su autor.
La ópera gira en torno al personaje histórico, si bien el
compositor se centró en la visión trágica de una Cleopatra
extraordinariamente ambiciosa y atractiva, segura de su poder, que
después de la muerte de Julio César decidió seducir a Marco
Antonio.
La obra muestra el enfrentamiento entre dos mundos, el de la
Roma imperial, disciplinada y racional, y el de Egipto, flexible y
sensual.
A continuación, de Jules Massenet, escena final de la ópera
Cleopatra, en la interpretación de Béatrice Uria-Monzon, junto al
Coro y la Orquesta de la Opera de Marsella, dirigida por Lawrence
Foster, en junio de 2013.
Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean
la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar
de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el
lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante
que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la
cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos
descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como
ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…
Dominic James LaRocca, más conocido
como Nick LaRocca, nació en Nueva Orleans, Luisiana, Estados
Unidos, el 11 de abril de 1889 y murió en su ciudad, el 22 de
febrero de 1961. Compositor, cornetista y trompetista de jazz.
En 1910 fundó su primera banda, y después tocó con el
trombonista George Brunis y con la banda de Papa Jack Laine. En 1915,
a instancias del propietario de un club, se trasladó a Chicago,
donde fundó la Original Dixieland Jazz Band.
El 26 de febrero de 1917, realizó en New York sus primeras
grabaciones para el sello Victor, y posteriormente para el sello
Columbia Records. En 1919 encaró una gira por el Reino Unido, y varias por
Norteamérica, entre 1920 y 1925, año en que desarmó la banda y
abandonó temporalmente la música.
En 1936 regresó con la ODJB, haciendo grabaciones y actuaciones,
pero en 1938 regreso a Nueva Orleans y dejó definitivamente la
música activa.
A continuación, Old Joe Blade, de Nick LaRocca, con The Original
Dixieland Band, y el vocalista Russel Robinson, grabado el 25 de
septiembre de 1936, en un registro re-procesado en digitalmente.
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