Clive Davis

Clive Jay Davis nació en Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos, el 4 de abril de 1932. Productor musical, empresario y compositor.

El sitio www.clivedavis.com publicó su biografía.

Como el ejecutivo más innovador, franco e influyente de la industria discográfica, Clive Davis ha tenido un profundo impacto en el mundo de la música, actuando como su defensor y crítico, y quizás como su portavoz más visible y respetado. Las contribuciones de Clive Davis a la música son, en gran medida, responsables de haber llevado a la industria al nivel en el que se encuentra en el nuevo milenio.

En la primera etapa de su carrera, Davis fue Asesor General de Columbia Records y fue nombrado Vicepresidente y Gerente General en 1966. En 1967, fue nombrado Presidente de la compañía. El Festival Pop de Monterey en junio de 1967 confirmó lo que Davis sentía sobre el rock: la nueva música era una fuerza poderosa, la expresión artística de una cultura emergente. Él personalmente fichó a Janis Joplin's Big Brother y The Holding Company para Columbia. Después de eso, fue directamente responsable de la contratación de muchos otros artistas emblemáticos en el ámbito del rock, entre ellos Blood, Sweat & Tears, Chicago, Santana, Boz Scaggs, Loggins & Messina, Laura Nyro, Billy Joel, Bruce Springsteen, Aerosmith y Earth, Wind and Fire. Además de traer este talento fresco y flamante a Columbia, fichó a artistas como Neil Diamond, Pink Floyd, Herbie Hancock y The Isley Brothers.

Mientras construía la plantilla de rock, Davis también fortalecía el catálogo del sello en todos los ámbitos de la música grabada, alcanzando un éxito histórico en las áreas de R&B, country, jazz y pop. Desempeñó un papel clave en las carreras de Simon & Garfunkel, Sly & The Family Stone, Bob Dylan, Barbra Streisand y Andy Williams. Davis tuvo una participación destacada en los momentos decisivos de la carrera de Miles Davis y Herbie Hancock, y firmó con Weather Report. Bajo su dirección, la compañía se adentró con fuerza en el R&B. El acuerdo de Davis con Gamble & Huff trajo a la compañía el famoso sello Philadelphia-International, que cosechó una enorme cantidad de éxitos y marcó el rumbo de la música negra en los años 70.

Davis dejó Columbia Records en mayo de 1973 y, tras escribir el libro "Clive: Inside The Record Business", un éxito de ventas nacional tanto en tapa dura como en rústica, fundó, junto con Columbia Pictures, Arista Records en otoño de 1974. La buena racha de Arista Records comenzó de inmediato. Tan solo tres meses después de la apertura de la compañía, el éxito rotundo de Barry Manilow, "Mandy", fundado y bautizado por Davis, alcanzó el número uno.

Bajo el liderazgo de Davis, Arista impulsó las carreras de Whitney Houston, Barry Manilow, Patti Smith, Kenny G, Sarah McLachlan, Monica y Dido. El sello también atrajo a artistas tan importantes como Aretha Franklin, The Grateful Dead, The Kinks, Lou Reed, Eurythmics, Dionne Warwick, Daryl Hall & John Oates, y Carly Simon.

La división de Arista en Nashville, fundada en 1988, se convirtió rápidamente en el centro de atención de la industria con el descubrimiento de un elenco estelar de estrellas, liderado por Alan Jackson, Brooks & Dunn, Diamond Rio, Pam Tillis y Brad Paisley. Con más de 150 importantes premios de la industria, Arista Nashville marcó la pauta de la música country.

De manera análoga a su acuerdo con Gamble & Huff en los años setenta, Davis hizo su acuerdo con LA Reid y Babyface para formar LaFace Records en octubre de 1989. Durante este tiempo, LaFace construyó una lista destacada de artistas de éxito, incluidos TLC, Toni Braxton, Usher, OutKast y Pink.

En 1994, Davis y el productor y empresario Sean "Puffy" Combs formaron una empresa conjunta al 50% que dio lugar a la creación de Bad Boy Records, con una lista de artistas que creció hasta incluir a Notorious BIG, Faith Evans, Mase, 112 y, por supuesto, a Puffy Combs. Junto con LaFace Records, Bad Boy se convirtió en el sello discográfico de hip-hop y rap más exitoso de los 90, con una colección repleta de premios Grammy, "Soul Train" y otros premios de la industria. Bad Boy acumuló ventas de más de 12 millones de álbumes en sus primeros tres años, incluyendo cinco discos de platino y multiplatino de la RIAA y diez discos de oro de la RIAA.

A lo largo de los noventa, Arista se consolidó en la historia de la música una y otra vez. En concreto, superestrellas como Whitney Houston, Santana, Monica, Sarah McLachlan y Deborah Cox batieron récords con sus prolongadas posiciones en los primeros puestos de las listas. De hecho, Arista se forjó un nicho como el único sello discográfico en la era Soundscan (cuyo seguimiento comenzó en mayo de 1991) que ocupó los tres primeros puestos de la lista Hot 100 de Billboard simultáneamente. Esto ocurrió durante cinco semanas en 1995, cuando "Waterfalls" de TLC se mantuvo firme en el número 1, mientras que "Don't Take It Personal" de Monica y "One More Chance" de Notorious BIG se alternaron en la segunda y tercera posición. Arista se alzó con el primer puesto en la lista Hot R&B de Billboard en febrero de 1999 con «Heartbreak Hotel» de Whitney Houston, «Angel Of Mine» de Monica y «Nobody's Supposed To Be Here» de Deborah Cox (que se mantuvo en el número 1 durante 14 semanas, una cifra histórica). Los tres sencillos contaron con la producción ejecutiva de Clive Davis.

El álbum ganador de 9 premios Grammy, Supernatural, vendió más de 26 millones de copias en todo el mundo, produjo los éxitos #1 "Smooth" y "Maria Maria" (disco #1 en el Hot 100 Singles de Billboard durante 12 semanas), marcó la reunión de Carlos Santana y Clive Davis y los dos aceptaron, como productores, el Grammy al Mejor Álbum del Año.

Además, en el año 2000, Clive Davis fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como el único artista no intérprete, junto con otras leyendas como Eric Clapton, Earth, Wind & Fire y James Taylor. Casi simultáneamente, se anunció que el célebre líder de Arista recibiría el premio Trustees Lifetime Achievement Award de NARAS en los Premios Grammy.

El año histórico continuó con la transmisión de NBC Television, un especial de dos horas en horario estelar en honor a Arista Records y Clive Davis, titulado "25 años de éxitos #1: Celebración del aniversario de Arista Records", con actuaciones de Santana, Whitney Houston, Aretha Franklin, Toni Braxton, Puff Daddy, Annie Lennox, Sarah McLachlan, Alan Jackson, Barry Manilow, Brooks & Dunn, Kenny G, Patti Smith, Monica y muchos otros. Este concierto único benefició a AmFAR, City Of Hope y la Fundación TJ Martell.

En agosto de 2000, Clive Davis inició una nueva etapa en su carrera al anunciar la creación de J Records. El sello se convirtió rápidamente en el centro de atención de la industria con una sucesión de éxitos de platino, comenzando con Alicia Keys, cuyo álbum debut, Songs In A Minor, vendió más de 10 millones de copias y arrasó en los Grammy. Su segundo álbum, The Diary of Alicia Keys, debutó en el número 1 y, desde entonces, ha vendido más de 8 millones de copias en todo el mundo.

J Records ha emergido como una fuerza musical dominante con álbumes que encabezaron las listas de éxitos de Maroon 5, cuyo álbum debut vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo, Annie Lennox, Luther Vandross y Rod Stewart, cuyos cinco Great American Songbook Volumes lo devolvieron a la cima de las listas vendiendo más de 18 millones de copias en todo el mundo, con los cinco volúmenes coproducidos por Davis.

La pasión de Davis por la música, sin embargo, se ve acompañada por su pasión por ayudar a sus semejantes. Galardonado con numerosas distinciones humanitarias de organizaciones como la Fundación TJ Martell, la Liga Antidifamación y la Sociedad Americana del Cáncer, Davis comenzó su incansable labor en la lucha contra el SIDA en 1985. Clive Davis, uno de los líderes más destacados en la lucha contra la enfermedad, ha liderado la donación de millones de dólares a organizaciones benéficas contra el SIDA durante los últimos 15 años. A principios de 1990, fue Davis quien intervino para salvar el vacilante espectáculo benéfico contra el SIDA "Rock In A Hard Place". Con los recursos de 15 años de talento estelar de Arista, Davis decidió convertir el concierto del 15º aniversario de la compañía en un evento benéfico. Con un elenco estelar de estrellas del mundo de la música, la televisión y el cine, "That's What Friends Are For: Arista's 15th Anniversary Concert Benefit" tuvo lugar en marzo de 1990 en el Radio City Music Hall de Nueva York. El evento recaudó otros 2 millones de dólares para luchar contra el SIDA.

En 1995, Davis fue nombrado nuevamente Humanitario del Año por la Fundación TJ Martell, el primero en recibir este honor dos veces. En 1998, Clive Davis recibió el Premio Humanitario de la Fundación Americana para la Investigación del SIDA (AmFAR), la principal organización sin fines de lucro del país dedicada a apoyar la investigación del VIH/SIDA. Para celebrarlo, se celebró un evento que también reconoció la labor humanitaria de Barbara Walters y Tom Hanks, donde una deslumbrante selección de superestrellas de Arista, como Whitney Houston y Sean "Puffy" Combs, actuaron en honor a su amigo y director del sello.

En 2002, Mary Schmidt Campbell, decana de la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York, y Clive Davis anunciaron una donación de 5 millones de dólares de Davis a la Escuela para la creación de un nuevo Departamento de Música Grabada. El Departamento de Música Grabada Clive Davis es el primero de su tipo en ofrecer un programa de grado de cuatro años que otorga un título y reconoce al productor creativo como artista por derecho propio y a la grabación musical como medio creativo. Ese mismo año, Davis fue reconocido por el Conservatorio de Monumentos Históricos de Nueva York como "Monumento Histórico Viviente" junto con Barbara Cook, Peter Martins y Mike Wallace, y también recibió el codiciado Premio Héroes de NARAS. El Premio Héroes honra a personas destacadas cuyo talento creativo y logros trascienden todas las fronteras musicales y son parte integral de la vitalidad de la comunidad musical.

En junio de 2003, la Academia Nacional de Música Popular/Salón de la Fama de los Compositores, la organización dedicada a reconocer el trabajo y las vidas de los compositores y letristas que crean música popular en todo el mundo, nombró a Clive Davis el destinatario de su Premio Hitmaker 2003, otorgado el año anterior a Garth Brooks.

En el año 2008, Clive Davis fue nombrado Director Creativo de todo Sony Music Entertainment, un cambio en la responsabilidad operativa pero una expansión de los artistas de los que ahora sería responsable creativamente.

En el año 2010, NARAS anunció que nombraría al prestigioso teatro de última generación dentro del Museo Grammy como “Teatro Clive Davis”.

En 2011, la Universidad de Nueva York otorgó un Doctorado Honoris Causa en Bellas Artes a Clive Davis. También en 2011, Davis realizó una donación adicional de 5 millones de dólares, ampliando el Departamento de Música Grabada para convertirlo en un Instituto. Este apoyo adicional y su ascenso permitirán la contratación de más profesionales estelares como profesorado, establecer un generoso fondo de becas y apoyar programas para reclutar a los jóvenes talentos más destacados de todo el mundo, consolidando así el reconocimiento del Instituto Clive Davis de Música Grabada como líder mundial en la formación de talento para la industria musical.

Nacido en Brooklyn, Nueva York, Clive Davis se graduó con honores de la Facultad de Derecho de Harvard y obtuvo su licenciatura magna cum laude en la Phi Beta Kappa de la Universidad de Nueva York.

Reside en Manhattan con dos hijos y una hija que residen en el área metropolitana y un hijo que vive en Los Ángeles.

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Jimmy McGriff

James Harrell McGriff, Jr., más conocido como Jimmy McGriff, nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 3 de abril de 1936, y murió en Voorhees, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 24 de mayo de 2008. Organista.

El sitio www.apoloybaco.com publicó este recordatorio.

Jimmy McGriff.

James Harrell McGriff, Jr. (Filadelfia, 3 de abril de 1936, Estados Unidos – 24 de mayo, Voorhees, Nueva Jersey, Estados Unidos), conocido en el mundo de la música profesional como Jimmy McGriff, fue un organista estadounidense de jazz, blues, rhythm and blues, y soul jazz y jazz funk. Especialista en el órgano Hammond B-3.

Sus padres tocaban el piano y entre sus familiares estaban el saxofonista Benny Golson y el cantante de soul Harold Melvin. Envuelto en la música religiosa de la iglesia de su familia, consiguió sus primeros instrumentos, una batería, a los ocho años. Hacia los diez, tocaba el saxo alto y el bajo acústico, y terminando el instituto aprendió también a tocar el vibráfono, el piano y la batería. Aunque su primer instrumento fue el bajo, pronto se pasó al órgano Hammond tras ver a Richard «Groove» Holmes en un club en Camden, Nueva Jersey.

Una vez de vuelta en Estados Unidos, y tras licenciarse del ejército, McGriff dejó por un tiempo su actividad musical para trabajar en la policía de Filadelfia durante dos años y medio. Con todo, en ningún momento perdió su interés en la música, y hacia 1955 ya tocaba como músico de bajo acompañando a cantantes como Carmen McRae y, más frecuentemente, a Big Maybelle.

Su carrera se relanzó con gran éxito cuando McGriff grabó una serie de excelentes álbumes para el sello «Sue» entre 1962 y 1965. Más tarde, en los años 60 y 70, tocó en la banda de Buddy Rich, y a partir de 1986, con el saxo Hank Crawford. Durante aquella época, McGriff actuó en clubes y salas de conciertos de todo el mundo, se instaló en Newark, Nueva Jersey, y finalmente abrió su propio club, el «The Golden Slipper».

Ya en los años ochenta, grabó abundantemente con el prestigioso sello «Milestone», colaborando con Rusty Bryant, Al Grey, Red Holloway, David «Fathead» Newman, Frank Wess y Eric Alexander. En 1986, McGriff inició una asociación popular con el saxofonista alto Hank Crawford con el que también grabó varios discos para el referido sello Milestones.

Ya casi al final de su carrera, McGriff consiguió de nuevo relanzar su carrera formando el grupo: «The Dream Team», que incluía a David «Fathead» Newman (saxofonista de Ray Charles desde hacía mucho tiempo) y el baterista Bernard Purdie. Grabó otros cinco discos de enorme éxito y calidad: Team (1997), Straight Up (1998), McGriff’s House Party (2000), Feelin’ It (2001) y McGriff Avenue (2002).

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Vicky, con el Cuarteto de Hank Crawford. 

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Marvin Gaye

Marvin Pentz Gay, Jr., más conocido como Marvin Gaye, nació en Washington D. C., Estados Unidos, el 2 de abril de 1939, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 1 de abril de 1984. Cantante, compositor, pianista y productor.

El sitio www.marvingaye.net publicó su biografía.

Marvin Gaye fue una figura clave en la música del siglo XX: cantante de una sensibilidad excepcional, pianista versátil, baterista experto, compositor de sorprendente originalidad y productor capaz de integrar a la perfección multitud de vertientes melódicas. Más allá de su gran popularidad, su impacto en los artistas de su generación y de las futuras es enorme.

Como ningún otro artista, Gaye poseía una singular capacidad para combinar lo profano y lo espiritual. Un hombre que vivió gran parte de su vida en conflicto consigo mismo, la música fue su refugio, el lugar donde generó una armonía maravillosa.

Marvin Pentz Gay Jr. nació el 2 de abril de 1939 en Washington, D. C. Su padre llegó al Distrito desde Kentucky, donde conoció a Alberta, la madre de Marvin, una mujer soltera de Carolina del Norte con un hijo pequeño, Michael. Marvin Sr. y Alberta se casaron en 1935. Su primera hija fue Jeanne, seguida por Marvin Jr., su hermano Frankie y su hija Zeola. La familia vivía en lo que Marvin llamaba "Ciudad Simple", los proyectos del Capitolio Este.

Su infancia fue dura. Alberta trabajaba como empleada doméstica y su padre tenía un puesto a tiempo parcial en la oficina de correos local. Marvin padre era principalmente predicador, líder de una secta cristiana esotérica que combinaba el judaísmo ortodoxo con el cristianismo fundamentalista. La denominación era decididamente musical. Esa música —los sonidos gospel de alegría festiva— constituía la base del arte de Marvin.

“Me encantaba la voz de mi padre al cantar”, dijo Marvin. “Me encantaba su voz al predicar. Amaba todo en su iglesia. Él esperaba que cumpliera lo que él consideraba el mandato de Dios: que cantara, predicara y continuara su sagrada tradición. Sentí el llamado. Me sentí tentado. Pero el hecho de que eligiera otro camino arruinó nuestra relación. Me rebelé contra su autoridad. Me rebelé contra toda autoridad”.

Marvin Jr. asistió a Cardozo High, donde formó un grupo de canto, DC Tones, con sus amigos Reese Palmer y Sondra Lattisaw.

“Después del gospel, mi gran influencia fue el doo wop”, explicó el cantante. “Mis cuatro solistas favoritos eran Rudy West, Clyde McPhatter, Little Willie John y Ray Charles”.

Marvin dejó la escuela en el undécimo grado para unirse a la Fuerza Aérea, donde no duró mucho. No soportaba ni la disciplina ni las tareas domésticas.

“Mi baja fue honorable”, dijo, “aunque decía claramente: 'Marvin Gaye no puede adaptarse a la disciplina y la autoridad'”.

En 1957, el joven de 18 años regresó a DC.

“Decidí que, pasara lo que pasara”, dijo, “iba a triunfar como cantante pop”.

Marvin se reunió con Reese Palmer y se unió a los Marquees, el grupo que llamó la atención del arquitecto del rock & roll Bo Diddley. Diddley produjo y grabó al grupo para Okeh en Nueva York. Las canciones no se vendieron, lo que convenció a los Marquees de disolverse. Harvey Fuqua los convenció de lo contrario.

Titán del movimiento doo wop, Fuqua formó los Moonglows, que alcanzaron éxitos nacionales como "Sincerely" y "The Ten Commandments of Love". En 1958, reemplazó a sus miembros actuales con los Marquees, rebautizando su conjunto como Harvey and the Moonglows. Fuqua los grabó cantando "Mama Loochie" y "Twelve Months of the Year", ambas con la voz juvenil de Marvin Gaye.

A pesar de todo su exuberante encanto, el doo wop se desvanecía rápidamente. El astuto Fuqua disolvió a los Moonglows y se dirigió a Detroit, donde Berry Gordy estaba dando que hablar con su recién formado sello. En el viaje, Fuqua solo se llevó a uno de los Moonglows: Marvin.

Eran los inicios de los sesenta. Marvin acababa de cumplir veintiún años y decidió añadir una "e" a Gaye. Motown era un negocio familiar en el que las hermanas mayores de Gordy desempeñaban papeles importantes. Fuqua se casó con una de ellas, Gwen, y, dos años después de llegar a Detroit, Marvin se casó con otra, Anna, una mujer diecisiete años mayor que él. Adoptaron un hijo, Marvin III.

Mientras el sello discográfico generaba interés, Marvin pasaba mucho tiempo en el estudio como baterista de sesión y corista. Pero él y Anna tenían sus propios planes: convertir a Marvin en una estrella. Firmó como solista, pero se resistía a la plataforma del rhythm and blues. Quería despuntar como cantante de Nat Cole y Frank Sinatra. Pero cuando su álbum debut, The Soulful Moods of Marvin Gaye, fracasó, Marvin se volvió humilde rápidamente. Para sobrevivir en la cultura altamente competitiva de Motown, necesitaba un éxito. Lo consiguió en 1963 con "Stubborn Kind of Fellow". La canción era puro R&B y también la primera de lo que sería una serie de reflexiones autobiográficas que durarían toda su carrera.

Siguieron una serie de éxitos. La mayoría fueron escritos por otros compositores de Motown: Smokey Robinson escribió "Ain't That Peculiar"; Holland-Dozier-Holland escribió "Pride and Joy". Al mismo tiempo, Marvin coescribió un gran éxito para Martha and the Vandellas: "Dancing in the Street". También alcanzó el éxito como cantante de dúo con Mary Wells ("What's the Matter With You Baby") y Kim Weston ("It Takes Two"). El punto álgido de su trabajo en dúo fue una serie de canciones de amor clásicas, incluyendo "Ain't No Mountain High Enough", "Your Precious Love" y la propia composición de Marvin "If This World Were Mine", con Tammi Terrell. Luego, dos eventos, uno triunfal y el otro trágico, cambiaron el curso de su carrera.

El primero fue "I Heard It Through the Grapevine", el sencillo producido por Norman Whitfield que, al momento de su lanzamiento en 1968, se convirtió en el más vendido en la historia de Motown. Reflejando la turbulencia de su matrimonio con Anna, la canción convirtió al cantante en una superestrella. Un año antes, en 1967 —el mismo año en que Marvin grabó "Grapevine"—, Tammi se desplomó en sus brazos durante una actuación en Virginia. Diagnosticada con un tumor cerebral, falleció tres años después a los 24 años. Su fallecimiento traumatizó a Marvin. Se negó a actuar en vivo y se volvió solitario.

Recluse lo condujo a una introspección que finalmente derivó en otro cambio radical: el lanzamiento de What's Going On en 1971. Contrariando la creencia popular —que su popularidad dependía únicamente de las canciones de amor—, creó esta colección de canciones adoptando el personaje de su hermano Frankie, quien acababa de regresar de Vietnam. Los textos de Marvin abordaban los problemas de la época: la futilidad de la guerra, el deterioro ecológico, los peligros de la drogadicción, la brutalidad de las fuerzas del orden, todo visto desde la perspectiva del amor cristiano. El disco fue un éxito rotundo y un punto de inflexión en la cultura popular.

Para 1972, Marvin, al igual que Motown, se mudó de Detroit a Los Ángeles. En poco tiempo, creó otra obra maestra: la banda sonora de la película Trouble Man, que, más allá del tema principal, que encabezó las listas de éxitos, lograba el equilibrio perfecto entre el rhythm and blues instrumental y el jazz sofisticado.

Marvin nunca dejaba de sorprender, o incluso de impactar. En 1973, tras grabar un álbum a dúo con Diana Ross, produjo Let's Get It On, una extravagante celebración del amor físico y sagrado. Fue entonces cuando conoció a la que se convertiría en su segunda esposa, Janis Hunter.

"Let's Get It On" fue un éxito rotundo, superando incluso las ventas de "Grapevine". Tres años después, en 1976, Marvin subió la apuesta al colaborar con el productor Leon Ware para crear otra colección de música sensual de múltiples capas: el aclamado "I Want You".

En 1977, Marvin se casó con Jan, con quien tuvo dos hijos, Nona y Frankie. 1977 fue el mismo año de su último top ten de Motown, el contagioso "Got to Give It Up", un éxito dance anti-disco sobre un hombre, como él, reacio a bailar.

Un año después, lanzó su trabajo más personal, Here, My Dear, que narraba su tormentosa relación de dos décadas con Anna. El álbum tuvo pocas ventas, pero años después fue redescubierto por fans y críticos, y ahora se considera uno de sus logros más audaces.

Los demonios de Marvin eran formidables: la drogadicción y una depresión devastadora. A finales de los ochenta, solo trabajaba esporádicamente. En 1982, dejó Motown y firmó con Columbia.

Su éxito de regreso, "Sexual Healing", fue un éxito mundial. Pero durante y después de la gira estadounidense para promocionar el disco, cayó en un profundo descontrol emocional. De vuelta en Los Ángeles, viviendo en la casa que les había comprado a sus padres, su comportamiento errático lo llevó a agredir físicamente a su padre, quien disparó fatalmente a su hijo el 1 de abril de 1984, un día antes del 45.º cumpleaños de Marvin.

Las terribles circunstancias de su fallecimiento no han mermado en absoluto su reputación artística. En las décadas transcurridas desde entonces, su influencia ha crecido exponencialmente. Su capacidad para transformar la turbulencia de su vida en música trascendente ha dado lugar a un corpus musical maravillosamente satisfactorio. Su grandeza reside en su ingenio para transformar la energía espiritual en canciones que inspiran y deleitan.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Sexual Healing.

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Gil Scott-Heron

Gilbert Scott-Heron nació en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 1 de abril de 1949, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 27 de mayo de 2011. Poeta y músico.

El sitio www.poetryfoundation.org

Gil Scott-Heron 1949—2011

El poeta y músico Gil Scott-Heron nació en Chicago. Su madre, Bobbie Scott-Heron, fue cantante de ópera y maestra, y su padre nacido en Jamaica, Gilbert Heron, fue el primer jugador profesional de fútbol negro en los Estados Unidos y el primero en jugar en el Celtic FC en Escocia. Después del divorcio prematuro de sus padres, Scott-Heron se mudó a Lincoln, Tennessee, para vivir con su abuela Lily Scott, música y activista de los derechos civiles. Ella le compró a Scott-Heron su primer piano y le presentó la obra de Langston Hughes. En Lincoln, Scott-Heron fue uno de los tres niños negros seleccionados para desegregar su escuela secundaria. Después de soportar el racismo continuo en la escuela, Scott-Heron se mudó a la ciudad de Nueva York para vivir con su madre. Durante sus años de escuela secundaria en el Bronx, descubrió el trabajo de LeRoi Jones (más tarde Amiri Baraka). Scott-Heron completó varios años de trabajo de curso de pregrado en la Universidad de Lincoln y más tarde obtuvo una maestría en escritura creativa en la Universidad Johns Hopkins.

En un obituario para el New York Times, Ben Sisario describe a Scott-Heron como una “notable voz de la cultura de protesta negra en la década de 1970 y una importante influencia temprana en el hip-hop”, describiendo su “estilo hablado sincopado y críticas mordaces de la política, el racismo y los medios de comunicación”. Scott-Heron estuvo asociado con los Last Poets, cuyo compromiso con la justicia social unió la poesía política y la interpretación musical, lo que ayudó a allanar el camino para el surgimiento del hip-hop.

Las colecciones de poesía de Scott-Heron incluyen " Small Talk at 125th and Lenox: A Collection of Black Poems" (1970) y "So Far, So Good" (1990). Se puede encontrar un resumen de su poesía en " Now and Then: The Poems of Gil Scott-Heron" (2000). También escribió las novelas "The Vulture " (1970) y "The Nigger Factory" (1972), así como las memorias "The Last Holiday" (2012), y es el tema de la biografía " Gil Scott-Heron: Pieces of a Man" (2014), de Marcus Baram.

La formación de Scott-Heron como poeta inspiró su trabajo como músico. Su primer álbum, Small Talk at 125th and Lenox (1970), incluye una recitación acompañada de "The Revolution Will Not Be Televised", que desde entonces ha sido ampliamente reproducida. Lanzó más de una docena de álbumes a lo largo de su carrera, incluyendo The First Minute of a New Day (1975) y Reflections (1981). Para él, la creatividad y la acción política estaban entrelazadas. Junto con Stevie Wonder, Scott-Heron ayudó a reunir firmas para una petición que estableciera un día festivo federal en conmemoración del natalicio de Martin Luther King Jr.

Scott-Heron a veces se autodenominaba bluesólogo, influenciado por el blues, el jazz y la poética del Renacimiento de Harlem. Sin embargo, a lo largo de su carrera, se resistió a los intentos de categorizar su obra, rechazando apodos como "el padrino del rap", comparaciones con Bob Dylan o la etiqueta simplista de su obra como jazz. En las notas de su álbum Spirits (1993), publicado en Now and Then, Scott-Heron escribe que sus poemas y canciones “han sido regalos de los espíritus, así que quizás estas canciones y poemas sean 'espirituales'”. En “Words are for the Mind”, la introducción de ese libro, Scott-Heron afirma: “Para mí es muy importante que mis ideas se entiendan. No es tan importante que yo sea comprendido. Creo que es una cuestión de respeto; su activo más importante es su tiempo, y su compromiso de invertir una parte de él considerando mis ideas significa que vale la pena un intento sincero de mi parte por transmitir la esencia de la idea. Si está buscando, quiero asegurarme de que aquí encuentre algo”. Vivió en Harlem hasta su muerte a los 62 años.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con The Revolution Will Not Be Televised.

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