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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Wulf Wolodia Grajonca, más conocido como Bill Graham, nació en Berlín, Alemania, el 8 de enero de 1931, y murió cerca de de Vallejo, California, Estados Unidos, el 25 de octubre de 1991. Empresario y promotor.
BILL GRAHAM, EL INVENTOR DEL ROCK EN TEATROS Y MEJOR PROMOTOR DE LA HISTORIA
Por Julián Ruiz / Actualizado el 03/11/2025
La primera exposición completa sobre el empresario musical Bill Graham se inagurará en el Centro Cultural Skirball, en Los Ángeles a partir del 7 de mayo.
«Bill Graham y la Revolución del Rock & Roll» incluirá recuerdos, fotografías, imágenes de conciertos de archivo, entrevistas en video históricos y nuevos y arte psicodélico, relacionada con la carrera del padrino de la escena de conciertos de San Francisco y uno de los promotores de conciertos más influyentes en historia.
Bill fue el gran inventor del rock en los teatros, con la fundación de los míticos Filmore West en San Francisco y el Fillmore East en Nueva York, aparte del Winterland de San Francisco, donde se filmó «The Last Waltz» con The Band, Bob Dylan y etc, filmado por Martin Scorsese.
Las fotografías y artefactos, cedido por la familia Graham, estarán a la vista al público, por primera vez, junto con dibujos preparatorios y las ilustraciones originales de varios carteles de conciertos emblemáticos Fillmore de artistas Bonnie MacLean , Wes Wilson, David Singer, Greg Planchado y David Byrd. Todos los carteles fueron una auténtica revolución.
La exhibición incluirá el barril de manzanas original que saludó a los aficionados con manzanas frescas en la entrada del Auditorio Fillmore ; cartas y regalos de artistas y aficionados; y actuaciones en vivo notable y fotos del backstage del Fillmore, Winterland, Día on the Green, Live Aid y otra Bill Graham Presents conciertos.
Nacido en Berlín, Bill Graham, que murió en un accidente de helicóptero en 1991 a la edad de 60 años, fue conocido por trabajar con los Grateful Dead, Jefferson Airplane, Janis Joplin, Jimi Hendrix, Santana, Led Zeppelin, los Rolling Stones y muchos otros. Fue el descubridor de Santana.
La exposición se iluminará cómo las experiencias de la infancia de Graham, que como un emigrante judío alimentaron su unidad como un innovador cultural y defensor de la justicia social. Graham fue fundamental en la producción de conciertos benéficos hito como Live Aid en 1985 y Human Rights Now!, tres años más tarde.
La exposición coincide con dos aniversarios de 50 años: el primer concierto de Graham y el debut en vivo de la banda Grateful Dead. Graham hizo su debut como promotor el 6 de noviembre de 1965, cuando, como gerente de negocios para el San Francisco Mime Troupe, puso en escena una recaudación de fondos para apoyar la defensa legal de uno de los actores Mime Troupe. Poco después se hizo cargo del contrato de arrendamiento en el Auditorio Fillmore.
Los Dead tuvieron su primer show el 5 de mayo de 1965; su primer concierto como los Grateful Dead
Exposiciones relacionadas, conciertos y otros programas públicos serán anunciados en marzo. La exposición estará abierta hasta el 11 de octubre.
Que pena que sólo sea en Los Ángeles.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, como promotor de Carlos Santana, con Samba Pa Ti.
El sitio de You Tube Secretos de Sangre presenta la Historia real de los Chuetas de Mallorca: 15 apellidos (Cortès, Aguiló, Bonnín, Fortesa, Fuster, Martí, Miró, Picó, Pinya, Pomar, Segura, Tarongí, Valentí, Valleriola, Valls) que desde 1691 hasta 1970 fueron sinónimo de "judío". 6 marzo 1691: Inquisición quema vivos a 37 judíos conversos en Plaza del Mercado de Palma frente a 30.000 espectadores. Entre ellos Rafael Cortès. Desde ese día, sus descendientes quedan marcados para siempre. Miquel Cortès, 68 años, creció en barrio Monte Sión (antiguo gueto judío) sin saber por qué no podía casarse fuera de los 15 apellidos. En marzo 2024 recibe test ADN: 54,3% sefardí. Estudio de 1.300 descendientes chuetas: 92% tienen 42-63% sangre judía. 330 años de endogamia forzada preservaron genéticamente lo que sociedad intentó borrar. Archivos inquisitoriales revelan: su antepasado fue quemado vivo por practicar judaísmo en secreto. 20.000 mallorquines vivos HOY llevan los 15 apellidos. Muchos aún sienten vergüenza heredada. Gobierno Baleares pidió disculpas oficiales en 2011. Pero discriminación residual persiste.
A continuación, el video: Chuetas de Mallorca 15 Apellidos Prohibidos 330 Años - ADN 2024: 54% Judíos, No Podían Casarse con Otros
En febrero de 1831 Gioachino Rossini se encontraba en Madrid, España, para dirigir una representación de su ópera El Barbero de Sevilla. La función contó con la presencia del Rey Fernando VII, y resultó muy celebrada.
Entre el público estuvo presente el archidiácono Manuel Fernández Varela quien, entusiasmado, deseaba poseer un manuscrito de Rossini y le encargó la composición un Stabat Mater que rivalizase con el famosísimo de Pergolesi.
Cabe destacar que la plegaria del Stabat Mater es una secuencia litúrgica sobre unos versos tradicionales católicos del siglo XIII, atribuidos al papa Inocencio III o al fraile franciscano Jacopone da Todi.
A Rossini le pareció un encargo demasiado serio, por lo que fue reticente en un primer momento, aunque finalmente accedió dado que el prelado era gran amigo de su protector, el banquero Alejandro María Aguado.
La única condición que impuso el compositor fue que la obra no podía ser vendida ni publicada y recibió a cambio una tabaquera de oro encastrada de diamantes que le obsequió el archidiácono Fernández Varela.
Aunque se esperaba la obra para la Pascua de 1832, Rossini no encontraba suficiente inspiración para algunas de las secciones, por lo que le encomendó a su amigo el compositor y director musical del Teatro de los italianos de París, Giovanni Tadolini, que completase la partitura.
A pesar de la decepción por el retraso del encargo del archidiácono Varela, la obra fue estrenada en la iglesia del Convento de San Felipe del Real de Madrid el Viernes Santo de 1833.
A la muerte de Varela en 1837, y contrariamente a lo convenido inicialmente, el manuscrito fue vendido a un privado y posteriormente a un editor de París, lo que desató la furia de Rossini ante la embarazosa situación que se supiera que no toda la composición le pertenecía.
Afortunadamente Rossini recuperó el manuscrito y escribió las partes que había dejado en manos de Tadolini, dotando a la obra de un gran sentido de unidad, añadiendo como final la sección décima: "Amen, in sempiterna saecula".
Finalmente, la obra completa de Rossini fue estrenada en París, el 7 de enero de 1842 en la Sala Ventadour con gran éxito.
La partitura de la obra requiere la participación de cuatro solistas, coro y orquesta, y consta de diez movimientos o partes:
Introducción para coro y solista "Stabat Mater dolorosa"
Aria para tenor "Cujus animam gementem"
Dueto para soprano y contralto "Quis est homo"
Aria para bajo "Pro peccatis suae gentis"
Recitativo para bajo y coro "Eja, Mater, fons amoris"
Cuarteto para solistas "Sancta Mater, istud agas"
Cavatina para Contralto "Fac, ut portem Christi mortem"
Aria para soprano y coro "Inflammatus et accensus"
Cuarteto de solistas "Quando corpus morietur"
Final para coro "Amen, in sempiterna saecula" de estilo fugado
Seguidamente, el Stabat Mater de Gioachino Rossini, en la versión de Anna Netrebko, soprano; Marianna Pizzolato, mezzosoprano; Matthew Polenzani, tenor; e Ildebrando D'Arcangelo, bajo, junto al Coro y la Orquesta de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia, todos dirigidos por Antonio Pappano.
Doris Elaine Higginsen, más conocida como Doris Troy, nació en Nueva York, Estados Unidos, el 6 de enero de 1937, y murió en Las Vegas, Nevada, Estados Unidos, el 16 de febrero de 2004. Cantante y compositora.
Si hay un artista que encarnó el soul en su máxima expresión, es Doris Troy. Conocida por su voz poderosa y emotiva, esta cantante y compositora estadounidense es todavía una influencia en la música soul contemporánea. En este artículo, exploraremos la historia y biografía de Doris Troy, su legado en el soul, sus mejores canciones y una crítica de su música.
Nacida como Doris Elaine Higginsen en 1937 en Nueva York, Troy creció en un ambiente musical, rodeada de gospel, doo-wop y rhythm and blues. Fue en su adolescencia cuando fue descubierta por James Brown, quien la contrató como corista. A partir de ahí, su carrera despegó y comenzó a colaborar con importantes artistas de la época, como Solomon Burke, The Drifters y Chuck Jackson.
Sin embargo, fue en 1963 cuando Troy alcanzó el éxito con su tema Just One Look, que se convirtió en un clásico del soul y llegó al top 10 de las listas de éxitos. A partir de ahí, Doris Troy ganó reconocimiento como una de las grandes voces del género, con una capacidad emocional que pocos podían igualar.
La música de Doris Troy se caracterizó por ese soul genuino que llegaba directamente al corazón. Sus canciones son un retrato de la experiencia femenina, con temas como el amor, la confianza y la libertad. También abarcó temas sociales y políticos, como los derechos civiles y la discriminación racial.
Entre sus mejores canciones se encuentran clásicos como Whatcha Gonna Do About It, What'cha Gonna Do, y Get Back, que grabó con The Beatles. En todas ellas, se puede apreciar la impresionante voz de Troy, llena de sentimiento y una energía magnética.
En cuanto a la crítica, es difícil encontrar algo negativo que decir de la música de Doris Troy. Su legado en el soul es innegable, y su capacidad para transmitir emociones a través de la música es impresionante. Quizás lo único que se podría criticar es la falta de reconocimiento que recibió durante su vida, algo que se ha ido corrigiendo con el tiempo a medida que crece su influencia en la música soul contemporánea.
En resumen, Doris Troy es una figura importante en la historia del soul, con una voz y estilo únicos que la convierten en una inspiración para músicos de todo el mundo. Con su legado musical, ha dejado una huella duradera en la música soul, un género que siempre estará en deuda con su inconfundible estilo y autenticidad.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con So Far. Compuesta por Doris Troy y Klaus Voormann. Grabación realizada en 1970, con Klaus Voormann, bajo; Eric Clapton, Peter Frampton y Stephen Stills, guitarras; Bonnie y Delaney Bramlett, percusión; Alan White y Ringo Star, batería; Billy Preston y Bobby Whitlock, teclados; Leon Russel, piano y Rita Coolidge, coros.
Federico García Vigil nació en Montevideo, Uruguay, el 5 de enero de 1941, y murió en el 27 de mayo de 2020. Compositor, contrabajista, profesor y director de orquesta.
“Hace 72 años que estoy conviviendo con esa cosa que se llama música, que es una cosa fantástica, que está ahí flotando. Algunos levantan la mano y la llegan a tocar, la alcanzan y otros seres humanos no”
Federico García Vigil nació en Montevideo el 5 de enero de 1941.
Fue un compositor, profesor y director orquestal uruguayo.
A pesar de su formación académica, mantuvo siempre una estrecha relación con la música popular y folclórica y, en relación con esta última, con el candombe en particular.
Sus padres fueron Héctor García Moyano y Raquel Vigil Mutuverría, sobrina del escritor Constancio Vigil. Esta pareja poseía una gran inclinación artística y un pensamiento político de índole progresista.
Eran admiradores de Federico García Lorca, Mariana Pineda y Emilio Frugoni, a dos de los cuales homenajearían luego con el nombre de sus hijos: Federico y Mariana.
Su hermana Mariana García Vigil, al igual que él, se ha dedicado a la música tanto vocacional como profesionalmente.
Concurrió a la Escuela y Liceo Elbio Fernández. Mostró aptitud e interés por la música desde edad temprana, estudiando piano en el Conservatorio Guillermo Kolischer.
Más tarde estudió armonía con Fabio Landa, composición con Jiri Bortlichek y orquestación con Charles Schwartz.
Esa carrera empezó a sus 18 años en 1959, como contrabajista de la primera formación de The Hot Blowers, una banda de dixieland, un subgénero del jazz bien movido, al punto que también es conocido como Jazz- Hot.
La banda, fundada por el trompetista Daniel Lencina, fue muy famosa en el ambiente musical hasta su disolución temprana en 1962.
En esos pocos años, pasaron por su formación “Cacho” De La Cruz, Rubén Rada y los hermanos Fattorusso.
Quedan pocos registros de la banda, como de casi todo lo que se grabó en esa época en nuestro país. Por suerte en 2003 la banda se reunió, junto a los Chicago Stompers, para realizar una serie de conciertos que quedaron registrados en el álbum Jazz Tour en Vivo.
Formaciones posteriores de la banda incluyeron a Rubén Rada y a los hermanos Hugo y Osvaldo Fattoruso, entre muchos otros artistas de esta generación.
Durante su juventud se reunió con frecuencia en un local del barrio montevideano de La Mondiola que constituyó un punto neurálgico para la música en ese entonces: el denominado «taller de Moisés» ya que, en efecto, se trataba de un taller mecánico, parte de la casa de Caio, baterista de Los Shakers; Chocho, baterista de Los Delfines, y Urbano Moraes.
Se constituyó en un punto de reunión para futuros grandes músicos y artistas. Por allí pasaron, además de Federico, Manolo Guardia, los hermanos Fattoruso, Mingo Medina y Chiche Cabral, entre otros. A este lugar, más tarde le dedicaría Manolo Guardia el tango denominado "Taller de los inútiles".
A principios de la década de 1960, en pleno proceso revolucionario cubano, García Vigil fue contratado para trabajar en la Orquesta de Ballet de Alicia Alonso en La Habana.
El cambio profundo que la revolución estaba produciendo en la sociedad cubana maravilló a Federico, que desde un principio simpatizaba con el movimiento revolucionario.
En Cuba conoció a la mujer que luego sería su primera esposa, la bailarina de ballet Margarita Fernández, con la cual regresó a Uruguay.
A mediados de los 60 vuelve de Cuba con Margarita, justito para llegar a la gestación de uno de los géneros por el que nuestro país fue reconocido en todo el mundo: el Candombe- Beat.
Era parte de los músicos estables del local Orfeo Negro, junto a la legendaria banda El Kinto, integrada por Héctor Cardarello en clarinete, «Chiche» Beya en piano, José Pedro Imbelloni en batería y Federico en contrabajo.
Con este último Vigil tocó en los conciertos conocidos como Musicasiones, que después se verían reflejados en el histórico longplay Musicasión 4 y ½, el mejor registro de esa explosión de música hecha 100% en Uruguay.
Cabe destacar que en esa época la fama no significaba dinero -ni algo cercano-, así que Vigil también componía música para obras de teatro, y a veces hasta era intérprete de sus propias composiciones en los primeros actos.
En el año 1968, Federico estuvo a cargo de la música de la obra de teatro Libertad, libertad, estrenada en el Teatro El Galpón el 13 de junio de 1968 bajo la dirección de César Campodónico.
Asimismo, tocó un tiempo en la primera pieza de la obra como contrabajista, acompañado de Eduardo Mateo en guitarra y Luis Sosa en batería.
En 1969, con 28 años, su currículum ya incluía Jazz, Candombe Beat, dirección de orquesta y composición musical para obras de teatro.
Ese mismo año tocó junto a Eduardo Mateo en el famoso ciclo de conciertos denominado Musicasiones, a la vez que continuaba su trabajo relacionado con el teatro.
Pero al parecer no era suficiente, así que ese año sumó el tango, como parte de la banda Camerata de Tango, dirigida por Manolo Guardia, otro viejo amigo de Vigil en tiempos del “taller de Moisés” -que importantes son los contactos-. Con esta agrupación grabó dos exitosos discos LP, con difusión en Uruguay, Brasil, Argentina y Japón.
La idea de Camerata era aggiornar al tango a la nueva época, generar una mezcla entre ese género y los nuevos sonidos. El resultado fue Chau Ché (1969), disco que llegó a ser editado en Japón años después.
Los integrantes fueron, Carlos Vinitzki, Nelson Gobea y Juan José Rodríguez, viola, Moisés Lasca, violonchelo, Vinicio Ascone, contrabajo, Federico García Vigil y Guardia en piano, arreglos y dirección. Con este conjunto realizó varias grabaciones que se editaron en Argentina, Brasil y Japón, al igual que diversas giras por Latinoamérica.
El repertorio de la agrupación que en algún momento también fue llamada Camerata Punta del Este, incluía además estándares del jazz, piezas barrocas, bossa nova y candombe.
Recibió el Premio Florencio de Uruguay en 1969.
Le fue otorgado en 1970 el Premio Florencio de Uruguay.
En el año 1971 fue becado por el Ministerio de Educación y Cultura uruguayo para trasladarse a Buenos Aires, con el fin de proseguir sus estudios de dirección de orquesta con el maestro Simón Blech.
Ese mismo año, la Embajada de Francia lo invitó a continuarlos en el conservatorio de Estrasburgo, como discípulo del maestro Jean-Sebastian Bereau y, luego, en la Universidad de París, con Pierre Stoll.
Frente a caminos que se le empezaban a cerrar y con ganas de perfeccionarse como director, residió en Francia de 1972 a 1974.
Allí, su participación en tres funciones de la cantata “Santa María de Iquique”, con los Quilapayún, agravó su reputación para el gobierno uruguayo, ahora desembozadamente dictatorial.
Pese a haber ganado un concurso de dirección orquestal en Estrasburgo, al regresar a Uruguay estaba clasificado como ciudadano categoría C, no elegible para cargos públicos. Pudo escribir algunas músicas para la Comedia Nacional, que registró y acreditó con seudónimo, con la complicidad de los artistas teatreros.
Sin embargo, el premio en Estrasburgo le valió invitaciones puntuales para dirigir distintas orquestas americanas. Su debut fue con la Orquesta Sinfónica de Maracaibo, de Venezuela, y luego dirigió orquestas de Colombia, Estados Unidos, Brasil, Argentina y Perú.
Le fue otorgado el Primer Premio en Dirección de Orquesta en Francia en el año 1973.
En 1974, invitado por los gobiernos de Gran Bretaña y Alemania, recorrió las escuelas de dirección de orquesta de ambos países, profundizando sus conocimientos en el área, y tuvo la oportunidad de dirigir la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Nacional de Estrasburgo.
A mediados de la década del 70 conoció a Olga Bérgolo, quien fuera su esposa.
En noviembre de 1978 participó en el Concurso Internacional de Dirección de Orquesta del Festival Villa Lobos en Brasil.
Más tarde dirigió el Ensamble Ciudad de Montevideo y la Orquesta Nacional Juvenil de Venezuela.
Luego de un suceso familiar muy desafortunado, vivió un período de adicción al alcohol, a la que felizmente pudo poner fin en el año 1985.
En el año 1981 recibe el Premio Florencio en Uruguay.
En 1983 formó parte de un proyecto de candombe fusión junto a Mike Dogliotti, Hugo Jasa y Roberto Galletti, con quienes grabó el casete Chicalanga 3 + 1, editado por el estudio de grabación La Batuta.
En cuanto terminó la dictadura, fue convocado para asumir como director titular de la Orquesta Sinfónica Municipal.
Esa responsabilidad, que además puso fin a más de un decenio de inestabilidad profesional, contribuyó para que superara un serio problema de alcoholismo.
Dejó de tomar a fines de 1985 y logró sostener la abstención total por el resto de su vida. Ganó, además, el concurso para docente de Dirección Orquestal en la Escuela Municipal de Música, y fue, durante varios años, un relevante formador.
En 1990 asumió como director titular de la Orquesta Sinfónica de Colombia, hasta que lo convocaron para retomar la Orquesta Sinfónica Municipal en 1993, que pronto se convirtió en la Filarmónica.
Se desempeñó, además, como catedrático de Dirección Musical en la Escuela Universitaria de Música de la Universidad de la República y en la Escuela Municipal de Música de Montevideo.
Ha dirigido, además, las Sinfónicas de Argentina, gran parte de las latinoamericanas y varias de Europa y Estados Unidos. También fue intensa su labor como director de Ópera.
Se le otorga el Premio Fabini de Uruguay.
Recibe el Premio Morosoli de Uruguay.
Gana el Primer Premio de Música de Cámara (Concurso AEMUS-BAW)
Se le otorga el Premio Iris de Oro en Uruguay del año 1995.
En septiembre de 1996 fue distinguido, junto a los maestros Simón Blech e Isaac Karabtchevsky, para dirigir la Orquesta Sinfónica de San Pablo en el Encuentro Sinfónico Internacional Mercosur Cultural.
En el año 2003 el Ministerio de Cultura de Polonia. Le otorga la Ordre du Mérite Culturel.
Ese mismo año es declarado Ciudadano Ilustre de Santiago de Chile.
Recobe el Premio a la Trayectoria Artística y Humana otorgado por el Foro Iberoamericano de las Artes de la Universidad de Alcalá de Henares. España en el año 2003.
En el año 2004 Colombia le entrega la Medalla al Mérito Cultural.
En el año 2005 el Ministerio de Cultura de Francia le otorga el premio Chevalier dans l'Ordre des Arts et des Lettres.
Premio Candelabro de Oro de la B'nai B'rith Uruguay.
Falleció a los setenta y nueve años el 27 de mayo de 2020.
RESUMEN DE SU Actividad artística
Director de Orquesta Sinfónica
Fue director, entre muchas otras, de las siguientes orquestas:
Orquesta Filarmónica de Montevideo (Director Titular. Uruguay)
Orquesta Sinfónica de Colombia (Director Titular. Colombia)
Orquesta Sinfónica de Río de Janeiro (Brasil)
Orquesta Sinfónica de Porto Alegre (Brasil)
Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo (Brasil)
Orquesta Sinfónica de Maracaibo (Venezuela)
Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas (Venezuela)
Orquesta Sinfónica Simón Bolívar (Venezuela)
Orquesta Sinfónica de Manitowa-Wisconsin (Estados Unidos)
Orquesta Sinfónica de Savannah-Georgia (Estados Unidos)
Orquesta Sinfónica de Greenville (Estados Unidos)
Orquesta Sinfónica de Chicago (Estados Unidos)
Orquesta Sinfónica de Portland (Estados Unidos)
Orquesta Sinfónica de Vancouver (Canadá)
Orquesta Sinfónica de Madrid (España)
Orquesta Sinfónica de Córdoba (España)
Orquesta Sinfónica de Palma de Mallorca (España)
Orquesta Sinfónica de Estocolmo (Suecia)
Orquesta Sinfónica de Varsovia (Polonia)
Orquesta Sinfónica de Bucarest (Rumania)
Orquesta Sinfónica NHK de Tokio (Japón)
Director de Ópera
Como director de ópera, ha sido responsable de la dirección de este género en varios teatros del mundo, entre los que se encuentran el Teatro Solís de Montevideo, Teatro del Libertador de Córdoba, Teatro Argentino de La Plata, Teatro Teresa Carreño de Caracas, Teatro Colón de la Ciudad de Bogotá, Teatro Principal de Palma de Mallorca y Cuerpos Estables de la Ópera de Cataluña. Entre otras obras del género, ha dirigido:
Aída
Anna Bolena
Bastián y Bastiana
Carmen
La Cenerentola
Così fan tutte
Don Giovanni
Fausto
La Flauta Mágica
La Traviata
Madame Butterfly
Rigoletto
Compositor
Il Duce (ópera sobre texto de Carlos Maggi y Mauricio Rosencof).
Surcos (Horacio Ferrer / García Vigil).
Variaciones sobre un tema de Rada.
Canción de Frondoso (Lope de Vega / García Vigil).
Canto al hombre (Alfredo Gravina / García Vigil / Manuel Guardia).
Discografía
Libertad, libertad (Dirección musical) (I. T. El Galpón, 1968) Sencillo
Cantata del pueblo (Cantares Del Mundo, CM 0020, edición sin fecha) (Con Manolo Guardia y Alfredo Gravina)
Sinfonía concertante para bandoneón y orquesta (Homenaje a Torres García) (RCA LPUS 065. 1977)
Orquestango (Dirigiendo la Orquesta Filarmónica de Montevideo) (Sondor, 8229.2, 2003)
Orquestango 2 (Dirigiendo la Orquesta Filarmónica de Montevideo) (Sondor, 8259.2, 2004)
Orquestango 3 (Dirigiendo la Orquesta Filarmónica de Montevideo) (Sondor, 8.274-2, 2006)
Con Mike Dogliotti, Hugo Jasa y Roberto Galletti
Chicalanga 3 + 1 (La Batuta, LBC 006, 1983)
Colectivos
Nuestros compositores (Composición: Variaciones sobre un tema de Rada (Ayuí / Tacuabé, OFM4CD, 2003)
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con su interpretación de las Variaciones sobre un tema rococó para Violoncello y Orquesta Op. 33, de Piotr Ilich Tchaikovsky, al frente de la Orquesta Sinfónica Provincial de Bahía Blanca. Solista: Pablo Romero.
La comunidad judía de Barcelona conserva un legado notable cuyo renacimiento comenzó a finales del siglo XIX con la llegada de judíos sefardíes y de Europa oriental. Hoy es una comunidad activa que participa en la vida social mediante actividades educativas, religiosas y culturales.
Mark David Hollis nació en Tottenham, Londres, Reino Unido, el 4 de enero de 1955 y murió en su ciudad, el 25 de febrero de 2019. Compositor, cantautor, productor discográfico y multi instrumentista. Tocaba guitarra, piano y synclavier.
El sitio www.vice.com publicó este recordatorio firmado por Sam Goldner.
Recordando a Mark Hollis, el rebelde apacible del pop
Por Sam Goldner / febrero 27, 2019, 2:04pm
Los primeros instantes del Laughing Stock de Talk Talk llegan con el silencioso drama de una cortina cayéndose al suelo. El suave feedback del amplificador se escucha a lo lejos casi en silencio durante 18 segundos antes de que un acorde rebosante de trémolo entre en la foto. Las cuerdas parecen surgidas de la nada como una neblina, disipándose sin tomar una forma tangible. Una voz, a la mitad entre cantante de lounge y animal herido, se arrastra desde un susurro hasta el grito desgarrador. Es hermoso, pero escalofriante, lleno de detalles que, de alguna manera incluso ahora, evocan un vacío profundo que lo consume todo.
Laughing Stock es un álbum que revela más con cada escucha, sus piezas sin molde palpitando y respirando como formas de vida en constante cambio, nunca iguales a la última vez que las escuchaste. Desde su lanzamiento en 1991, el disco se ha convertido en una de las grabaciones más influyentes de la música underground, y ha sido alabado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. El hecho de que esta obra monumental pudiera provenir de una banda que originalmente fue etiquetada como imitadores de Duran Duran solo se suma a su enigma.
Mark Hollis murió el pasado 25 de febrero rodeado de tanto misterio como el que lo rodeó en vida (hasta el momento de escribir esto, incluso la enfermedad que padecía se desconoce). El flujo de emoción que ha surgido desde todos lados del mundo de la música ha sido asombroso, aunque particularmente de artistas en la comunidad experimental. Entre mi círculo de amigos, su música siempre ha sido un secreto a voces como una especie de escritura secreta; el que originalmente me mostró Laughing Stock decía que lo había escuchado todos los días durante años.
Talk Talk siempre estuvieron peleados con su propio éxito, una actitud que consolidó su reputación como íconos de la individualidad en la música. Hollis frecuentemente se mostró hostil hacia la prensa (sin mencionar hacia sus propios fans), y trabajó activamente por romper con el sonido y la imagen lustrosas con la que fueron asociados cuando la banda firmó con EMI en las épocas de su debut. Aunque la voz afligida y dolorida de Hollis tiene sentido en el contexto de las raíces new wave de Talk Talk, la banda no tuvo la suficiente presencia para convencer a la prensa británica. Las revistas de punk inglesas los clasificaron como «Typical Typical»; sus sencillos se desplomaban en el mercado local pero llegaron a las listas de popularidad en el extranjero.
No sabemos mucho sobre la infancia y adolescencia de Hollis, pero tomando en cuenta algunos fragmentos revelados por él mismo, parece que batalló con figuras de autoridad en la escuela y pasó su juventud tocando punk y trabajando en fábricas. En diversas entrevistas habló sobre cómo Singin’ In the Rain fue una de sus películas favoritas de todos los tiempos. Al igual que en ese clásico de la historia del cine, la visión artística de Hollis era mucho más soñadora que lo que aparentaba a primera vista. Hollis pensaba en Talk Talk en términos mucho más abstractos, incluso desde el principio: en el ciclo de prensa de su debut, Mark Hollis elogiaba a Shostakovich y dio a entender que existían paralelos entre el synth-pop brilloso de su banda y la interacción instrumental de John Coltrane.
En el transcurso de su tiempo con EMI, Hollis luchó contra las percepciones que había de su banda, empujando su sonido cada vez más y más lejos del mainstream. Irónicamente, solo fue capaz de verdaderamente rechazar a la industria una vez que la había conquistado. The Colour of Spring, el tercer álbum de la banda, marcó su primer gran alejamiento del dance-pop, alineándose con los sofisticados y futuristas sonidos de artistas como Kate Bush o Tears for Fears. El disco reveló el gusto de Hollis por generar ambientes marchitos, como quedó demostrado en canciones melancólicas tipo «Chameleon Day» o «April 5th». Propulsado por el sencillo «Life’s What You Make It», The Color of Spring se convirtió en un éxito internacional, finalmente brindándole a Talk Talk el respeto de sus compatriotas y la concesión a Hollis de una preciada libertad financiera que necesitaba para hacer lo que finalmente se convertiría en su declaración definitiva.
The Spirit of Eden y Laughing Stock, los dos álbumes que Hollis produjo a raíz de The Color of Spring, suenan como el trabajo de una banda totalmente diferente: una que podría haber puesto a circular esta música en cassettes actualmente. En lugar de girar en torno al ritmo y la melodía, las canciones actúan como atmósferas por sí solas, flotando libremente a medida que Hollis retuerce cada nota de su voz con una intensidad que hace que sus letras sean tan indescifrables como irrelevantes. Ya sea la temblorosa armónica con la que abre «The Rainbow», el coro radiante que aparece al final de «I Believe in You», o la cosa disonante que emerge a los cuatro minutos de «After the Flood» y se sostiene por un minuto entero (Hollis afirma que son dos saxofones que se reproducen a la vez, pero no aparece ningún crédito de saxofón en el álbum), todos estos sonidos rebosan con vida. Se siente completamente orgánico a pesar de que Hollis literalmente pasó años en una habitación oscura reuniéndolos por horas y horas de sesiones de grabación.
Estos dos álbumes (así como su increíble álbum homónimo en solitario de 1998) convergen el amor por el free jazz y la música clásica avant-garde de Hollis en una improvisada y sorprendente música, que es la que siempre había querido hacer. Por supuesto, ninguno de los dos discos se vendió particularmente bien, lo que ayudó aún más a solidificar la misión de Hollis de pintarle un dedo medio a la música pop en favor de independencia y la búsqueda de la verdad. Este tipo de actitud individualista se ha convertido en una modelo desde el cual generaciones de artistas han buscado orientación, desde héroes clandestinos como Broken Social Scene y Califone hasta nombres tan grandes como Radiohead y No Doubt.
Después de estos tres lanzamientos que rompieron todo tipo de paradigmas, Hollis dejó el mundo de la música completamente para pasar más tiempo con su familia. Hollis pasó años tratando de deshacer todas las suposiciones que sus compañeros tenían sobre quién era él y qué significaba su trabajo, llegando a algo tan cercano como se puede llegar a un tipo de música que fuese tan de la tierra como del alma. Luego, renunciar al proceso mismo de grabar música para simplemente estar con tus seres queridos, dice más sobre lo que Hollis vio en el mundo que lo que podría agregar cualquier otra obra maestra. Hollis buscó vivir su vida como individuo, y al hacerlo nos enseñó que no es imposible superar ninguna etiqueta en el camino hacia la búsqueda de uno mismo. Hollis quería que lo viéramos por lo que realmente era, como cualquiera de nosotros.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con It's My Life.
John Michael Osbourne, más conocido como Ozzy Osbourne, nació en Marston Green, Warwickshire, Reino Unido, el 3 de diciembre de 1948, y murió en Jordans, Buckinghamshire, Reino Unido, el 22 de julio de 2025. Cantante, músico y compositor.
(John Osbourne; Birmingham, 1948 - 2025) Músico británico. Sus comienzos en la música datan de finales de los sesenta, cuando formó junto a Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward el grupo de rock duro Black Sabbath. Tras el álbum de 1978 Never Say Die, Osbourne fue despachado de Black Sabbath y tuvo que encontrar la forma de vivir por sus propios medios.
Ozzy Osbourne
Con el apoyo de su esposa y mánager Sharon, decidió montar un nuevo grupo; reclutó a Randy Rhoads, Bob Daisley y Lee Kerslake y formó The Blizzard Of Oz. En el año 1981 vio la luz el primer álbum de este nuevo proyecto de Osbourne, con el título de Blizzard Of Oz, y con un estilo muy parecido al de Black Sabbath, tanto en las letras como en la música. Crazy Train, uno de los singles extraídos del disco, ayudó al larga duración a trepar hasta la decimosegunda posición de las listas británicas, y a casi entrar en el top veinte norteamericano.
Los primeros cambios de formación se sucedieron a partir de entonces; Daisley y Kerslake se marcharon para ser sustituidos por Tommy Aldridge y Rudy Sarzo, justo antes de editar el segundo disco del grupo, Diaty Of A Madman. Este segundo disco vendió más que su predecesor y entró con fuerza en las listas estadounidenses, con lo que la fama de Osbourne aumentó considerablemente.
En aquella época tuvo lugar una peculiar anécdota en un concierto: Ozzy estaba actuando cuando un fan le lanzó un murciélago al escenario; ni corto ni perezoso, Ozzy le arrancó la cabeza de un mordisco pensando que era un artículo de broma. Por supuesto, el concierto tuvo que ser suspendido y Osbourne fue llevado a un hospital para ser vacunado de la rabia. Poco después, Rhoads falleció en un extraño accidente de aviación. Osbourne cayó en una depresión, al perder a uno de sus mejores amigos, y la banda se vio obligada a hacer una parada en su ascendente carrera.
Ozzy con el grupo Black Sabbath
En el año 1983 se editó Speak Of The Devil, grabaciones en directo de temas de Black Sabbath, con Brad Gillis a la guitarra. Ozzy fue liberado de su contrato con Jet Records y se presentó borracho a una entrevista en Epic Records acompañado de dos palomas. Una de ellas fue liberada y la otra murió de la misma manera que aquel pobre murciélago; como consecuencia de ello, Ozzy fue contratado por la multinacional.
Ficharon como nuevo guitarrista a Jake E. Lee, que trabajó ya en Bark At The Moon, editado en 1984. Aunque los trabajos de esta nueva época no tuvieron la consistencia de los anteriores, el disco tuvo el mismo éxito, o incluso más, que sus predecesores, a pesar de que Bark At The Moon fue considerado por muchos críticos como el peor disco de Ozzy Osbourne; el público, sin embargo, no parecía compartir este criterio, porque el disco fue otro bombazo de ventas.
Un año más tarde se editó Tribute, un disco grabado en directo en el año 1981 dedicado a Randy Rhoads; tras esta edición, Lee dejó el grupo y fue reemplazado por Zakk Wylde. Con ese nuevo elemento en la banda, uno de los discos más duros de Osbourne, No Rest For The Wicked, salió al mercado en el año 1989. Este disco marcó un punto de inflexión en la vida de Osbourne; a partir de entonces, dado que el músico deseaba pasar más tiempo junto a su familia, las giras y conciertos se hicieron muchos menos frecuentes. No More Tears llegó a finales de 1991, con una gira posterior que fue anunciada como la última, cuyos temas en directo aparecieron en 1993 recogidos en Live And Loud.
Sin embargo, no hubo retiro definitivo, y en el año 1995 salió a la venta Ozzmosis, que a pesar de las críticas vendió tres millones y medio de copias. Después de este disco, Ozzy creó el Ozz-Fest, una gira que le incluía a él mismo junto a un puñado de bandas heavy; en el año 1996 sólo actuaron dos veces, pero al año siguiente, el Ozz-Fest tuvo un gran cartel: Pantera, Marilyn Manson y una reunión de los antiguos Black Sabbath. Esta gira obtuvo un extraordinario éxito, y poco después Osbourne reúnió a la formación original de Black Sabbath para grabar un álbum en directo.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con No More Tears.
Sanda Ladoși (nacida el 2 de enero de 1970) es una cantante rumana conocida por representar a Rumania en el Festival de la Canción de Eurovisión 2004. Comenzó a cantar de niña y desarrolló su talento musical desde temprana edad. A los 10 años, Ladoși ya estaba aprendiendo piano, guitarra y canto, y ganó un concurso nacional de música en Rumania durante sus años escolares. Más tarde se mudó a Bucarest para seguir una carrera musical y pronto emergió como una figura notable en la música pop rumana. A lo largo de los años, ha lanzado cinco álbumes y realizado conciertos en Rumania y en el extranjero. La carrera de Sanda Ladoși abarca la música, la actuación y los roles públicos en las artes, lo que la convierte en un nombre muy conocido en el entretenimiento rumano.
Vida temprana y comienzos musicales
Sanda Ladoși nació en Târgu Mureș, Rumania, y comenzó a cantar a los 7 años en el coro de su escuela. Luego, en su adolescencia, tomó lecciones formales de música y canto, lo que la ayudó a construir una base sólida. Después de terminar la escuela secundaria en 1988, se mudó a Bucarest para seguir su sueño de convertirse en cantante profesional. Casi al mismo tiempo, también se matriculó en estudios de derecho en la Universidad Titu Maiorescu, lo que demuestra su dedicación a la educación junto con la música. El talento temprano de Ladoși fue reconocido en concursos de música rumanos. En 1987, compitió en el concurso de talentos “Steaua fără nume” (“Estrella sin nombre”), y en 1988 ganó el Primer Premio en la sección de interpretación en el prestigioso Festival de Música de Mamaia. Estos logros le abrieron puertas en la industria musical rumana. A principios de la década de 1990, Sanda Ladoși actuaba en giras nacionales y eventos musicales, a menudo junto a artistas rumanos establecidos, lo que la ayudó a ganar experiencia y popularidad.
Ascenso a la fama en la década de 1990
En la década de 1990, Sanda Ladoși consolidó su lugar como una destacada cantante rumana. Lanzó su álbum debut Când vine seara en 1993, seguido de un segundo álbum Între noi mai e un pas en 1994. El segundo álbum fue especialmente notable porque presentó seis canciones a dúo con el fallecido actor Ștefan Iordache. Con Iordache, interpretó la canción "Eu vreau să-ți spun că te ador", ganando el segundo lugar en el Festival de Mamaia de 1994 y el tercer lugar en 1995 en la sección de composición del mismo festival. Ladoși continuó lanzando música popular durante la década. Su tercer álbum, Nu mă iubi, salió en 1997, y presentó nuevas canciones en una mezcla de estilos pop y contemporáneo.
En 1999, terminó de grabar su cuarto álbum, Mi-e dor, que incluía canciones originales y versiones de clásicos rumanos. Ese año, también ganó otro premio (Tercer Premio) en el Festival de Mamaia por una canción del compositor Dan Iagnov. La rica voz y presencia escénica de Sanda Ladoși la convirtieron en una invitada frecuente en festivales de música y programas de televisión. Realizó duetos con célebres artistas rumanos como Marcel Pavel, Ioan Gyuri Pascu y Aurelian Temișan, entre otros. A finales de la década de 1990, había lanzado cuatro álbumes y se había convertido en un elemento fijo en la escena de la música pop de Rumania. Incluso intentó representar a Rumania en Eurovisión una vez antes, participando en la selección nacional en 1998, pero no fue hasta unos años más tarde que llegaría al escenario de Eurovisión.
Eurovisión 2004 y “Lo admito”
En 2004, Sanda Ladoși alcanzó reconocimiento internacional al ganar la selección nacional de Rumania, Selecția Națională, y convertirse en la candidata del país para el Festival de la Canción de Eurovisión celebrado en Estambul. Interpretó la canción "I Admit", una canción pop de ritmo rápido con influencias de baile latino. Sanda Ladoși terminó 18.ª en la final de Eurovisión 2004, obteniendo 18 puntos para Rumania. La canción "I Admit" se incluyó en su quinto álbum de estudio, titulado Khalini, que se lanzó en 2006. Este álbum, que salió poco después de su aparición en Eurovisión, presentó una mezcla de nuevas canciones y mostró su versátil estilo de canto.
Carrera posterior, pausa y vida familiar
Después de mediados de la década de 2000, la carrera de Sanda Ladoși entró en una fase más tranquila mientras se centraba en su vida personal. Se casó y formó una familia; su hijo nació en 2007 y su hija en 2009. Con dos niños pequeños en casa, Ladoși se tomó un descanso del ojo público: se alejó de las presentaciones frecuentes y puso su carrera musical en pausa durante unos años. Luego, a medida que sus hijos crecieron, Sanda Ladoși regresó gradualmente a la escena del entretenimiento. Alrededor de 2011, comenzó a hacer apariciones selectivas nuevamente, colaborando en el estudio con el también cantante y compositor Ovidiu Komornyik y actuando en concierto cuando surgían las oportunidades. Ladoși también expandió sus actividades artísticas durante este período. Por ejemplo, asumió un papel de actuación de voz: proporcionó la voz de doblaje rumana para el personaje Mulan en un episodio especial de la serie animada de Disney Sofia the First. Este proyecto le permitió explorar talentos de actuación más allá del canto. Además, apareció como cantante invitada en espectáculos teatrales en el Teatro Constantin Tănase Revue de Bucarest, lo que indica su versatilidad como intérprete.
Regresar a Roles públicos y trabajos recientes
A finales de la década de 2010, Sanda Ladoși tuvo un notable regreso no solo a la música, sino también a roles culturales públicos. En 2017, sorprendió a muchos al desarrollar una pasión por las artes circenses. Aprendió habilidades acrobáticas e incluso realizó rutinas aéreas mientras cantaba, combinando su talento musical con la actuación física. Ese mismo año, la administración de la ciudad de Bucarest la nombró subdirectora artística del Circo Metropolitano de Bucarest (Globus Circus). En este rol público, Ladoși es responsable de la dirección creativa de espectáculos circenses, ayudando a modernizar y promover una de las instituciones de entretenimiento más famosas de la ciudad. Este giro profesional demostró su capacidad para reinventarse y contribuir a las artes más allá de la música pop.
Sanda Ladoși también restableció su presencia en los medios rumanos. Comenzó a aparecer en televisión como mentora y jurado. Por ejemplo, se unió al jurado de “Vedeta familiei”, un programa de talentos infantil orientado a la familia en TVR (televisión pública rumana). En este programa, Ladoși evalúa y anima a jóvenes cantantes y a sus padres, aprovechando su vasta experiencia en la música. Además, se mantuvo conectada con la comunidad eurovisiva. En 2022, Sanda Ladoși fue miembro del jurado rumano del Festival de la Canción de Eurovisión y más tarde habló sobre una controversia de votación ese año, expresando sus opiniones sinceras sobre la imparcialidad de los resultados del concurso. A lo largo de todas estas actividades, Ladoși ha seguido actuando en vivo en ocasiones. Todavía da conciertos especiales y hace apariciones especiales en televisión y en eventos musicales, recordando al público que su talento vocal está muy vivo.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Te-aleg mereu, o Siempre te elijo a ti.
Elli Robert Fitoussi, más conocido como F. R. David, nació en Menzel Bourguiba, entonces Protectorado francés de Túnez, el 1 de enero de 1947. Guitarrista, cantante, compositor, arreglador y productor.
FR David es un artista singular que experimentó con diferentes estilos de música.
Cantante, compositor, arreglista y productor, utiliza la fórmula de su amigo Ray Charles: «Hay dos tipos de música: la buena y la otra...».
Empezó como bajista en bandas de rock y más tarde como cantante. El álbum "Earth" con VANGELIS (a principios de los 70) fue uno de los mejores experimentos de la era psicodélica, junto con otros grandes como SOFT MACHINE.
En lugar de quedarse en las esferas musicales francesas en las que FR David destacó inmediatamente, buscó horizontes más amplios y en 1974 se fue a Estados Unidos como cantante de LES VARIATIONS, la única banda de rock francesa conocida en Estados Unidos con una gira de un año (teloneando a grandes bandas como AEROSMITH y mucho más en estadios) mientras grababa un álbum de Rock & Roll "Cafe of Paris" con Buddah Records.
El resto de la década, FR David vivió en Nueva York. El representante de rock número uno, David Krebbs, lo fichó. Perfeccionó su talento, ya consolidado, con los "Grandes" entre Nueva York y Los Ángeles, como Michael Kamen, Steely Dan y Toto, utilizando, por supuesto, los mejores y más legendarios estudios.
Impulsado por estas experiencias únicas, el padre David decidió regresar a su hogar en París. En 1982, empezó a trabajar de inmediato y lanzó un éxito mundial: WORDS. Esta canción se mantuvo número 1 en toda Europa durante diecisiete semanas y en lo más alto de las listas de éxitos a nivel mundial.
Otros títulos le siguieron con éxito: SAHARA NIGHT, PICK UP THE PHONE, GIRL YOU'RE MY SONG, I NEED YOU … Bob Sinclar y Alain Wisniak lo llevaron a un nuevo terreno. Juntos grabaron dos sencillos.
En los años 20, lanzó dos álbumes NUMBERS y MIDNIGHT DRIVE y los sencillos YOUR LOVE SHINES, PARIS IS HER HOME, TIME IS NOT MINE.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Words.
Peter Alexander Greenlaw Quaife, más conocido como Pete Quaife, nació en Tavistock, Devon, Reino Unido, el 31 de diciembre de 1943, y murió en Herlev, Dinamarca, el 23 de junio de 2010. Bajista.
El sitio www.theguardian.com publicó este recordatorio firmado por Dave Laing.
Obituario de Pete Quaife
Bajista de Kinks que influyó en una generación de músicos de rock.
Dave Laing / Domingo 27 de junio de 2010
Miembro fundador y bajista de los Kinks durante sus días de gloria de la década de 1960.
Pete Quaife, fallecido por insuficiencia renal a los 66 años, fue el bajista de los Kinks durante los años de gloria del grupo en la década de 1960. Contribuyó de forma crucial a la dinámica del grupo y John Entwistle, de The Who, lo nombró uno de sus bajistas favoritos porque "impulsó a los Kinks".
Quaife conoció a sus compañeros guitarristas, Ray y Dave Davies, en la escuela secundaria moderna William Grimshaw de Muswell Hill, al norte de Londres, adonde se había mudado su familia tras su nacimiento en Tavistock, Devon. Con los hermanos Davies comenzó a ensayar temas de rock and roll y rhythm and blues de Buddy Holly, The Ventures y Chuck Berry. Según Dave Davies: «Echamos a suertes quién tocaría el bajo y Pete perdió».
Tras terminar la escuela, Quaife estudió arte comercial y, junto con los hermanos Davies y el baterista Mick Avory, comenzó a actuar en público en clubes juveniles locales y otros locales pequeños. La banda pasó por varios nombres hasta que, como los Ravens, apoyaron a un cantante con buenos contactos llamado Robert Wace, quien era más un hombre de negocios que un cantante. Con su socio corredor de bolsa, Grenville Collins, Wace contrató a los Ravens para tocar en diversos eventos.
En una época en la que los Beatles y los Rolling Stones empezaban a dar que hablar, Wace y Collins decidieron que los Ravens tenían potencial estelar y solicitaron la ayuda del mánager pop Larry Page para impulsar su carrera. Fue idea de Page diseñar una imagen impactante para el grupo, comenzando con un nombre llamativo, los Kinks ("kinky" era un adjetivo de moda en el Londres del swing), e incluyendo un escandaloso uniforme de escenario con trajes de caza y fustas.
Page colocó al grupo con el productor discográfico Shel Talmy y alcanzaron el éxito con su tercer sencillo, You Really Got Me. Fue escrito y cantado por Ray Davies, pero su impacto se debió principalmente al riff de guitarra distorsionada de Dave, apuntalado por la línea de bajo de Quaife, que influyó en una generación de músicos de rock en ciernes. El disco alcanzó el número 1 en 1964 e inició un período de tres años en el que los Kinks tuvieron 11 éxitos top 10 británicos y varios éxitos en Estados Unidos, incluyendo clásicos como Sunny Afternoon, Dead End Street, Autumn Almanac y Waterloo Sunset. Hubo constantes giras nacionales e internacionales, aunque una disputa que involucró a la Federación Estadounidense de Músicos impidió que los Kinks actuaran en los Estados Unidos durante varios años.
Desde el principio, los Kinks se vieron acosados por disputas internas. Los hermanos Davies exhibieron una fuerte rivalidad fraternal, pero Quaife logró mantenerse al margen de las disputas de la banda y, en ocasiones, fue un pacificador, ganándose el apodo de "el embajador" porque "a menudo intervenía para calmar los ánimos".
En 1966, Quaife se rompió una pierna en un grave accidente de tráfico y fue reemplazado en los Kinks por John Dalton. Quaife renunció al grupo, pero cambió de opinión y regresó al grupo a finales de año. Aunque fue excluido del proceso de composición, que quedó en manos de Ray Davies, Quaife cantó coros en muchos de los éxitos y sus agudos riffs de bajo mantuvieron la coherencia del sonido de los Kinks, especialmente en concierto, cuando a veces derivaban en largos pasajes instrumentales. A finales de la década de 1960, también contribuyó más a las grabaciones del grupo, ya que pasaron más tiempo en el estudio, trabajando en los álbumes Something Else By the Kinks (1967) y The Kinks Are the Village Green Preservation Society (1968), añadiendo una línea de bajo prestada de J. S. Bach a una canción de este último.
También participó en los ensayos del álbum Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) de 1969 antes de abandonar el grupo definitivamente en 1969. Fue reemplazado, de nuevo, por Dalton. Al explicar su decisión, Quaife dijo: «Nunca tocábamos en ningún sitio, así que la mayor parte del tiempo nos quedábamos en casa cobrando las regalías. Era una vida fácil, pero no muy plena».
Casi inmediatamente, Quaife formó Mapleoak, una banda que también incluía a dos músicos canadienses (Stan Endersby y Marty Fisher) y al baterista inglés Mick Cook. Mapleoak lanzó un sencillo, "Son of a Gun", en abril de 1970, pero Quaife abandonó la banda y el mundo de la música poco después. Posteriormente, apareció brevemente en el escenario con los Kinks y, junto con los demás miembros fundadores, asistió a su incorporación al Salón de la Fama del Rock and Roll en 1990. También asistió a alguna convención de fans ocasional, como una en 2004 en Utrecht, donde tocó con la banda tributo Kast Off Kinks y leyó extractos de su novela inédita sobre rock and roll.
En la década de 1970, Quaife vivió en Dinamarca. En 1980 se mudó a Belleville, Ontario, donde tocó con una banda local de aficionados de la iglesia. Trabajó como artista gráfico y, en 2004, publicó una colección de caricaturas, "El lado más ligero de la diálisis", basada en sus experiencias tras el diagnóstico de insuficiencia renal en 1998. Regresó a Dinamarca en 2005. Le sobreviven su pareja, Elisabeth, y su hija, Camilla, de una relación anterior.
Peter Alexander Greenlaw Quaife, músico, nacido el 31 de diciembre de 1943; fallecido el 23 de junio de 2010.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Sunny Afternoon.
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