Hoy: La intrusa – Jorge Luis Borges.
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El sitio www.danzaballet.com
publicó este recordatorio.
Adiós a Paul Taylor
31 agosto, 2018
Adiós a Paul Taylor | Danza Ballet
Paul Taylor, gigante de la danza moderna, ha fallecido en
Manhattan a los 88 años.
Taylor murió el miércoles en el Centro Médico Beth Israel en
Manhattan, dijo la vocera Lisa Labrado a The Associated Press. La causa del
deceso no se supo de inmediato, pero según han comunicado se encontraba en
cuidados paliativos.
Taylor trabajó hasta bien entrados sus 80, lanzándose a los
estudios de su compañía en Manhattan desde su casa en Long Island para
coreografiar dos nuevas piezas cada año, y 147 en total. «¿Las obras que más me
satisfacen? Aquellas en las que estoy trabajando», dijo el bailarín y coreógrafo
a The Associated Press en una entrevista en 2011 mientras ensayaba «To Make
Crops Grow», su 137ma.
«Es el proceso de trabajo lo que me gusta. Una vez que está
listo, quiero sacarlo todo de mi mente. Prefiero olvidarlo».
La Compañía de Danza Paul Taylor es una de las compañías de
danza contemporánea más exitosas del mundo, con giras internacionales todo el
año y una temporada anual de tres semanas en el Teatro David H. Koch del
Lincoln Center. La combinación de música clásica — especialmente barroca del
siglo XVIII — con un estilo muy moderno fue uno de los sellos distintivos de
Taylor. Pero también fue más lejos con sus decisiones musicales, usando no solo
sinfonías y conciertos sino también ragtime, tango, cuartetos y hasta música
ambiental.
Paul Belleville Taylor, Jr. nació el 29 de julio de 1930
durante la Gran Depresión. Estudió artes Juilliard en Nueva York, donde tomó un
curso de danza con la coreógrafa moderna Martha Graham.
Años después, su nombre estaría por siempre ligado al de
ella como parte del gran trío de coreógrafos de danza moderna, junto con Merce
Cunningham. (Graham murió en 1991, Cunningham en el 2009). En 1953, Taylor creó
su propia compañía. Desde entonces creó 147 bailes, interpretadas por la Paul
Taylor Dance Company y por su compañía más pequeña, la Taylor 2, así como
también otras compañías de danza en todo el mundo.
A principios de los años setenta, Taylor dejó de lado el
baile para concentrarse en la coreografía, y en la compañía que llevaba su
nombre actuaron bailarines de fama internacional como Rudolf Nureyev, Pina
Bausch y Twyla Tharp.
Una de sus más destacadas piezas fue «Esplanade» (1975),
reconocida inmediatamente como una obra maestra que exploraba los movimientos
del peatón, como sus andares, carreras o caídas, al ritmo de música de Bach.
Una larga lista de creaciones entre 1975 y 1985 también pasaron a ser
consideradas clásicos, junto con algunas de sus piezas más tardías, como
«Beloved Revenge», de 2008.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con un fragmento de Esplanade.
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El Diario La Voz, en su edición digital, publicó esta
información.
Tristeza. Murió Mísia, la cantante portuguesa que renovó el
fado con espíritu inquieto
Tenía 69 años. Lega una discografía de 15 títulos, en la que
colaboró con artistas de diferentes extracciones y en la que musicalizó textos
de José Saramago, Fernando Pessoa o António Lobo Antunes.
28 de julio de 2024,
Murió Mísia, la cantante portuguesa que renovó el fado con
espíritu inquieto
Mísia, alucinada en estudio. (Instagram @ misiafado)
Este sábado y en Lisboa, falleció la cantante portuguesa
Mísia, una de las máximas exponentes del fado contemporáneo.
Su deceso se produjo por las complicaciones derivadas de un
cáncer. Tenía 69 años de edad.
Nacida en Oporto en 1955, Susana María Alfonso de Aguiar,
nombre real de la artista, hizo dialogar al tradicional género portugués con
otras tendencias y adoptó su nombre artístico en homenaje a Maria Zofia Olga
Zenajda Godebska, conocida por el diminutivo polaco de Mísia y musa del pintor
catalán Josep María Sert.
Redacción LAVOZ
La lectura de una biografía de Zenajda Godebska la llevó a
tomar esta decisión.
Por tener madre catalana, Mísia vivió su juventud entre
Madrid y Barcelona. En ese período, trabajó en un cabaret y participó en la movida
madrileña, experiencias que sedimentaron para los actos arrojo que tuvo en el
futuro.
El País de Madrid destaca que Mísia lega una quincena de
discos que “revelan su curiosidad, su osadía y su potencia artística”.
“Demasiada osadía y demasiada potencia para los patriarcas
de la tradición, que la ningunearon y despreciaron durante años en Portugal
mientras ella llevaba al fado por escenarios internacionales donde nunca había
estado. La adoraron en Alemania, Francia, España...”, suma el diario madrileño
sobre lo construido por Mísia desde que volvió a Portugal al inicio de su
treintena.
Tereixa Constenla, autora del obituario de El País, destacó
en su cuenta de X que Mísia desafió el purismo del fado y fue más profeta en
Japón que en su tierra. También, que por sus 15 discos pasaron Saramago, Iggy
Pop, Aute o Lídia Jorge. “Desafió a la depresión, amó a los hombres equivocados
y sobrevivió a la violencia de género. No imitó a nadie”, completó la
periodista.
Su primer álbum llevó su nombre, Mísia, y fue lanzado en
1991, con canciones escritas por José Niza o José Carlos Ary dos Santos.
Sus aventuras artísticas hicieron que proyectara su
expresión hacia el tango y el bolero, y a que cantara en francés, napolitano,
catalán y español. Además de interpretar a cantautores afines, Mísia solía
musicalizar textos de José Saramago, Fernando Pessoa o António Lobo Antunes.
Otro de sus grandes espasmos discográficos se produjo en
2015, año en el que lanzó un álbum doble dedicado a Amália Rodrigues, su mayor
referencia.
Esa obra fue titulada Para Amália y está considerada como
maestra del fado.
Pese a ser diagnosticada con un cáncer un año después, Mísia
siguió adelante con su carrera, algo que está testimoniado en Pura vida (2019)
y Animal sentimental (2022).
La noticia de la muerte de Mísia la dio Richard Zimler,
escritor estadounidense afincado en Portugal. “Estoy destrozada, porque mi
vieja amiga, la cantante Mísia, acaba de dejarnos. Se fue en paz, dulcemente,
sin dolor”, se lee en el perfil de Facebook de Zimler.
En su página de Instagram, el Museo del Fado también recordó
a Mísia como una “artista pionera, intensa, poderosa, intrépida” que “nunca
necesitó certificados de legitimidad estética para trazar su propio camino”.
“A lo largo de las décadas, trazó un camino muy rico
salpicado de giras en los escenarios más importantes del mundo. En algunas de
ellas, fue la primera artista en pisar después de Amália Rodrigues, 15 o 20
años después”, suma esa despedida.
“Tuvo estrecha relación con los más grandes escritores
portugueses y poetas contemporáneos, dialogó con otras disciplinas artísticas
(cine, danza o teatro), colaboró con Bill T. Jones, Sophie Calle, Isabelle
Huppert, Maria de Medeiros, Iggy Pop, Adriana Calcanhotto o Maria Bethânia…
Esas fueron sólo algunas de las múltiples dimensiones de este artista gigante
al que tanto le debemos”, se puede leer en la publicación.
La ministra de Cultura de Portugal, Dalila Rodrigues,
lamentó su fallecimiento en una nota remitida a los medios. “Mísia fue una voz
fundamental en la renovación del fado, sin miedo de experimentar nuevas
sonoridades y abordajes menos convencionales”, dijo la funcionaria.
“Prueba de la forma como granjeó el reconocimiento de sus
pares, nos deja una vasta lista de colaboraciones con músicos de todo el mundo,
que demuestra su versatilidad y su talento”, añadió sobre la cantante que, en
2016, llegó a Buenos Aires para protagonizar el estreno mundial de Giosefine.
Aquel fue un espectáculo teatral inspirado en el cuento
Carta desde Casablanca, del italiano Antonio Tabucchi.
Otro título que da cuenta de su espíritu inquieto es
Passione (2010), documental filmado en Nápoles por el actor John Turturro.
En ese filme, el estadounidense examina la cultura musical
de Nápoles para terminar argumentando que la música de la ciudad ha sido
influenciada por los varios residentes e invasores, desde los antinguos griegos
hasta las tropas americanas que ocuparon Italia en la II Guerra Mundial.
Mísia recibió la Orden del Mérito otorgada por el Gobierno
portugués y la Gran Medalla Vermeil de la Ciudad de París, y fue nombrada
Caballero de la Orden de las Artes y las Letras del Gobierno francés.
También fue galardonada con los premios Amália Rodrigues
(Portugal), Carossone (Italia) y un In Honorem a su carrera de la Academia
Charles Cros (Francia).
A continuación, la recordamos con uno de sus exitos:
Shalom – La FCJE estrena liderazgo
La FCJE ha elegido a David Obadía como nuevo presidente. Al
acto de toma de posesión, que estuvo presidido por el Gran Rabino de Jerusalén,
acudieron representantes y autoridades de muy diferentes ámbitos.
Hacé click en el enlace para ver el programa.
https://www.rtve.es/play/videos/shalom/fcje-estrena-liderazgo/16200442/
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento con
una entrevista realizada por James Johnson Sweeney, ex director del Museo
Guggenheim, en 1956, en medio de la colección Arensberg en el Museo de Arte de
Filadelfia, donde se reúnen 35 de sus obras.
El video fue publicado por @ManufacturingIntellect
El Diario Infobae, en su edición digital, publicó esta información.
Aptra comunicó la triste noticia de quien supo brillar en Radio Nacional, Rivadavia y Mitre.
La despedida de Julio Lagos,
con quien trabajaba en la actualidad, a Teleshow
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Es un momento de gran tristeza para el mundo de la radiofonía como del periodismo tras conocerse la muerte de Alicia Petti, referente del periodismo de espectáculos, quien falleció a los 81 años, luego de una extensa y prolífica carrera. Luis Ventura, como presidente de Aptra, confirmó la noticia a Teleshow y el conductor Julio Lagos, con quien ella trabajaba en su ciclo radial, la despidió y contó cómo fueron sus últimas horas.
Periodista de raza, trabajó en Radio Mitre, Radio Nacional, Rivadavia, entre muchas otras emisoras, además de formar parte de diarios como La Razón y La Nación. Entre sus logros profesionales se cuentan el de haber sido vicepresidenta de la Asociación de Cronistas del Espectáculo, quien comunicó su deceso.
“Con profundo pesar comunicamos a los socios el fallecimiento de la querida Alicia Petti, el sábado 27 de julio, a los 81 años. Proveniente del periodismo gráfico, Alicia fue una de las insustituibles periodistas del espectáculo especializada en radio, con una extensa trayectoria en la que integró distintos equipos de trabajo”, afirmó la entidad desde un comunicado.
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“Durante más de diez años llevó su columna ‘Radiografías’ del Diario La Nación. Es autora del libro ‘Un siglo de radio, cien años de voces’ para Argentores, entre otros reconocimientos”, detallaron.
“En 2015 ganó el premio ETER a la mejor columnista de cultura-espectáculos. En la actualidad integraba el staff del programa radial Finjamos demencia, de AM1110, como columnista de espectáculos. La Comisión Directiva eleva una oración a su memoria”, concluyeron. Las redes sociales se llenaron de palabras de amor y de despedida.
La noticia se conoció un rato antes de que comenzara La radio sos vos, el programa que conduce Julio Lagos por Rivadavia y del que Alicia formaba parte. “Estamos devastados por la noticia. Estoy en la radio, habitualmente todos los sábados a esta hora empiezan a llegar los compañeros y siempre la veíamos entrar por el pasillo con su sonrisa y vitalidad… estamos muy tristes”, le dijo a Teleshow el reconocido locutor. “La vamos a recordar al aire. Esto es muy reciente y nos toca profundamente”, lamentó.
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“Yo en lo particular le debo mucho a Alicia, porque cuando ella escribía su clásica columna en el diario La Nación fue muy, muy generosa conmigo. Habíamos trabajado juntos hace muchos años, en Radio Argentina, allá por los ‘90, y ahora había accedido a estar con nosotros Rivadavia”, evocó Lagos, y contó cómo fue esta experiencia.
“Todos la estimábamos, la queríamos, la cuidábamos. Hoy es un día de una gran tristeza para todos nosotros. Todo esto te lo estoy diciendo antes de salir al aire. Dentro de un rato tendremos que afrontar este compromiso de ofrecerle al público con toda responsabilidad el espectáculo de radio de todas las semanas. Pero de ninguna manera vamos a poder disfrazarnos, ni ocultar este profundo sentimiento de tristeza a medida que van llegando los compañeros. Esto se ha transformado realmente en un en un triste episodio, como si estuviéramos velando a la compañera”, graficó emocionado.
El conductor también contó que la muerte de la periodista fue repentina y que hasta último momento estuvo abocada a su gran pasión. “El sábado pasado estuvo acá con nosotros. Ayer hablábamos con ella por teléfono, preparando algunas cosas para hoy, por eso nos cayó tan de golpe porque no había estaba internada”, contó.
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“Había tenido una gripe hace 15 días. Su hermana estuvo con ella hasta la noche. Alicia vivía sola ahí cerca del Alto Palermo. Hoy la hermana me contaba que había preparado su cuadernito con los temas para hoy, para dentro de un rato. Ellas se hablaban permanentemente”, aseguró.
“Hoy a la mañana la llamó por teléfono y no contestaba. La volvió a llamar y no contestaba el teléfono. Se inquietó la hermana. Y entonces la hija de la hermana, o sea, la sobrina de Alicia fue hasta el departamento y con una vecina abrieron la puerta y la encontraron en la cama, dentro de la cama”, detalló.
“Como que estaba durmiendo y había muerto en algún momento de la madrugada. Es decir, de algún modo lo que atempera la tristeza es que tuvo lo que se llama una ‘muerte dulce’. ¿No? No estaba internada. No fue un accidente, no tenía una enfermedad. Se fue durmiendo, pero ella salió al aire. Estuvo acá, en donde yo estoy ahora. En este estudio el sábado pasado. Así que el impacto es muy grande”, afirmó, pocos minutos antes de salir al aire.
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Ricardo Darín, a través de la plataforma X, manifestó su dolor por el fallecimiento. “Adiós Alicia Petti, una gran persona. Te voy a extrañar. Descansá, lo mereces”, twitteó el actor.
En la misma línea, Ángel de Brito escribió para ella palabras de amor. “¡Querida Alicia Petti, incansable re corredora de teatros, diales y teclados! Siempre cálida, profesional y buena compañera #QEPD”, escribió. Mientras que Laura Ubfal también se manifestó. “Vamos a extrañar siempre a Alicia Petti, gran periodista de espectáculos, amiga querida”, puso, dolida.
Ariel Tarico, por su parte, compartió una foto de la periodista entregándole un premio Martín Fierro junto con su recuerdo. “Lamento mucho la partida de Alicia Petti, bellísima persona, compañera de radio divertida y generosa. Como periodista de espectáculos siempre apoyaba a todos los artistas y estaba atenta a difundir sus novedades. Su columna ‘Radiografías’ en el Diario La Nación se convirtió en referencia obligada para todo el medio. Se la va a extrañar, abrazo enorme a su hermana Blanca y a toda su familia. QEPD”, puso el humorista.
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Marcela Feudale, otra de sus colegas, le dedicó un sentido posteo. “Falleció la querida Alicia Petti, una grande del periodismo de espectáculos. Se encargo durante años de la columna de Radio del diario La Nación y la hizo inmensa. La última convocatoria fue para su maravilloso libro ‘Cien años de voces. Un siglo de radio’ donde reunió nuestros testimonios. Celebro tu vida, Alicia. Extrañaré tu cálido aprecio, tu palabra justa y tu certera pluma. Hasta siempre”, expresó.
Luis Bremer también escribió palabras de dolor sobre la muerte de la periodista. “Impactado y Triste. Falleció la querida Alicia Petti, emblema del periodismo de espectáculo. Nos cruzamos hace años en los distintos teatros y tuve el privilegio de trabajar con ella 4 años en Radio Nacional Folklórica FM 98.7. Siempre entusiasta, hablábamos de teatro y medios. Siempre con una sonrisa y agradecida del momento. Te extrañaremos. QEPD”, se lamentó.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Zvi Glazer Guil: elegimos la vida
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Tzvi Gil nació en Zdonska Wola, Polonia, en 1928. Con el
estallido de la guerra, la familia fue trasladada al gueto de la ciudad hasta
que el gueto fue liquidado. Zvi y su madre fueron trasladados al gueto de Lodz,
donde él participaba activamente en el movimiento juvenil sionista. Con la
liquidación del gueto de Lodz, fue deportado a Auschwitz-Birkenau y de allí fue
trasladado a campos de trabajo en Alemania. Hacia el final de la guerra, Zvi
logró escapar y se escondió hasta la liberación. Gil emigró a Israel después de
la guerra, participó en la Guerra de Independencia y luego trabajó como editor
de noticias en Kol Israel. En este cargo, coordinó la cobertura del juicio de
Eichmann. Posteriormente fue director de la división de noticias y fundador de
la televisión israelí. Gil también se desempeñó como director del centro de
organización para sobrevivientes del Holocausto y fue uno de los impulsores y
redactores del manifiesto de los sobrevivientes.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
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El sitio www.wikiwand.com
publicó este recordatorio.
Charles Vidor
Charles Vidor Károly (Budapest, 27 de julio de 1900 - Viena,
4 de junio de 1959), conocido como Charles Vidor, fue un cineasta
estadounidense de origen húngaro, director de grandes clásicos, como Gilda o
Adiós a las armas.
Biografía
Charles Vidor Károly nació en una familia judía de clase
media de Hungría. Pero ello no le impidió que fuera alistado en el bando
húngaro en la Primera Guerra Mundial. Una vez acabado el conflicto, estudió
ingeniería en la Universidad de Budapest primero, y en la de Berlín después.
Fue precisamente en la capital alemana donde tomó contacto con el mundo del
cine, trabajando como montador y director asistente para la productora alemana
Universum Film AG.
No tardó mucho en dar el salto a los Estados Unidos, en
1924. En esos primeros meses, trabajaría en algunos musicales de Broadway y en
la compañía de Opera de Wagner británica. Concluidos esos trabajos, viajaría a
Hollywood, donde empezaría como colaborador del director británico Alexander
Korda.
Después de estos primeros años de aprendizaje en la meca del
cine, en 1931 se le da la oportunidad a Charles Vidor de dirigir su primer
cortometraje, The Bridge, donde iniciaría su contrato con la Metro Goldwyn
Mayer. Un año después, codirigiría junto a Charles Brabin su primer largo La
máscara de Fu Manchú (The Mask of Fu Manchu), aunque en los créditos no
figurara como tal.
En 1933, ya como asalariado de la MGM, rodaría su primer
film en solitario: Dama de cabaret (Sensation Hunters). El trabajo de Vidor en
esta época cuenta con nueve títulos entre los que destacan Árbol genealógico
(His family tree) (1935), Desconocidos (Strangers All) (1935) o The great
Gambini (1937).
En 1939, Vidor rompe su compromiso con MGM y llega a un
acuerdo con Columbia Pictures. Aquí es donde llega al cenit de su popularidad
como cineasta, aunque nunca llegó a tener una buena sintonía con el propietario
de la productora, Harry Cohn. De todas maneras, la prolífica filmografía de
Vidor es una de las más representativas de la década de los 40 haciendo de
guiones insulsos y actores sin mucha chispa películas de buen gusto. Así,
destacan La dama en cuestión (The Lady in Question) (1940), El misterio de
Fiske Manor (Ladies in Retirement) (1941), Se acabó la gasolina (The Tuttles of
Tahiti) (1942) o Las modelos (Cover Girl) (1944). Esta película es importante
porque es la primera dirección de Vidor sobre la que sería su musa en sus próximos
proyectos: Rita Hayworth. Y es que en 1946, llegaría Gilda, uno de los clásicos
del cine y donde elevaría a Hayworth como la auténtica sex symbol de la primera
época de la historia del cine, con su insinuante manera de quitarse el guante
mientras cantaba Put the Blame on Mame.
Después de su siguiente proyecto Los amores de Carmen (The
Loves of Carmen) (1948) nuevamente con Hayworth, Vidor tuvo una extraordinaria
disputa que hizo que el director rompiera su contrato de 75,000 dólares con la
Columbia para volver a la Metro en 1949.
Durante los 50, Vidor siguió dirigiendo películas entre las
que destacan El fabuloso Andersen (Hans Christian Andersen) (1952), Rapsodia
(Rapshody) (1954), Quiéreme o déjame ("Love Me or Leave Me") (1955) y
otra de las grandes perlas de su filmografía Adiós a las armas (1957) (A
Farewell to Arms).
En 1956, crea su propia productora Aurora Productions,
aunque no llegó a disfrutar mucho de su éxito ya que el 4 de junio de 1959 en
Viena, Vidor moría de un ataque al corazón mientras filmaba su película póstuma
Magic Flame, que acabó George Cukor con el nombre de Song Without End (en
castellano, Sueño de amor o Una llama mágica).
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con un fragmento de la película Gilda, Put the blame on Mame.
El sitio www.biografiasyvidas.com
publicó este recordatorio.
George Bernard Shaw
(Dublín, 1856 - Ayot Saint Lawrence, Reino Unido, 1950)
Dramaturgo y periodista irlandés. Perteneciente a una familia de la burguesía
protestante irlandesa, George Bernard Shaw empezó a trabajar a los dieciséis
años, por lo que terminó su formación de forma autodidacta. Cuando sus padres
se separaron fue a vivir a Londres con sus hermanas y su madre, que era
profesora de música (1876). En los años siguientes trabajó como periodista y
crítico teatral y de música para diversos periódicos, al tiempo que publicaba
novelas por entregas, si bien sin éxito; sus ingresos eran muy parcos, por lo
que vivió en una relativa penuria.
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| Bernard Shaw |
Tras entrar en contacto con la obra de Marx, se hizo socialista (1884) y pasó a formar parte de la Sociedad Fabiana, contraria al empleo de métodos revolucionarios para la transformación de la sociedad. El marxismo se convirtió a partir de entonces en el principal referente de la brillante y ácida crítica social, lo mismo de sus artículos que de sus obras literarias. En 1898 contrajo matrimonio con la irlandesa Charlotte Payne-Towshend, que procedía de una familia adinerada.
Sus trabajos como crítico teatral en el Saturday Review le
dieron cierto renombre, gracias a sus críticas a los modos y las ideas del
teatro victoriano, y a su defensa del teatro de Ibsen; su capacidad como
crítico musical se puso así mismo de relieve a través de sus elogiosos análisis
de Wagner.
Por esta época orientó su producción literaria hacia el
teatro, género en el que encontraría la mejor fórmula para desarrollar sus
intenciones críticas y didácticas, y también el que le reportaría sus mayores
éxitos. Su primera obra para la escena, Casas de viudos (1892), reflejaba
claramente el influjo de Ibsen; en ella resulta evidente la intención didáctica
que guiaría toda la obra de George Bernard Shaw (cuyas piezas constituyen
siempre, en cierto sentido, «dramas de ideas») y su finalidad crítica frente a
las hipocresías y las injusticias sociales.
Lo mismo sucede con La profesión de la señora Warren (1894),
donde el mundo de la prostitución le brinda la ocasión para su crítica al
capitalismo; a pesar del tema y la intención de ambas obras, el tratamiento no
adopta en ningún momento un tono trágico, sino que la trama y las ideas se
aderezan con un humor ácido e incisivo, que será característico de su extensa
obra dramática, y gracias al cual logró atraer a sus piezas a un amplio
público, en su mayor parte procedente de las mismas clases medias que
constituían el objeto de sus críticas.
En 1905 expuso en Hombre y superhombre su teoría de la
humanidad como estadio más avanzado de la evolución de la «fuerza vital» hacia
formas más espirituales. Divulgador de las ideas de pensadores como Nietzsche o
Henri Bergson, su teatro tenía más éxito en el continente que en su propio
país, donde no logró el reconocimiento público hasta la representación de La
isla de John Bull (1904).
A menudo se considera que la mejor comedia de Shaw es
Pigmalión, cuya intención didáctica era inicialmente popularizar la fonética,
pero que se convierte en una aguda crítica del sistema de clases inglés a
través del experimento del protagonista, Henry Higgins, quien pretende hacer
pasar a una florista por una dama, para lo cual le enseña dicción y, naturalmente,
«buenas maneras».
La agudeza de los diálogos y el realismo que domina la mayor
parte de las obras de Shaw le dieron una gran popularidad, por lo que al final
de su vida se había convertido, paradójicamente, en toda una institución del
incorformismo y de la extravagancia. Tras la vertiente humorística de sus
obras, sin embargo, aflora siempre una conciencia crítica y pesimista, que
sirvió a su vez durante largo tiempo como conciencia de sus contemporáneos.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con la película Pigmalión, de 1938.
El sitio www.encyclopedia.ushmm.org
publicó este recordatorio.
MOHAMED HELMY
El Dr. Mohamed Helmy, un médico egipcio que vive en Berlín,
y Frieda Szturmann, una alemana local, trabajaron juntos en el corazón de la
Alemania nazi para ayudar a salvar a una familia judía. El Dr. Helmy fue el
primer árabe reconocido como Justo entre las Naciones.
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Dr. Mohamed Helmy
Cortesía de Carla Greenspan |
Mohamed Helmy nació el 25 de julio de 1901, de padre egipcio y madre alemana en Jartum, la actual capital de Sudán. Helmy se mudó a Alemania en 1922, donde estudió medicina. Tras finalizar sus estudios, empezó a trabajar en el hospital Robert Koch de Berlín. Se convirtió en jefe del departamento de urología.
Helmy fue testigo del despido de médicos judíos del hospital tras el ascenso al poder de Adolf Hitler en 1933 y la implementación de una legislación antijudía. Según las leyes raciales nazis, Helmy estaba clasificado como “ hamita”, en honor a Cam, el hijo de Noé en el Antiguo Testamento. Este término fue adoptado de la ciencia racial del siglo XIX y se utilizó para clasificar a los nativos del norte de África, el Cuerno de África y la región histórica de Arabia del Sur. Los clasificados como camíticos eran considerados no arios y sujetos a acoso y persecución. Helmy fue despedido del hospital en 1938 y se le prohibió ejercer la medicina. Como ya no podía obtener una licencia médica, Helmy abrió una práctica privada sin licencia y practicó la medicina en secreto. A causa de su raza, también se le prohibió casarse con su prometida alemana, Emmi Ernst.
El 5 de septiembre de 1939, inmediatamente después del inicio de la Segunda Guerra Mundial, se implementó la Ordenanza sobre el Tratamiento de Extranjeros que exigía que los ciudadanos de “estados enemigos” se registraran ante la policía. A partir de octubre de ese mismo año, los árabes de Alemania, la Austria anexada y la Polonia ocupada fueron arrestados, encarcelados y deportados al campo de internamiento de Wülzburg, cerca de Nuremberg. Los egipcios fueron detenidos en Wülzburg para ser intercambiados por civiles alemanes internados en Egipto. El Ministro de Asuntos Exteriores alemán, Joachim von Ribbentrop, ordenó que se internara a dos egipcios por cada alemán internado en Egipto. Helmy fue arrestado por primera vez el 3 de octubre de 1939 y retenido durante cuatro semanas bajo custodia policial antes de ser transportado aWülzburg, donde enfermó gravemente. Él y los egipcios restantes fueron liberados a principios de diciembre de 1939.
El 3 de enero de 1940, Heinrich Himmler, líder del Reich de las SS y la policía alemana, ordenó el internamiento de todos los ciudadanos egipcios varones de entre 18 y 60 años. Helmy fue arrestado nuevamente, a pesar de su grave enfermedad. La mayoría de los egipcios internados en Wülzburg no fueron liberados hasta junio de 1941. La embajada egipcia pudo conseguir la liberación anticipada de Helmy en 1940 debido a su mala salud. Hasta mayo de 1941, se vio obligado a presentarse ante la policía dos veces al día y a presentar pruebas cada cuatro semanas de que no era apto para el internamiento.
Después de su liberación, Helmy fue reclutado para el consultorio del Dr. Johannes Wedekind en Charlottenburg. Mientras estuvo allí, escribió bajas por enfermedad para trabajadores extranjeros para ayudarlos a regresar a casa y también para alemanes para ayudarlos a evitar el reclutamiento para trabajos pesados o el servicio en la milicia. Cuando las deportaciones de los judíos de Berlín al principio, Anna Boros (más tarde Gutman), una paciente judía de Helmy, necesitaba un escondite. A pesar de ser él mismo el objetivo del régimen nazi, tanto por su percibida inferioridad racial como por hablar activamente contra los nazis, Helmy ocultó a Boros hasta el final de la guerra. En momentos particularmente peligrosos, cuando estaba bajo investigación policial, Helmy dispuso que Boros se escondiera en otro lugar, haciendo todo lo que estaba en su poder para protegerla. Obtuvo un certificado del Instituto Islámico Central de Berlín que atestigua la conversión de Boros al Islam y también obtuvo un certificado de matrimonio (en árabe) afirmando que estaba casada con un egipcio en una ceremonia celebrada en la casa de Helmy. Helmy también brindó asistencia a la madre de Boros, Julianna; su padrastro, Georg Wehr; y su abuela, Cecilie Rudnik. Hizo arreglos para que Rudnik estuviera escondido en la casa de Frieda Szturmann, una amiga suya alemana. Durante más de un año, Szturmann escondió y compartió sus raciones de comida con la anciana.
En 1944, Julianna Wehr fue arrestada y durante su interrogatorio reveló que Helmy escondía a su hija Anna. Helmy llevó inmediatamente a Boros a la casa de Szturmann. Helmy hizo que Boros le escribiera una carta indicando que lo había engañado sobre su verdadera identidad y que se iba a buscar a su madre y a su tía en Dessau. Helmy pudo evitar el arresto mostrando la carta a la Gestapo.
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Dr. Mohamed Helmy y su esposa, Emmi Ernst.
Durante la era nazi, se les prohibió casarse porque el Dr. Helmy no era ario. Finalmente pudieron casarse después del final de la Segunda Guerra Mundial.
Cortesía de Carla Greenspan |
En las décadas de 1950 y 1960, Anna Boros y su familia escribieron cartas en nombre de Helmy y Szturmann al Senado de Berlín. Cuando estas cartas fueron descubiertas en los archivos de Berlín, fueron enviadas al Departamento de Justos entre las Naciones de Yad Vashem. Mohamed Helmy y Frieda Szturmann fueron honrados como Justos de las Naciones en marzo de 2013. Helmy fue el primer salvador árabe en recibir el título.
Anna Gutman (Boros) visita al socorrista Dr. Mohamed Helmy después de la guerra
Autor(es): Museo Conmemorativo del Holocausto de los Estados Unidos, Washington, DC
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