viernes, 8 de noviembre de 2024

Los cristales se volvieron a romper

El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo de opinión firmado por el Dr. Ariel Gelblung.

Los cristales se volvieron a romper

En estos días se llevarán múltiples actos de recordación, casi todos

interreligiosos, y se escuchará que alguien recite el conocido poema

del Pastor Martin Niemoller, que enumera varias minorías a quienes 

fueron a buscar y como no era de su incumbencia, no le importó

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Un hombre usando un Kippah. EFE/EPA/FIlip Singer
Un hombre usando un Kippah. EFE/EPA/FIlip Singer

La noche del 8 al 9 de noviembre de 1938, en el territorio de Alemania y Austria se llevó a cabo un Pogrom contra las comunidades judías que se cobraron vidas, se destruyeron propiedades y se incendiaron sinagogas, con la pasividad planificada de las autoridades que no solo permitieron hacer, sino que incentivaban al daño.

El mundo entero calló y no protestó.

Ese día, preludio de lo que habría de venir, se denominó con el romántico nombre de Kristallnacht, o La Noche de los Cristales Rotos, cuando su verdadera denominación sería el Pogrom Alemán y Austríaco del 8 al 9 de Noviembre.

En estos días se llevarán múltiples actos de recordación, casi todos interreligiosos, y se escuchará que alguien recite el conocido poema del Pastor Martin Niemoller (que muchos desprevenidos atribuyen a Bertolt Brecht), que enumera varias minorías a quienes fueron a buscar y como no era de su incumbencia, no le importó. Concluye con un emotivo “Luego vinieron por mí, y para entonces ya no quedaba nadie que hablara en mi nombre”.

Repetir ese poema con posterioridad, suena a arrepentimiento posterior, si no se acompaña con actitudes que denoten prevención a que tales hechos se repitan.

El 7 de Octubre de 2023 los cristales se volvieron a romper y el mundo volvió a no estar a la altura.

Las feministas actuaron como si “como son judías no me importó”

UNICEF no defendió a los hermanitos Bibas porque “como son judíos no me importó”.

La Cruz Roja no hizo nada por los aún 101 secuestrados “porque como son judíos no me importó”.

UNWRA no solo no impidió el ataque de Hamas, sino que quedó probada la colaboración “porque salvar judíos no me importó”.

UNIFIL no mantuvo a Hezbollah detrás del Río Litani en el Líbano, tal como era su función, porque del otro lado de la frontera, “como son judíos no les importó”.

Las universidades de elite no impidieron la agresión a estudiantes y profesores judíos porque “depende del contexto”.

Y ayer, apenas después que en la Sinagoga Portuguesa culminase la ceremonia recordatoria del Pogrom de Noviembre, donde recordaban la persecución a judíos en los Países Bajos, que obligaron a los Frank a esconderse en “la casita de atrás”, hordas salieron a cazar judíos en zona liberada en la civilizadísima Amsterdam.

Negocios que se cerraban cuando los perseguidos pedían ayuda. Taxistas que no solo bajaban judíos tratando de escapar, sino que se sumaban a las golpizas. Judíos tirados a los canales, o que se hicieron pasar por muertos, o que tuvieron que negar ser judíos para que no les peguen, o encerrados en sus hoteles.

Eso no es apoyar la lucha del pueblo palestino. Es antisemitismo.

Del más violento.

Del que el mundo prometió que no volvería.

Somos el globo de ensayo, el canario en la mina. “Lo que empieza con los judíos nunca termina con los judíos”, decía Simon Wiesenthal.

El antisemitismo no es un problema de los judíos sino de las sociedades que lo toleran. Y la solución debe venir de los no judíos de esa sociedad.

Este es el antisemitismo que si no lo ayudás a denunciar y parar ahora, no va a haber nadie que hable por vos.

* Ariel Gelblung es director del Centro Simon Wiesenthal para América Latina

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John Farrar


John Farrar nació en Melbourne, Victoria, Australia, el 8 de noviembre de 1946. Cantautor, productor, y guitarrista.

El sitio www.es.wikipedia.org publicó este recordatorio.

John Farrar (Fâr/ə/) (n. Melbourne, 8 de noviembre de 1946) es un productor, cantautor y músico australiano, que es principalmente conocido por su trabajo junto a la cantante Olivia Newton-John. Farrar fue miembro del grupo The Shadows.

Biografía

Nacido el 8 de noviembre de 1946 en Melbourne, Australia, Farrar es notable por escribir y producir muchos de los discos y canciones número uno de la cantante pop australiana Olivia Newton-John.

Empezó a tocar la guitarra cuando tenía doce años y a los 16 empezó a tocar en bandas de rock de su ciudad.

Poco tiempo después de que se uniera a The Strangers, se convirtió junto a otros en miembro de la versión australiana de la banda American Bandstand, en el programa de TV, The Go Show. Tanto Farrar como Pat Carroll, su futura esposa, y Olivia Newton-John aparecieron en The Go Show como solistas alguna vez.

Después de retornar de una gira con Newton-John, se casó con Carroll. Los recién casados se mudaron luego a Inglaterra, donde Farrar se convirtió en miembro de Marvin, Welch & Farrar, un grupo musical formado por algunos exintegrantes de The Shadows. Marvin, Welch & Farrar publicó dos álbumes, un álbum que llevaba por título el nombre de la banda, en 1971 y Second Opinión (Segunda Opinión, en inglés) lanzado en 1972. Se publicó finalmente un tercer álbum con Hank Marvin.

Cuando The Shadows se volvió a formar al año siguiente para representar al Reino Unido en el Festival de la Canción de Eurovisión, él tomó parte como segundo guitarrista y cantante. Dos años más temprano de que Farrar apareciera en el mismo show como guitarrista y cantante para Cliff Richard. Apareció luego en varios álbumes de The Shadows, como "Rocking with Curly Leads", "Specs Appeal" y "Live at the Paris Olympia" que mostraron aún más su talento como escritor de canciones.

También durante esa época, junto a Bruce Welch comenzó a trabajar en los discos y canciones de Newton-John y encontró un considerable éxito con su versión de Bob Dylan If Not for You. Con Newton-John cantando para MCA Records, Farrar comenzó una prolífica carrera como escritor de canciones y productor de la exitosa cantante. Su participación en la carrera de la cantante australiana produjo una avalancha de canciones talentosas que llegaron a ganar la denominación de oro y platino. Su discografía muestra a un artista con un amplio rango de estilos, desde You're the One That I Want hasta Physical.

A mediados de los años '90 colaboró junto a Newton-John y el lírico Tim Rice para el musical de Cliff Richard, Heathcliff basado en la novela de Emily Brontë, Wuthering Heights.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Music Makes My Day, con Hank Marvin. 


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jueves, 7 de noviembre de 2024

Joni Mitchell


Roberta Joan Anderson, más conocida como Joni Mitchell, nació en Fort Macleod, Canadá, el 7 de noviembre de 1943. Cantautora, productora y pintora.

El sitio www.mujeresbacanas.com publicó esta biografía.

Joni Mitchell (1943)

Es una de las voces más importantes del siglo XX, parte del folk de los 60, genio creativo de los 70. Joni Mitchell ha sido descrita como una de las músicas más importantes de la historia, negándose a las casillas impuestas por la industria.

Nació como Roberta Joan Anderson, en Alberta, Canadá. A los ocho años tuvo polio, lo que obligó a pasar meses postrada sola en un hospital, donde comenzó a aprender de música.  Siendo adolescente se enseñó a si misma a tocar guitarra, y se presentaba en clubes de Alberta y luego Toronto, mientras estudiaba Arte. Tuvo una hija, pero al ver que era muy difícil la maternidad en solitario y la vida de artista, la dio en adopción, una decisión e historia que inmortalizó en la canción Little Green. Se emparejó con un músico llamado Chuck Mitchell, con quien se trasladó a Estados Unidos; pronto se separaron, pero se quedó con su apellido y desde entonces es conocida como Joni Mitchell.

Durante los años 60 Mitchell compone canciones folk y se da a conocer en el ambiente musical; David Crosby le produce su primer disco. Un par de singles tienen éxito y Joni Mitchell se convierte en parte de la escena musical de California.

De ahí partirá por Europa donde compone su obra maestra, Blue. Mitchell se sentía cansada de la locura de la fama musical, venía de dejar una relación con Graham Nash y plasma sus pensamientos sobre amor, sexo, independencia y más. Sus melodías experimentan con los límites del folk y comienzan a adentrarse en el jazz, género donde se embarcaría trabajando en álbumes siguientes.

Joni Mitchell siguió publicando álbumes en las décadas siguientes, siempre produciendo su propio trabajo, creando el arte de portada, usando su voz como instrumento y sus letras de canciones para abrir su vida y su filosofía.

Con una veintena de discos publicados, se ha transformado en una artista reverenciada por sus pares y por nuevas generaciones, por su genio creativo y por su habilidad para ser única en una industria que usualmente homogeniza a las mujeres.

En los últimos años Joni Mitchell ha sufrido variados problemas de salud, pero igualmente ha lanzado varias recopilaciones de su trabajo.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Big Yellow Taxi, y Both Sides Now. 


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miércoles, 6 de noviembre de 2024

András Mihály


András Mihály nació en Budapest, Hungría, el 6 de noviembre de 1917, y murió en su ciudad, el 19 de septiembre de 1993. Violonchelista, compositor y profesor.

El sitio www.bach-cantatas.com publicó este recordatorio.

András Mihály (director, violonchelo)

Nacido: 7 de noviembre de 1917 - Budapest, Hungría

Fallecido: 19 de septiembre de 1993 - Budapest, Hungría

El violonchelista, director, compositor y pedagogo musical húngaro András Mihály ingresó a los 17 años en el departamento de violonchelo de la Academia de Música Franz Liszt de Budapest, donde se convirtió en alumno de Adolf Schiffer (violonchelo), uno de los más fieles seguidores de la escuela de Popper. Sin embargo, la música de cámara, que estudió con Leo Weiner e Imre Waldbauer, el legendario director del cuarteto Waldbauer, fue para él incluso más importante que su materia principal. Complementó sus estudios en la Academia con clases particulares de composición y orquestación con Pál Kadosa e István Strasser.

A partir de 1941, András Mihály dirigió durante cinco años varios coros obreros y formó su propio cuarteto de cuerda, que interpretó composiciones contemporáneas, ya clásicas, de Béla Bartók, Arnold Schoenberg, Alban Berg, Anton Webern, Paul Hindemith y otros. Siempre concedió una gran importancia a la difusión de la música moderna, y, dentro de ella, de las obras húngaras del siglo XX, y a su aceptación en las capas más amplias posibles. "La música de nuestra época y el público húngaro, como en el resto del mundo, se están acercando entre sí", dijo en una entrevista en 1977. "Por supuesto, es necesario trabajar para promoverlo. Una forma de hacerlo es introducir la nueva música de contrabando de forma gradual y cuidadosa en el repertorio de conciertos tradicional. Curiosamente, esto no sólo beneficia a la música moderna. El repertorio de conciertos a veces se cansa tanto que prácticamente pide a gritos nuevas obras... La otra forma de popularizar es depender conscientemente de la capa social que tiene un interés expreso en la música moderna. En Hungría también existe un público así. Naturalmente, no estamos hablando de millones, pero son suficientes para que valga la pena preocuparse por su interés y organizar conciertos modernos especiales para complacerlos".

András Mihály, que durante toda su vida había sido un firme defensor de la izquierda, recuerda así sus experiencias en el campo de concentración de Buchenwald en 1944: "Uno de los oficiales de las SS alemanas debía ser un loco melómano. Hizo posible que un violinista francés, el maestro Ewitt, un profesor del Conservatorio de París, dos músicos checos y yo tocáramos cuartetos juntos. Tocamos Haydn, obviamente no a un nivel mundial, sin las manos entumecidas de tanto romper piedras. Sin embargo: todos los horrores, la presencia constante de la amenaza a nuestras vidas, todo el mal en el campo, desaparecieron para nosotros en un segundo cuando sonaron las primeras notas. Sólo la música puede hacer eso". Después de la guerra, en 1946, se convirtió en el violonchelista solista de la Ópera, luego, a partir de 1948, trabajó durante dos años como secretario general de la institución, para regresar a la Ópera como su director casi treinta años después, en 1978.

A partir de 1949, durante más de cuatro décadas, András Mihály enseñó música de cámara en la Academia de Música Franz Liszt de Budapest, contribuyendo al lanzamiento de las carreras de varios cuartetos de cuerda de fama internacional. Su personalidad carismática tuvo un marcado efecto en la historia de posguerra de la institución. En particular, fue el maestro de los cuatro miembros originales del Cuarteto Takács: los violinistas Gábor Takács-Nagy y Károly Schranz, el violista Gábor Ormai y el violonchelista András Fejér. También se convirtió en asesor musical de la radio (1962-1978).

En la última parte de su vida, András Mihály también asumió la dirección de la orquesta sinfónica de la Academia (Orquesta de Cámara Ferenc Liszt). En 1967/1968 fundó el Conjunto de Cámara de Budapest, dedicado al repertorio de música contemporánea. En los años 70, el conjunto se convirtió, junto con el New Music Studio, en uno de los talleres más importantes de composición húngara. De 1978 a 1987 fue director de la Ópera de Budapest.

Mientras tanto, su obra como compositor también se completó: su obra incluye la ópera Együtt és egyedül (Juntos y solos, 1965-1966), tres sinfonías (la última de 1962), un concierto para violonchelo (1963), un concierto para violín, un concierto para piano (1954), un concierto para quinteto de viento y orquesta (1955), Monodia para orquesta (1970), obras de cámara, piezas para piano, música coral y lieder.

András Mihály murió en Budapest el 19 de septiembre de 1993 a la edad de 75 años. En su discurso de despedida, Sándor Devich dijo: "Si hay algo de verdad en la idea aristotélica de que la capacidad de enseñar es la medida de lo que alguien realmente sabe, su vida, su obra, es un ejemplo de esa verdad. Todos nosotros, sus antiguos alumnos, colegas, sucesores, lo recordamos. Mientras enseñaba, se entregaba a la maravilla de las formas, las melodías, la fuerza de expresión, la valentía de la caza, la suavidad de los silencios, la danza, el sollozo, la risa o incluso la devoción rezando. Sabía que no hay nada más cansador que el aburrimiento o la charla sin sentido, que sólo el fuego puede producir brasas humeantes, nunca cenizas".

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Movimiento para Violonchelo y Piano, en la versión de Miklós Perényi y Dénes Várjon.


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martes, 5 de noviembre de 2024

Mariano Etkin


Mariano Etkin nació en Buenos Aires, Argentina, el 5 de noviembre de 1943, y murió en su ciudad, el 25 de mayo de 2016. Compositor.

El sitio www.folkloreimaginario.com.ar publicó esta entrevista realizada por Leopoldo Martí.

Entrevista al compositor argentino Mariano Etkin.

“La música contemporánea latinoamericana debe aspirar a ser música”

– Maestro Etkin: vinculando la temática de la “Maestría en Música Latinoamericana del Siglo XX”, ¿qué puede decirnos acerca de lo ‘argentino’ o en todo caso lo “latinoamericano” en obras de compositores contemporáneos?

– La respuesta debemos vincularla con una cuestión más amplia, con una problemática vigente desde hace muchas décadas en algunos sectores de la cultura de nuestro país, que tiene que ver con la búsqueda de una identidad argentina o latinoamericana. Justamente para el Seminario de Música de Cámara en la Maestría en Interpretación de Música Latinoamericana del Siglo XX, de la Universidad Nacional de Cuyo, he preparado, más que material específicamente técnico –que está más al alcance de todos los que se interesen por este tema-, traje unos textos de autores como, por ejemplo, Jorge Luis Borges, algunos textos ya clásicos, como un texto que trata sobre el escritor argentino, otro muy interesante que se llama “Vindicación del 1900”, en los cuales Borges tiene una posición tomada sobre este asunto, la cual fui comprendiendo y a la cual me fui acercando con el paso de los años. Toda esta problemática está muy vinculada con cuestiones ideológicas y políticas, sin ninguna duda. Lo que sucede es que en el campo de la cultura esto muchas veces no se dice.  Por ejemplo, cuando en la década del ‘40 y del ’50 se dio aquella famosa oposición entre el llamado ‘universalismo’ de Juan Carlos Paz versus el llamado “nacionalismo” de Ginastera, aparentemente esta era una discusión cultural en la superficie; pero esto estaba enraizado en cuestiones fundacionales de la Argentina, que tienen que ver con la apreciación del gaucho o de lo que representó la inmigración en nuestro país.

Entonces, de acuerdo a la ubicación ideológica de cada uno, esto se ve hacia un lado, hacia otro o hacia otros, puesto que no son solamente dos lados. Por eso, ese último gran ‘combate’ que se dio en la Argentina, -estético en la superficie, como dije antes-, entre Paz y Ginastera, puede ser visto, en el comienzo del siglo XXI, a la luz de una perspectiva diferente. Yo creo que la música de Paz no era tan universalista como él creía, pero era mucho menos universalista más allá de lo que él llama universalista; y lo que sus seguidores llamaban universalista era el “nacionalismo” de Austria.  Es decir aquello que él importó, con los grandes cambios que ese “traslado” supone, era música que luego aquí sufrió muchos otros cambios. Podríamos hablar, sin entrar en tecnicismos complejos, de cierta simplicidad en el tratamiento del dodecafonismo. Y entonces entraríamos en otra cuestión, muy interesante, que es la oposición simple-complejo, pues a aquellos músicos europeos que no les interesa la música latinoamericana, ven nuestra música como demasiado ingenua, muy simple. Es un tema muy importante como discusión estética. Entonces decíamos que la música de Paz era más argentina de lo que él creía, y lo de Ginastera era bastante más europeo de lo que el decía, de lo que él veía como argentino, por ejemplo al usar un ritmo de malambo, alguna melodía campera o la utilización de las notas de las cuerdas de la guitarra, en fin todas esas cuestiones referidas a la música de Ginastera.

Porque Ginastera tuvo una formación clásica europea, además de su interés por la música de Bartòk y, tardíamente, su interés por la música de Stravinsky. Yo recuerdo en alguna clase que le escuché a Ginastera decir que escuchó “La Consagración de la Primavera” cuando ya era un hombre grande. Es notable y sorprendente, sobre todo si pensamos que “La Consagración…” se estrenó en Buenos Aires en la década del ’20, pocos años después de que se estrenara en Paris. Y esto es interesante pues habla de cierto aislamiento, de ciertos bolsones de desinformación que, creo yo, es un fenómeno universal, a pesar de los avances de la información. Todo esto, en fin, clarifica un poco esta especie de mundo en “blanco” y “negro”, ese que mi generación aprendió; es decir, cuando yo tenía 25 años, el mundo se dividía entre “universalistas” y “nacionalistas”, y por cierto que las cosas son mucho más complejas.

En cuanto a lo “latinoamericano”, yo creo que es importante no devolverles a los europeos los mismos espejitos que ellos nos vendieron a nosotros. Hay algunos compositores latinoamericanos que están en ese camino, respondiendo a las necesidades de un mercado de ciertos sectores de la música europea, que están saturados de escuchar lo que su cultura produce, y tienen mucha avidez por lo que se produce en otros lados. Pero tienen avidez e interés en tanto y en cuanto sea claramente diferenciado de lo que ellos hacen. Entonces estos compositores suplen esa necesidad del mercado europeo, y ahí van con sus obras tratando de ofrecer cierto exotismo, que no es más el exotismo de la pentafonía, ni de la rítmica folklórica, sino que es otro tipo de exotismo. Pero además creo que no debemos cometer el mismo error de los europeos cuando hablan de Latinoamérica. Yo creo que Latinoamérica es una unidad desde cierto punto de vista, pero, desde otro, creo que no.  Creo, por ejemplo, que entre Bolivia y Argentina hay diferencias enormes, a pesar de ser países limítrofes. Y no se trata de ser mejores ni peores, sino una cuestión de diferencias culturales. Entonces tampoco hagamos lo mismo con Europa, y pongamos en la misma bolsa a España, Albania y Alemania, porque son tres países absolutamente diferentes. Y es interesante darse cuenta que entre los países que invierten más en la cultura, como por ejemplo Francia y Alemania, se ve mucho más interés por lo de afuera, especialmente en la música contemporánea, en Alemania. Eso me pareció un fenómeno muy interesante, que tiene que ver con cuestiones muy atávicas de las culturas de esos países. Es decir Francia, una ex gran potencia colonial del planeta, una ex potencia imperial del planeta, con una ciudad que durante muchísimo tiempo fue considerada el centro del mundo, y que aún hoy es uno de los centros del mundo, en cambio Alemania con muchísimas dificultades, nunca pudo convertirse del todo en una potencia, además de la cuestión filosófica alemana, su afán de trascendencia, esta cuestión de la proveniencia de los sajones con respecto a las culturas nórdicas; en fin, como vemos es un tema muy complejo, desde lo cultural, y desde ellos hacia nosotros.

– En estos días de trabajo en la Maestría, Ud. tiene la posibilidad de escuchar gran cantidad de obras exclusivamente de compositores latinoamericanos del siglo XX, interpretadas por músicos de Argentina y de algunos otros países latinoamericanos. Qué reflexión le merece esto en relación a la Maestría y en el terreno cultural general.

– Yo creo que esto es muy importante, porque de hecho la música latinoamericana en Latinoamérica ocupa un lugar muy secundario. Y la música académica latinoamericana ocupa una marginación adentro de una marginación. Hay una primera marginación que es la de la música contemporánea en general, y una segunda marginación que es la de la música que se hace en los países latinoamericanos. Esto tiene que ver con muchas cosas, y una de ellas es la juventud de esta música, pues se ha empezado a componer de una manera sistemática a partir de los comienzos del siglo XX. Para un fenómeno cultural que tenga cierta profundidad, es muy poco tiempo, lo cual no es tampoco un justificativo. Otro problema es el de los “ghettos”, que se dan en muchos lugares; por ejemplo, en Alemania –país que conozco bastante- se organizan conciertos de música latinoamericana; es muy difícil encontrar una obra de un compositor latinoamericano en un programa de concierto con otro compositor alemán, español, japonés, etc.; es muy raro de ver eso. Yo estoy en contra de esos “ghettos”, porque creo que la música latinoamericana debe aspirar a ser música, ni siquiera diría música contemporánea, porque de alguna manera Mozart es un compositor contemporáneo, porque la manera en que se toca a Mozart para él mismo, si viviera, sería imposible de escuchar. Por eso, esta Maestría me parece un hecho muy importante, pero que debe insertarse en una esfera cultural mucho más amplia. Tampoco creo demasiado en las normas forzosas de inclusión de obras, porque finalmente contribuye a un resultado pobrísimo, cuando alguien se ve forzado a tocar o dirigir algo, es lo peor que puede pasar, porque eso se escucha. Yo creo que, como decía Schönberg, “la música contemporánea no es que suene mal, sino que está mal tocada”, y agregaría que está mal tocada porque la gente que la toca no tiene convicción ni cree en lo que está tocando.

– ¿Qué anhela de la música latinoamericana contemporánea?

– Como dije antes, yo anhelaría que la música que se hace aquí pueda ejecutarse en un mismo nivel de importancia y expectativas junto a los grandes compositores contemporáneos, en sus mejores expresiones. Hay una frase muy cáustica que dijo una vez Stravinsky, que “Necesariamente el 99% de la música que se compone es mala”, y como lo dijo Stravinsky que es uno de los compositores más importantes del siglo XX, es una verdad dolorosa. Evidentemente en el arte hay un proceso de decantación, y el tiempo no puede ser reemplazado por nada; es decir, el tiempo que preserva y construye, es el mismo tiempo que destruye. Y yo creo que aunque no es mucho lo que se puede hacer contra eso, sí se puede hacer mucho dando a conocer lo que se hace. Pensemos que aún hoy hay gente común, de la calle, que me pregunta qué música toco y le contesto que no toco, que soy compositor, y entonces se produce un silencio, de desconocimiento; creo que esa persona, dentro de cien años, si yo estuviera vivo, y le dijera que soy compositor, y en vez de producirse un silencio me preguntase qué tipo de música hago, creo que habría una movilidad hacia una etapa interesante en la difusión y circulación de estos bienes culturales.

– ¿Cómo ve el panorama de la música latinoamericana actual?

– Hay una cosa importante que hay que decir que es que uno nunca puede saber qué es lo que está pasando en la actualidad más actual, por más internet y globalización comunicacional que haya, es imposible. Lo que yo puedo evaluar es lo que ya pasó; y por lo que ha pasado en estos últimos años, que yo conozco, me parece percibir un cierto impasse, que tiene que ver con una especie de incertidumbre en otros planos de la vida del hombre contemporáneo. Sin  embargo,  de tanto en tanto se escucha algo por lo que uno se hace la clásica pregunta: ¡¿cómo se le ocurrió esto?!, el clásico comentario ante algo que sorprende, y que sorprende como una muestra de la  imaginación, porque, en definitiva, como decía Edgar Varese, la última palabra es imaginación.

Leopoldo Martí. (Mendoza, 2005) 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Lágrimas para Orquesta Sinfónica, en la versión de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, dirigida por Alfredo Rugeles.


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lunes, 4 de noviembre de 2024

Scherrie Payne


Scherrie Ann Payne nació en Detroit, Michigan, Estados Unidos, el 4 de noviembre de 1944. Cantante.

El sitio www.formersupremes.com publicó la Biografía de Scherrie Payne.

Scherrie Payne comenzó su carrera en el mundo del espectáculo como cantante principal del grupo de Detroit "The Glass House". Firmaron con el sello Invictus en 1969 y vieron su mayor éxito con la canción "Crumbs Off The Table" (escrita por Scherrie), que se ubicó en el Top 10 de Billboard. Entre 1969 y 1972, The Glass House lanzó 2 álbumes y 9 sencillos, incluida la canción en solitario de Scherrie, "VIP". Se disolvieron silenciosamente en 1972 después del lanzamiento de su álbum, "Thanks, I Needed That".

En 1973, Scherrie Payne se convirtió en la última cantante principal del legendario grupo de grabación de Motown "The Supremes". Conocida cariñosamente por los fanáticos como "La pequeña dama con la gran voz" y "La asesina Payne", Scherrie se estableció rápidamente como una favorita de los fanáticos entre la base de fanáticos de todo el mundo de las Supremes. Las chispas de voz principal surgieron de Scherrie Payne de 1973 a 1977 en tres álbumes de Supremes. “He's My Man”, “I'm Gonna Let My Heart Do The Walking”, “Let Yourself Go” y “You're My Driving Wheel” fueron los sencillos que Scherrie cantó como líder en el capítulo final de The Supremes en Motown. En junio de 1977, The Supremes (Scherrie Payne, Mary Wilson y Susaye Greene) ofrecieron su último concierto de despedida y el grupo se retiró oficialmente.

En 1979, Scherrie Payne y Susaye Greene grabaron un álbum juntas en el sello Motown titulado “Partners”. El álbum, aclamado por la crítica, fue escrito y producido por el dúo e incluía el sencillo “Leaving Me Was The Best Thing You've Ever Done”, que fue escrito por Scherrie.

A principios de los 80, Scherrie Payne tuvo éxitos en los clubes en solitario con su versión de “I'm Not In Love” de 10cc, seguida de “One Night Only”, una canción de la obra de teatro y la película “Dreamgirls”. En 1985, grabó su primer álbum en solitario para Superstar International Records, que contenía varios duetos con Phillip Ingram. Al año siguiente, Scherrie Payne grabó con el productor británico Ian Levine para su proyecto de reunión de Motown, Motorcity Records. Mientras estuvo en este sello, Payne lanzó dos sencillos en solitario, "Chasing Me Into Somebody Else's Arms" y "Pure Energy" (coescrita por Payne), así como versiones de dos canciones de Diana Ross, "Ain't No Mountain High Enough" y "I'm Still Waiting". Otros productos grabados para Motorcity incluyen "Who's Wrong, Who's Right" y "One More Time".

En 1986, Scherrie Payne, Lynda Laurence y Jean Terrell, todas ellas exmiembros de las Supremes de Motown, se unieron. Su visión era reavivar el glamour, el estilo y la música de The Supremes. El nombre del trío fue una evolución natural... "The Former Ladies of The Supremes". Tras la marcha de Jean Terrell en 1992, el trío continuó. Hoy se les une el nominado al Grammy y ganador del American Music Award,Joyce Vincent, famosa por "Tony Orlando & Dawn".

El trío de Scherrie y Lynda ha actuado en directo y ha aparecido en programas de televisión por todo Estados Unidos, Europa, Oriente Medio y Oriente. Estas apariciones internacionales han permitido al mundo volver a experimentar la música, el encanto y la elegancia de este acto atemporal a gran escala. Han publicado varios álbumes de estudio, como el favorito de los fans, "Supremely Yours".

En el verano de 2000, Diana Ross y The Supremes comenzaron su gira "Return to Love". La gira comenzó con Diana Ross, Scherrie Payne y Lynda Laurence como trío The Supremes. La producción incluyó una banda de 14 integrantes, una orquesta de 48 integrantes y un grupo de baile de 12 integrantes. Las Ladies aparecieron en "The Oprah Winfrey Show", "The View", "The Today Show" y en el especial "Diva's" de VH1.

2016 marcó el 30.º aniversario de The Former Ladies of The Supremes . Las damas celebraron con una actuación especial en el club de jazz Catalina y recibieron placas conmemorativas de su logro. La respetada historiadora de Motown, Sharon Davis, señaló que "este trío mantiene viva la leyenda de manera auténtica".

Cuando Scherrie no está grabando y actuando por todo el mundo con su grupo, es una ávida escritora y ha escrito más de 20 guiones y 3 obras de teatro. En septiembre de 2012, su obra de teatro "It Always Rains On Sunday" fue producida por Donald Welch y tuvo una presentación con entradas agotadas durante 3 días en Los Ángeles, California. En la siguiente producción de Scherrie, "A Lady In Waiting" (también producida y dirigida por Donald Welch), dos actrices fueron nominadas por los Premios de Teatro de la NAACP en la categoría de mejor actriz de reparto. En junio de 2017, Scherrie presentó su primer musical "The Dreamseekers" en el teatro Secret Rose en North Hollywood, California.

Scherrie continúa actuando junto a la ex Supreme Lynda Laurence y Joyce Vincent como Scherrie y Lynda, ex de The Supremes. ¡Scherrie mantiene viva la leyenda de manera auténtica!

A continuación, celebramos el cumpleaños de Scherrie Payne, con Hope.


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domingo, 3 de noviembre de 2024

Shalom – Shoah, comunicadores del Siglo XXI


Shalom – Shoah, comunicadores del Siglo XXI

En el programa de hoy, Cecilia Levit, coordinadora del programa Educadores que organiza Yad Vashem España, nos presenta a uno de los equipos del colegio Ceips Moncayo, que eligió guiar una de las exposiciones itinerantes acerca de la Shoah.

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/shoah-comunicadores-del-siglo-xxi/16313994/

Gwen Stefani


Gwen Renée Stefani, nació en Fullerton, California, Estados Unidos, el 3 de octubre de 1969. Cantante, compositora, diseñadora de moda y actriz.

El sitio www.gwenstefani.com publicó su biografía.

Gwen Stefani, ganadora de tres premios GRAMMY®, ha alcanzado el éxito mundial como compositora, intérprete, carismática líder de No Doubt y como artista solista multiplatino. A lo largo de todo este tiempo, Stefani ha seguido siendo un icono de la música y la moda que marca tendencia con una impresionante variedad de honores: cuatro MTV Video Music Awards, dos Billboard Awards, un American Music Award y un Brit Award. Hasta la fecha, ha vendido más de 60 millones de unidades en todo el mundo, incluido su álbum debut como solista cuatro veces platino Love. Angel. Music. Baby., que incluyó los exitosos sencillos "Rich Girl", "What You Waiting For?" y el éxito número uno producido por Pharrell Williams "Hollaback Girl". Su segundo álbum, The Sweet Escape, presentó el sencillo "Wind It Up", que llegó al top 10 del Billboard Hot 100, y el inolvidable himno "The Sweet Escape". Su último álbum, aclamado por la crítica, This Is What the Truth Feels Like, debutó en el número 1 de la lista Billboard Top 200 de álbumes e incluye su poderoso sencillo número 1 "Used To Love You". En 2020, Stefani tuvo dos éxitos número 1 en la lista Hot Country Songs de Billboard con su esposo Blake Shelton, "Nobody But You" y "Happy Anywhere".

Antes de la música, existía el maquillaje. La pasión de Stefani por el maquillaje fue fundamental en el lanzamiento de su marca de belleza GXVE a principios de 2022 (se pronuncia "give"). Disponible en Sephora, Sephora.com y GXVEBeauty.com, la colección de cosméticos de color GXVE, limpia y de alto rendimiento, está inspirada en los looks icónicos de Stefani y creada para la comunidad de amantes del maquillaje que encuentran su inspiración, individualidad y autoexpresión a través del arte.

Stefani, uno de los íconos de estilo más magnéticos de la cultura pop, es una de las primeras artistas en fusionar brillantemente el estrellato musical en una serie de marcas de estilo de vida globales que incluyen su línea de ropa de moda, LAMB, y su línea de gafas gx by Gwen Stefani.

Stefani continúa haciendo de la retribución una prioridad en su vida apoyando a una serie de organizaciones benéficas y fundaciones, incluida Cure 4 The Kids Foundation, una organización sin fines de lucro que brinda tratamiento médico a niños que enfrentan una serie de afecciones potencialmente mortales.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Purple Irises, a dúo Blake Shelton.


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sábado, 2 de noviembre de 2024

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Jacques Kucinski.


El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Jacques Kucinski.

Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se emite por Radio Sefarad.

Jacques Kucinski: sortear la vida

TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON CECILIA LEVIT – Jacques Kucinski es hijo de Majlech y Frida Kucinski. Nació el 7 de febrero de 1932 en Bruselas, donde su padre trabajaba como sastre. Jacques se unió a la Union Jeune Juifs, un movimiento juvenil judío socialista, en Bruselas. Después de la invasión alemana de Bélgica en mayo de 1940, la familia Kucinski huyó al sur de Francia y  después de unas semanas decidieron regresar a casa en Bruselas. Frida y Majlech contactaron con Andree Guellen del CDJ (Comité para la Defensa de los Judíos). Obtuvo documentos falsos para los niños bajo los nombres de Jacques y Robert Vanderlink y los colocó en el hogar para niños Chateau de Beloeil. Vivieron allí desde 1941 hasta 1942. Después de la guerra, los hermanos se reunieron con sus padres. En 1956 la familia emigró a la Ciudad de México y en 1976 se mudaron a San Diego, California.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Olga Desmond


Olga Antonie Sellin, más conocida como Olga Desmond, en Allenstein, entonces Prusia Oriental, el 2 de noviembre de 1890, y murió en Berlín Oriental, entonces República Democrática Alemana, el 2 de agosto de 1964. Bailarina y actriz.

El sitio www.es.wikidat.com publicó este recordatorio.

Olga Desmond

Olga Antonie Sellin, conocida artísticamente como Olga Desmond (Allenstein/Olsztyn —actual Polonia—, 2 de noviembre de 1890-Berlín Este, 2 de agosto de 1964),​ fue una bailarina y actriz prusiana cuya actividad se encuadra dentro del movimiento coreográfico alemán denominado nackttanz, surgido en los años anteriores al inicio de la Primera Guerra Mundial como un intento de «modernizar» la danza, en que sus protagonistas llegaban a actuar en ocasiones prácticamente desnudas ante el público. Destacan dentro de estos mismos planteamientos ético-estéticos la francesa Adorée Villany, las alemanas Gertrud Leistikow

(1885-1948),​ Claire Bauroff y Anita Berber o la famosa bailarina y espía holandesa Mata Hari, si bien, en su caso, solo se tienen noticias de estriptis privados, realizados en París en 1905 y, más tarde, en Berlín y Viena.​

Está considerada como la primera artista centroeuropea que actuó desnuda en un escenario, lo que la convertiría en una de las estrellas más celebradas y mejor pagadas del momento.​

Nada concreto se sabe de su vida hasta que muy a finales del siglo XIX se traslada con sus padres y sus catorce hermanos a Alemania, más concretamente al distrito berlinés de Friedrichshain-Kreuzberg, donde posa desnuda para artistas como los pintores y escultores Reinhold Begas o Max Klinger con el fin de ahorrar dinero para costear sus estudios de Teatro.

En este ambiente, mantiene cierta relación sentimental con el renombrado atleta Adolf Salge,​ con el que presencia un espectáculo del grupo The Seldoms (Los Raros), lo que parece estimular el desarrollo de su incipiente vocación artística.

En 1906, se une a un conjunto de actores de vanguardia con los que participa en la creación de la denominada Vereinigung für Ideale Kultur (Asociación para una Cultura Ideal), encabezada por el escritor, fotógrafo y director del magazine nudista Die Schönheit Karl Vanselow (para él, la desnudez supone la liberación de las convenciones burguesas), dedicado al montaje de las conocidas como Schönheitsabende (Noches de Belleza), en que los protagonistas se transforman a veces en plena calle en «representaciones vivientes» inspiradas en la estatuaria clásica, por lo cual —pese a disimular su desnudez mediante la depilación integral y el empleo de pinturas corporales— fueron prohibidas en varias ocasiones:

Ese mismo año, viajan a Londres, donde ponen en escena El rapto de las sabinas. De regreso a Berlín, adopta el nombre artístico de Olga Desmond.

Tras actuar durante un par de años en pequeñas salas de la capital, el 19 de mayo de 1908, debuta en el Neue Schauspielhaus de Berlín ante seiscientos espectadores. Animada por la crítica, una noche se decide a deshacerse de la consabida túnica griega durante la ejecución del tradicional Baile de las espadas, hasta quedarse solo con una especie de corona, un brazalete y un estrecho cinturón estilo medieval, lo que dejaba prácticamente todo el cuerpo al aire.

El impacto mediático es tal que, según la prensa, las entradas para ver su particular puesta en escena del ancestral baile alemán se vendieron desde entonces como «bollos calientes». Incluso, cuatro años después, la revista rusa Ogonyok (1913, n.º 23) anunciaba la venta, al precio de dos rublos, de diez fotografías del evento.​

El diario The Washington Times dice al respecto:

Die Schönheit es una organización berlinesa que predica la pureza de todas las cosas, a la vez que la absoluta belleza de la figura humana desnuda. Olga Desmond es uno de los mejores exponentes de esta nueva tendencia, cuya principal ocupación es el reparto de ropa. Recientemente, la señorita Desmond apareció ante el público realizando el Baile de las espadas, sin otra indumentaria que un estrecho cinturón oscilante. Ni que decir tiene que esto se hizo simplemente para poner un ejemplo de la pureza de la sociedad, pero algunas personas fueron lo suficientemente crueles como para decir que, después de todo, no debe de ser tan malo pertenecer a una organización como esta, especialmente en verano.

A partir de ese momento, aparecer desnuda se convierte, pues, para ella en algo tan beneficioso que llega a presentar una demanda por valor de 15 000 rublos contra el director de la revista The Petersburg Gazette por publicar un dibujo en el que se representa totalmente vestida, lo que teme que pueda dañar su imagen de bailarina nudista de cara a su inminente tour por Rusia.​

Al mes siguiente, se traslada a San Petersburgo, donde apenas llegada manifiesta su intención de aparecer totalmente desnuda ante el público, lo que, con todo lujo de detalles, explica en la prensa:

Pero al alcalde de San Petersburgo Danil Drachevski (asesorado por muchos de los más influyentes artistas del entorno)​ no acaban de convencerle los escandalosos pormenores de una desvergonzada bailarina recién llegada de Berlín, hasta el extremo de que, al parecer, solo actúa en dos ocasiones:

Si el desnudo está proscrito de los escenarios parisinos, no así en San Petersburgo, donde parece ser muy apreciado.

Así, los periódicos rusos se hacen eco estos días de una "noche de belleza" celebrada el viernes 10 de julio en la capital, cuyo programa, sabiamente escalonado, no deja de ser picante.

La representación comienza con la reproducción en vivo de una serie de célebres estatuas (un género bastante conocido), pero cuya originalidad radica en que los dos figurantes, la señorita Olga Desmond y el señor [Adolf] Salge, se encuentran completamente desnudos, con los cuerpos cubiertos solo de pintura blanca.

A estos cuadros vivientes, les siguen algunas proyecciones luminosas representando escenas campestres o figurando personajes desnudos.

Después, empiezan los bailes: primero, unos cuantos valses ejecutados por la señorita Desmond, cubierta con velos transparentes. Les siguen nuevos cuadros en los que, esta vez, los dos artistas actúan sin ropa alguna. Finalmente, la señorita Desmond ejecuta varios números "vestida con una diadema" [sic]…

No menos controvertidas resultan sus actuaciones de regreso a su país, donde su debut en el Berlin Wintergarten Theatre en enero de 1909 causa tal revuelo (hasta el New York Times, se hace eco del escándalo) que llega a convertirse en motivo de disputa entre los miembros de la Cámara de los Señores de Prusia, lo que da lugar a que el propio ministro del Interior Friedrich von Moltke prohíba semejantes espectáculos. No obstante, cabe destacar que, hasta 1914 (año en que contrae matrimonio con un terrateniente húngaro y, con él, un cierto alejamiento del mundo artístico), actúa en numerosas ocasiones por toda Alemania, cubierta, eso sí, desde la promulgación del nuevo reglamento con una provocativa túnica de gasa (el conocido nacktkostümen, traducible al español como «vestido desnudo»), más acorde con las convenciones morales de la época. Además, se insta a la Policía a que, en lo sucesivo, vigile sus actuaciones siempre y cuando estas se realicen fuera de Berlín.​

Más, lejos de caer en el olvido, su fama es tanta que funda una escuela de Danza en Berlín, publica un libro con consejos de belleza o incluso se ponen a la venta productos cosméticos con su nombre. Poco antes, sustituye al actor y cantante Otto Reutter en la dirección del Wintergarten con un sueldo mensual de 6000 marcos, es decir, el salario de seis años (aproximadamente) de un trabajador de entonces. En agosto de 1909, actúa en el Théâtre Marigny de París.​ De 1915 a 1919, interviene en el rodaje de varias películas, entre las que sobresale Göttin, Dirne und Weib (Diosa, puta y esposa, 1919), dirigida por el conocido cineasta alemán Walter Schmidthässler.

Tras su divorcio en 1917, regresa a los escenarios. Su vuelta tiene lugar el 15 de abril en el Theater der Königlichen Hochschule (Teatro de la Universidad Real) de Berlín. En los meses siguientes, actúa en Colonia (donde da vida al personaje de Carmen), Varsovia, Breslau, Katowice… Desde entonces, sus apariciones en público se espacian cada vez más.

En 1920, contrae nuevas nupcias, esta vez con Georg Piek, un acaudalado hombre de negocios judío que tras su internamiento en un campo de concentración nazi consigue huir de Alemania, lo que, muy probablemente, pudo llevarla a tratar de suicidarse en 1937.​

Desde 1922, se dedica por completo a la enseñanza, en detrimento de su actividad artística. En 1925, Der Blitz publica una fotografía en la que aparecen siete chicas exhibiendo minúsculos «bikinis», lo que fue considerado como una indumentaria absolutamente inapropiada para asistir a las clases de una prestigiosa profesora de ballet.​ Entre sus alumnas más conocidas de entonces se encuentra la bailarina y coreógrafa Hertha Feist (1896-1990).

Desde finales de los años 20 su prestigio comienza a decaer: su estilo de baile sensual se considera obsoleto, otras bailarinas como Anita Berber (1899-1928), Valeska Gert (1892-1978) o Mary Wigman (1886-1973) causan sensación, el hecho de que una mujer dance desnuda ya no parece escandalizar a nadie y sobre todo, «a su edad», considera que su cuerpo ya no es el mismo de antes.

En sus últimos años, se gana la vida como limpiadora, a lo que ayuda con la venta de souvenirs (sobre todo tarjetas postales) de su época de artista. Fallece el 2 de agosto de 1964, a los 73 años de edad, en un pequeño apartamento cerca del Hospital St. Hedwig de Berlín Este.​​​​

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Franz Schubert. Sinfonía Nº 9 en Do Mayor D. 944, La Grande. Andrés Orozco-Estrada.

Hadi Karimi

A continuación, de Franz Schubert, la Sinfonía Nº 9 en Do Mayor D. 944, La Grande, en la versión de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Hesse, dirigida por Andrés Orozco-Estrada. 


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viernes, 1 de noviembre de 2024

Roger Quilter

Fotografía: Howard Coster

Roger Cuthbert Quilter nació en Hove, Brighton and Hove, Sussex, Reino Unido, el 1 de noviembre de 1877, y murió en St John's Wood, Londres, Reino Unido, el 21 de septiembre de 1953. Compositor.

El sitio www.interlude.hk publicó este recordatorio.

Roger Quilter

30 de septiembre de 2011

Roger Quilter (1877-1953) fue un compositor inglés conocido principalmente por sus elegantes y distinguidas canciones de arte. Ha compuesto más de 100 de ellas a lo largo de su carrera, además de sus obras corales, instrumentales y escénicas.

Nacido en Sussex, Reino Unido, el 1 de noviembre de 1877, Quilter fue el tercero de cinco hijos de una familia numerosa. Comenzó sus estudios musicales en el Eton College en 1892. Con el estímulo de su madre en sus inclinaciones artísticas y un entorno familiar favorable (su padre era un rico corredor de bolsa y un conocido coleccionista de arte), más tarde se matriculó en el Conservatorio Hoch de Frankfurt-am-Main y tomó lecciones de composición bajo la tutela de Ivan Knorr. Él y otros estudiantes del conservatorio a finales de la década de 1890, entre ellos Percy Grainger, Cyril Scott, Norman O'Neill y Balfour Gardiner, llegaron a ser conocidos como el "Grupo de Frankfurt".

La carrera de Quilter como compositor de canciones estaba bien establecida en la década de 1900. En marzo de 1901, Denham Price interpretó sus Songs of the Sea en el Crystal Palace. Inmediatamente ganó la atención del público por su talento. En 1905, Gervase Elwes, uno de los principales tenores de la época, estrenó el ciclo de canciones de Quilter To Julia, que marcó aún más su éxito como compositor de canciones. Durante muchos años, sus canciones se transmitieron con frecuencia por radio.

Durante los años siguientes, Quilter continuó escribiendo canciones para un público agradecido. Aunque sufrió una mala salud continua, fue un artista filantrópico. Fundó y administró el Musicians' Benevolent Fund en memoria de su gran compañero Gervase Elwes (que murió en un accidente en la estación de tren de Boston), organizando conciertos en varios hospitales y participando en una serie de conciertos de cámara después de la Primera Guerra Mundial.

Quilter ha desarrollado amistades leales con varios músicos durante su vida. En 1911 escribió la música incidental para una obra infantil, Where the Rainbow Ends, producida por Italia Conti, que posteriormente fundó la Escuela Italia Conti (ahora la Academia de Artes Teatrales Italia Conti). Durante muchos años, Quilter fue invitado a dirigir la matiné de apertura de la temporada en la escuela. En 1923, Quilter conoció a un joven barítono, Mark Raphael, con quien trabajó estrechamente durante años. También colaboró ​​con Rodney Bennet en varios proyectos, incluida la ópera ligera, Julia, que se estrenó en la Royal Opera House, Covent Garden, en diciembre de 1936.

Después de una vida artística productiva y benévola, Quilter experimentó un período de declive mental y finalmente murió a la edad de 75 años en su casa en St. John's Wood, Londres, el 21 de septiembre de 1953. Se celebró un concierto conmemorativo en su honor, al que asistieron una gran cantidad de familiares, compañeros músicos y un público común que amaba su música.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Cinco Canciones de Shakespeare Op. 23, en la versión de Ruth Willemse, mezzosoprano, acompañada en piano por Vital Stahievitch.


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jueves, 31 de octubre de 2024

Inés Gebhard


Inés Gebhard Paulus nació en Santiago de Chile, Chile, el 31 de octubre de 1913, y murió en Valdivia, Chile, el 24 de mayo de 2007. Pianista y profesora

El sitio www.scielo.cl publicó este recordatorio firmado por Leonardo Mancini.

Revista Musical Chilena, Año LXII, Enero-Junio, 2008, N° 209, pp. 100-101

IN MEMORIAM

Inés Gebhard Paulus (1913-2007)

El 24 de mayo de 2007 falleció en Valdivia la distinguida pianista y profesora Inés Gebhard Paulus, cuya fecunda trayectoria en el campo del arte y la docencia ha dejado profundas huellas en la ciudad donde ejerció por casi 40 años.

Santiaguina de nacimiento y formación, ella adoptó a Valdivia como el lugar en que desarrollaría profesionalmente su talento, hasta llegar a ser considerada "todo un símbolo en la cultura valdiviana desde mediados del siglo XX", como se ha dicho con motivo de su fallecimiento.

Inició sus estudios musicales a los cuatro años con su tía Sor Victoria Paulus, continuándolos con el presbítero y compositor Pedro Valencia Courbis. En 1928 ingresó al Conservatorio Nacional en el que tuvo como profesores a Pedro Humberto Allende y Domingo Santa Cruz, entre otros Fue especialmente distinguida por su maestra Rosita Renard, que patrocinó sus primeras audiciones públicas y la consideró entre el grupo destacado de alumnos que presentaron las 32 sonatas para piano de Beethoven, bajo su dirección.

Instalada en Valparaíso desde 1941, inició su actividad profesional como profesora de Educación Musical en los más importantes colegios de la ciudad, en los que además, organizó y dirigió coros juveniles. Paralelamente, realizó frecuentes conciertos de piano solo, los cuales fueron patrocinados por la Sociedad Amigos del Arte, institución de fomento artístico, a la que ingresó desde su llegada y que posteriormente presidiría con gran acierto en varias ocasiones. Conviene señalar que, en el seno de Amigos del Arte, se gestó la semilla que daría origen a la creación de la Universidad Austral de Chile. En 1945 Inés Gebhard fundó su propia academia de música cuyos estudios eran avalados por el Conservatorio Nacional, imponiéndose de inmediato por la alta calidad de su enseñanza. En 1955 esta academia es incorporada, junto a otras más antiguas, al Conservatorio de Música de la Facultad de Artes que así se convierte en la primera escuela de la primera Facultad de la naciente Universidad Austral de Chile. Aquí ella desarrolló una larga y fructífera labor como directora del Conservatorio de Música, como directora técnica del Departamento de Teclado, además de profesora de piano y otras asignaturas, en diferentes niveles. Igualmente, cumplió funciones administrativas como prodecana y decana en su Facultad y posteriormente se desempeñó como directora de extensión de la Universidad, cargo en el cual se mantuvo hasta su jubilación, en 1982.

Junto a esta amplia labor docente y administrativa, ella se dio tiempo para hacer música, realizando conciertos solistas y participando en selectos grupos de cámara. Entre éstos se recuerda al Trío Pro Arte, formado por ella junto al chelista francés Robert Livon y al violinista argentino Pedro de Lores, a comienzos de los años 70. Igualmente exitosa fue su larga asociación con el violinista Manuel Bravo, con quien conformó un dúo que cultivó obras de los más importantes compositores. Con ambos conjuntos realizó permanentes presentaciones en Valdivia y otros centros artísticos, especialmente de Talca, Concepción, Temuco, La Unión y Osorno. De una de las actuaciones con Manuel Bravo en ésta última ciudad, se recuerda la excelente crítica que le hiciera en el diario local el Dr. Alberto Goldschmidt, famoso por su inconformismo. La verdad es que todos los grupos de cámara integrados por la maestra Gebhard siempre gozaron de una gran acogida de la crítica y del público sureño aficionado. Hay que destacar que en sus programas habituales, junto a los grandes de la música universal, siempre hubo espacio para las obras de autores chilenos. Así, también se recuerdan las actuaciones de conciertos para piano y orquesta realizadas con la Orquesta de Cámara de la Universidad Austral y la Orquesta Sinfónica de Chile bajo la dirección de Agustín Cullell y Víctor Tevah respectivamente.

Tan valiosa y dilatada labor recibió el reconocimiento y la gratitud de todos. Fue así como la Ilustre Municipalidad de Valdivia en el año 1966, le otorgó la Medalla de Oro en reconocimiento a los servicios prestados al arte y la cultura de la ciudad. Por su parte, la Universidad Austral la hizo acreedora de la Medalla de Plata en 1980, en atención a sus 25 años de servicios distinguidos.

Finalmente, ya retirada en el año 2004, en el marco de las festividades por el Cincuentenario de la fundación de la Universidad, recibió sendos homenajes públicos del Conservatorio y la Universidad, que culminaron con un concierto en su honor realizado en el Aula Magna. También fue galardonada por la Dirección de Extensión, junto a otros académicos eméritos, en un acto solemne denominado "Forjadores del Sur". Al tiempo de recibir estos merecidos homenajes, la maestra cumplía 91 años.

Su deceso se produjo en esa ciudad tres años después. Su nombre está firmemente ligado al importante desarrollo alcanzado por la actividad cultural y artística de Valdivia en la segunda mitad del siglo XX, que se consolida con la creación de la Universidad Austral, cuya viga maestra habría de ser, en lo fundacional, el Conservatorio de Música, al cual ella dedicó sus mejores esfuerzos desde el primer día.

Leonardo Mancini

Director de Coros

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