Gershon Kingsley

 

Götz Gustav Ksinski,​ más conocido como Gershon Kingsley, nació en Bochum, Alemania, el 28 de octubre de 1922, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 10 de diciembre de 2019. Compositor.

El sitio www.kripkit.com publicó este recordatorio.

Gershon Kingsley

Gershon Kingsley (nacido Götz Gustav Ksinski; 28 de octubre de 1922-10 de diciembre de 2019) fue un compositor estadounidense de origen alemán. Considerado pionero de la música electrónica para sintetizadores moog, fue fundador del primer cuarteto Moog y miembro del dúo Perrey & Kingsley junto a Jean - Jacques Perrey. Fue el compositor de Popcorn, una canción popularizada por Hot Butter.

Kingsley nació como Götz Gustav Ksinski en 1922 en Bochum, Alemania, de madre católica y padre judío. En 1938 dejó Alemania para mudarse a un kibutz con sus padres. Este último emigró más tarde a los Estados Unidos; Kingsley se unió a ellos ocho años más tarde. Su carrera musical comenzó con el lanzamiento de In Sound De Way Out!, un álbum grabado con Jean-Jacques Perrey. El dúo Perrey-Kingsley también grabó Kaleidoscopic Vibrations: Spotlight on the Moog y se disolvió poco después. Kingsley más tarde lanzó Music to Moog By, un clásico de la música de sintetizador de moog que contiene principalmente versiones de otros autores como The Beatles, Beethoven y Simon and Garfunkel. Su siguiente publicación, First Moog Quartet, es una antología de grabaciones en vivo de una gira. Debido a la presencia de pistas de spoken word y narrativas de poesía Beat acompañadas de notas y ruidos en el fondo, el álbum resultó ser uno de los más experimentales de su repertorio. Durante su carrera, Kingsley utilizó moog para tocar los primeros sintetizadores digitales Fairlight y Synclavier. En 2005, Kingsley declaró que, escuchando una máquina de palomitas de maíz en 1969, había decidido componer un motivo musical inspirado en su sonido. Después de hacer la pista en el estudio usando sólo un sintetizador, fue lanzado tres meses más tarde en el álbum Music to Moog por bajo el título de palomitas de maíz y se convirtió en la primera pista electrónica para lograr el éxito internacional. Muchos músicos han cubierto palomitas de maíz, incluyendo Hot Butter, Jean-Michel Jarre, Aphex Twin, Herb Alpert and the Tijuana Brass, Marsheaux, Muse, Crazy Frog, the lighthouse keeper y The Muppets. Particularmente interesante es también la versión de portada de la Strana Società de 1972. Kingsley se acredita con Baroque Hoedown, una canción utilizada por la Walt Disney Company en el "Main Street Electrical Parade" en sus parques temáticos; y The Savers, un tema utilizado por el programa de televisión estadounidense The Joker''s Wild. También hizo un tema musical para el canal de televisión WGBH-TV, transmitido en los Estados Unidos. Kingsley dirigió y arregló numerosos musicales de Broadway y compuso música para películas, programas de televisión y comerciales. También hizo composiciones de música de cámara clásica y Raoul, su trabajo más reciente, se interpretó en Bremen en 2008. Sus composiciones son eclécticas y van desde la música experimental hasta la Popular. Sue son también composiciones religiosas inspiradas en la música rock. Durante su tiempo como compositor, ganó varios premios, incluyendo dos nominaciones a los Premios Tony por Mejor director y Mejor Director de un Musical, dos Premios Clio por su publicidad, y el logro de toda una vida por la Fundación Bob Moog. Enfermo durante mucho tiempo, murió en 2019 a la edad de 97 años.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Popcorn.

Conlon Nancarrow

Samuel Conlon Nancarrow nació en Texarkana, Arkansas, Estados Unidos, el 27 de octubre de 1912, y murió en la Ciudad de México, el 10 de agosto de 1997. Compositor.

El sitio www.ecured.cu publicó este recordatorio.

Conlon Nancarrow (estado de Arkansas, 27 de octubre de 1912 - Ciudad de México, 10 de agosto de 1997) fue un compositor estadounidense.

Síntesis biográfica

En su niñez inició estudios de piano y a los quince años de edad escribió sus primeras composiciones. Luego de cursar un semestre de la carrera de ingeniería se dedicó por completo a la música.

Obtuvo trabajo como trompetista en bares y cervecerías, y más tarde asistió a cursos con Walter Piston, Roger Sessions y Nicolas Slonimsky.

En 1933 ingresó en el Partido Comunista.

En 1937 se incorporó a la Brigada Lincoln, con la que viajó a España para luchar contra los fascistas de Francisco Franco en la Guerra Civil Española (1936-1939). En 1939, escapando del ejército franquista, cruzó a pie hasta Francia a través de los Pirineos. De allí volvió en barco a Estados Unidos. Permaneció un breve tiempo en su pueblo natal (Texarkana) y luego se mudó a Nueva York, donde vivió dos años.

En 1940, el Gobierno de Estados Unidos le retiró el pasaporte debido a su «conducta política» (su apoyo a la democracia en España). Nancarrow decide huir del país y refugiarse en México. Vive hasta 1947 en México. Regresa a Nueva York, pero en 1953, el Gobierno de Etsados Unidos le retira la ciudadanía, lo que lo obliga a expatriarse para siempre en México.

Allí fue uno de los introductores del serialismo, aunque la mayor parte de su obra serial permaneció oculta.

Hasta 1948 se había dedicado a componer piezas para orquesta sinfónica y para grupos de cámara con dotaciones instrumentales tradicionales. Ese mismo año (1948) comenzó a crear sus 50 estudios para pianola (piano mecánico), con un instrumento que tenía un primitivo sistema de perforaciones en papel, el cual perfeccionó a lo largo de los años. Este implemento mecánico le permitió hacer sonar tramas polifónicas imposibles de tocar por la mano humana.

Su música ha sido interpretada en Estados Unidos y Europa con mucho éxito. Además de las mencionadas, destacan otras obras suyas como: Toccata para violín y piano (1935); Septeto (1939); Trío para clarinete, fagot y piano (1942); Trío n.º 2 para oboe, fagot y piano (1991); cuatro Cuartetos de cuerda; Estudio para orquesta (1991) y varias piezas orquestales.

Sus principales editores fueron Smith Publications y Sounding Press.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Estudio para Piano Mecánico Nº 21 (Canon X).

 

El Mirador Nocturno – Radio / Edvard Grieg – Cuarteto para Cuerdas en Sol Menor Op. 27, Concierto para Piano y Orquesta en La Menor Op. 16.

 

Hoy les presento el 4º programa de La Música de Todos Los Tiempos, dedicado a Edvard Grieg, con el Cuarteto para Cuerdas en Sol Menor Op. 27, y el Concierto para Piano y Orquesta en La Menor Op. 16.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Nicolaos Mantzaros

Nicolaos Mantzaros nació en Corfú, Grecia, el 26 de octubre de 1795, y murió en su ciudad, el 12 de abril de 1872. Compositor.

El sitio www.projectcorfu.com publicó este recordatorio.

Nikolaos Mantzaros

Nikolaos Halikiopoulos Mantzaros (26 octubre 1795 a 12 abril 1872) fue un compositor griego nacido en Corfú y el principal representante de la llamada Escuela jónica de Música. Él era de origen noble mixta griega e italiana, que viene de una de las familias más importantes y ricas del "Libro d'Oro" di Corfú y por lo tanto nunca se consideró a sí mismo un "compositor profesional". Investigación y actuaciones recientes han llevado a una reevaluación de Mantzaros como un importante compositor y teórico de la música.

Nació en Corfú de una familia rica y su padre James Halikiopoulos Mantzaros era eminente jurista, mientras que el hermano de su abuelo George fue el último gran Protopapas y primer arzobispo de Corfú votó en los tiempos modernos. Debido al origen noble y rica Mantzaros consiguió hereditario el título de caballero. Estudió música en Corfú con sus hermanos Stefan (teclado) y Jerome (violín) Pogiagou, Stefano Moretti (teóricamente) y, probablemente, el origen napolitano 'caballero' Barbati (teoría, composición). En su ciudad natal presentó sus primeras obras ya en 1815. Desde 1819 continuó sus actividades musicales en Italia (que visitó de vez en cuando), donde asocian especialmente con el entorno del Real Conservatorio de Nápoles y su director Niccolo Antonio Tsingkareli.

Se instaló definitivamente en Corfú en 1826 con el fin de hacer frente a la educación musical de su país, a pesar de los esfuerzos de Tsingkareli para convencerlo de quedarse en Nápoles. Para lograr esto, él dio clases gratuitas y fundó la Sociedad Filarmónica de Corfú en 1840 que se convirtió en director artístico de toda la vida. Gracias a estas acciones educativas de Mantzaros, muchos isleños fueron educados musicalmente y creó la primera generación de compositores Jónicas, entre ellos el Spyridon Xyndas, Paul Karrer y Francesco Domeniginis. Por lo tanto Mantzaros considerado el fundador de la escuela jónica.

Como personaje era paciencia, generoso, cortés y modesto. Debido a su trabajo y el estatus social, muchos compositores italianos y poetas griegos solían asistir y hablar con él, él era también un amigo cercano con Dionysios Solomos. Desde luego, no se consideraba a sí mismo un músico profesional y describió a sí mismo "amateur" (esta es la razón por la que no se acepta dinero por sus servicios). Desafortunadamente, el 29 de marzo 1872, Mantzaros cayó en coma durante una sesión y finalmente murió el 12 de abril de ese año.

Un trabajo importante considerar la melodía del Himno a la Libertad de Dionysios Solomos, que en 1865 la primera vez (1829) se estableció como el himno nacional de Grecia. Mantzaros realidad habían creado 5 conjunto total de la música para el Himno a la Libertad, la primera en 1829 para coro masculino a cuatro voces y piano en 24 partes, la segunda en 1837, la tercera en 1839-'40, la cuarta en 1844, más contrapuntística en comparación con los tres primeros y el quinto en 1861 que se ve sobre todo a una marcha y el sexto. La investigación más reciente, sin embargo, ha demostrado las múltiples actividades del compositor de Corfú más allá de la conexión de una dimensión a la salomónico 'Himno'. Característicamente menciona que él es el autor de un actuar ópera cómica Don Crepuscolo, que es la primera ópera conservada de un artista griego (1815). Ha compuesto también las obras más conocidas más tempranas en lengua griega para voz y orquesta, el "Aria Greca '(1827), la colección de canciones 16 Arie Greche (1830), que incluye muchos poemas musicados de Solomos (Xanthoula, Farmakomeni) y de la Thouria Rigas Ferraiou, el ciclo de 6 canciones con letra del poeta George Kandianou Roma titulado "los impulsos de mi corazón", muchos poemas italianos con música y sus propias letras. Él es también el autor de las obras griegas primera conocidos para cuarteto de cuerdas (Partimenti, funciona de la Fedele Fenaroli italiano que trabajó Mantzaros, alrededor de 1850), el primer repertorio de piano griega, la primera obra griega en forma de fuga, el primero mencionado griego Acuerdo (perdido) y muchos otros acuerdos, así como el autor del análisis de primera música ensayo (Rapporto, 1851) y la primera música libros de texto de educación en Grecia.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Sinfonía de temas orientales en La menor, en la versión de la Orquesta Sinfónica de la Radio Nacional de Grecia, dirigida por Andreas Pylarinos.

Alemania nazi: la historia de las temibles torturadoras de las SS

El Diario La Nación, en su edición digital, publicó este artículo de BBC Mundo.

LA NACION>El Mundo

Alemania nazi: la historia de las temibles torturadoras de las SS

25 de octubre de 202108:38

Mujeres guardias del campo de concentración nazi RavensbrückMEMORIAL DE RAVENSBRÜCK

En un anuncio de empleo de un periódico alemán en 1944 se leía: “Se buscan trabajadoras sanas de entre 20 y 40 años para un emplazamiento militar”. En él se prometía a las seleccionadas buenos salarios y comida, alojamiento y ropa gratuitos. Lo que no se menciona es que la ropa es un uniforme de las SS.

Y que el "sitio militar" era el campo de concentración de mujeres de Ravensbrück. Los precarios barracones de madera para las prisioneras desaparecieron hace mucho tiempo. Todo lo que queda es un campo rocoso inquietantemente vacío a unos 80 kilómetros al norte de Berlín.

Contenían ocho atractivas villas de construcción sólida con persianas de madera y balcones. Eran una versión nazi de la década de 1940 de las cabañas medievales alemanas. Allí es donde vivían las guardias, algunas con sus hijos. Desde los balcones podían divisar un bosque y un hermoso lago.

"Fue el momento más hermoso de mi vida", dijo una exguardia, décadas después. Pero desde sus dormitorios también habrían visto la fila de prisioneras encadenadas y las chimeneas de la cámara de gas. "Muchos visitantes que vienen al monumento preguntan sobre estas mujeres y sin embargo no hay tantas preguntas sobre los hombres que trabajaron en este campo", contó Andrea Genest, directora del museo conmemorativo en Ravensbrück, mientras me muestra dónde vivían las mujeres.

"A la gente no le gusta pensar que las mujeres pueden ser tan crueles", agregó. Muchas de las jóvenes provenían de familias pobres, abandonaron la escuela temprano y tenían pocas oportunidades profesionales.

La guardia Johanna Langefeld con su hijo y la hija de otro guardiaMEMORIAL DE RAVENSBRÜCK

Un trabajo en un campo de concentración significaba salarios más altos, alojamiento confortable e independencia financiera. "Era más atractivo que trabajar en una fábrica", resaltó Genest. Muchas fueron adoctrinadas temprano en los grupos juveniles nazis y creían en la ideología de Hitler. "Sentían que estaban apoyando a la sociedad y haciendo algo contra el enemigo", afirmó.

Infierno y comodidades hogareñas

Dentro de una de las casas, una nueva exposición muestra fotos de lo que hacían las mujeres guardias en su tiempo libre. La mayoría tenía veintitantos años, eran guapas y llevaban peinados de moda. Las imágenes las reflejan sonriendo mientras toman café y comen torta en casa. O riendo, con los brazos entrelazados, mientras pasean por el bosque cercano con sus perros.

Las escenas parecen inocentes, hasta que notás la insignia de las SS en la ropa de las mujeres y recordás que esos mismos perros alsacianos fueron utilizados para atormentar a la gente en los campos de concentración. Unas 3500 mujeres trabajaban como guardias de los campos de concentración nazis, y todas comenzaron en Ravensbrück.

Muchas acabaron trabajando más tarde en campos de exterminio como Auschwitz-Birkenau o Bergen-Belsen."Eran gente horrible", aclaró a la BBC Selma van de Perre, de 98 años, por teléfono desde su casa en Londres.

Van de Perre era una luchadora de la resistencia judía holandesa que fue encarcelada en Ravensbrück como presa política. "Probablemente les gustaba trabajar allí porque les dio poder. Les dio mucho poder sobre las prisioneras. Algunas prisioneras eran maltratadas. Golpeadas", recordó. Selma trabajó clandestinamente en los Países Bajos cuando fueron ocupados por los nazis y ayudó a escapar a familias judías.

Una postal de Navidad para la guardia de las SS Anna EnsererMEMORIAL DE RAVENSBRÜCK

En septiembre publicó un libro en el Reino Unido sobre sus experiencias, My Name Is Selma (Mi nombre es Selma). Este año se lanzará en otros países, incluida Alemania. Los padres y la hermana adolescente de Selma fueron asesinados en los campos, y casi todos los años regresa a Ravensbrück para participar en eventos que recuerdan los crímenes cometidos allí.

Ravensbrück era el campo de concentración solo para mujeres más grande de la Alemania nazi. Más de 120.000 mujeres de toda Europa fueron encarceladas aquí. Muchas eran combatientes de la resistencia u opositoras políticas. Otras fueron consideradas "no aptas" para la sociedad nazi: judías, lesbianas, trabajadoras sexuales o mujeres sin hogar. Al menos 30.000 mujeres murieron aquí.

Algunas fueron gaseadas o ahorcadas. Otras murieron de hambre, por enfermedades o trabajaron hasta morir. Fueron tratadas brutalmente por muchas de las guardias: golpeadas, torturadas o asesinadas.

Las prisioneras les pusieron apodos, como "Brygyda la sangrienta" o "Anna revólver". Después de la guerra, durante los juicios por crímenes de guerra nazis en 1945, Irma Grese fue apodada por la prensa como la "bella bestia". Joven, atractiva y rubia, fue declarada culpable de asesinato y condenada a muerte en la horca. El cliché de la mujer rubia y sádica con uniforme de las SS se convirtió más tarde en una figura de culto sexualizada en películas y cómics.

Pocas condenas

Pero de las miles de mujeres que trabajaban como guardias de las SS, solo 77 fueron procesadas. Y muy pocas fueron realmente condenadas. Se retrataron a sí mismas como ayudantes ignorantes, fáciles de manipular en la patriarcal sociedad de la Alemania Occidental de la posguerra. La mayoría nunca habló del pasado.

El jefe de las SS Heinrich Himmler visitó el campo de Ravensbrück en enero de 1941MEMORIAL DE RAVENSBRÜCK

Se casaron, cambiaron sus nombres y se desvanecieron en la sociedad. Una mujer, Herta Bothe, que fue encarcelada por horrendos actos de violencia, habló más tarde en público. Fue indultada por los británicos, después de pasar solo unos años en prisión. En una rara entrevista, grabada en 1999 justo antes de morir, no mostró ningún arrepentimiento.

"¿Cometí un error? No. El error fue que era un campo de concentración, pero tenía que ir a él, de lo contrario me habrían metido en él. Ese fue el error".

La excusa

Esa era una excusa que solían dar los exguardias. Pero no era cierta. Los registros muestran que algunas de las nuevas guardias dejaron Ravensbrück tan pronto como se dieron cuenta de lo que implicaba el trabajo. Se les permitió irse y no sufrieron represalias.

La BBC le preguntó a Selma si cree que las guardias eran monstruos diabólicos y respondió: "Creo que eran mujeres comunes que hacían cosas diabólicas. Creo que eso puede suceder en cualquier lugar y a cualquier persona, incluso en Inglaterra. Puede suceder aquí si estuviera permitido".

A pesar de los horribles crímenes, muy pocas guardias fueron condenadas después de la guerraMEMORIAL DE RAVENSBRÜCK

Es una lección escalofriante, comentó. Desde la guerra, las guardias de las SS se retrataron en muchos libros y películas. La más famosa fue The Reader, una novela alemana que luego se convirtió en una película protagonizada por Kate Winslet. A veces se retrata a las mujeres como víctimas de explotación. En otras ocasiones como monstruos sádicos. La verdad es más espantosa.

No eran monstruos extraordinarios, sino mujeres ordinarias, que terminaron haciendo cosas monstruosas.

BBC Mundo

 

Willem Andriessen

Willem Andriessen nació en Haarlem, Países Bajos, el 25 de octubre de 1887, y murió en Ámsterdam, Países Bajos, el 29 de marzo de 1964. Pianista y compositor.

Nació en el seno de una familia de músicos. Su padre fue organista y su hermano Hendrik Franciscus, fue compositor y organista. Estudió en el Conservatorio de Ámsterdam. Posteriormente dio clases de piano en el Conservatorio de La Haya, y en la Escuela de música de Róterdam. Entre 1935 y 1953 fue director del Conservatorio de Ámsterdam. Entre sus obras destacan un Concierto para piano y una Misa, para solista, coro y orquesta. También compuso numerosos lieder.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, en su doble condición de autor e intérprete de su Concierto para Piano en Re Bemol Mayor, junto a la Orquesta Filarmónica de Radio Nederland, dirigida por Bernard Haitink.

Shalom – Ángel Sanz Briz: 40 años después

Ángel Sanz Briz: 40 años después

El pasado año 2020 se cumplieron 40 años del fallecimiento de Ángel Sanz Briz, reconocido como Justo entre las Naciones por su encomiable labor.

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/angel-sanz-briz-40-anos-despues/6144362/ 

Rafael Hernández

Rafael Hernández Marín, también conocido como El Jibarito, nació en Aguadilla, Puerto Rico, el 24 de octubre de 1892, y murió en San Juan, Puerto Rico, el 11 de diciembre de 1965. Compositor.

El sitio www.prpop.org de la Fundación Nacional para la Cultura Popular de Puerto Rico, publicó este recordatorio.

Rafael Hernández

Compositor

Figura cimera de la música popular puertorriqueña durante el siglo XX, la obra de Rafael Hernández trasciende la prueba del tiempo y de las generaciones.

Nacido en el pueblo de Aguadilla, a los 12 años inició sus estudios musicales con los profesores José Ruellán Lequerica y Jesús Figueroa. Perfeccionando su técnica en el campo artístico aprendió a tocar instrumentos tan diversos como el cornetín, el violín, el trombón, el bombardino, la guitarra y el piano. En su adolescencia se trasladó a vivir al sector de Puerta de Tierra, en San Juan, y tocó con la Orquesta Municipal bajo la dirección de Manuel Tizol.

En 1912 compuso su primera canción, la danza "María y Victoria", pero al llegar la Primera Guerra Mundial, el joven Rafael tuvo que servir en las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos. Integrado a la vida militar, tocó en la Banda de Música del Ejército. Al licenciarse, se radicó en Nueva York donde conoció en la bohemia de la época figuras como Luis Muñoz Marín, Luis Lloréns Torres, Luis Palés Matos y Pedro Flores.

Un contrato lo llevó a Cuba, para dirigir la orquesta del Teatro Fausto de La Habana. Luego de cuatro años en la Antilla Mayor, regresó a la Gran Manzana donde organiza el Trío Borinquen. Luego de un breve periodo de éxitos, en el que se destacaron temas de su autoría como "Siciliana", "Me la pagarás" y "Menéalo", el Trío Borinquen se disolvió y Rafael fundó una nueva agrupación. El proyecto, llamado originalmente Grupo Hernández, cambió su nombre por el de Conjunto Victoria. Y con él tuvo uno de los periodos más importantes de su ascendente carrera.

Entrada la década del 40, Rafael Hernández viajó a México a cumplir un contrato de tres meses. Pero su estadía en la tierra de Benito Juárez se extendió por espacio de 16 años, casándose entonces allí. En este país, que siempre definió como su segunda patria, cursó estudios avanzados en el Conservatorio Nacional de Música de México, obteniendo el grado de Maestro de Armonía, Composición, Contrapunto y Fuga.

Regresó a Puerto Rico en el 1953 y luego de varias exitosas giras a distintos pueblos de la Isla, trabajó como consultor musical en la naciente estación del Gobierno WIPR. Entre el 1956 al 1959 fue electo Presidente Honorario de la Asociación de Compositores y Autores de Puerto Rico. Comprometido con las causas cívicas, fundó junto a otros líderes cívicos la organización de béisbol para niños conocida como "Pequeñas Ligas". El 11 de diciembre de 1965, falleció Rafael Hernández después de una prolongada lucha contra el cáncer. Su legado de arte al mundo abarca prácticamente todos los géneros musicales contando sobre 3,000 composiciones, entre las que se encuentran: "Lamento Borincano", "Silencio", "Ausencia", "Campanitas de Cristal", "Preciosa" y la nana convertida en rumba, "El Cumbanchero". También compuso el corrido mexicano "Qué chula es Puebla", considerado como himno regional de ese estado mexicano. El tema "Linda Quisqueya" es apreciado por algunos dominicanos como el segundo himno de su patria.

La obra musical de Rafael Hernández constituye un legado de incalculable valor en el pentagrama de la música puertorriqueña e hispanoamericana. Su vida nos ha quedado como ejemplo imperecedero de sensibilidad, constancia y superación. Y como prueba de su trascendencia en el pentagrama, en las postrimerías del siglo XX, sus canciones han sido incluidas en los repertorios de algunos intérpretes contemporáneos de la salsa, el rap, el reggae, el ska y el rock.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus éxitos: Capullito de Alelí, en la versión de Caetano Veloso.

Ho Capito che ti Amo - Luigi Tenco

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Micheline Wolanowski de Papiernik.

Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se emite por Radio Sefarad.

Micheline Wolanowski de Papiernik: el milagro de sobrevivir

TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON CECILIA LEVIT – Micheline nació el 15 de julio de 1925 en Vigneux Sur Seine, Francia. Durante la  Segunda Guerra Mundial, vivió escondida en Francia, siempre con documentación falsa, huyendo de la persecución nazi. Sus padres y su hermana fueron deportados a Auschwitz-Birkenau, donde fueron asesinados. En 1943 fue contactada por la resistencia, con la que colaboró hasta que terminó la guerra.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Mános Hatjidákis

Mános Hatjidákis nació en Xanthi, Grecia, el 23 de octubre de 1925, y murió en Atenas, el 15 de junio de 1994. Compositor, director de orquesta, poeta y pianista.​

A los 4 años comenzó a estudiar piano, y al mismo tiempo, aprendió a tocar el violín y el acordeón. En 1945 inició su colaboración con el Teatro nacional de Grecia, para el que compuso la música para las principales tragedias clásicas como Agamenón, Medea, Lisístrata, Cíclopes y Eurídice, entre otras. Asimismo, escribió la partitura para otras obras de teatro, como Hamlet y Don Quijote. En 1947 compuso la música y colaboró con el poeta Nikos Gatsos, que tradujo Bodas de Sangre de Federico García Lorca, en la primera representación en Grecia. Para Maurice Béjart, creó la música de la primera representación de Los pájaros del clásico griego Aristófanes. Fue autor de bandas sonoras como Estela, de 1955; América, América, de 1963; Sweet Movie de 1974. Su banda sonora más conocida, con la que ganó un Premio Óscar en 1960, fue con la película Nunca en domingo. También compuso las melodías para dos documentales de Jacques-Yves Cousteau. Entre 1966 y 1972 vivió en Nueva York, donde produjo algunos trabajos discográficos, como Ritmología, Reflections,  y La sonrisa de la Gioconda.​ Organizó numerosos festivales para recuperar la música tradicional griega. Entre 1975 y 1981 creó y dirigió el Trito Programa, dedicado a difundir radialmente la música clásica. En 1989 fundó la Orquesta de Colores, una referencia en el panorama orquestal griego.

​A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Tema principal de la Banda de Sonido de la película Nunca en domingo.

Piotr Ilich Tchaikovski. el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Si Bemol Menor Op. 23. Mikhail Pletnev.

 

A continuación, de Piotr Ilich Tchaikovski, el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Si Bemol Menor Op. 23, en la versión de Mikhail Pletnev, y la Orquesta Philharmonia, dirigida por Vladimir Fedoseyev.

Günther Treptow

 

Günther Treptow nació en Berlín, Alemania, el 22 de octubre de 1907, y murió en su ciudad, el 28 de marzo de 1981. Tenor.

Comenzó sus estudios vocales en la Musikhochschule de Berlín, y más tarde en Milán con Giovanni Scarmeo. En 1936 debutó en Berlín, con el rol del cantante italiano en El caballero de la rosa, de Richard Strauss. En 1938 cantó en la Volksoper de Viena, como Florestan en la ópera Fidelio, de Ludwig van Beethoven. En 1939 se presentó en el Festival de Sopot, en el papel principal de Tannhäuser de Richard Wagner. Al año siguiente debutó en la Ópera Estatal de Munich, en 1947 en la Ópera Estatal de Viena, y en 1951 en el Festival de Bayreuth. Fue uno de los principales heldentenores de su generación, en óperas de Richard Wagner. También cantó papeles como Max en El cazador furtivo, de Carl Maria von Weber, Steva en Jenůfa de Leoš Janáček, Canio en Pagliacci de Ruggero Leoncavallo, y Otello, de Giuseppe Verdi. Se presentó en varios de los principales escenarios europeos como en el Teatro Alla Scala de Milán, La Monnaie de Bruselas, la Royal Opera House de Londres, el Teatro Colón de Buenos Aires, el Metropolitan Opera House de Nueva York, y en Leningrado y Moscú. Entre 1961 y 1972 cantó en la Ópera alemana de Berlín.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el aria Allein, wieder allein, de la opereta Der Zarewitsch, de Franz Lehar.

Egon Wellesz

 

Egon Joseph Wellesz nació en Viena, entonces Imperio austrohúngaro, el 21 de octubre de 1885, y murió en Oxford, Reino Unido, el 9 de noviembre de 1974. Compositor, profesor y musicólogo.

El sitio www.holocaustmusic.ort.org publicó este recordatorio firmado por Abaigh McKee.

EGON WELLESZ

1885-1974

Egon Wellesz fue un compositor, profesor y musicólogo nacido en Austria. Durante los años de entreguerras, Wellesz trabajó con muchos de los compositores de la Segunda Escuela de Viena, incluidos Arnold Schoenberg, Alban Berg y Anton Webern. Después de la anexión alemana de Austria en 1938, Wellesz huyó a Inglaterra, donde hizo carrera como profesor en la Universidad de Oxford. Su producción incluye nueve sinfonías, nueve cuartetos de cuerda, un octeto, conciertos para piano y violín, música de cámara y numerosas obras escénicas que incluyen ballets y seis óperas; la ópera Die Bakchantinnen  fue grabada en 2002 por la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín. También escribió libros sobre música oriental y bizantina y una biografía de Schoenberg.

Wellesz nació de padres húngaros con ascendencia judía. Estudió en el Instituto de Musicología de Viena con Schoenberg y Guido Adler, amigo de Gustav Mahler. Wellesz se casó con la historiadora del arte Dra. Emmy Stross en 1908. Entre sus intereses musicológicos estaban la música bizantina, la música oriental y la ópera barroca; comenzó a trabajar en el Neue Wiener Konservatorium en 1911 y escribió su tesis doctoral sobre Guiseppe Bonno. Wellesz y su esposa se retiraron de la comunidad judía y Egon se convirtió al catolicismo, posiblemente para evitar el creciente antisemitismo en la universidad.

Mientras trabajaba como compositor y musicólogo en Viena, Wellesz viajó a Inglaterra y conoció al musicólogo Edward J. Dent. Durante los años de entreguerras fundaron juntos la ICSM (Sociedad Internacional de Música Contemporánea), que permitió a Wellesz traer música británica de compositores como Arthur Bliss, Ralph Vaughan Williams y Gustav Holst a Austria; también fue el primero en llevar la música de Debussy a Viena. Wellesz participó en la Verein für Musikalische Privatauffuhrungen (Sociedad de Actuaciones Musicales Privadas) de Schoenberg, que promovió conciertos de música contemporánea en Viena. Wellesz recibió un doctorado honorario de la Universidad de Oxford en 1932, el primer compositor en recibir tal honor desde Haydn.

Las obras de Wellesz fueron prohibidas en Austria desde 1933, aunque el compositor sostuvo que no era judío. En 1938 Wellesz viajó a Amsterdam para escuchar su trabajo para orquesta, Prosperos Beschwörungen, dirigido por Bruno Walter. Mientras estaban en Amsterdam, los compositores se enteraron del Anschluss y se les aconsejó que no regresaran a Viena. Egon escapó a Inglaterra y más tarde se le unió su esposa; pudieron escapar más fácilmente al enfatizar sus posiciones políticamente comprometidas como "monárquicos" en lugar de su ascendencia judía; era más fácil obtener visas británicas por motivos políticos que raciales.

Durante la guerra, Wellesz fue internado en la Isla de Man como enemigo. Dejó de componer durante este tiempo. Una campaña de HC Colles, crítico musical de The Times, aseguró la liberación de Wellesz, quien obtuvo una beca en el Lincoln College de Oxford en 1943, donde se reunió con su esposa. También comenzó a componer de nuevo, comenzando con su quinto cuarteto de cuerda. Wellesz nunca lograría recuperar su antigua cátedra en Viena.

Las primeras composiciones de Wellesz son tonales y muestran la influencia de Mahler y Debussy; sus trabajos posteriores avanzan hacia el serialismo. Durante la Primera Guerra Mundial su producción estuvo influenciada por los Ballets Rusos, y sus obras escénicas inspiradas en la mitología griega fueron admiradas por Kurt Jooss, Rudolf Laban y Ellen Tels. Inspirado por la ópera barroca, Wellesz incorporó la danza a sus obras operísticas. Escribió su primera ópera, Die Prinzessin Girnara en 1918 con el libretista Jakob Wasserman. Wellesz comenzó a escribir sinfonías después de la Segunda Guerra Mundial. Su primera sinfonía fue estrenada por la Orquesta Filarmónica de Berlín en marzo de 1948.

Wellesz recibió el premio más prestigioso de Viena por logros culturales, el Staatspreis für Musik, en 1953, así como un OBE en 1957. Permaneció en Oxford hasta su muerte en 1974 y está enterrado en el Zentralfriedhof de Viena.

Por Abaigh McKee

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Concierto para Piano y Orquesta Op. 49, en la versión de Margarete Babinsky, junto a la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín, dirigida por Roger Epple.

Charles Ives

Charles Edward Ives nació en Danbury, Estados Unidos, el 20 de octubre de 1874, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 19 de mayo de 1954. Compositor.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio.

Charles Ives

(Danbury, EE UU, 1874 - Nueva York, id., 1954) Compositor estadounidense. En un país como Estados Unidos, dominado por la influencia de la música europea a lo largo de todo el siglo XIX, Charles Ives fue uno de los primeros que buscaron y supieron hallar una voz musical inequívoca y propia para su país. Fue un pionero de la música moderna, autor de una obra revolucionaria cuya importancia sólo fue reconocida tardíamente.

Charles Ives

Hijo de un director de banda militar, Ives fue un músico autodidacto que supo compaginar los negocios -en 1907 fundó una próspera agencia de seguros- y la música. Alentado por su padre, no tardó en improvisar libremente al piano sin tener en cuenta las reglas de composición académicas.

La curiosidad por la libre organización del sonido -a la que no era ajeno el interés por denunciar el conservadurismo de los músicos de su nación- se convertiría en una constante de su estilo. De esta manera, y sin tener conocimiento directo de las corrientes vanguardistas europeas, Ives se adelantó a su tiempo en el empleo de técnicas como la politonalidad, la atonalidad, la polirritmia y los cuartos de tono, abriendo también nuevas vías a la escritura orquestal.

Una obra tan temprana como Variations on America (1891), para órgano, está ya escrita siguiendo un esquema politonal. Charles Ives fue también uno de los primeros en intuir todas las posibilidades del collage en la música. En este sentido, muchas de sus composiciones emplean como base elementos heterogéneos, entre ellos melodías tradicionales estadounidenses, himnos religiosos y marchas militares. Es el caso de Three Places in New England (1904), Central Park in the Dark (1907) o sus tres primeras sinfonías (1898, 1902, 1904). Otras obras importantes son la monumental Concord Sonata para piano (1915), la Sinfonía núm. 4 (1916) y The Unanswered Question (1908).

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Sinfonía Nº 4, en la versión de Ralph van Raat en piano, junto al Coro y la Orquesta Sinfónica de la BBC, dirigida por David Robertson.

 El sitio www.dw.com publicó este artículo.

EUROPA

Deportada a Auschwitz: revelan el diario de Sheindi Ehrenwald después de 75 años

Sheindi Ehrenwald fue deportada al campo de concentración de Auschwitz por los nazis a la edad de 14 años. Ella mantuvo un diario oculto durante su terrible experiencia. Ahora, se exhibe por primera vez en Berlín.

    

Cuando los nazis ocuparon Hungría en marzo de 1944, la población judía perdió sus derechos, fueron perseguidos, deportados y finalmente asesinados.

Sheindi Miller-Ehrenwald vive ahora en Israel; pero no siempre fue así. En la primavera de 1944, los nazis enviaron a la niña de 14 años al campo de concentración de Auschwitz-Birkenau, donde tuvo que realizar trabajos forzados. Durante el exterminio, su familia fue asesinada. Arriesgando su vida en el proceso, la niña escribió sus experiencias en un diario.

"Hoy solo puedo contar mi historia al mundo", dice la mujer de 90 años. "Pronto moriré y no quiero que las personas que fueron asesinadas allí sean olvidadas". Hoy, 75 años después de la liberación de Auschwitz-Birkenau, Sheindi Miller-Ehrenwald es una de las últimas sobrevivientes del Holocausto. Las 54 páginas de su testimonio de los horrores por los que pasaron ella y su familia solo se revelan ahora.

La foto, probablemente tomada alrededor de 1935, muestra al padre de Sheindi, Lipot (Leopold) Ehrenwald, quien murió en Auschwitz.

Persecución y deportación

El trágico destino de su familia, y de cientos de miles de otros judíos, se produjo después de la invasión de Hungría por las fuerzas nazis el 19 de marzo de 1944; el pequeño pueblo de Galanta, donde vivían los Ehrenwald (ahora  Eslovaquia), también fue ocupado a través de la llamada Operación Margarethe. Como consecuencia, los judíos fueron perseguidos, privados de sus derechos, detenidos en guetos y deportados a campos de exterminio nazis.

Sheindi Miller-Ehrenwald en 1947

El día de su deportación en junio de 1944, Sheindi señaló: "Estamos empacando. Todos tienen algo en sus manos. Date prisa, date prisa. Todo tiene que salir del apartamento... La puerta se cierra de golpe. Escucho las llaves en la cerradura... Un pedazo de mi corazón se ha roto".

Galanta, una ciudad de 4.000 habitantes cerca de la frontera con Austria, tenía una fuerte comunidad judía de unas 1.200 personas, a la que pertenecía la familia de Sheindi.

La pequeña ciudad perteneció hasta el final de la Primera Guerra Mundial a Austria-Hungría, desde 1920 a Checoslovaquia y desde 1938 a Hungría nuevamente, y la familia Ehrenwald hablaba húngaro, alemán y eslovaco.

El padre de Sheindi, Leopold (54 en el momento de la deportación) dirigía una tienda de vinos; su madre Cecilia, entonces de 50 años, ayudaba en el negocio. Sheindi fue la segunda hija más joven. Sus hermanas Jitti (20) y Dori (12), así como sus hermanos Rüvi (25) y Beri (17), también vivían en la casa familiar. Dos hermanos mayores luchaban en el frente oriental.

A su llegada a Auschwitz-Birkenau, los recién llegados que no fueron enviados inmediatamente a la muerte fueron obligados a trabajar. Sheindi fue transportada a una fábrica de armas alemana en la Baja Silesia.

Escribir a pesar del riesgo

Abarrotada en un vagón de carga de ganado, la familia fue transportada a Auschwitz-Birkenau. A través del proceso de selección, los abuelos, padres y algunos de los hermanos de Sheindi fueron enviados a las cámaras de gas.

Sheindi fue elegida para realizar trabajos forzados en una fábrica de armas en Baja Silesia. Durante todo el calvario, mantuvo las páginas de su diario con ella, solo pedazos de papel arrugado. En la fábrica de armas de Karl Diehl, en Peterwaldau, cerca de Breslavia, recolectó tarjetas descartadas y las usó para continuar con su diario. Logró mantener sus notas ocultas hasta su liberación en mayo de 1945. Sheindi, su hermana Jitti y su hermano Yezeziel fueron los únicos sobrevivientes de su familia.

Sheindi transfirió secretamente sus notas escritas a mano a las fichas que encontró en la fábrica de armas. Ella logró esconderlas y salvarlas durante los 14 meses antes de la liberación. Hoy, su diario es un raro testimonio de esa época.

Testimonio del Holocausto hecho público por primera vez

Revelado por primera vez en una exposición, el testimonio personal de Sheindi Ehrenwald sobre la persecución, deportación y aniquilación de los judíos húngaros se exhibe en el Museo Histórico Alemán de Berlín.

La exposición "Deportado a Auschwitz - Notas de Sheindi Ehrenwald", organizada en cooperación con el grupo editorial Axel Springer, se inaugura el 23 de enero y seguirá siendo parte de la exposición permanente. El Diario de Sheindi, un documental corto de los reporteros de Bild sobre la historia del sobreviviente del Holocausto, también fue lanzado para acompañar la exposición. (few/dzc)

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El Mirador Nocturno – Radio / Edvard Grieg – Sonata para Violín y Piano en Fa Mayor Op. 8, Suite de la época de Holberg en Sol Mayor Op. 40.

Hoy les presento el 3º programa de La Música de Todos Los Tiempos, dedicado a Edvard Grieg, con la Sonata para Violín y Piano en Fa Mayor Op. 8, y la Suite de la época de Holberg en Sol Mayor Op. 40.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Luis Batlle Ibáñez

 

Luis César Batlle Ibáñez nació en Montevideo, Uruguay, el 19 de octubre de 1930, y murió en Marlboro, Vermont, Estados Unidos, el 25 de mayo de 2016. Pianista y docente.

El sitio www.eumus.edu.uy publicó este recordatorio firmado por Leonardo Manzino.

Luis Batlle Ibáñez In Memoriam

Músico uruguayo de magnitud universal

El pianista Luis Batlle Ibáñez (Montevideo, 19 de octubre 1930 – Marlboro, Vermont; 25 de mayo 2016) es una de las figuras prominentes del capítulo, aún no escrito, de intérpretes musicales en la historia de la música del Uruguay. Vivió 85 años y recorrió una trayectoria de vida musical que acompañó el punto culminante que el piano ocupó en nuestra cultura musical –tanto como instrumento receptor del interés de compositores, como también manifestación de un vínculo privilegiado de relacionamiento musical a toda escala; desde la intimidad hogareña hasta el espectáculo musical que albergó la gran sala de conciertos.

Estas breves líneas en su memoria procuran dejar testimonio del aprecio y respeto que sus colegas músicos en el Uruguay —los integrantes de la Orquesta Filarmónica de Montevideo y del Coro Nacional del SODRE— demostraron de forma espontánea, pocas horas después de su fallecimiento el 25 de mayo de 2016, al dedicar a su memoria la interpretación del Réquiem de W.A. Mozart que coincidentemente se había programado previamente para ejecutar a las 20:00 horas, ese 25 de mayo, en la Parroquia San Agustín del barrio La Unión de Montevideo.

La Escuela Universitaria de Música de la Universidad de la República cuenta en su biblioteca, por la generosa donación de Luis Batlle Ibáñez, con una importante colección de ediciones críticas de la obra completa de Juan Sebastián Bach y Franz Liszt; así como con muchos tomos con la obra de Wolfgang Amadeus Mozart y de Joseph Haydn. Esta colección es testimonio de dos aristas sobresalientes de Luis: por un lado el rigor de su acercamiento a las fuentes de estudio –que magistralmente procesaba con su sensibilidad para atrapar al oyente y transportarlo con fidelidad suprema al universo de la obra que recreaba— por otro; su generosidad con el conocimiento y su decisión de compartir el material acopiado durante décadas con cualquier estudioso que se acerque a la biblioteca de la Escuela Universitaria de Música.

Son muchos los recuerdos acumulados desde que conocí a Luis como director del Conservatorio Kolischer de Montevideo donde comencé siendo un niño, hace 45 años, a estudiar el piano. Si tuviera que rescatar uno de esos recuerdos para compartir en ocasión de rendirle este breve tributo, elegiría rescatar uno de los dichos que a menudo exclamaba y que a mi entender lo muestra en plenitud: ¡saber no ocupa lugar!

Leonardo Manzino, PhD. Profesor Adjunto de Historia de la Música. Escuela Universitaria de Música. Universidad de la República.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el 3º movimiento Sonata para Violín y Piano N°1 en La Menor Op.105, de Robert Schumann. Fernando Hasaj en violín, y Luis Batlle Ibáñez en piano.

Muere a los 74 años la soprano Edita Gruberova

Edita Gruberová nació en Bratislava, Checoslovaquia, el 23 de diciembre de 1946, y murió en Zurich, Suiza, el 18 de octubre de 2021. Soprano.

El sitio www.scherzo.es publicó esta información.

NOTICIAS

Muere a los 74 años la soprano Edita Gruberova

Redacción

18/10/2021

Este lunes 18 de octubre ha fallecido en Zúrich a la edad de 74 años la soprano eslovaca Edita Gruberova. Nacida en Bratislava en 1946, destacó como una de las más grandes sopranos coloratura. Su carrera internacional despegó a principios de los setenta y tuvo como trampolín principal la Ópera de Viena en un rol que le dio inmediata celebridad: el de la Reina de la Noche en la Flauta mágica mozartiana.

En los años siguientes, fue incorporando con éxito los más importantes papeles del bel canto, desde Rossini hasta Donizetti. Sus apariciones en los escenarios líricos más prestigiosos se multiplicaron: la Ópera Estatal de Baviera, la Royal Opera House de Londres, la Scala de Milán, la Ópera de París, el Metropolitan de Nueva York, el Festival de Salzburgo. Además del bel canto, despuntó como gran intérprete de Mozart y Richard Strauss. Deja también una abundante discografía en audio y en vídeo. Se retiró en 2019.

(foto: Javier del Real / Teatro Real)

A continuación, la recordamos en el día de su fallecimiento, con el aria Der Holle Rache, del singspiel La flauta mágica, de Wolfgang Amadeus Mozart.

Miguel Llobet

 

Miguel Llobet Solés nació en Barcelona, España, el 18 de octubre de 1878, y murió en su ciudad, el 22 de febrero de 1938. Guitarrista y compositor.

El sitio www,dbe.rah.es publicó este recordatorio firmado por Miguel Ángel Jiménez Arnáiz.

Miguel Llobet Solés

Biografía

Llobet Solés, Miguel. Barcelona, 18.X.1878 – 22.II.1938. Guitarrista, docente y compositor.

Hijo de Casimiro Llobet y de Joaquina Solés, creció en un ambiente artístico; su padre era tallista y dorador y tenía un comercio de imágenes religiosas. Llobet, que pronto mostró sus dotes para la pintura y el dibujo —llegó a realizar exposiciones en su juventud, con excelente crítica—, se inclinó por la música y estudió Violín y Piano en el Conservatorio Municipal de Barcelona, donde tuvo por compañeros a Pau Casals y María Barrientos. En 1889 tuvo la oportunidad de escuchar en su ciudad natal un concierto del guitarrista Antonio Jiménez Manjón, lo que le decidió al estudio de la guitarra. Estudió primero con Magín Alegre y desde 1892 con Francisco Tárrega, siendo pronto su alumno más destacado junto con Emilio Pujol.

En 1895 empezó a dar recitales en Cataluña y, apadrinado por la que fue con anterioridad mecenas de Tárrega, Concepción Gómez de Jacoby, inició giras por toda España. En Valencia y Málaga, el joven Llobet obtuvo elogiosas críticas de Eduardo López Chavarri y Rafael Mitjana, quien pronosticó su éxito internacional, y en 1902 en Madrid, presentado por Tomás Bretón, actuó para la Familia Real. En 1905 se trasladó a París y fue introducido por Isaac Albéniz y Ricardo Viñes en los ambientes musicales de la capital francesa, actuó en numerosos conciertos, en ocasiones en compañía de Manuel de Falla, con quien entabló desde entonces una profunda amistad, y fue admirado por los músicos franceses, particularmente por Claude Debussy, con quien también tuvo estrecha amistad. Obtuvo especial éxito en la Société National de Musique y en la Schola Cantorum.

A partir de entonces, inició un período de intensa actividad concertística por toda Europa: Bélgica, Holanda, Inglaterra y Alemania, y desde 1910 realizó giras por Sudamérica: Chile, Brasil y particularmente Argentina, y en 1912 por Estados Unidos. En 1914 el comienzo de la Primera Guerra Mundial le encontró en Alemania, país donde se había convertido en referente del resurgimiento de la guitarra, y regresó a Barcelona. En 1915 conoció en Valencia a Andrés Segovia, sobre quien tuvo una profunda influencia, como el propio Segovia siempre reconoció. En 1916 viajó con Granados a Nueva York con motivo del estreno de Goyescas, interpretando Llobet transcripciones de música de Granados.

Finalizada la guerra, reanudó las giras por Europa, de nuevo sobre todo Alemania, y en 1921 estrenó en Burgos Homenaje a Debussy de Falla, obra que marca el inicio del repertorio moderno de la guitarra. En sus nuevas giras por Sudamérica, 1925 y 1929, ofreció numerosos recitales a dúo con su alumna María Luisa Anido. Llobet participó en los primeros pasos de la naciente industria discográfica, tras un intento en 1910, del que no le satisfizo la calidad del sonido, grabó solo en 1925 y con María Luisa Anido en 1929. En 1931 actuó por última vez en Estados Unidos y fue nombrado socio de honor de la Library of Congress de Washington, donde interpretó música de Falla. En 1933 realizó su última gira por Alemania. Desde entonces, apenas dio recitales y se dedicó a la enseñanza en su ciudad natal. El comienzo de la Guerra Civil afectó, según su amigo Jaime Pahissa, anímica y económicamente a Llobet, que falleció en 1938.

Además de Segovia y Anido, Llobet tuvo un buen número de discípulos: Domingo Prat, Luise Walker, Graciano Tarragó, Eduardo Sáinz de la Maza y José Rey de la Torre, entre otros.

En 1907 había casado con la pianista discípula de Enrique Granados, Ana Aguilar, con quien tuvo una hija, Miguelina.

Junto con abundancia de transcripciones, en lo que se muestra continuador de su maestro Tárrega, Llobet practicó la composición no con mucha continuidad pero sí desde temprana edad y a lo largo de toda su vida; sin embargo, apenas conoció la publicación de algunas de sus obras. Son de su juventud una Romanza, varios estudios y una Mazurka, de su época parisina Scherzo-vals y Variaciones sobre un tema de Sor, tema que en realidad es La Folía de España, adaptada por Fernando Sor. De su última época son los Preludios. Llobet es heredero del lenguaje romántico de Tárrega pero con mayor riqueza armónica. Mención aparte merecen las reelaboraciones y armonizaciones que hizo a melodías populares catalanas, que pasaron a formar parte del repertorio universal de la guitarra desde el mismo momento de su creación. Llobet llevó a la guitarra, con estas melodías, las armonías procedentes del impresionismo francés en combinación con un exquisito trabajo de tímbrica y tesitura.

Obras de ~: Romanza, 1896; Estudio en Mi mayor, 1899; Estudio Capricho, 1899; Mazurka, 1901; Variaciones sobre un tema de Sor, 1908; Scherzo-Vals, 1909; Preludio en Re mayor, 1916; Respuesta-Improptu, 1922; Preludio en La mayor, 1935; Preludio en Mi mayor, 1935. Canciones populares catalanas: Plany, 1899; La Filla del Marxant, 1899; Canço del Lladre, c. 1900; El Testament d’Amelia; Lo Rossinyol; Lo Fill del Rei; L’Hereu Riera, 1900; El Mestre, 1910; La Nit de Nadal; La Filadora, 1918; La Pastoreta, c. 1918; La Preçó de Lleida, c. 1920; El Noi de la mare, s. f.

Bibl.: F. Buek, Die Gitarre und ihre Meister, Berlin, Lienau, 1926; D. Prat, Diccionario biográfico, bibliográfico, histórico, crítico, de guitarras, guitarristas y guitarreros, Buenos Aires, 1933; J. Riera, “Miguel Llobet, compositor y guitarrista”, en Ritmo (septiembre de 1955), pág. 14; B. Tonazzi, Miguel Llobet chitarrista del’impressionismo, Ancona, Berben, 1966; R. Purcell, “Miguel Llobet”, en Nueva Colección Llobet, Heidelberg, Chanterelle, 1989; F. Alonso y C. Trepat, “Miquel Llobet (1978-1939). Guitarrista i Compositor”, en Catalunya Música, 123 (enero de 1995), págs. 29-33; F. Alonso y C. Trapat, “Miguel Llobet y Solés”, en F. Herrera, Enciclopedia de la Guitarra, Ginebra, 2001 (CD); M. Christoforidis, “Miguel Llobet”, en E. Casares Rodicio (dir. y coord.), Diccionario de la Música Española e Hispanoamericana, vol. VI, Madrid, Sociedad General de Autores y Editores, 2002; R. Phillips, The influence of Miguel Llobet on the Pedagogy, Repertoire and Stature of the Guitar in the Twentieth Century, Ann Arbor, Michigan, UMI, 2002.

Miguel Ángel Jiménez Arnáiz

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con 2 obras. La primera, como autor e intérprete, es la canción catalana El Mestre, en una grabación de 1925. La segunda es Respuesta, en la versión de María Luisa Anido.