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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Heitor dos Prazeres nació en Río de Janeiro, Brasil, el 23
de septiembre de 1898, y murió en su ciudad, el 4 de octubre de 1966. Compositor,
cantante y pintor.
El sitio www.ebiografia.com
publicó este recordatorio firmado por Dilva Frazão.
Heitor dos Prazeres
Compositor y cantante brasileño.
Por Dilva Frazão, bibliotecario y profesor
Biografía de Heitor dos Prazeres
Heitor dos Prazeres (1898-1966) fue un compositor, cantante
y artista brasileño. En sociedad con Noel Rosa, compuso la famosa canción de
carnaval “Pierrô Apaixonado”.
Heitor dos Prazeres nació en Río de Janeiro, el 23 de
septiembre de 1898. Hijo de Eduardo Alexandre dos Prazeres, carpintero y
clarinetista de la banda de la Guardia Nacional y de la costurera Celestina
Gonçalves Martins. A los siete años quedó huérfano de su padre, de quien había
aprendido los primeros pasos del oficio de carpintero y disfrutaba escuchando
el sonido de polkas, valses y choros en su clarinete.
Ya mostrando su vocación musical, recibe su primer
cavaquinho de manos de su tío Hilário Jovino, y con el esfuerzo de su madre, es
inscrito en una escuela vocacional, donde cursó la escuela primaria y la
profesión de carpintero. Influenciado por su tío, aprendió a componer sus primeras
canciones y pronto llamó la atención del compositor y pianista Sinhô.
De joven, para ayudar en los gastos del hogar, fue
limpiabotas, jornalero y ayudante de carpintero. Siempre junto a su cavaquinho,
comenzó a asistir a las reuniones realizadas en la casa de Tia Ciata, lugar
frecuentado también por los compositores Sinhô, Donga, Pixinguinha y João da
Baiana, donde, en la mezcla de los ritmos de los instrumentos de percusión con
el cavaquinho, varios surgieron las sambas.
En los años 20, ya se destacaba entre los famosos
compositores del carnaval carioca, lo llamaban “Mano Heitor do Estácio”.
Tocando su cavaquinho, arrastraba a los juerguistas por las calles de Río.
Participó en la creación de las primeras escuelas de samba,
entre ellas: Estação Primeira da Mangueira y Vai Como Pode, luego transformada
en Portela, a la que dio los colores azul y blanco.
En 1929, Portela fue la primera ganadora del concurso de
escuelas con su composición “Não Adianta Chorar”. En 1931 se casó con Glória,
con quien tuvo tres hijas.
En 1936 enviudó y comenzó a desarrollar su gusto por la
pintura. Retrató la vida y la cultura de las favelas de Río, pintó las morenas,
los círculos de samba, los niños jugando con globos y cometas, la vida bohemia
en las calles de Lapa, las primeras casas en las colinas, las fiestas
callejeras, etc.
Con su pintura colorida y alegre, participó de algunas
exposiciones y recibió varios premios y distinciones en todo Brasil, entre
ellos, el 3er lugar en la Bienal de Arte Moderna de São Paulo, con el cuadro
“Moenda”, en 1951 y el homenaje con una sala especial en la 2ª Bienal
Internacional de São Paulo, en 1953.
En 1954 crea los decorados y vestuarios del Ballet del IV
Centenario de la Ciudad de São Paulo. En 1959 realizó su primera exposición
individual, en la Galeria Gea, en Río de Janeiro.
Heitor dos Prazeres, además de participar en el elenco de
Rádio Nacional de Río de Janeiro, actuó en el Cassino da Urca, donde tocó,
cantó y bailó.
Como compositor, escribió varias composiciones, entre ellas:
Sou Eu Quem dar las Ordens, Lá em Mangueira, en colaboración con Herivelto
Martins, Vai Saudade, Pierrô Apaixonado, con Noel Rosa, Vou te Abandonar, Gosto
Que Me Enrosco, Linda Rosa, entre otros.otros.
Heitor dos Prazeres murió en Río de Janeiro el 4 de octubre
de 1966.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Pierrô Apaixonado, interpretado por Joel e Gaúcho.
Alejandro Washington Alé, más conocido como Alberto Podestá,
nació en la Ciudad de San Juan, Argentina, el 22 de septiembre de 1924, y murió
en la Ciudad de Buenos Aires, Argentina, el 9 de diciembre de 2015. Cantante de tango.
El sitio www.todotango.com
publicó esta entrevista realizada por José Damiani.
Podestá - Los recuerdos de Alberto Podestá
El encuentro fue en uno de los lugares donde se dan cita las
figuras que trabajan en la noche de Buenos Aires: El Tío Felipe, allí la
locuacidad de su italianísimo dueño hace más placentera la charla con una
vigente figura de nuestra canción ciudadana del '40 hasta la fecha. Más de
medio siglo ubicado en la cresta de la ola, donde siempre supo estar, pese a
las olas y marejadas que en ese lapso sufrió nuestro tango.
Nuestro entrevistado es Alberto Podestá y lo que en muchos
casos se hace en forma de charla, con el querido y locuaz Gordo se transforma
en un monólogo:
«Roberto Caló, me hizo el puente para que cante en la
orquesta de su hermano Miguel, en la cual estaban las más promisorias figuras
de la nueva camada de nuestra música ciudadana. Pero de ellos hubo dos que
destacaré, ya que con el correr del tiempo se transformarían en mis hermanos de
vida: Armando Pontier y Enrique Francini.
«Las cuatro primeras obras que grabé con Miguel Caló lo hice
con el nombre de Juan Carlos Morel, ya que había otros cantores con el apellido
Podestá, que es el de mi madre, Caló no quiso entrar en competencia de
apellidos.
«Actuaba en el cabaret Singapur, ubicado en Corrientes y
Montevideo. Yo vivía en la calle Piedras casi esquina Alsina. Entre uno y otro
lugar los primeros viajes los hacía en tranvía. Luego que comencé a ganar las
primeras “rupias” lo hice en taxi.
«Estando en dicho lugar, una noche me trajeron una tarjeta,
la misma había sido entregada al mozo por un señor apellidado Vázquez, que era
el apoderado de Carlos Di Sarli. Quería que lo viera en un bar cercano al
terminar mi actuación. Al principio la tuve en mis manos. Como veía qué se
estaba estrujando decidí guardarla en el bolsillo. Desde que me dieron la
tarjeta hasta finalizar la actuación un frío corría por mi cuerpo. Pero juro
que canté como nunca. Imagínense, poder cantar con Di Sarli, antes de cumplir
los 18 años. ¡Era un sueño!
«La entrevista fue normal. No lo había comentado con nadie.
Ni con Armando y Enrique. Hablamos un largo rato, hasta que me hizo el
ofrecimiento. Ni lo pensé y enseguida di el sí y quedamos en ir al otro día a
la casa del maestro.
«Para sintetizar entre el sí a Vázquez, el encuentro y
aprobación con Di Sarli, el probarme los trajes y decirle que me iba a Enrique
y Armando, comentárselo a Miguel Caló recibir las reprobaciones de toda índole
de éste y su hermano Armando, debutar con Di Sarli pasaron muchas cosas que en
otra charla me gustaría aclarar. Pero como la pregunta era de que manera
comenzaron a llegar a mi carrera los éxitos. Ya comienzo a enumerarlos, no sin
antes decir que Di Sarli al preguntarme el apellido, dijo: “Pibe Alé, no. ¿Cuál
es el de su madre?” Contesté: “Podestá”, y acoté que había ya varios cantores
con ese apellido. A lo que escuché en las sabias sentencias de don Carlos Di
Sarli: “Pibe desde hoy usted será Alberto Podestá y de todos los que cantan con
ese apellido será el único que lo hará durante más tiempo”. ¡Mire si sabía Don
Carlos!»
«Cuando era cantor de Di Sarli y actuábamos en el Cabaret
Marabú, entre los habituales concurrentes había varios jugadores de River
Plate, club del cual soy hincha. Venían seguido y me hice muy amigo de ellos:
Vaghi, Ramos, Héctor Ferrari, Alfredo Di Stéfano, Labruna, Pipo Rossi, Adolfo
Pedernera. Además, solía ir seguido a la cancha, el fútbol y River Plate son
dos pasiones que tengo.
El monólogo de Podestá, prosigue al enumerar los éxitos que
cantó con las distintas orquestas:
«Con Caló, en las distintas épocas: “Percal”, “Bajo un cielo
de estrellas”; con Di Sarli, “Al compás del corazón (Late un corazón)”, “Nada”,
“La capilla blanca”.
«Pedro Laurenz marcó otra etapa de mi vida artística, con
ese gran hombre y excelente músico director y compositor grabé por vez primera:
“Alma de bohemio”, “Garúa”, “Recién”, “Paisaje”...
«Con Francini-Pontier, “Margo”, “Qué me van a hablar de
amor”, “El milagro”, el vals de Francini y Sanguinetti, “El hijo triste” que lo
hice a dúo con otro gran amigo: Julio Sosa, “Calesita de mi barrio”, “La
cumparsita (Si supieras)”, “Sin palabras”; con Enrique Francini: “Bailemos”,
“Fueron tres años”, “Un tango para el recuerdo”. Con Armando Pontier en 1963
estrené el último gran éxito de nuestro tango: “Qué falta que me hacés”.
También “Pecado”, “Es nuestra despedida”, entre muchos otros.
«Asimismo grabé en Colombia con Cristóbal Ramos, Ramón Ozán
y Joaquín Mora, que lo hizo como bandoneonista y no como pianista.
«En Venezuela con Los Caballeros del Tango. En Uruguay con
El Potrillo César Zagnoli. También la hice en Chile con Lucho Ibarra. Como
solista en nuestro medio con Juan José Paz, Leopoldo Federico, Alberto Di
Paulo, Luis Stazo, Jorge Dragone, Ernesto Rossi (Tití) y Roberto Grela y sus
guitarras.
«Con Enrique Francini y Armando Pontier nos conocimos de
chicos. Muchas cosas pasaron entre nosotros, muchas anécdotas hubo entre los
tres. Voy a citar dos que demuestran muy a las claras la amistad que había
entra nosotros. Un domingo discutieron Maderna y Caló, casi se van a las manos.
De esa discusión surgieron dos orquestas, ya que Maderna decidió irse y formar
la suya. Armando y Enrique tenían pensado independizarse de Miguel en diciembre
o, a lo sumo, luego de los carnavales del siguiente año. Pero en vista de eso
le dijeron a Miguel que ellos también se iban, que él formara la orquesta con
nuevos elementos. El proceder de Caló fue diametralmente disímil ya que los
felicitó y les dijo que lo que necesitaran para la nueva orquesta como plata u
otra cosa, que contaran con él. Eso demostró la bondad de Enrique y Armando ya
que le allanaron un problema a Caló.
«Ya libres se volcaron a formar la nueva orquesta. Un
lluvioso lunes de mayo de 1945, llegaron a mi casa de la calle Concepción
Arenal. Saludaron a mi vieja, el Gordo Francini le preguntó si había
bizcochitos. Era para ablandar la situación. Comenzaron a hablar, lo hizo
Armando con el aplomo y la mesura que lo caracterizaba. Me dijeron que habían
decidido formar su orquesta y que yo iba a ser el vocalista. ¿Qué les podía
decir? Nos abrazamos nos deseamos suerte y a los dos o tres días, durante un ensayo
supe que la línea de bandoneones la formaban Juan Salomone, Nicolás Parasino y
Ángel Domínguez. Los violines eran Mario Lalli —que luego tocó la viola—,
Aquiles Aguilar y José Amatrain, Rafael del Bagno era el contrabajista y Juan
José Paz el pianista. Miren si éramos amigos que yo al ir a cantar con ellos
ganaba mucho dinero, pero en ese tiempo la amistad y la palabra valía más que
una firma.
«Uno de los más grandes personajes que conocí en el mundo
del tango fue Pedro Laurenz. Era todo un cajetilla. Se podía decir que era uno
de los directores de orquesta más elegantes que había. Cuando me llamó a cantar
con él, luego de arreglar, pregunté donde se hacía la ropa la orquesta, cuando
me dijeron que era en Spiro y Demetrio casi me caigo, era una de las sastrerías
más caras de Buenos Aires. Con Laurenz uno debía llevar toda la ropa al tono:
camisas, medias, corbatas y pañuelos. Con él viví lindos momentos y con él, el
público me identificó por un tema “Alma de bohemio”, que todavía hoy es mi
caballito de batalla.
El destino no quiso que cantara con Troilo: «En 1947 siendo
vocalista de Francini y Pontier, Troilo me vino a ver, me pidió como en todas
esas situaciones silencio por «ser amigos» de los muchachos Francini y Pontier
y me dijo si quería cantar en su orquesta. Se había ido Alberto Marino y tenía
que suplirlo. Habló con Enrique y Armando. No les gustó, pero no me podían
cortar la carrera. Ya tenía todo arreglado. Me salió un contrato de un mes con
Di Sarli en Montevideo con el que cantaba Jorge Durán. Allá le pidieron a
Podestá como apoyo, le comento a Pichuco y me dice: «Gordurita —así me llamaba—
hágalo».
«¡Cuando volví me encontré con que el cantor era Rivero! Me
quise morir. Como no me dijeron nada tampoco pregunté. Luego con el correr del
tiempo, en 1955, yo estaba cantando en Chile con gran suceso. Llamaron
telefónicamente a mi departamento. Era el mismo Pichuco. Me pidió que bajara a
Buenos Aires, ya que se iba Raúl Berón y el cantor que había elegido era yo. En
ese entonces también se separaron Francini y Pontier. Julio Sosa y Armando con
distintos porcentajes eran socios y el otro cantor tenía que ser yo.
«Les conté por qué estaba en Buenos Aires. Armando me
recordó lo que me había pasado, que ya tenían con Julio previstos los tangos
que yo iba a cantar y los dúos que íbamos a volver a hacer. Les dije que no.
¡Pero otra vez la «mano negra»! No canté con Troilo, ni fui con mis amigos Sosa
y Pontier. El gordo Francini se enteró y me llevó a su orquesta. Pero la
anécdota fue que la «mano negra» hizo que yo no fuera el cantor de Troilo. Con
él fuimos muy amigos toda la vida. Yo nunca le pregunté qué había ocurrido. Eso
se lo llevó a la tumba creo que sólo él lo supo.»
A esta altura de la charla se para, llama a Carlitos, el
hijo del Tío Felipe, y no nos deja pagar. Quedo solo en la mesa con un amigo,
testigo de la charla. Nos miramos, pido dos cafés y le digo: «¿Te diste cuenta?
con lo que habló y lo que vivió, ¿no se puede hacer un libro sobre la historia
de la década del cuarenta? ¿Quién mejor que él lo puede contar?»
Extraído de "Cuadernos de difusión del Tango", Nº
23, dirigido y editado por Salvador Arancio.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con El Bazar de los Juguetes.
Enrique Montoya Fernández, más conocido como Enrique
Montoya, nació en Utrera, Sevilla, España, el 21 de septiembre de 1928, y murió
en su ciudad, el 28 de julio de 1993. Cantante y guitarrista.
El sitio www.dbe.rah.es publicó este recordatorio
firmado por Eduardo González de la Peña y de la Peña.
Enrique Montoya Fernández
Biografía
Montoya Fernández, Enrique. Utrera (Sevilla), 21.IX.1928 –
Sevilla, 28.VII.1993. Cantante y guitarrista.
Hijo del matrimonio formado por Enrique Montoya Salazar y
Marta Fernández Carrillo, fue, desde su infancia, muy aficionado a la canción
española, a la guitarra flamenca y al cante gitano, recibiendo clases de
Guitarra de un barbero de Utrera llamado Balsamina, que tenía un estrecho
contacto con la numerosa población gitana de Utrera, e introdujo a Enrique
Montoya en los secretos del compás flamenco.
Siendo apenas un adolescente, comenzó su carrera artística
en la sala de fiestas El Retiro de Sevilla, donde debutó con la canción de
Atahualpa Yupanqui “Los ejes de mi carreta”. Posteriormente, se enroló en la
compañía Galas Juveniles, actuando en el teatro Cervantes de Madrid, para pasar
más tarde a El Guajiro, en Sevilla, donde coincidió actuando con Farruco,
Matilde Coral, Rafael el Negro y Chocolate, entre otros.
Habiendo alcanzado cierto cartel, entró a formar parte del
espectáculo Salero de España, montado por Concha Piquer, con el que realizó una
gira por toda España.
A finales de la década de 1950, Montoya grabó su primer
disco: un sencillo con la canción-ranchera “Dos Arbolitos”, cantando en
diversos espectáculos en compañía de Juanita Reina, Lolita Sevilla, Marifé de
Triana y la Niña de Antequera. Un tiempo después marchó a América, en unión de
la también artista María Antinea, conociendo al guitarrista Sabicas, con el que
grabó la “Baladilla de los tres ríos”, con letra de Federico García Lorca. De
Nueva York pasó a Cuba, donde a causa de la revolución castrista hubo de
permanecer seis meses y de allí fue a Buenos Aires, donde llegó a ser muy
popular.
De vuelta a España, se le propuso grabar un LP con letras de
Moradiellos, Oliván y Niño Ricardo, que le proporcionó a Enrique Montoya uno de
los grandes éxitos de su vida: la canción “Esperanza”, un chachachá del que se
vendieron cuarenta mil copias. A partir de ahí, su trayectoria artística fue
imparable. Antonio Pulpón se convirtió en su agente, recorriendo toda España en
compañía de Antonio Machín, entonces en la cumbre de su fama, actuando también
en otros espectáculos al lado de figuras de la copla tales como Macarena del
Río, Gracia Montes y Carmen Jara.
Poco después, Rafael de León y el Maestro Solano compusieron
para él lo que sería uno de sus éxitos más rotundos: la canción “Señorita”, y
otras que pasaron a integrar su repertorio, como son los tientos “Tengo pena”,
“Los faroles de Santa Ana”, “La feria de Graná”, “Coplillas de San Telmo” y una
que iría estrechamente unida a él durante toda su carrera: “La Plegaria a
Consolación de Utrera”, escrita por Salvador de Quinta Rodríguez, que incluyó
en ella estrofas de Serafín y Joaquín Álvarez Quintero. Además, grabó “Coplas
de mar y tierra” y “Marinerías”, como homenaje a los poetas de la generación
del 27, por los que sentía una gran admiración.
Enrique Montoya grabó, hasta su muerte, numerosos de discos,
simultaneando esta actividad con los espectáculos y las giras por España y el
extranjero, alcanzando una enorme popularidad por su característico estilo y
sus personales formas interpretativas, pues además de ser un genial intérprete
de la copla y de la canción española, fue también un gran guitarrista,
conocedor del compás del flamenco más puro, como tuvo ocasión de demostrarlo en
1964, con motivo de la celebración del VIII Potaje Gitano de Utrera, en el que
su guitarra y su toque fueron perfecto acompañamiento de los cantes grandes de
Juan Talega y Antonio Mairena. Igualmente destacó por sus enormes cualidades
para el recitado, logrando un gran éxito con el poema “Yo nací en Utrera”,
escrito expresamente para él por Salvador de Quinta Rodríguez.
Casado con María López, fue padre de una numerosa familia e
iniciador de una dinastía de artistas, continuada en sus hijos José María —Tate
Montoya en el mundo artístico—, Enrique —también cantante— y David, músico de
profesión. En 1978, su ciudad natal le dedicó una calle y la Orden del
Mostachón le concedió su insignia de Oro en 1983. Una década después moría por
un aneurisma de la arteria aorta, y en Utrera se erigió un monumento en su
memoria en 1994.
Bibl.: M. Ríos Ruiz, “Montoya Fernández, Enrique”, en E.
Casares Rodicio (dir. y coord.), Diccionario de la música española e
hispanoamericana, t. VII, Madrid, Sociedad General de Autores y Editores, 1999,
pág. 738; M. Peña Narváez, Arte y Artistas flamencos de Utrera, Utrera
(Sevilla), Utrerana de Ediciones, 2000.
Eduardo González de la Peña y de la Peña
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus grandes éxitos: Señorita.
Gottfried Scheidt, organista y compositor alemán (m. 1661)
Gottfried Scheidt (20 de septiembre de 1593 - 3 de junio de
1661) fue un compositor y organista alemán.
Nacido en Halle, se mudó a Ámsterdam en 1611 para estudiar
con Jan Pieterszoon Sweelinck y regresó a casa en 1615 para seguir estudiando
con su hermano mayor, Samuel Scheidt, y otros. Fue nombrado organista de la
corte de Altenburg en 1617 y ocupó el cargo hasta su jubilación el 5 de mayo de
1658. Tuvo éxito y fue respetado y, además de tocar el órgano, dirigió la
recién fundada Hofkapelle, a pesar de las restricciones en la Guerra de los
Treinta Años. No tuvo éxito en su solicitud, en 1622/1623, para el puesto de
organista principal de la Marienkirche en Danzig, que su hermano había
rechazado y que finalmente recayó en Paul Siefert.
Sus únicas composiciones para órgano conocidas se encuentran
en un conjunto de variaciones de "Allein Gott in der Höh sei Ehr"
realizadas en colaboración en 1614 por Sweelinck y otros; las seis variaciones
incluyen tres de Scheidt y tres anónimas, que pueden ser de él; esta obra
pertenece a la tradición de la escuela del norte de Alemania. Se encuentran
ediciones modernas de H.J. Moser (Kassel, 1953), y G. Gerdes, en 46 Choräle für
Orgel von J.P. Sweelinck und seinen deutschen Schülern (Mainz, 1957).
Sus otras composiciones son todas obras vocales ocasionales:
Pia vota et hortulanae devocionis amicor, un aria nupcial (1646); Selig sind
die Toten, música fúnebre de Sophie Elisabeth, duquesa de Brunswick-Lüneburg
(Leipzig, 1650); otra obra funeraria (1620), en S. Scheidt: Gesamtausgabe IV,
ed. G. Daños (Klecken, 1933); y dos obras en Cantionale sacrum III (Gotha,
1648), en Schatz des liturgischen Chor- und Gemeindegesangs III, ed. L.
Schoeberlein (Gotinga, 1872).
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con las variaciones de Allein Gott in der Höh sei Ehr, en la versión de Shigekazu
Nimura, integrante del Aeolian Consort.
Nile Gregory Rodgers, más conocido como Nile Rodgers, nació
en Nueva York, Estados Unidos, el 19 de
septiembre de 1952. Músico,
productor musical, compositor, arreglador y guitarrista.
Entre las leyendas de la música, Nile Rodgers es
verdaderamente excepcional. Amplifica su legado como compositor, productor,
arreglista y guitarrista ganador de múltiples GRAMMY al atravesar
constantemente nuevos terrenos musicales y expandir con éxito los límites de la
música popular. Como cofundador de CHIC y presidente del Salón de la Fama de
los Compositores, Rodgers fue pionero en un lenguaje musical que generó éxitos
en las listas de éxitos como "Le Freak" (el sencillo más vendido en
la historia de Atlantic Records) y provocó el advenimiento del hip-hop con
"Good Times". Nile trasciende todos los estilos de música en todas
las generaciones con un cuerpo de trabajo que le ha valido la inducción al
Salón de la Fama del Rock & Roll y al Salón de la Fama de los Compositores.
Actualmente, Nile se desempeña como el primer asesor
creativo en jefe de los incomparables Abbey Road Studios, dirige "Deep
Hidden Meaning Radio with Nile Rodgers" de Apple Music 1, aclamada por la
crítica, y es cofundador y presidente de We Are Family Foundation, desde 2002.
Sus inolvidables presentaciones en vivo con CHIC se han incluido en las
"mejores presentaciones en festivales" tanto en Glastonbury como en
Coachella, lo que resultó en una nominación a los BBC Music Awards como
"Mejor presentación en vivo", y el LA Times declaró: "La
influencia de Nile Rodgers se extiende por todas partes". Coachella,
transmitiendo el sonido de un futuro mejor".
El trabajo de Nile en la Organización CHIC y sus
producciones para artistas como David Bowie, Diana Ross y Madonna han vendido
más de 500 millones de álbumes y 75 millones de sencillos en todo el mundo,
mientras que sus colaboraciones vanguardistas con Daft Punk, Avicii, Keith
Urban, Disclosure, Sam Smith y Lady Gaga reflejan la vanguardia de la música
contemporánea.
Biografía Completa
Primeros años de vida
Rodgers nació en el Lower East Side, Nueva York, el 19 de
septiembre de 1952, hijo de Beverly Goodman. Quedó embarazada la primera vez
que tuvo relaciones sexuales y dio a luz a Rodgers cuando tenía 14 años. Su
padre biológico, Nile Rodgers Sr., un percusionista ambulante especializado en
ritmos afrocubanos, rara vez estuvo presente mientras Rodgers crecía; aunque
influyente en su vida, Rodgers vio a su padre solo un "puñado" de
veces antes de su muerte en 1970. En 1959, Goodman se casó con Bobby Glanzrock,
a quien Rodgers describió en su autobiografía de 2011 como un "doctorado
beatnik, cuyas observaciones tenían ángulos que haría que Miles Davis
contemplara su genialidad". Richard Pryor, Thelonious Monk y Lenny Bruce
visitaban a menudo su casa en Greenwich Village. Glanzrock y Goodman eran
adictos a la heroína y Rodgers comenzó a consumir drogas a los 13 años.
Antes de aprender a tocar la guitarra a los 16 años, Rodgers
tocaba la flauta y el clarinete. Cuando era adolescente, tocó la guitarra con
bandas africanas, persas, latinas, de jazz y boogaloo. También se convirtió en
líder de la subsección de la rama del Bajo Manhattan del Partido Pantera Negra
de Nueva York cuando era adolescente.
Década de 1970: Formación de CHIC, "Le Freak",
Sister Sledge
Rodgers conoció al bajista Bernard Edwards en 1970 mientras
trabajaba como músico de gira para el espectáculo de Sesame Street. Juntos formaron
The Big Apple Band y trabajaron como músicos de respaldo para el grupo vocal
New York City ("I'm Doin 'Fine Now"). El único éxito de la ciudad de
Nueva York les permitió realizar giras extensas, incluso como teloneros de The
Jackson 5 en la etapa estadounidense de su primera gira mundial en 1973. La
banda se disolvió después de que su segundo álbum no lograra un éxito, pero
Nile y Bernard unieron fuerzas con el baterista. Tony Thompson, y trabajó y
grabó como una banda de funk rock llamada The Boys, que tocó en numerosos
conciertos por toda la costa este. Aunque hubo interés por parte de los sellos
discográficos, las compañías discográficas rechazaron a la banda después de
descubrir que sus miembros eran negros, creyendo que los artistas de rock negros
serían demasiado difíciles de promocionar.
Como Big Apple Band, Rodgers y Edwards trabajaron con
Ashford & Simpson, Luther Vandross y muchos otros. Dado que otro artista de
Nueva York, Walter Murphy, tenía una banda también llamada The Big Apple Band,
Rodgers y Edwards se vieron obligados a cambiar el nombre de su banda para
evitar confusiones. Así, en 1977 la banda pasó a llamarse CHIC.
Inspirándose en Roxy Music, CHIC desarrolló un sonido que
era una fusión de ritmos de jazz, soul y funk con melodías y letras con
influencia europea. Entre conciertos, grabaron la canción "Dance, Dance,
Dance", con el entonces jefe Luther Vandross en la voz. Lanzado
originalmente por Buddah Records, fue un éxito instantáneo cuando fue relanzado
por Atlantic en el verano de 1977. Atlantic eligió una opción de álbum con
Rodgers y Edwards, quienes rápidamente escribieron más canciones, y se lanzó el
debut homónimo de CHIC. en noviembre.
La banda obtuvo numerosos éxitos entre los diez primeros y
ayudó a impulsar la música disco a nuevos niveles de popularidad, con "Le
Freak", "I Want Your Love", "Everybody Dance",
"Dance, Dance, Dance", "My Forbidden Lover" y "Good
Times" se convierte en estándares de club/pop/R&B. "Le
Freak" fue el único sencillo vendido con triple platino de Atlantic
Records en ese momento, y "Good Times" saltó al número 1 en agosto de
1979 a pesar del movimiento "Disco Sucks" de ese año que protestaba
por ese estilo de música.
El éxito de los primeros sencillos de CHIC llevó a Atlantic
a ofrecerle a Rodgers y Edwards la oportunidad de producir cualquier acto en su
lista. Eligieron a Sister Sledge, cuyo álbum de 1979, We Are Family, alcanzó el
puesto número 3 y permaneció en las listas hasta bien entrado 1980. Los dos
primeros sencillos, "He's the Greatest Dancer" y el corte del título
"We Are Family", llegaron a No. 1 en la lista de R&B, y No. 6 y
No. 2, respectivamente en la lista Pop. En abril de 2018, "We Are
Family" fue seleccionado para ser conservado en la Biblioteca del
Congreso.
Década de 1980: Diana Ross, David Bowie, INXS, Madonna,
Duran Duran
La reacción violenta de la discoteca de 1979 descarriló a
CHIC y Edwards se retiró del trabajo, mientras que el consumo de drogas de
Rodgers se aceleró. Rodgers y Edwards entregaron su último álbum de Atlantic
bajo contrato, Believer, en 1982. Completaron uno de sus últimos proyectos
juntos en 1980, escribiendo y produciendo el álbum Diana para Diana Ross, que
produjo los éxitos "Upside Down" y "I'm Saliendo". También
produjeron el álbum en solitario de Deborah Harry de 1981, Koo Koo, y
produjeron el éxito "Spacer" para el acto disco francés Sheila y B.
Devotion. Durante el mismo período de tiempo, la canción de CHIC "Good
Times" se incluyó en "Rapper's Delight" de The Sugarhill Gang,
el primer sencillo de hip hop multiplatino. La canción siguió influyendo en los
sonidos de otros, incluido Queen, (con el éxito de 1980 "
Como CHIC ya no ocupaba la mayor parte de su tiempo, Rodgers
podía concentrarse en trabajar con otros artistas. Produjo el álbum más vendido
de David Bowie, Let's Dance, que produjo los exitosos sencillos "Let's
Dance", "China Girl" y "Modern Love". Produjo el
sencillo "Original Sin" de INXS y, en 1984, produjo el exitoso álbum
de Madonna Like a Virgin, que obtuvo tres exitosos sencillos, incluida su
canción principal, "Material Girl" y "Dress You Up".
Trabajó extensamente con Duran Duran, remezclando su sencillo más vendido,
"The Reflex", produciendo "Wild Boys" en su álbum en vivo
de 1984, Arena, y coproduciendo el álbum Notorious.
En 1985, Rodgers produjo álbumes para Sheena Easton, Jeff
Beck, Thompson Twins, Mick Jagger y otros, y actuó en Live Aid con Madonna y
los Thompson Twins. Fue nombrado el Productor de Sencillos #1 en el Mundo por
Billboard a finales de año. Para completar la década, produjo álbumes para
Grace Jones, el vocalista de Earth Wind and Fire, Philip Bailey, y actuó en
"Higher Love" con Steve Winwood, así como en discos para Cyndi Lauper
y otros. En 1989, coprodujo el álbum multiplatino Cosmic Thing de B-52; alcanzó
el puesto número 4 en la lista de álbumes Billboard 200 y produjo los sencillos
"Love Shack" y "Roam". También produjo Workin' Overtime, el
regreso de Diana Ross a Motown y las bandas sonoras de Alphabet City, Gremlins,
White Nights y The Fly.
Rodgers formó la banda experimental de corta duración
Outloud en 1987, con la guitarrista, compositora y vocalista de David Letterman
Felicia Collins y el músico de sesión, productor, compositor y teclista francés
Philippe Saisse; el trío lanzó un solo álbum, Out Loud, en Warner Bros.
Records.
Década de 1990: producción, CHIC reformado y muerte de
Edwards, Sumthing Else
En septiembre de 1990, poco después de la muerte de Stevie
Ray Vaughan, se lanzó Family Style, el álbum de Vaughan Brothers producido por
Rodgers. También produjo proyectos para David Bowie, Eric Clapton, The B-52s,
David Lee Roth, Ric Ocasek, The Stray Cats y otros a principios de la década, y
trabajó en las bandas sonoras de Thelma and Louise, Cool World y The Beavis and
Experiencia Butt-Head.
Rodgers y Edwards reformaron CHIC en 1992 y grabaron nuevo
material para el álbum CHIC-Ism. En 1996 lanzaron un álbum exclusivo para Japón
que constaba de material antiguo de CHIC regrabado con vocalistas invitados,
CHIC Freak y More Treats. Edwards y Rodgers actuaron con Sister Sledge, Steve
Winwood y Slash en una serie de conciertos conmemorativos en Japón. Edwards
murió después de un concierto el 17 de abril de 1996. Rodgers descubrió su
cuerpo. Más tarde dijo que cuando Edwards murió, "lloró como un bebé y
sufrió intensamente, pero finalmente me di cuenta de que el mejor tributo para
él sería continuar y ser lo mejor que podía ser". Un año después, Rodgers
regresó a Japón para rendir homenaje a su compañero caído, y en 1999, Rodgers
lanzó Live at the Budokan, una grabación en vivo de la actuación final de
Edwards.
Rodgers comenzó a tocar en vivo nuevamente mientras componía
y producía música para bandas sonoras de películas: Beverly Hills Cop III, Blue
Chips, The Flintstones y Feeling Minnesota, trabajando con Bob Dylan, entre
otros.
En 1997, Notorious BIG lanzó "Mo Money Mo
Problems" con una muestra de la canción de Rodgers y Edwards "I'm
Coming Out" del álbum de platino de Diana Ross, Diana. "Mo Money, Mo
Problems" encabezó el Billboard Hot 100 durante dos semanas y fue nominado
al premio Grammy de 1998 a la mejor interpretación de rap de un dúo o grupo.
En 1998, Rodgers fundó el sello discográfico Sumthing Else
Music Works y Sumthing Distribution, un distribuidor independiente de sellos
musicales. Sumthing se centró en la distribución de bandas sonoras de
videojuegos y lanzó el primer álbum de bandas sonoras de juegos en DVD
envolvente 5.1 del mundo. Sus títulos incluyen Halo y Resident Evil completos,
así como Gears of War y Borderlands.
Años 2000: Bandas sonoras de películas y videojuegos,
Fundación We Are Family
A principios de la década de 2000, Rodgers trabajó
extensamente en bandas sonoras de películas y videojuegos, incluidas Rush Hour
2, Snow Dogs y Semi-Pro protagonizada por Will Ferrell, quien coescribió la
canción principal "Love Me Sexy" con Rodgers.
En 2002, Rodgers volvió a trabajar con los cinco miembros
originales de Duran Duran cuando coprodujo Astronaut. El álbum subió al número
3 en el Reino Unido.
Después de los ataques del 11 de septiembre, para iniciar el
proceso de recuperación, Rodgers reunió a más de 200 músicos y celebridades
para grabar "We Are Family". Fue grabado en Nueva York en Avatar
Studios (anteriormente The Power Station, donde tuvo lugar la grabación
original de "We Are Family" en 1978), y en Los Ángeles en The Record
Plant. El video musical que lo acompaña fue dirigido por Spike Lee. Un
documental de 80 minutos, The Making and Meaning of We Are Family, dirigido por
Danny Schechter, se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en 2002. En una
colaboración entre Disney, Nickelodeon y PBS, más de 100 personajes de la
televisión infantil participaron en un "Nosotros Are Family", video
musical para niños, y el 11 de marzo de 2002, Disney Channel, Nickelodeon y PBS
transmitieron el video para promover la tolerancia y la diversidad en el aniversario
de 6 meses del 11 de septiembre. En julio de 2002, Rodgers cofundó la Fundación
We Are Family con su compañera de vida, Nancy Hunt. Una organización sin fines
de lucro que promueve "la diversidad cultural mientras nutre y orienta la
visión, los talentos y las ideas de los jóvenes que están cambiando el mundo de
manera positiva", está dedicada a la visión de una familia global. Rodgers
ha sido el presidente desde sus inicios.
Década de 2010: Autobiografía, Daft Punk, Salón de la fama
de los compositores, Ya era hora
En 2010, Rhino Records lanzó una caja de cuatro CD, Nile
Rodgers Presents The CHIC Organization, Volume 1: Savoir Faire, que por primera
vez recopiló pistas de todos los actos producidos por The CHIC Organization
hasta su ruptura original. en 1983. Rodgers proporcionó notas de portada para
el set, que también se reeditó en 2013. La autobiografía aclamada por la
crítica de Rodgers, Le Freak: An Upside Down Story of Family, Disco, and
Destiny fue publicada por Spiegel & Grau, un sello de Random House, en
finales de 2011. Fue nombrada una de las 10 mejores memorias de rock de todos
los tiempos por la revista Rolling Stone.
En febrero de 2012, Rodgers anunció que estaba colaborando
con la banda electrónica Daft Punk para su último álbum, "explorando sus
influencias de R&B". El disco Random Access Memories se lanzó en 2013.
Rodgers coescribió y tocó la guitarra en tres pistas: "Give Life Back to
Music", "Lose Yourself to Dance" y "Get Lucky". En
abril, "Get Lucky" entró en la lista oficial de sencillos del Reino
Unido en el puesto número 3, solo 24 horas después de su lanzamiento, y dos
semanas después ascendió al número 1. En una entrevista con Official Charts
Company, Rodgers dijo: "He he tenido grandes discos y números 1. He tenido
discos que fueron número 1 en los Estados Unidos pero en ningún otro lugar...
He tenido discos que han funcionado bien [en el Reino Unido], pero no en los
Estados Unidos. Pero tener esto registro omnipresente, que es un éxito en todas
partes ... Es ¡Es asombroso para mí! Estoy en la carretera y puedo escucharlo
donde quiera que vaya. ¡Estoy estupefacto!" "Get Lucky se convierte
en uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos en el Reino Unido.
Rhino Records lanzó Nile Rodgers Presents The CHIC Organization
Up All Night (The Greatest Hits), un álbum recopilatorio con canciones
escritas, tocadas o producidas por Rodgers y Bernard Edwards para CHIC y varios
artistas, incluidos Diana Ross, Sister Sledge, Carly Simon, Debbie Harry. ,
Johnny Mathis, Sheila & B. Devoción y Norma Jean Wright. Up All Night
alcanzó el número 2 en la lista de álbumes recopilatorios del Reino Unido
durante la semana que finalizó el 13 de julio de 2013. En octubre de 2013,
Rhino lanzó Nile Rodgers Presents The CHIC Organization Up All Night (The
Greatest Hits Disco Edition), que incluía un popurrí tomado de la presentación
en vivo de CHIC ft. Nile Rodgers en el Festival de Glastonbury 2013.
Rodgers y Bernard Edwards fueron nominados al Salón de la
Fama de los Compositores en octubre de 2013. En enero de 2014, Rodgers
interpretó "Get Lucky" con Daft Punk en los premios Grammy, junto con
Pharrell Williams y Stevie Wonder, con un popurrí que incluía elementos de
CHIC. Le Freak" y "Another Star" de Wonder. Rodgers ganó tres
premios Grammy por su trabajo con Daft Punk y Random Access Memories,
incluyendo Mejor Interpretación de Dúo/Grupo Pop, Grabación del Año y Álbum del
Año. En marzo, Rolling Stone nombró a Nile Rodgers como una de las 50 personas
más importantes de la música electrónica y afirmó: "El alcance completo de
la carrera de Nile Rodgers aún es difícil de comprender, y no solo está en
curso, está a toda marcha". En diciembre, NARAS anunció que "Le
Freak" sería incluido en el Salón de la Fama de los Grammy.
El sencillo en solitario de Rodgers "Do What You Wanna
Do (IMS Anthem)" fue lanzado el 10 de agosto de 2014 en beneficio de la We
Are Family Foundation. Un año después, en marzo de 2015, Rodgers lanzó el
primer sencillo de CHIC en más de 23 años, "I'll Be There", con un
concierto transmitido en vivo desde The Roundhouse en Londres. La canción,
creada por Rodgers a partir de cintas descartadas originales de CHIC de los
años 70, con Bernard Edwards, Tony Thompson y los vocalistas Alfa Anderson y
Luci Martin. La canción llegó al número 1 en la lista de música dance de
Billboard el 20 de junio de 2015. En agosto, Rodgers lanzó el Festival FOLD
(FreakOut! Let's Dance), un evento de varios días con una diversa alineación de
artistas, incluidos Beck, Duran Duran, Chaka Kahn, Keith Urban, Janelle Monáe,
Ginger Minj, CHIC y muchos otros.
Rodgers colaboró con
Lady Gaga para rehacer el éxito
de CHIC, "I Want Your Love" para el video de la colección Primavera/Verano 2016 de Tom
Ford en lugar de un desfile de moda.
Rodgers y Bernard Edwards fueron incluidos en el Salón de la
Fama de los Compositores el 9 de junio de 2016. En 2017, después de 11
nominaciones para CHIC, Rodgers fue incluido en el Salón de la Fama del Rock
and Roll con un premio a la Excelencia Musical. agridulce", dice Rodgers.
“Estoy bastante halagado de que creyeran que yo era digno, pero mi banda CHIC
no ganó. Me sacaron de la banda y me dijeron: 'Eres mejor que CHIC'. Eso es una
locura para mí... Me siento halagado y creo que es genial, pero siento que
alguien me puso en el bote salvavidas y le dijo a mi familia que no pueden
entrar".
En la noche de junio de 2017, Rodgers y CHIC regresaron al
Festival de Glastonbury, como cabezas de cartel en el Pyramid Stage, para una
audiencia cercana a las 100.000 personas. En septiembre del mismo año, se lanzó
una versión de la canción "Fantasy" de George Michael, acreditada a
"George Michael con Nile Rodgers". La pista, lanzada como cara B por
el sello de Michael en 1990, fue reelaborada por Rodgers y lo presentó de
manera destacada en la guitarra. Fue el único lanzamiento póstumo de Michael.
En junio de 2018, se lanzó "Till the World Falls",
el primer sencillo del primer álbum de Nile Rodgers & CHIC desde 1992, It's
About Time. La canción contó con Mura Masa, Cosha y Vic Mensa. El álbum se
lanzó en septiembre de 2018 y alcanzó el Top 10 en el Reino Unido. Fue el
primer disco de CHIC en llegar al Top 10 en 25 años. Posteriormente se lanzaron
dos sencillos del álbum: "Sober" con Craig David y Stefflon Don, y
"Do You Wanna Party" con LunchMoney Lewis. En diciembre de 2018, Nile
Rodgers & CHIC comenzaron su primera gira por arenas en el Reino Unido.
Fueron nominados a un Brit Award en la "Categoría de Mejor Grupo
Internacional", en enero de 2019.
En noviembre de 2018, para conmemorar el 40.º aniversario de
"Le Freak", Rhino/Atlantic lanzó The CHIC Organization 1977-79, una
caja de 6 CD que contiene los tres primeros álbumes de CHIC, We Are Family de
Sister Sledge y una colección de rarezas, que incluyen un facsímil del primer
sencillo de CHIC: una promoción de 12 "para" Dance, Dance, Dance
(Yowsah, Yowsah, Yowsah) "lanzado por Buddah Records en 1977.
En enero de 2019, Rodgers ofreció 600 boletos gratis a los
trabajadores federales de los EE. UU. con licencia durante el cierre del
gobierno de los EE. UU. para el concierto de Nile Rodgers & CHIC en el MGM
National Harbor en Washington, DC.
Actualmente, Rodgers es el presidente del Salón de la Fama
de los Compositores y el principal asesor creativo de los famosos estudios
Abbey Road en Londres.
Vida personal
A principios de la década de 1990, Rodgers se despertó en el
hospital y se enteró de que su corazón se había detenido ocho veces y que
estaba vivo solo gracias a las acciones del médico que llenó su certificado de
defunción. Dejó de consumir drogas y alcohol en 1994, luego de que un amigo le
mostrara una cinta de una mala actuación.
A Rodgers se le diagnosticó una forma agresiva de cáncer de
próstata en octubre de 2010. Documentó su enfermedad en un blog llamado Walking
on Planet C. Se le dio el visto bueno en 2013. En 2017, se le diagnosticó un
tumor en el riñón derecho como dos diferentes tipos de cáncer dentro de una
masa. La masa se extirpó quirúrgicamente en noviembre de 2017. Dijo que esperaba
una recuperación del 100 %.
Rodgers vive en la ciudad de Nueva York y Miami, FL con su
esposa, Nancy Hunt.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus
grandes éxitos: Le Freak.
Nos encontramos a las puertas del otoño y eso, además de un
cambio de estación, simboliza en el judaísmo que se acerca Rosh Hashana, el Año
Nuevo judío.
Carl Rudolf Hermann Friedberg nació en Bingen, Alemania, el 18
de septiembre de 1872, y murió en Trieste, Italia, el 9 de septiembre de 1955.
Pianista y profesor de música.
Carl Rudolf Hermann Friedberg (1872 - 1955) fue un pianista
y profesor alemán que, tras estudiar piano con James Kwast y con Clara Schumann
en el Conservatorio Hoch de Frankfurt, se convirtió más tarde en profesor allí.
Luego pasó a enseñar en el Conservatorio de Colonia durante 10 años y durante
23 años (hasta su jubilación en 1946) en la Escuela de Música Juilliard, que en
ese momento se llamaba Instituto de Arte Musical de Nueva York. Sus alumnos incluyen a William
Browning, Malcolm Frager, Bruce Hungerford, William Masselos y Elly Ney.
Friedberg comenzó lo que sería el comienzo de una carrera
interpretativa de más de 60 años con su debut oficial el 2 de diciembre de 1900
con la Orquesta Filarmónica de Viena bajo la dirección de Mahler, habiendo
realizado previamente un recital de Brahms en presencia del compositor seis
años antes.
FRIEDBERG Y BRAHMS
Después de sus primeros contactos con Brahms a través de
Clara Schumann, el siguiente gran encuentro de Friedberg con el gran compositor
fue cuando Friedberg interpretó lo que pudo haber sido el primer recital de
piano de Brahms jamás dado. Friedberg describió ese evento en una transcripción
inédita de una entrevista grabada con su alumno Bruce Hungerford:
Entonces [Brahms] me llevó al Imperial Coffee House, él
nunca quería acostarse temprano, y no dijo ni una palabra sobre mi recital
hasta las tres de la mañana. Luego se acarició la barba y dijo: 'Sabes que
tocaste maravillosamente, jovencito, pero no debes volver a hacerlo'. No debes
tocar una noche entera de Brahms. A la gente no le gusta eso; ellos no me
quieren Todavía no soy lo suficientemente popular. Toca otras cosas y sólo una
obra mía: me haces un mejor servicio. La humildad de eso, decir que no era lo
suficientemente popular, ¡que no les gustaría escuchar solo a Brahms! Y yo
había recibido un gran aplauso; Dije que el aplauso es para usted, señor
Brahms, no para mí. Sabes que tocaste maravillosamente, jovencito, pero no
debes volver a hacerlo. No debes tocar una noche entera de Brahms. A la gente
no le gusta eso; ellos no me quieren Todavía no soy lo suficientemente popular.
Toca otras cosas y sólo una obra mía: me haces un mejor servicio. La humildad
de eso, decir que no era lo suficientemente popular, ¡que no les gustaría
escuchar solo a Brahms! Y yo había recibido un gran aplauso; Dije que el
aplauso es para usted, señor Brahms, no para mí. Sabes que tocaste
maravillosamente, jovencito, pero no debes volver a hacerlo. No debes tocar una
noche entera de Brahms. A la gente no le gusta eso; ellos no me quieren Todavía
no soy lo suficientemente popular. Toca otras cosas y sólo una obra mía: me
haces un mejor servicio. La humildad de eso, decir que no era lo
suficientemente popular, ¡que no les gustaría escuchar solo a Brahms! Y yo
había recibido un gran aplauso; Dije que el aplauso es para usted, señor
Brahms, no para mí. ¡Tan popular que no les gustaría escuchar solo a Brahms! Y
yo había recibido un gran aplauso; Dije que el aplauso es para usted, señor
Brahms, no para mí. ¡Tan popular que no les gustaría escuchar solo a Brahms! Y
yo había recibido un gran aplauso; Dije que el aplauso es para usted, señor
Brahms, no para mí.
En otra ocasión, Friedberg le pidió a Brahms que le mostrara
la forma en que interpretaba sus obras para piano, a lo que respondió
malhumorado: "Yo no doy clases de piano". Sin embargo, cedió y, según
Julia Smith, "le dijo a el joven: 'Ven conmigo a casa y te mostraré lo que
quiero decir con respecto a ciertas frases, tempos e interpretaciones
personales de mi obra.' Y durante la madrugada, los dos caminaron hasta la casa
de Brahms. Aquí el compositor preparó café, abrió una botella de su coñac
especial y, después de que se hubieron refrescado, se sentó al piano y aclaró
musicalmente sus pensamientos hablados de las primeras horas de la noche.
"Durante varias visitas posteriores, Brahms tocó todas
sus composiciones para piano para el joven Friedberg con la excepción de las
Variaciones de Paganini. 'Su destreza ya no estaba a la altura de esa difícil
obra', recordó el eminente pianista. 'Solo se detenía de vez en cuando para
elegir tomó un lápiz para anotar nuevas y más definitivas marcas de expresión
que las que indicaban las ediciones publicadas. Se esmeró en explicar ciertas
complejidades, en interpretar diferentes lecturas.' "
A lo largo de su carrera, Friedberg fue particularmente
conocido por su interpretación de la música de Brahms. En una reseña de una
interpretación del Concierto en si bemol con la Filarmónica de Nueva York y
Bruno Walter en 1933, Olin Downes describió la especial empatía de Friedberg
con el estilo de Brahms que provenía, por supuesto, de haber absorbido las
tradiciones de la época, pero también de su estrecha asociación con el
compositor:
El Sr. Friedberg interpretó la formidable parte del
concierto de Brahms con admirable amplitud y energía, que en todo caso superó a
Brahms. Sin embargo, es probable que el mismo Brahms tocara el concierto en si
bemol de esa manera: inmensas patas llenas de notas, inmensa amplitud y fuego,
y el piano una segunda orquesta. Los vigorosos ritmos y ataques de Mr. Friedberg
tuvieron su debido contraste en el tratamiento de las frases líricas. Todos los
detalles contribuyeron a la sensación de grandeza de los grandes espacios. Esto
se mantuvo en el scherzo 'demoníaco', pero el movimiento lento era una
interpretación de otro tipo, una interpretación que coincidía con la poesía del
pensamiento musical. En resumen, fue una actuación de un pianista que conocía
la gran manera y cuyas tradiciones son particularmente del período que vio la
culminación de la carrera creativa de Brahms.
EL TONO DE CANTO DE FRlEDBERG
La esencia de la interpretación de Carl Friedberg era su
"tono de canto" y su "enfoque de canto" al piano. En 1884,
Julius Stockhausen, el gran maestro de canto de Frankfurt que contaba entre sus
alumnos a algunos de los cantantes europeos más conocidos de la época,
necesitaba un acompañante y entrenador de estudio. Habiendo observado que
Friedberg era un excelente intérprete de conjunto, que leía fácilmente a
primera vista incluso la música más difícil, incluidas las partituras
orquestales, y que transponía fácilmente en todas las tonalidades, Stockhausen
le ofreció el puesto, que fue aceptado con entusiasmo. Por lo tanto, mientras
aún estaba en sus años de formación, tuvo la suerte de trabajar no solo con
Stockhausen, sino también con otros artistas, como Anton Sistermanns, quien
presentó Schumann Lieder al público. Así como fraseó o respiró junto con el
cantante para lograr la perfección en el conjunto, el estado de ánimo y la
expresión, de la misma manera preparó cada frase de sus obras para piano solo
con la misma inhalación, a menudo tarareando para sí mismo para llevar la
frase: línea de forma natural. A partir de esta fecha temprana, el enfoque del
canto a la música instrumental, que se convertiría en una de las principales
características del estilo interpretativo de Carl Friedberg, se convirtió en su
ideal. Friedberg dio su propia explicación en una entrevista realizada por
Harriette Brower que apareció por primera vez en la edición del 2 de enero de
1915 de Musical America: A partir de esta fecha temprana, el enfoque del canto
a la música instrumental, que se convertiría en una de las principales
características del estilo interpretativo de Carl Friedberg, se convirtió en su
ideal. Friedberg dio su propia explicación en una entrevista realizada por
Harriette Brower que apareció por primera vez en la edición del 2 de enero de
1915 de Musical America: A partir de esta fecha temprana, el enfoque del canto
a la música instrumental, que se convertiría en una de las principales
características del estilo interpretativo de Carl Friedberg, se convirtió en su
ideal. Friedberg dio su propia explicación en una entrevista realizada por
Harriette Brower que apareció por primera vez en la edición del 2 de enero de
1915 de Musical America:
Creo que el toque legato es de suma importancia en la
ejecución del piano; es el sine quo non del bello tono. Soy consciente de que
algunos jugadores modernos no están de acuerdo con esto: piensan que todo se
debe jugar con el brazo. Incluso Busoni, a quien admiro sobremanera y considero
uno de los más grandes artistas, dice en su edición del Clave bien temperado de
Bach que no hay legato posible en el piano. Debo diferir de aquellos que
sostienen esta idea, porque creo enfáticamente y puedo probar que hay un legato
en el piano; es la base de un tono hermoso.
El tono que un artista extrae de su instrumento debe ser
redondo, pleno y expresivo, capaz de matizarse y variarse, tal como lo es el
bel canto del cantor. Deberíamos aprender a cantar con los dedos.
Me esfuerzo por dar a mi tono de piano la calidad de la voz
cantada. Por eso me he familiarizado con un gran número de óperas de todas las
escuelas.
Junto con mucho trabajo de concierto, he hecho una gran
cantidad de enseñanza. El estudiante concentra sus esfuerzos en el toque legato
y en la calidad tonal hermosa y expresiva. Si tengo una melodía que tocar puedo
hacerlo, como hacen muchos artistas modernos, con un movimiento de mano y brazo
por cada nota, es decir, separando una nota de otra. Con un pedaleo adecuado,
se puede hacer que esa forma de tocar suene muy bien. [Sin embargo] prefiero el
legato puro a la manera desapegada de tocar.
Creo en musicalizarlo todo, en hacer siempre bello el tono,
incluso en ejercicios técnicos y escalas. El piano es más que una cosa de metal
y madera; puede hablar, y el verdadero artista sacará de él maravillosos tonos.
Debe ser parte de su estudio constante para crear un tono hermoso. Creo que un
solo tono puede hacerse expresivo.
Además de trabajar con cantantes, Friedberg también estudió
violín al principio de su carrera. Su propósito no era convertirse en
violinista, sino aprender más sobre cómo se produce realmente un tono de canto
en el violín y si ese mismo tono se podía producir en el piano. Al impartir sus
clases, Friedberg hizo que la clase escuchara la música mientras tocaba.
Indicaría cómo pensaba que debía hacerse la respiración. Luego hacía que los
alumnos se levantaran y hicieran la respiración junto con la línea musical para
inculcarles la importancia de una interpretación cantada, incluso en la música
instrumental.
NOTA: El texto anterior fue extraído de la siguiente fuente:
Archivos Internacionales de Piano en Maryland. Maestro pianista: el arte de
Carl Friedberg. Universidad de Maryland. 1985. Transcripción.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Escenas infantiles Op. 15, y Novelette en Re Mayor Op. 21 Nº 4, de Robert
Schumann, y de Johannes Brahms, Scherzo Op. 4, e Intermezzo Op. 76 Nº 4.
Hessy Levinsons Taft, junto a la icónica portada de la revista nazi Sonne ins Haus de 1935, tras su elección como la bebé aria más hermosa
sus 88 años Hessy Levinsons Taft siente el pequeño orgullo de haber protagonizado, siendo bebé en Berlín, una historia que puso en evidencia que el nazismo, además de exponer el horror de la maldad humana, también fue una muestra delaestupidez en el poder.
“En concordancia con su teoría de la ‘superioridad racial’ en 1935 el Ministerio de Propaganda del Reich, a cargo de Joseph Goebbels, organizó un concurso fotográfico para elegir al ‘bebé más hermoso de la raza aria’, y la ganadora fui yo... Nunca supieron que soy judía”, recordó Hessy a LA NACION en diálogo telefónico desde California, Estados Unidos, donde vive actualmente.
Hessy confesó que recibe frecuentemente invitaciones para entrevistas, “por lo que tengo que filtrar mucho los pedidos”. Pero luego agregó, en perfecto español: “Sin embargo tengo una afinidad tremenda con los hispanos”, por lo que accedió a contar su historia para LA NACION.
La tarjeta de cumpleaños que le envió la tía a Hessy Levinsons Taft desde Lituania
Cuando Adolf Hitler (1889-1945) llegó al poder en 1933, un año antes del nacimiento de Hessy, el matrimonio formado por Pauline y Jacob Levinsons eran inmigrantes en Berlín, procedentes de Letonia. Pese a su condición de judíos y una fugaz detención de Jacob Levinsons por la Gestapo, la familia logró escapar del Holocausto huyendo primero a diferentes ciudades de Francia, después a Cuba, donde Hessy vivió entre sus 8 y 15 años y aprendió a hablar español, y finalmente a Estados Unidos.“Tuvimos una vida hermosa en La Habana”, recordó.
Graduada en Química en Estados Unidos, y profesora emérita de la Universidad St. John de Nueva York dijo que, aunque que se jubiló hace seis años, “todavía sigo fascinada por las maravillas de la química y por cómo logra explicar tantos mecanismos fundamentales de la vida”.
“Ridiculizar a los nazis”
El episodio del concurso fotográfico organizado por Goebbels para elegir al “bebé ario más hermoso” tomó por sorpresa a los Levinsons, ya que no sabían del certamen y además, siendo judíos de origen letón, estaban obviamente excluidos.
La aberración nazi de aquel momento en la búsqueda de los rasgos deseables de un alemán ario en las diferentes edades incluía una serie de mediciones físicas en las que comparaban tamaños de cráneo y de nariz, examinaban colores de ojos y de cabello. Así, establecieron quiénes pertenecían a la supuesta raza aria y como resultado, afianzaron el proceso de segregación.
Mediciones nazis para diferenciar los rasgos faciales germanos
Hessy fue la primera hija del matrimonio nacida en Berlín en mayo de 1934 (su hermana es dos años menor). “Cuando tenía seis meses, mis padres decidieron que querían tener una foto mía tomada por un profesional, por lo que fueron al estudio de uno de los mejores fotógrafos de Berlín, Hans Ballin (1887-1942). Mis papás amaron el retrato que les entregó Ballin y lo colocaron sobre el piano que había en casa”, señaló.
La sorpresa llegó meses después, cuando la empleada doméstica que trabajaba con la familia le indicó a la madre de Hessy que había visto esa misma fotografía en la portada de la revista nazi Sonne ins Haus(”El sol en casa”), dirigida por Kurt Herrmann un nazi acérrimo, amigo de Hermann Göring. “Mamá le contestó a la empleada que seguramente sería un bebé parecido, pero que no podía ser mi foto. La empleada insistió, y entonces mi madre le dio dinero para que comprara un ejemplar de la revista. Para su sorpresa, efectivamente era mi foto en una publicación llena de propaganda e información nazi”.
Horrorizada, la madre fue rápidamente a increpar al fotógrafo. Hans Ballin cerró entonces las puertas del estudio y le explicó a la mujer: “El Ministerio de Propaganda nos pidió a diez fotógrafos que enviásemos nuestras diez mejores fotos de bebé. Y, entre otras, yo mandé la de su hija’”.
La madre inquirió: “¡Pero usted sabe que somos judíos!”. A lo que el fotógrafo respondió una frase en alemán que quedó grabada en el anecdotario familiar: “Ja, aber Ich wollte mir den Spass erlauben” (Sí, pero me quise divertir un poco).
La broma complicó abruptamente la rutina familiar. Los padres tuvieron que dejar de llevar a la beba de paseo a lugares concurridos porque podía ser reconocida y muchos vecinos sabían que ellos eran judíos. “Todo el país, tiendas de ropa y negocios para bebés, se llenaron con mi foto. Incluso sucedió que mi tía Ida, hermana de mi papá, que vivía entonces en Lituania, fue a comprar una tarjeta de saludo para enviarme a Berlín cuando cumplí mi primer año en mayo de 1935, y en la librería encontró una postal con mi foto que decía en alemán: ‘Los mejores deseos de felicidad por tu cumpleaños’”.
Hessy, junto a su madre y su tía en Berlín en 1938
Asustados, los padres fueron a consultar al consulado de Letonia en Berlín, donde les dijeron que, a pesar de que eran judíos, por el momento no tenían nada que temer porque la persecución era contra los judíos alemanes, y ellos aún conservaban documentación letona. Sin embargo, en 1938 la Gestapo cayó en la oficina de Berlín del padre, que era representante de una empresa comercial, y lo llevó detenido. Aunque un jerarca nazi amigo logró rápidamente su liberación, los Levinsons decidieron que había llegado el momento de salir de Alemania.
Fue así como, en una travesía que duró varios años a medida que conseguían visados, escaparon primero a Letonia, luego a París y otras ciudades de Francia, y más tarde a Cuba. Pero siempre tuvieron el objetivo de llegar a Estados Unidos, donde lograron la visa de residencia cuatro años después del final de la Guerra, en 1949. “Mi recuerdo más fuerte de la infancia era la huida constante. Mi papá nos consolaba diciendo que cuando hubiera un estado judío no habría más huida”.
Hessy y su hermana Noemi en París, poco después de la ocupación nazi
En Estados Unidos, Hessy cursó estudios universitarios, y en un posgrado de la Universidad de Columbia conoció a un profesor de matemáticas, Earl Taft, que en 1957 se convirtió en su esposo. Años más tarde llegaron sus hijos: Nina, en 1963 y Alexander en 1965, y cuatro nietos.
La familia Levinsons Taft en Nueva York
La historia de Hessy comenzó a ser más conocida en 2014, cuando donó al museo del Holocausto Yad Vashem, en Jerusalén, una copia de la portada de 1935 de la revista Sonne ins Haus y contó su experiencia.
“Transcurridos tantos años, si tuviera que decir en qué me impactó el nazismo y el Holocausto, diría que conocí de primera mano las consecuencias de que los judíos no tuvieran una patria en ninguna parte del mundo. Ninguno de nuestros parientes en Letonia sobrevivió a la ocupación nazi. Por eso soy una fuerte defensora del sionismo, y creo firmemente en el derecho de los judíos a regresar a la tierra de sus antepasados”, reflexionó.
Con respecto a su elección como “la bebé aria más hermosa”, Hessy es contundente. “Ciertamente, fue un claro ejemplo de la estupidez del nazismo, o en realidad de la ironía. Mi historia sirve como ejemplo para derrumbar definitivamente toda la filosofía nazi y sus absurdas ideas raciales”.
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