La FCJE concede anualmente el premio ''Senador Ángel
Pulido'' a instituciones y organizaciones que destacaron por su lucha contra el
antisemitismo y la defensa de los valores de la libertad y el pluralismo. Este
año, el galardonado es el Senado de España.
Hacé click en el enlace para ver el programa.
https://www.rtve.es/play/videos/shalom/fcje-concede-premio-senador-pulido/16038341/
El sitio www.cultura.gob.ar publicó este recordatorio.
Sixto Palavecino, defensor de la lengua quichua y de la
cultura santiagueña
29 DE MARZO DE 2021
MÚSICA EFEMÉRIDES
El 31 de marzo de 1915 nacía este violinero de los montes,
musiquero, cantor, poeta y compositor. En esta nota conversamos con Juan Víctor
Barraza (Vitu), continuador de la obra de Sixto Palavecino.
Sixto Doroteo Palavecino nació en Barrancas (Salavina), en
la provincia de Santiago del Estero. Con la compañía inseparable de su violín
sachero dibujó en sus obras al monte que lo vio crecer, sus colores, su
naturaleza, sus costumbres y mitos.
Autodidacta, se definía como violinero porque llamaba
violinista a quienes habían estudiado el instrumento. De niño, su madre madre
no le permitía tocar instrumentos porque pensaba que los músicos, por andar en los
bailes, se volvían enfermos y alcóholicos. Sin embargo Sixto, a los 10 años
construyó él mismo su primer violín, que ocultaba de la vista de su madre
dentro del hueco de un algarrobo.
"Dulzura quichua", "La callejera",
"Folklorear", "Changuitos de mi tierra", "Lamento de
chacarera", "La Pedro Cáceres", "Telesitapaj" son
algunas de las más de 300 obras de su autoría, donde siempre interpretó el
sentimiento del pueblo.
Compuso gatos, escondidos, triunfos, chacareras, vidalas. Lo
característicos en sus composiciones, sobre todo en las chacareras, fue cantar
una primera en quichua y la segunda en castilla (castellano). Se las conoce
como chacarera overa, mezcla de castilla y quichua, como "La
Huackachiara".
La difusión de su lengua
Fundó la institución cultural Alero Quichua Santiagueño para
rescatar, conservar y difundir la lengua quichua originaria del Perú, radicada
en Santiago del Estero, que se conservó en catorce departamentos por más de
quinientos años.
En 1969 creó el programa radial homónimo, que se emitió por
LV11 Radio del Norte, Santiago del Estero, y perdura hasta la actualidad en LRA
21 Radio Nacional de Santiago del Estero. El programa transmite música, canto,
poesía, diálogo quichua y su traducción, y difunde las actividades del idioma a
través de contactos con las personalidades de distintas instituciones quechuas
del Perú, Bolivia y resto del mundo.
"Vengo de familias quichuas respirando el idioma desde
el vientre de mi madre. Mi primera palabra fue en quichua y de ahí que mis
pensamientos y expresiones, sólo fueron en esta lengua. La aprendí de
escucharla, del habla diaria de mi familia. Si bien es cierto que interpretaba
el castellano, me di cuenta que no sabía hablarlo. Un día de escuela, el
maestro, necesitó de un traductor para hacerle conocer mi respuesta a su
pregunta; es que le había contestado en quichua, mi lengua de todos los
días". (Sixto Palavecino-Alero Quichua Santiagueño).
Martín Fierro y el Himno Nacional Argentino en quichua
Su permanente defensa de su lengua lo llevó a concretar un
proyecto en el que trabajó durante ocho años: la traduccióndel español al
quichua del poema de José Hernández: Martín Fierro. La versión completa,
editada en los años 1990 y 2007, contó con la colaboración tecnológica del
lingüista evangelista Donald Burns. La reedición de 2007 fue bilingüe, en
panalfabeto, respetando la rima y la métrica originales y se distribuyó en las
escuelas de Santiago del Estero.
El Himno Nacional Argentino también tuvo su primera versión
quichua de manos de Sixto Palavecino.
Himno Nacional Argentino en quichua
La relación con el rock
La música permitió el acercamiento entre Sixto Palavecino y
artistas argentinos y extranjeros como Mercedes Sosa, Pablo Milanés, León
Gieco, los Carabajal, Milton Nascimento, Chico Buarque, entre otros.
Anda diciendo la gente que Sixto ya no es sachero, se junta
con los de afuera y ahora se ha vuelto rockero (Sixto Plavecino).
Del encuentro con León Gieco surgió de una obra emblemática:
De Ushuaia a La Quiaca (1985) que provocó reacciones en los sectores
folclóricos conservadores. La personalidad moderna de Sixto hizo que se
convirtiera en uno de los nombres centrales del proyecto. Su participación en
el disco se hizo mediante la técnica holofonía, que grababa el sonido de lo que
sucedía en 360º. Así se registró una gran versión de la chacarera
"Dimensión de la Amistad", en pleno monte de Atamisqui.
"Vitu" nació en Maza/Mishtol Bajo (San Martín-Santiago del Estero). Radicado en Buenos Aires enaltece y defiende la lengua quichua desde diversos ámbitos. Es profesor de música, especializado en guitarra, armónica, canto, armonía y composición; profesor de la lengua quichua, embajador cultural de la Casa de la Provincia de Santiago del Estero, columnista en importantes revistas culturales y compositor. Como cantautor bilingüe quichua-español, acompaño a Cuti y Roberto Carabajal en la obra musicalizada El Martín Fierro y participó en la película trilingüe Senderos Ocultos (Francés-Español-Quichua). Escribió, además, el libro: Lengua Quichua- un idioma original de América.
-¿Qué puede resaltar de la personalidad de Sixto Palavecino?
-Don Sixto era un hombre de carácter alegre, sencillo,
comunicativo y muy amistoso. El terruño que lo moldeó y formo desde niño, le
brindó esa humildad y perspicacia de observar la naturaleza en pleno esplendor
con todas sus variantes, para convertirla en sentimiento musical. Sixto, el
yanasu (quechua cuzqueño), el amigo, el autodidacta sachero.
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| Sixto Palavecino y Vitu Barraza. Foto: gentileza Vitu Barraza. |
-¿Cómo definiría la obra de Sixto?
-Originaria, como semilla vertida en buena tierra, así
fueron son melodías. Voces quichuas en el viento, sones salvajes atrapantes.
Desde su chacarera "Huackachiara" (Me hizo llorar), "Noticias
del Monte" o la "Ñaupa Ñaupa" (La re antigua), así como
"Remedio Atamishqueño", "Ampisunaas Amorani" (Por curarte
he venido), el gato "Me hago el Champi" o la canción "Sapi Cani
Rumi Cani", (Soy Piedra soy Raíz), su música hablan de la gran diversidad
de géneros musicales. Composiciones de su autoría llegan a los hogares, lugares
públicos y establecimientos educativos, donde sus obras quichuas son usadas
como material didáctico en forma excepcional. Sixto Palavecino fue un guía, un
embajador de nuestra lengua.
-¿Nos compartiría algún momento vivido junto a él?
-Don Sixto solía visitar a mi familia quichuista en la
capital de Santiago del Estero. Recuerdo que él tocaba su violín y yo lo
acompañaba con mi guitarra, cantábamos alegremente en lengua quichua. Mi madre,
Francisca de Borja. y mi tía, Juana Barraza, cocinaban ricos platos típicos
(chanfaina, empanadas de charqui, ckevishu (una especie de sopa), locro, etc, y
esos platos le encantaban a don Sixto. Mi madre, mi tía y yo hablábamos con
Sixto solo en lengua quichua.
-¿Cuál considera que es el legado de Sixto Palavecino para
los santiagueños y para las nuevas generaciones de folcloristas?
-Lo que a mí me toca es una amistad entrañable con Sixto
Palavecino, varias giras en el gran Buenos Aires y varias presentaciones
musicales. La más importante, un programa especial en televisión con el
conductor Antonio Carrizo en que participó don Sixto Palavecino como invitado
especial único. Entre charla y chacareras llega la pregunta obligada por el
conductor:
- Don Sixto, ¿a quién deja como su continuador o que lo
pueda suceder?
- Don Antonio, este joven se llama "Vitu" Barraza
es como yo, quichuista, cantor, compositor, a él lo postulo como mi sucesor.
Así me presentó ese día don Sixto Palavecino. Para mi honor,
es su legado dado por él. Y con respecto al pueblo santiagueño, a los jóvenes
argentinos y a las nuevas generaciones, Sixto ha dejado un sin fin de letras y
melodías quichuas que enriquecen nuestro patrimonio.
Sixto Palavecino falleció un 24 de abril de 2009, a los 94
años, por una afección cardíaca.
Foto portada: Subsecretaria de Cultura de la provincia de
Santiago del Estero.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Ampisunaas Amorani, Para Curarte He Venido.
El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Palo
Yaacov Shelah.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Palo Yaacov Shelah: doce terrones de azúcar
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Palo Yaakov Shelah nació en Checoslovaquia en 1938, hijo de
Arthur y Jolan Schlezinger. Con el inicio de las deportaciones de judíos
eslovacos en 1942, su familia se mudó a la ciudad de Nitra, donde su padre
trabajaba en una fábrica de ladrillos que servía como campo de trabajo.
Posteriormente sus padres fueron capturados y llevados a Auschwitz-Birkenau.
Palo, que entonces tenía seis años, y su hermano Shmulik, de diez, se escondieron
en la fábrica durante un tiempo. Luego marcharon decenas de kilómetros hasta
llegar a una finca propiedad de sus familiares. Después de permanecer allí
solos durante un mes, fueron capturados, enviados al campo de concentración de
Sereď y de allí a Auschwitz-Birkenau a principios de noviembre de 1944. Fueron
liberados en enero de 1945. Palo emigró a Israel en 1949, se instaló en el
kibutz Gan Shmuel, se casó con Nira y formó una familia.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
El sitio www.mcnbiografias.com
publicó este recordatorio.
Krahe, Javier (1944-VVVV)
Cantautor español nacido en Madrid el 30 de marzo de 1944.
Pasó su infancia y adolescencia en el madrileño barrio de
Salamanca, en el que también estaba ubicado el Colegio del Pilar, bastante conocido
en la capital, donde Krahe cursó sus estudios. Más tarde demostró cierta
afición por el mundo del cine, al que se dedicó de manera efímera antes de ser
llamado para cumplir el servicio militar. Tras su vuelta a la vida civil,
Javier conoció a Annick, una joven canadiense con la que conviviría a lo largo
de su vida y con la que tiene dos hijos: Violante y Marco.
Fue por aquella época, en la segunda mitad de los años
sesenta, cuando comenzó a componer canciones impulsado en parte por su devoción
a los cantautores (Georges Brassens y Leonard Cohen fueron fuente de
inspiración para Krahe poco tiempo después). Aquellos primeros temas se los
ofreció a su hermano Jorge, y tiempo después, una de esas primeras canciones,
"Nos ocupamos del mar", apareció en el disco de debut de Rosa León.
Vivió temporalmente en Canadá y a su vuelta se enteró de que su amigo Chicho
Sánchez Ferlosio había grabado uno de sus temas en un disco. Se puso en
contacto con él, y Sánchez Ferlosio le animó a que cantara sus canciones en público.
Así fue cómo empezó a actuar en público, primero en La Aurora y luego en el
legendario La Mandrágora, locales madrileños emblemáticos en la difusión de
este tipo de música. En este último actuó habitualmente con Joaquín Sabina y
Alberto Pérez, con los que también aparecería en el programa de televisión de
Fernando García Tola. Gracias a todo ello, su música obtuvo algo de notoriedad
pública y la multinacional CBS Records le fichó para incluirle en su catálogo.
En esa etapa, Javier Krahe, con el apoyo de una compañía
fuerte, cimentó su fama y popularidad con títulos como Valle de lágrimas, su
debut editado a finales de 1980. El segundo en su lista fue La Mandrágora,
grabado junto a Joaquín Sabina y Alberto Pérez, lanzado a finales de 1981, y la
etapa CBS del cantautor madrileño se cerró a mediados de los ochenta con
Aparejo de Fortuna, que apareció al comienzo del año 1984 y Corral de Cuernos,
que apareció un año más tarde, en 1985. Tras acabar su contrato con CBS, y
mientras buscaba una nueva discográfica, escribió junto a Sabina "Cuervo
Ingenuo", tema que se recogió en un directo del cantautor jiennense y que
tuvo el infausto honor de ser el primer tema censurado por el gobierno del
PSOE, que no permitió su emisión en Televisión Española.
En el año 1986, Javier Krahe fichó por Hispavox, compañía
con la que grabó uno de los mejores álbumes de su carrera, Haz lo que Quieras,
editado en 1987. Un año más tarde, en marzo de 1988, el cantautor madrileño
actuó en directo en la sala Elígeme, y el concierto se editó en forma de doble
álbum en el sello que llevaba el mismo título que el disco y la sala donde se
celebró la actuación. Un nuevo tumbo en su carrera le llevó a fichar por la
independiente Lollipop, sello que reeditó también el directo Elígeme tiempo después.
Hasta el año 1993 no llegó un nuevo disco del madrileño; fue con Sacrificio de
Dama con el disco que rompió su silencio. Esta etapa de la carrera del
cantautor se cerró en 1997 con Versos de Tornillo, álbum que salió a la venta
en el mes de febrero.
La nueva etapa en su carrera comercial tuvo un punto de
inflexión con la creación de la compañía 18 Chulos. Esta nueva discográfica
reunía como creadores a un buen puñado de las mejores materias grises del
panorama nacional, todos grandes nombres del mundo del espectáculo, como El
Gran Wyoming, Santiago Segura, Pablo Carbonell, Carlos Faemino, Pepín Tre y el
propio Javier Krahe. El primer disco del nuevo sello fue Dolor de Garganta, el
siguiente disco de Javier Krahe, que se presentó en directo poco después de su
edición, el 29 de noviembre de 1999.
En diciembre de 2004 sus socios de 18 Chulos presentaron,
por sorpresa, un disco homenaje titulado Y todo es vanidad en el que un nutrido
grupo de artistas interpretan algunas de las composiciones más famosas de
Krahe. Algunos de estos nombres fueron los ya citados Wyoming, Segura, Tre y
Carbonell, junto a Albert Plá, Moncho Alpuente, Joaquín Sabina, Rosendo,
Alejandro Sanz o Serrat.
A sus giras, además de sus músicos habituales, Fernando
Anguita y Javier López, se unieron en 2004 los cineastas Joaquín Truncado y Ana
Murugarren, quienes recorrieron ciudades y pueblos de España, fueron testigos
de la admiración de los seguidores del cantante, y reunieron el material
fílmico suficiente para presentar, en marzo de 2006, el documental Esta no es
la vida privada de Javier Krahe, en el que se recoge la gira en la que el
cantante presentó su último disco, Cinturón negro de karaoke. En diciembre de
2007 se lanzó Querencias y extravíos, paquete que incluye el disco y un libro
que recoge las conversaciones del cantante con la periodista Paloma Leyra.
Discografía
Valle de lágrimas (CBS Records, 1980).
La mandrágora (con Sabina y A. Pérez, CBS Records, 1981).
Aparejo de fortuna (CBS Records, 1984).
Corral de cuernos (CBS Records, 1985).
Haz lo que quieras (Hispavox, 1987).
Elígeme (Elígeme, 1988).
Sacrificio de dama (Lollipop, 1993).
Versos de tornillo (Lollipop, 1997).
Dolor de garganta (18 Chulos, 1999).
Surtido selecto [recopilatorio] (Ventura, 2000).
Cábalas y cicatrices (18 Chulos, 2002).
Cinturón negro de karaoke (18 Chulos, 2006).
Querencias y extravíos (2007).
Toser y cantar (2010).
Autor JRD
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus éxitos: Marieta.
 |
| Hadi Karimi |
El sitio www.last.fm/es
publicó esta biografía.
Bobby Kimball
Robert Troy Kimball (Orange, Texas, 1947), mejor conocido
como Bobby Kimball, es un cantante estadounidense conocido por haber sido el
principal vocalista de la banda Toto.
Participó en los álbumes "Toto" (1978),
"Hydra" (1979), "Turn Back" (1981) y "Toto IV"
(1982).
Tras abandonar la banda y después de alguna que otra
aparición en discos como "Past to present" o "XX", Bobby
regresa en 1998, permaneciendo hasta la disolución de la banda en 2008, dejando
su voz en los discos "Mindfields" (1998), "Throught the looking
glass" (2002) y "Falling in between" (2006)
Dentro de su discografía en solitario podemos encontrar
"Rise up" (1994) y "All I ever needed" (2000)
Reputado músico de estudio, al igual que sus compañeros de
Toto, ha colaborado con multitud de artistas como Barbra Streissand, Leo Sayer,
Diana Ross, Richard Marx o Chicago. A su vez ha formado parte de proyectos como
Radioactive, entre otros, así como numerosos tributos a Bandas como Journey o
Pink Floyd…
De inconfundible timbre y fuerza, Bobby Kimball mantiene una
salud vocal envidiable a las puertas de los 63 años, manteniendo ese feeling
especial que hace que para muchos, sea por siempre la voz por excelencia de
Toto
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus
grandes exitos: Hold the Line, con el solo de guitarra de Christian Schwarzbach.
El sitio www.eurovision-spain.com
publicó esta biografía.
Elisabeth Gunila Andreasson o Bettan (28 de marzo de 1958,
Göteborg, Suecia). Sus padres son noruegos y a los 6 años se fueron a vivir a
la pequeña isla Källö-Knippla en el archipiélago de Göteborg, donde Elizabeth
permaneció hasta que tuvo 16 años. También pasó temporadas en Sykkylven
(Noruega) donde sus abuelos tenían una granja. En 1978 el periódico Göteborgs
Tidningen organizó un concurso de talentos a bordo de un transbordador que
viajaba hasta Amsterdam, en el que Elizabeth terminó en 2ª posición. Ese mismo
año fundó su propia banda, KEB Special, junto a Kalle Bäckström y Bengt
Adielsson, que estuvieron tocando música country por bares y pubs de toda
Suecia. En 1980 formó el grupo Eliza Band junto a Kjell-Åke Ring y Leif
Ingdahl. Ese mismo año lanza su primer álbum a dúo con Mats Rådberg titulado
I´m the singer, you´re the song.
En 1980 durante una gala de música country en el Civic Hall
de Estocolmo fue descubierta por el eurovisivo Lasse Holm, al día siguiente
grabó una demo y 3 semanas más tarde ya era miembro del grupo Chips junto a
Kikki Danielsson, Britta "Tanja" Johansson y el propio Lasse Holm.
Hicieron una gira por la República Federal Alemana y en Dusseldorf participaron
en el famoso programa de televisión Show-Express donde cosecharon un gran
éxito. En 1981 se presentaron al Melodifestivalen bajo el nombre de Sweets ´n
chips y quedaron en 2º lugar con la canción God morgon. Poco tiempo después el
cuarteto se redujo a la mitad al irse Britta y Lasse se dedicó a componer y
acompañar a Elizabeth y Kikki al piano. Ese mismo año Elizabeth lanza su primer
disco en solitario llamado Angel of the morning. En 1982, otra vez con su
nombre original de Chips, se volvieron a presentar al Melodifestivalen con el
tema Dag efter dag, consiguiendo la victoria y obteniendo el derecho de
representar a Suecia en el Festival de Eurovisión. En Harrogate lograron una 8ª
plaza con 67 puntos (8 de Noruega, Austria y Dinamarca, 7 de Portugal, 5 de
Reino Unido, Bélgica y Países Bajos, 4 de Suiza y España, 3 de Luxemburgo,
Finlandia e Irlanda y 2 de Yugoslavia y Alemania). Hicieron una versión inglesa
titulada Day after day. Tras el Festival las Chips lanzaron el álbum Having a
party con el que vendieron 100.000 copias en Suecia e hicieron una gira por el
norte de Europa. Elizabeth y Kikki esperaban tener más éxito en el extranjero,
por lo que en 1983 decidieron disolver el grupo y continuar cada una en
solitario.
En 1983 Elizabeth lanzó el álbum I´m a woman y durante el
Festival de Knokke (Bélgica) conoció a la noruega eurovisiva Hanne Krogh y
juntas formaron el dúo Bobbyshocks. Comenzaron cantando temas retro de los años
50 y 60 dándoles un toque moderno. Su primer single fue I don´t wanna break my
heart y en 1984 lanzaron su primer álbum Bobbyshocks. Ese mismo año,
paralelamente Elizabeth se presenté en solitario al Melodifestivalen con el
tema Kärleksmagi, no consiguiendo clasificarse para la gran final.
En 1985 las Bobbyshocks se presentaron al Norsk Melodi Grand
Prix con la canción La det swinge, consiguiendo ganarlo y obteniendo el derecho
a representar a Noruega en el Festival de Eurovisión. Su actuación en Göteborg
fue memorable y llena de energía, algo que convenció a los jurados europeos que
le dieron la 1ª victoria a Noruega con 123 puntos (12 de Irlanda, Dinamarca,
Bélgica, Alemania, Israel, Reino Unido, Suecia y Austria, 7 de Luxemburgo, 6 de
Italia y Suiza, 4 de Finlandia, 2 de Francia y 1 de España y Grecia). La
canción fue traducida al inglés y el disco fue relanzado en toda Europa siendo
un éxito. Hicieron giras por todo el Mundo con muy buenas críticas. El
Parlamento noruego les otorgó el Pemio Peer Gynt a los mejores embajadores
noruegos en el extranjero. Ese mismo año Elizabeth lanzó en solitario el álbum
Elizabeth Andreassen.
En 1986 lanzaron el disco Waiting for the morning que fue
disco de oro y recibieron el Premio Spillmann en los Grammy noruegos. Hasta tal
punto estaban en la cumbre del éxito que cantaron el himno nacional noruego en
el campeonato del Mundo de boxeo en Las Vegas. En 1987 grabaron en Los Angeles
el álbum Walkin´ on air que también fue disco de oro. En 1988 pese a que
estaban en lo más alto de su popularidad, decidieron separarse.
En 1988 Elizabeth retomó su carrera en solitario y lanzó en
los siguientes años varios discos: Älskar, älskar ej (1988), Elizabeth (1990),
Stemninger (1992) y Julestemninger (1993). Durante esos años hizo varios
musicales en el teatro destacando El fantasma de la ópera. En 1990 se trasladó
a vivir a Oslo y en 1992 presentó el Norsk Melodi Grand Prix. En 1994 se presentó
al Norsk Melodi Grand Prix junto a Jan Werner Danielsen interpretando el tema
Duett, ganando holgadamente y obteniendo el pasaporte para el Festival de
Eurovisión que se iba a celebrar en Dublin. Hicieron una gran actuación con sus
voces perfectamente conjuntadas y consiguieron la 6ª posición con 76 puntos.
Como anécdota, Elizabeth llevó ropa holgada para disimular el embarazo de su
primera hija. Tras el Festival Elizabeth y Jan hicieron giras navideñas cada
año hasta la muerte de Jan en 2006, donde Elizabeth hizo un emotivo concierto
en su funeral. El 2 de julio de 1994 se casó con Tor Andreassen, por lo que
cambió su apellido de Andreasson a Andreassen.
En 1996 volvió al Norsk Melodi Grand Prix con la canción I
evighet, consiguiendo ganarla y obteniendo el pasaporte para representar a
Noruega en el Festival de Eurovisión. Era la 4ª participación en Eurovisión,
todo un record en el Festival. En Oslo ejerció de anfitriona y casi vuelve a
darle otro triunfo a su país. Consiguió una magnífica 2ª posición con 144
puntos. Ese mismo año lanzó 2 discos: Eternity y Bettans jul.
En 1998 se volvió a quedar 2ª en el Norsk Melodi Grand Prix
con el tema Winds of the Northern seas y en 2000 presentó el Melodifestivalen
junto a otros 11 artistas suecos. En noviembre de 2000 coincidió en una gala de
la televisión sueca con Kikki Danielsson y Lotta Engberg y las 3 acordaron
hacer un grupo. El trío Kikki, Bettan och Lotta se presentó al Melodifestivalen
de 2002 con la canción Vem é dé du vill ha quedado en 3ª posición y además
lanzaron el álbum 20 år med oss - Vem é dé du vill ha. En 2003 el trío se
presentó al Norsk Melodi Grand Prix con el tema Din hånd i min hånd terminando
en 4º lugar. También grabaron el disco en directo Live fråm Rondo.
En los siguientes años lanzó varios discos en solitario: A
couple of days in Larsville (2004), Short Stories (2005), Bettan country (2007)
y Grammy (2009). En 2009 lanzó el álbum Julenatt junto a Rein Alexander. En
2012 se presentó al Melodifestivalen con la canción Vaken i en dröm, no
consiguiendo clasificarse para la gran final. Ese mismo año lanzó el disco
Kärleken & livet - 13 sanger av Rolf Løvland. En 2015 se presentó al Norsk
Melodi Grand Prix junto a Tor Endresen formando el dúo Tor & Bettan con la
canción All over the world, acabando en 4º lugar.
Texto: José Mª Soto, "Taray". Abril de 2016.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Klinga mina
Klockor, o Suena mis campanas.
Raúl Soldi nació en Buenos Aires, Argentina, el 27 de marzo
de 1905, y murió en su ciudad, el 21 de abril de 1994. Artista plástico y
escenógrafo.
El sitio www.cultura.gob.ar
publicó este recordatorio.
Hace 26 años fallecía el artista Raúl Soldi, pintor,
escenógrafo y muralista, recordado como el artista de la armonía
Raúl Soldi nació el 27 de marzo de 1905 en la ciudad de Buenos Aires. Sus padres eran ambos músicos de profesión: Ángel era chelista e intérprete de obras líricas y Celestina, poseía un gran talento musical y su tío era luthier. El nombre con el que lo bautizaron sus padres está inspirado en la ópera "Los Hugonotes", de Giacomo Meyerbeer. La primera residencia de la familia fue en una casa ubicada al lado del teatro Politeama, en el centro, lugar al que Soldi asistió en ocasiones a ensayos de las funciones. De niño, construía pequeños escenarios de títeres, escribía y montaba obras de teatro. En su adolescencia, la familia se mudó al barrio de Villa Crespo y comenzó el interés de Soldi por la pintura:
"Recuerdo que la primer copia que hice fue sobre un cuadro de Quinquela Martín reproducido por Caras y Caretas" , rememoró el pintor.
Amante de la música, Soldi incursionó también en la poesía y el cuento. A los 16 años viajó a Europa. Estuvo en varias ciudades de Alemania, entre ellas, Hamburgo y Berlín. También visitó Austria y por último, a Italia, el país de origen de sus padres.
"Venecia me hizo pintor. En ese viaje visitamos Pinceto, el pueblo de mi madre. Me propusieron hacer un fresco en la capilla San Fermín, una capillita romántica del siglo XI. Pinté al fresco por primera vez, con mucha adrenalina, sobre su portal, la imagen del santo", recordó.
Al regresar a Argentina cursó en la Academia Nacional de Bellas Artes durante 3 meses, hasta que la familia decidió volver a Italia y de esta forma continuó su formación en la Academia Brera de Milán. Al terminar sus estudios, Soldi expuso su obra en Trieste y ganó el pirmero premio para pintores jóvenes con su “Retrato de un pintor Armenio”.
Escenografía de cine y teatro
En 1933, de vuelta en Argentina, comenzó a trabajar en
Argentina Sono Films realizando escenografías de películas. Llegó a trabajar en
más de ochenta producciones. Además decoraba las vidrieras de Harrod´s.
En el año 1940 ganó una beca para estudiar escenografía en los Estados Unidos. Allí además tuvo lugar una exposición sobre su obra, que fue muy bien recibida. A su regreso a Buenos Aires, sus pinturas circularon por varios salones del país con muy buenas críticas. A partir de 1945, trabajó en el diseño de escenografía y vestuario del Teatro Colón como "La Boheme", de Puccini. Ese mismo año se casó con Estela Gaitán, que trabajaba en Editorial Losada y había conocido años atrás. A ella le dedicó su obra, centrada en la figura de la mujer en forma de agradecimiento por su compromiso incondicional.
"Fue entonces que Estela me hizo comprender dónde estaba mi destino, me comprometió todo su apoyo ante previsibles contratiempos económicos, y con femenina decisión, esa que no admite replicas, me dijo – basta de cine, a pintar todo el día”
En 1953 decoró la cúpula de la Galería Santa Fe: la espiral consta de sesenta y tres figuras, reunidas en catorce escenas.
El 12 de Junio de 1957, la Academia Nacional de Bellas Artes lo designó Académico de Número y entre 1965 y 1970 ocupó el cargo de Prosecretario.
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| Detalle del mural en Galería Santa Fe |
En 1968, Soldi pintó al fresco un mural en Israel. Fue invitado por la Casa Argentina en Israel Tierra Santa. Se trata de un fresco de seis metros de alto por dos y medio de ancho junto a uno de los seis altares de la cúpula de la Basílica de la Anunciación en la ciudad de Nazareth, erigida sobre la ruta en que vivió la Sagrada Familia y donde transcurrió la infancia de Jesucristo. El trabajo le tomó sesenta días.
Soldi en Glew
Al conocer la localidad bonaerense de Glew, Soldi se
interesó particularmente por la Capilla de Santa Ana y dedicó veintitrés
veranos a pintar murales al fresco de la misma. En total son trece murales que
relatan episodios de la historia de Santa Ana, madre de la Virgen María. En
todos ellos utiliza el procedimiento renacentista al fresco (pared húmeda y
mezcla de color y caseína), exceptuando "Los trabajos domésticos de Santa
Ana", que utilizó el procedimiento al seco.
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| Capilla de Santa Ana en Glew (Página/12) |
En 1979, junto a su mujer, Soldi constituyó la Fundación Santa Ana de Glew, donde donó gran parte de su obra, que actualmente es la Fundación Soldi. Allí en la Fundación se encuentra la colección privada del artista y la Biblioteca Pablo Rojas Paz.
"Es una Fundación que también es Biblioteca Popular y centro de alfabetización para adultos. Nada de lo que he pintado, me ha dado tanta alegria como el ver a una señora de setenta años que, en una de las clases de alfabetización, escribió su primera carta a la familia radicada en Santiago del Estero. Pienso que es un poco la obra de mi vida y gracias a mi mujer, que fue la de la idea, la hemos llevado a cabo", dijo el pintor
En el año 1971 realizó un mosaico en la iglesia de San Isidro Labrador. Dos años más tarde, su obra Santa Ana y la Virgen ingresó a la galería de Arte Sagrado del Vaticano. En 1976, Soldi pintó veintiún paisajes en el campo y murales en la Plaza San Martín de la localidad bonaerense de Tres Arroyos. Soldi realizó múltiples exposiciones en Buenos Aires, Córdoba, Santa Fe, La Plata, Tucumán y Rosario. También exhibió sus obras en México, Paraguay, Francia y Rumania.
Publicaciones ilustradas
Soldi formó parte de la colección de Eudeba "Arte para
todos", en la publicación "Cuentistas y pintores" junto a Berni,
Seoane, Castagnino, entre otros artistas que ilustraron relatos biográficos,
poemas, cuentos, refranes con xilografías, dibujos a tinta y técnicas mixtas.
Además, el artista ilustró "Cuentos fantásticos", de Edgar Allan Poe, "20 poemas de amor y una canción desesperada", de Pablo Neruda," Juvenilia", de Miguel Cané y Revista Proa.
La pintura sensible
Algunos de los aspectos que la describen son: abandonar el
dibujo minucioso de la época y hacer mayor hincapié en el color. Se trata de
una técnica se enfoca más en el color que en la forma y se basa en la
introspección, la cotidianeidad y la expresión de matices figuras estilizadas y
sutilmente deformadas que responden a una clara concepción bidimensional.
La línea se suele utilizar en arabescos. En la producción de Soldi aparecen bodegones en los que las frutas y las flores estallan de color, armonía y belleza, así como pequeños paisajes donde se aprecia una pincelada muy suelta.
Cúpula del Teatro Colón
Manuel Mujica Lainez, escritor amigo del artista, fue quien
lo recomendó para restaurar la cúpula del Teatro Colón, trabajo que Soldi
comenzó en 1966.
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| Cúpula del Teatro Colón, Buenos Aires Ciudad |
Allí representó la vida teatral: músicos con sus instrumentos y actores intercambiándose las máscaras de la tragedia y la comedia. El mural mide veintidós metros y son cincuenta y tres figuras en cuatrocientos metros cuadrados. Fue pintado en dos meses. Son 320 metros cuadrados. Está hecha de tirantes y yeso belga muy antiguo que, al fraguar, forma una materia semejante a la madera, secreto de su acústica.
Yo pinto música, el músico que nunca pude ser. Me crié en un conventillo que daba sobre el teatro Politeama. Viví con bailarinas, músicos, actores. Me metí en el teatro y en la música desde siempre.
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| La hamaca, MNBA |
En 1983 inauguró el mural de Santa Magdalena, en Castelar. En 1989 realizó el mosaico “Camerata Bariloche” que fue emplazado en el museo del Parque de Portofino, Italia. En 1990 la Galería de Arte Moderno de Milán incorporó a su colección un autorretrato de Soldi.
El artista realizó un mosaico destinado a la Fundación Favaloro en 1991. El Palais de Glace rindió homenaje a Soldi en 1992 exponiendo más de doscientas diez obras. La muestra fue visitada por más de 500.000 personas.
Su patrimonio
Soldi pintó más de 3000 óleos, acuarelas, pasteles y
litografías que integran el patrimonio de instituciones como la Galería Uffizi,
en Florencia, el Museo Vaticano y el Museo Nacional de Bellas Artes. Las
temáticas en las que incursionó durannte toda su vida fueron los paisajes, los
desnudos, las naturalezas vivas.
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| Doodle de Google en homenaje a 114 años de su nacimiento |
Quiero que mi pintura tenga un efecto sedante para el alma; que transmita paz, tranquilidad y, sobre todo, poesía.
Fuentes consultadas: La Nación, Página/12, Revista Sudestada, Clarín, Academia Nacional de Bellas Artes, MNBA.
Avelino Flores, más conocido como Nini Flores, nació en Corrientes,
Provincia de Corrientes, Argentina, el 26 de marzo de 1966, y murió en su ciudad
el 7 de agosto de 2016. Acordeonista, bandoneonista y compositor.
El sitio www.lacapital.com.ar
publicó este recordatorio.
Adiós a Nini Flores, todo un emblema del chamamé
El acordeonista murió ayer a los 50 años. Junto con su
hermano Rudi formaba un dúo que difundió la música del Litoral en todo el
mundo.
9 de agosto 2016
El acordeonista, bandoneonista y compositor Nini Flores, uno
de los más notables artistas del chamamé, fue hallado sin vida ayer en su
vivienda de la capital correntina, informaron allegados al músico de 50 años.
La Justicia atribuyó el fallecimiento a un paro cardiorespiratorio no
traumático, una muerte súbita. Nini provenía de una familia chamamecera y junto
a su hermano, el guitarrista Rudi, formaba desde 1984 un exquisito dúo
instrumental. El músico deja, al mismo tiempo, una temprana y dolorosa
ausencia, pero también señales de un camino posible para que el género pueda
desplegarse.
Nini nació el 26 de marzo de 1966 en Corrientes, cinco años
después que su hermano Rudi, guitarrista con el que desde 1984 construyó un dúo
instrumental con el que registró ocho álbumes, combinando músicas propias y
certeras versiones. A ese repertorio Nini le aportó composiciones solistas como
"Refugio de soñadores", "Corrientes norte", "Noches de
San Antonio", "Añorando" y "Un vals en París".
Ambos músicos tuvieron una cuna musical excepcional, ya que
el padre de ambos, Avelino Flores, fue un destacado bandoneonista y autor. El
acompañó a sus hijos en una gira europea en 1994, que determinó que Rudi y Nini
se radicaran en Holanda.
Tanto en Europa como en la Argentina, los Flores mostraron
que la música del Litoral era un territorio mucho más rico y amplio que el que
la propia escena folclórica local le asignaba. Desde esas márgenes al que el
chamamé parecía condenado, Nini y Rudi, al igual que Raúl Barboza o Chango
Spasiuk, por citar a algunos, regalaron maravillosas pruebas de su capacidad
estética, tanto desde la tradición como desde posibles fusiones con otros
géneros.
Promediando la década pasada el acordeonista decidió
regresar de Francia para radicarse en Corrientes, y empezó a trabajar
fuertemente a nivel local. Nini armó un grupo desde el bandoneón con la
cantante Verónica Noguera y el guitarrista Facundo Rodríguez, participó en 2013
del Festival de Tango de Buenos Aires, acompañó al tenor español José Carreras
en su visita a Corrientes y junto a Aldy Balestra impulsaba el Festival de
Invierno de Chamamé.
Pero su principal actividad fue la conformación de un
quinteto para el que convocó a Juan Pablo Navarro (contrabajo), Matías Martino
(piano), Guillermo Rubino (violín), Facundo Rodríguez (guitarra) y Verónica
Noguera (voz). "El violín es un instrumento que pertenece a la historia
del chamamé y que sin embargo se fue dejando de lado. Eso era algo que quería
recuperar y que empujó la idea del nacimiento del quinteto, porque el legado
del violín encaja perfectamente con la sonoridad de este lenguaje",
explicaba Nini acerca de esa experiencia.
Decidido a seguir caminando y sonando para mostrar las
posibilidades expresivas del chamamé y las músicas del Litoral, Nini quería
grabar su aventura con el quinteto y en septiembre iba a volver a coincidir con
Rudi en la primera edición de "Experiencia Piazzolla", una muestra
sobre el genial tanguero que tendrá por sede a la Ciudad Cultural Konex.
A través de las redes sociales, los músicos lamentaron ayer
la muerte de un emblema de chamamé. Y no casualmente varios utilizaron la
expresión "músico inmenso" para referirse a él. "Es un día
triste. Nos ha dejado Nini Flores, uno de los músicos más inmensos del
Chamamé", escribió Chango Spasiuk en Twitter. Por su parte, el
armoniquista Franco Luciani expresó: "Difícil de creer. Un músico inmenso.
Un tipo divino. Qué lástima...Te vamos a extrañar y a recordar siempre
Nini!". La guitarrista y compositora Cecilia Zabala también señaló:
"Qué triste noticia. Nini querido, músico inmenso, te vamos a
extrañar". Desde el universo chamamecero, Las Hermanas Vera aportaron que
"se fue el Maestro del fuelle que cambió y creó una generación
impresionante".
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con un clásico del repertorio: Kilómetro 11.
El sitio www.apoloybaco.com
publicó este recordatorio.
Cecil Taylor.
Pianista, y compositor, Cecil Taylor (Nueva York, 25 de
marzo de 1929 – ibídem, 5 de abril de 2018),
tenía en su sangre inoculado
el mestizaje que después
musicalmente explotaría. Su
padre originario del sur, era cocinero y sirviente de un senador y su madre era
india y los abuelos escoceses. Desde 1938 estudia música bajo la dirección de
una profesora de piano, con quien aprende los conceptos de la música clásica. Más
tarde estudia percusión, con músicos de la NBC Symphony Orchestra. En 1951, se
marcha a Boston, donde tiene familia y al año siguiente se inscribe en el New
England Conservatory. Durante tres años estudia arreglos y armonía. Es por esta
época cuando descubre el bebop. Conoce a los mejores jazzmen de Boston: Gigi
Gryce, Jaki Byard, Charlie Mariano, Sam Rivers y Serge Chaloff, y en 1951
cuando, en el club Hit Hat, ve por primera vez a Charlie Parker.
Cecil Taylor, siempre citó entre los pianistas que le
influenciaron a Lennie Tristano, Bud Powell, Mary Lou Williams (con quien
tocara en dúo veinticinco años mas tarde en 1977 en el Carnegie Hall), Horace
Silver y Thelonious Monk. A partir de 1952, empieza dar cuerpo a la idea de
formar sus propios grupos pero mientras tanto, forma parte brevemente de la
orquesta de Johnny Hodges y toca con el saxofonista soprano, Steve Lacy, a
quien incluso da clases como complemento importante de sus fuentes de ingresos.
En 1957, es contratado en el club Five Spot para acompañar al
violinista-multiinstrumentista, Dick Whitemore y el club se pone de moda entre la
vanguardia jazzística. A principios de los años sesenta, además de participar
en la obra «The Conection» con Archie Shepp, comienza a trabajar con el
saxofonista Jimmy Lyons y el baterista Sunny Murray, que le acompañan a Europa
(1962).
De regreso a Nueva York, toca por última vez con Albert
Ayler en el Lincoln Center (1963). En 1966 firma dos álbumes en sexteto para el
sello Blue Note, entre ellos, el que está considerado su obra maestra, el
titulado «Conquistador». Cecil Taylor no tuvo fácil el que las compañías
discográficas aceptaran su música por la evidente falta de comercialidad del
freejazz, y eso le obliga, a principios de los años 70, a crear su propia
compañía, la Unit Core. Se dedica a la enseñanza y colabora con bailarines y
coreógrafos, entre otros con Mijail Baryshnikov (1979); realiza conciertos con
el baterista Max Roach (1979); un «All Star International» (1984) compuesto por
Enrico Rava, Frank Wright, John Tchicai, Andre Martínez, etc. Y con el Art
Ensemble Of Chicago (1985). Energía, percusión, movimiento o danza: tres
constantes que se esfuerza en dominar, con el fin de lograr perfección en el
momento de la improvisación. Particularmente cuando toca en solitario, emplea
un modo de desarrollo, de expansión, por acumulación y efectos de aceleración,
subrayando así la idea de una «danza» sobre el teclado.
Cecil Taylor, esta unánimemente considerado, como uno de los
fundadores y máximos exponentes del freejazz; su pianismo es al mismo tiempo un
derroche de virtuosismo, una demostración de fuerza con el piano y hacia el
público, y de una intensidad extrema.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con un fragmento de una
presentación en vivo con su trío en 1995.
Shalom – Hoy celebramos Purim
La historia de Purim transcurrió en Persia hace 2300 años,
el libro de Esther cuenta cómo una serie de eventos aparentemente no
relacionados se hilaron para salvar al Pueblo Judío de la aniquilación. Hoy
conoceremos las costumbres principales que caracterizan esta festividad.
Hacé click en el enlace para ver el programa.
https://www.rtve.es/play/videos/shalom/hoy-celebramos-purim/16029826/
El sitio www.hanna-barbera.fandom.com
publicó este recordatorio.
Joseph
Barbera
Joseph Rowland "Joe" Barbera (24 de marzo de 1911
- 18 de diciembre de 2006) fue un animador estadounidense y socio menor de
Hanna-Barbera Productions.
Biografía
Barbera nació en el Lower East Side de la ciudad de Nueva
York en el seno de una familia de inmigrantes italianos. Como estudiante en una
escuela católica romana, Barbera mostró un talento natural para el dibujo y se
le asignó dibujar escenas religiosas simples en una pizarra.
En la escuela secundaria, Barbera también desarrolló su
talento como escritor y actor. Después de un período sin recompensa procesando
declaraciones de impuestos sobre la renta para un banco, Barbera había
establecido una carrera como dibujante de revistas. De las caricaturas impresas
pronto cambió a la animación. Al igual que su futura pareja, el primer trabajo
de Barbera en la animación fue como pintor de cels para los Fleischer Studios.
Barbera luego trabajó en los estudios de animación Van
Beuren, una extensión del estudio de Paul Terry. Poco después, el estudio Van
Beuren cerró y Barbera consiguió un puesto con el propio Terry. A partir de
ahí, Barbera fue contratado por la nueva unidad de animación de
Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), donde inició una sociedad con William Hanna.
Hanna y Barbera trabajaron juntas por primera vez en
"The Captain and the Kids", una serie de cortometrajes de dibujos
animados basados en la
popular tira cómica homónima de periódicos. "The Captain and the
Kids" tuvo una recepción
bastante pobre, pero Hanna y Barbera encontraron un mayor éxito con Tom y
Jerry. Los dos también producirían siete cortometrajes animados de Droopy.
En sus últimos años, Barbera fue caricaturizado en el
episodio "Bravo Dooby Doo" de la serie de Johnny Bravo y produjo el
cortometraje "The Mansion Cat" de Tom y Jerry para Cartoon Network. También fue productor ejecutivo de
What's New Scooby-Doo?, Shaggy & Scooby-Doo Get a Clue!, The Karate Guard y
Tom and Jerry Tales de Warner Bros. Animation y Warner Bros. Television.
Fallecimiento
En 2006, Barbera falleció por causas naturales a la edad de
95 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con este video realizado por Hecho de Cine, en el que cuenta la historia de
Hanna Barbera. El estudio de animación que cambió la TV. En este video les
contamos la historia de Hanna Barbera, el estudio de animación que presentó
muchas de las series que todos amábamos. ¿Cómo se originó? ¿Cómo se conocieron
estos dos amigos? ¿Cuáles fueron sus mayores éxitos? Acompañanos en este video
a responder todas estas preguntas.
Redacción, locución y producción: Martín Morales
Edición y producción: Sebastián Piantoni
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