José Narosky fue escribano hasta que se convirtió en el dueño de los aforismos: creó 17.000 y, a los 92 años, sigue escribiendo

El sitio www.lanacion.com.ar publicó esta entrevista realizada por Malú Pandolfo. 

LA NACION>LA NACION Revista

José Narosky fue escribano hasta que se convirtió en el dueño de los aforismos: creó 17.000 y, a los 92 años, sigue escribiendo

Sus frases favoritas y el aforismo más exitoso de su carrera: de diez personas a las que les pregunta, ocho eligen el mismo

18 de octubre de 202207:30

Malú Pandolfo

PARA LA NACION

Jose Narosky publicó 12 libros y lleva vendidos más de un millón de ejemplares Alejandro Guyot

Ningún hombre cambia, pero muchos se quitan la máscara.

Te amo si estando contigo ya te extraño.

Mientras te espero ya estoy contigo.

El amor es la única locura compartida.

Tengo pocos amigos, pero, ¡cuánta amistad tengo!

Universales y eternos, los aforismos de José Narosky invadieron agendas y corazones de generaciones de adolescentes que se identificaban con estas frases cortas que expresan sentimientos comunes a todos y que dejan una reflexión en el alma. Hoy como siempre sus pensamientos plasmados en frases siguen vigentes. Y el autor sigue escribiendo.

Su lista de aforismos sigue, no hasta el infinito, pero sí hasta los 17.000 y su autor los tiene numerados. ¿El más popular y, a su vez, el preferido del propio Narosky? Hay quien arroja un vidrio roto sobre la playa, pero hay quien se agacha a recogerlo. “En una oportunidad tomé un taxi en la puerta de mi departamento. El taxista me reconoció -la mayoría no me reconoce, pero ése si-. Y me dice: “yo sé aforismos de memoria”. “¿A ver si se lo adivino? Hay quien arroja un vidrio roto sobre la playa, pero hay quien se agacha a recogerlo”, le dije. Significa el mal y el bien. El taxista frenó frente al Museo de Bellas Artes. “No puede ser, usted es mago”, lanzó. Me preguntó cómo sabía”.

Narosky con Jorge Luis BorgesAlejandro Guyot

“Yo tenía publicados ya diez libros -ahora son doce-. A trescientos por libro, eran tres mil aforismos. Lo supe porque de diez personas a las que les pregunto, ocho eligen ese aforismo. Es el que más gustó a la gente. El segundo es tantos siglos de civilización y no aprendimos a abrazarnos”, afirma José Narosky en el luminoso living de su departamento, de un piso alto con vista al río y al Club de Pescadores, donde recibe a LA NACION revista.

¿Qué es un aforismo? Máxima o sentencia que se propone como pauta en alguna ciencia o arte, define el diccionario de la Real Academia Española.

Enamorado de los aforismos desde los siete años, el escritor los coleccionó en su infancia y comenzó a escribirlos desde joven, para nunca más detenerse. Hoy, en doce libros hay publicados 3600. A sus 92 años el escritor está activo, lúcido y reflexivo, revelando apenas una dificultad para ponerse de pie, producto de una caída reciente. ¿El secreto de su vitalidad? “Siempre fui disciplinado. Jamás probé una gota de alcohol, no fumé y hago régimen de comida siempre sano desde hace 40 años. Sigo escribiendo, menos que antes, pero sigo. Sin un horario. A veces vienen las ideas y las escribo. Como los músicos”, dice.

La asociación de su propio trabajo con el trabajo del músico fue una constante durante la charla. Admite que algún hecho puntual puede ser el disparador de un aforismo. “De un amigo que estaba muy enfermo y se estaba por morir, pero respiraba todavía, nació un aforismo. ‘Respira todavía’, dijo el médico y yo escribí: respirar no es vivir”, cuenta. Sin embargo, generalmente sus aforismos son producto de la inspiración. “¿Cómo le aparece a un músico la música? No es una respuesta coherente, pero no tengo otra y creo que es la realidad”, asegura. Inquieto, Narosky continúa haciendo cosas para mejorar. Por ejemplo, hizo un curso, antes de la pandemia, para conseguir una lectura espontánea para que, en sus participaciones radiales, todo aquello que tuviera que leer no pareciera leído sino producto de la charla espontánea.

¿El secreto de su vitalidad? “Siempre fui disciplinado. Jamás probé una gota de alcohol, no fumé y hago régimen de comida siempre sano desde hace 40 años" Alejandro Guyot

Su pasión por los aforismos nació en su infancia. Todo empezó en La Pampa, cuando tenía siete años. Su padre fumaba unos cigarrillos que traían un vale de cartón que se coleccionaba y, una vez conseguidos diez, se canjeaban por un atado gratis. Los vales traían escritos aforismos “que yo no entendía, pero le robaba a mi padre el cartoncito, como otros pibes juntan jugadores de fútbol o artistas de cine. Pero, a los siete años no entendía lo que decían. Es decir, en el hombre que somos está el niño que fuimos. En el hombre que somos están todas las características que tenemos los seres humanos adultos, pero estaban en germen desde chicos. El que dibuja bien una muñequita en el cuaderno, va a ser buen dibujante”, reflexiona.

Buen estudiante, cuando llegó el momento de definir su futuro, el padre de Narosky tuvo una influencia en la elección del hoy escritor. “Mi padre era vecino de un escribano. Veía que él estaba todo el día en un club, era muy rico y hacía una buena vida, tenía un lindo auto. Entonces, a papá Derecho le pareció una linda carrera. Para hacerle caso a mi papito estudié una carrera que no me gustaba. Y me fue bien también. Había que ser decente y nada más”, cuenta el escritor que durante muchos años tuvo éxito en su carrera como escribano. Pero el escribano ya escribía aforismos. “Yo escribí aforismos siempre. Sentía una atracción por las frases cortas y por las diferencias que tenía el aforismo con el refrán. El aforismo tiene autor, el refrán es anónimo. Los dos dejan una enseñanza, es la pretensión del escritor. Dejar una reflexión para dejar pensando al lector”, apunta Narosky, que diferencia también al aforismo del adagio que implica un consejo corto.

Quino, Garaycochea y Caloi con José Narosky Alejandro Guyot

Los sentimientos como el amor, la amistad y la bondad disparan sus famosas frases. Son sentimientos eternos que persisten a través del tiempo y que encierran principios comunes a todos. “La pretensión del escritor, en general, es dar una enseñanza. También el escritor tiene mucho por aprender. Lo tiene este escritor que habla ahora. Hay una pretensión de dar un mensaje positivo. De la mujer, no eres la única mujer, pero eres única. O de la amistad, no es amigo quien ríe mi risa, sino quien llora mis lágrimas”, agrega.

• La verdadera hermandad no requiere lazos de sangre.
• La naturaleza es más feliz que el hombre porque su primavera siempre regresa.
• Muchos son el barniz y pocos son la madera.
• Si siento que te quiero, no necesito saber por qué te quiero.

Narosky se convirtió en escritor cuando escribió su primer aforismo, mientras trabajaba en televisión. “Yo ya estaba en televisión y en radio cuando escribí un libro. Hacía cosas pequeñas, nunca fui una estrella. Se vendieron muchos libros y poco a poco fui dejando la profesión de escribano y dedicándome a los aforismos. Ganaba menos, pero me sentía más rico”, confiesa en lo que podría ser, justamente, un aforismo. Con el seudónimo Hugo Nardi, Narosky participó de programas televisivos como Nuestros valores, Sobremesa con Crespi y Si todos los hombres…, mientras que en radio fue parte del programa Pinceladas humana en Radio Splendid y del radioteatro La piel de Buenos Aires.

Cuando nació la inquietud de publicar un primer libro, Narosky tomó un representante. “Un absurdo, un escritor nuevo no necesita representante”, afirma con la experiencia de los años y de los libros editados exitosamente. El primer libro, el más vendido de todos, Si todos los hombres..., fue publicado por una editorial chica. También el más editado, cuenta con más de 20 ediciones.

“Encontré cosas raras y renuncié a esa editorial”, cuenta enigmáticamente sin más detalles. Entonces, fueron las editoriales quienes comenzaron a buscar al autor. “De los 12 libros que tengo, seis los hizo Planeta, la editorial más importante del país y del mundo. Los escritores penan por conseguir una editorial, que gasta miles de pesos si hay garantía de venta. Conmigo tenían garantía de venta”, asegura. Hoy, con 12 libros publicados, lleva vendidos más de un millón de ejemplares. ¿Su público? “Mis lectores son muy diversos. No es una clientela determinada. A veces me critican que mis libros son demasiado vulgares. Si vulgar y simple constituye un sinónimo, es para muchos”, acota.

Si todos los hombres... fue su libro más editado, cuenta con más de 20 ediciones Alejandro Guyot

El suceso de Si todos los hombres... fue absolutamente inesperado. El libro fue publicado en 1975 y recibió buenas ciríticas de medios nacionales e internacionales. Y fue el momento oportuno para Narosky para abandonar la profesión de escribano. El repentino éxito lo sorprendió y aún hoy no sabe cuál fue el secreto. “Quizás un secreto parcial es que llega a todos los públicos: mujeres, hombres, chicos, grandes. Algunos lo han juzgado de vulgar. Quizás son vulgares, simples. No me molesta. Un día estaba escuchando Radio Rivadavia, que en aquel tiempo era número uno. Carrizo le preguntó a Mujica Láinez qué le parecían los libros de Narosky. “No, eso no es literatura, es una cosa muy barata, muy simple”, opinó el escritor. “¿Le parece?, se vendió tanto”, contestó Carrizo. “Así es el público argentino”, continuó Mujica Láinez. “¿Hace mucho que lo leyó?”, indagó Carrizo. “No, yo no lo leí. Un compañero mío que me merece mucha fe me dijo que ese libro no tiene valor”, justificó. Tal vez no lo tenga, no lo sé. Pero se vendieron un montón de ediciones”, remata Narosky.

Hoy, según Narosky, hay 200 escritores de aforismos. A quien desea dedicarse a este género, le recomienda que “si siente la pasión, el empuje, el instinto, puede escribir. No sé cuál es el misterio para las ventas. Yo no me siento un gran escritor, de ninguna manera. Un escritor con suerte, sí”, añade.

En tantos años de éxito le sobran anécdotas. Como una sobre la timidez, una característica de su personalidad que, asegura, lo manejó hasta que pudo enfrentarla. “Yo estudiaba escribanía en la Facultad de Derecho. En una ocasión un compañero mío, con el que habíamos dado varias materias, se recibió. Cuando se recibió bajamos al comedor de la facultad con 20 compañeros. Y alguien dijo que yo hablara. ¿Qué yo hablara en público? Ahí me di cuenta de la desventaja de la timidez, que no me dejaba ni eso, hablar con los compañeros. Ese día renuncié a ser tímido. A tratar. Más tarde viajé por casi todos los países de América y fui invitado por casi todas las provincias. Todo eso me dio un poco de coraje. Si yo llego a un lugar y me recibe el intendente y diez personas más de la comitiva, ya no puedo ser tímido. Quedo mal, parezco orgulloso. Hice el esfuerzo hasta que no fuera más esfuerzo”, se sincera.

Alejandro Guyot

En otra ocasión, el hecho de ser conocido le abrió las puertas para conocer a alguien a quien admiraba. “Una vez me internaron en la Fundación Favaloro para una revisión y tenía que quedarme dos o tres días. Pregunté si vendría el doctor Favaloro a verme. Me dijeron que no porque no visitaba pacientes. A las dos horas golpearon la puerta y era Favaloro, de visita. Yo lo había visto en un programa de televisión en el que éramos varios, nada más. Entró y me dijo: ‘vengo a escucharlo a usted, no vengo a ver al enfermo’. Era muy sencillo, una gran persona”.

Hoy, José Narosky sigue escribiendo, siguiendo los pulsos de su corazón, sin imponerse días ni horarios. Tiene libros escritos sin publicar, aunque asegura que no tiene ganas de hacerlo por asuntos personales.

Además de aforismos, el autor escribió también otras cosas, aunque nunca las publicó. “En primer año del Colegio Nacional, una profesora de castellano nos mandó hacer un resumen de El capitán Veneno. Cuando lo entregamos, me puso un 10 y me llamó. Me pidió un favor y también reserva porque tenía tres hijos y un marido enfermo sin trabajo y a ella, con tres cátedras no le alcanzaba el tiempo. Me pidió que corrigiera las pruebas de mis compañeros porque yo no tenía faltas de ortografía. Mi madre nos inculcó el gusto por leer. Entonces, yo corregía las pruebas de mis compañeros y los jueves iba a la casa de la profesora. Ella me convidaba con un té y masitas y yo sentía orgullo. Ella me decía que yo no era escritor, pero que iba a serlo. Un chico que recibe ese piropo se siente Borges”, confiesa Narosky.

El escritor que afirma que escribir es una vocación, creó una cuarteta para su mujer: Amor me diste adolescente y pura; hijos me diste restándote hermosura; calor me diste en la edad madura; vida me diste porque eres ternura. “No tengo poemas escritos. Este se lo dediqué a ella cuando se enfermó. Está enferma. Me inspiraron un poco la pena y el sentimiento que tengo y que la quiero igual que cuando estaba sana”, revela. Inagotable, el maestro de los aforismos todavía tiene mucho por enseñar.

Malú Pandolfo

El Mirador Nocturno – Radio / Música Programática - Ottorino Respighi, Poema sinfónico Los Pinos de Roma; Serguéi Rachmáninov, Poema sinfónico La Isla de los Muertos en La Menor Op. 29; Felix Mendelssohn, Fragmentos de la música incidental de El Sueño de una noche de verano en Mi Mayor Op. 61.

Hoy les presento el 3º programa de La Música de Todos Los Tiempos, dedicado a la Música Programática, de Ottorino Respighi, el Poema sinfónico Los Pinos de Roma; de Serguéi Rachmáninov, el Poema sinfónico La Isla de los Muertos en La Menor Op. 29; y de Felix Mendelssohn, Fragmentos de la música incidental de El Sueño de una noche de verano en Mi Mayor Op. 61.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Bobby Troup

Robert Wesley Troup Jr., más conocido como Bobby Troup, nació en Harrisburg, Pennsylvania, Estados Unidos, el 18 de octubre de 1918, y murió en Sherman Oaks, California, Estados Unidos, el 7 de febrero de 1999. Actor, pianista, cantante, compositor y director de orquesta.

El sitio www.kripkit.com publicó este recordatorio.

Bobby Troup

Robert W. "Bobby" Troup Jr. (18 de octubre de 1918 - 7 de febrero de 1999) fue un actor, pianista y cantante y compositor estadounidense, mejor conocido por componer la canción (Get Your Kick On) Route 66 y por aparecer en la serie de televisión Emergency Squad.

Nacido en Pensilvania, estudió economía antes de embarcarse, a principios de la década de 1940, en una carrera como músico. Uno de sus primeros éxitos, Daddy, fue grabado por Sammy Kaye, las Andrews Sisters y Frank Sinatra con Connie Haines. En 1942 se casó con Cynthia Hare por primera vez. En 1946 Nat King Cole alcanzó el éxito con una canción escrita por Troup, a saber (Get Your Kicks On) Route 66, una canción que fue reinterpretada en los años siguientes por Rolling Stone, Chuck Berry y Depeche Mode (lado B de Behind the Wheel). En 1954 se divorció de su primera esposa, con quien tuvo dos hijos, y en diciembre de 1959 se casó con Julie London, con quien permaneció vinculado hasta su muerte. En 1955 produjo otro éxito llamado Cry Me A River. En el mismo año apareció en el programa de televisión Musical Chairs. Durante la década de 1950 grabó para varios sellos como RCA Records y colaboró con muchos músicos de jazz de la Costa Oeste. También en los años 50, como actor, participó en varias películas como los cinco centavos, el alto precio del amor, el número uno y el ritmo diabólico. También escribió la canción The Girl Can''t Help it (cantada por Little Richard) en la película del mismo nombre. En 1969 colaboró con Tommy Leonetti para Mi ciudad de Sydney. En 1970 protagonizó la película M. A. S. H. en el período 1972 - 1979 interpretó al Dr. Joe Early en la serie de TELEVISIÓN Emergency Squad, actuando en los más de 120 episodios. Murió en febrero de 1999 en Los Ángeles.

A continuación, recordamos a Bobby Troup en el día de su nacimiento, con su interpretación de Route 66, y la versión de The Manhattan Transfer, en vivo en el Java Jazz Festival 2008.

Shinichi Suzuki

Shinichi Suzuki nació en Nagoya, Japón, el 17 de octubre de 1898, y murió en Matsumoto, Japón, el 26 de enero de 1998. Violinista y pedagogo.

El sitio www.tusclases.com.ar publicó este artículo firmado por Ezequiel Macias.

El aporte de Shinichi Suzuki a la educación musical

Shinichi Suzuki es sin duda, uno de los nombres que aparece a la hora de investigar acerca de metodologías alternativas en la educación musical, y más especialmente, la educación musical en la temprana edad. El aporte de sus brillantes ideas ha abierto la puerta de un nuevo enfoque en la enseñanza, que junto a otros destacados maestros como el húngaro Zoltán Kodaly, echan luz sobre las bellas y naturales formas de inculcar la música a los niños de todo el mundo.

Bien conocido es el "Triángulo Suzuki", el cual está conformado por maestro, padre (o tutor) y alumno. En este sentido, se le otorga una relevancia a la figura, generalmente paterna o materna, que acompaña la formación musical del alumno, con el fin de crear lazos de confianza, familiaridad, y a su vez involucrar activamente al tutor en el proceso educativo, a través de presenciar las clases, conversar sobre los puntos fuertes y débiles del alumno, las tareas, la asistencia a conciertos, etc.

Otro aspecto fundamental, es la importancia del "medio ambiente" en torno al aprendizaje. Suzuki asume que es vital la creación de un contexto apropiado para el desempeño del alumno, tanto en las clases como en las prácticas en casa. Un elemento que entra en juego en este plano, es la audición, tanto del material de estudio (piezas musicales) como de música en general, ya sea en forma grabada o en vivo (asistencia a audiciones y conciertos). Una práctica muy productiva es, en ocasiones, invitar a otros alumnos a presenciar una clase, o la formación de pequeños conjuntos de cámara; por ejemplo, y en su forma más primaria: un dúo de piano a cuatro manos.

Para comprender la filosofía de éste método, hay que trazar un paralelismo entre la música y el propio lenguaje materno. Es decir, así como aprendemos a hablar nuestro idioma, aprendemos a tocar un instrumento. Un claro ejemplo de ésto es que en el propio aprendizaje de la lengua materna, en primera instancia comenzamos a producir fonemas, palabras aisladas, luego frases, expresiones y finalmente oraciones de mayor complejidad. Luego recién, llevamos ese mundo sonoro a la escritura y la lectura. El mismo procedimiento se emplea con el Método Suzuki en el aprendizaje de la música, independientemente de cual sea nuestro instrumento escogido.

Quienes deseen ahondar más sobre la figura del Dr. Suzuki y su filosofía, les recomiendo con mucho entusiasmo la lectura del libro "Hacia la Música con Amor" (Shinichi Suzuki).

Shalom – La American Jewish Committe nos visita

Shalom – La American Jewish Committe nos visita

La American Jewish Committe es una de las organizaciones más veteranas en el mundo judío que trabaja no solamente por los derechos del Pueblo Judío sino que lucha en contra de cualquier tipo de discriminación. SHALOM tuvo la oportunidad de conversar con algunos de sus miembros.

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/american-jewish-committe-visita/6714480/

Charles Coypeau d'Assoucy

Charles Coypeau d'Assoucy o Dassoucy nació en Prís, Francia, el 16 de octubre de 1605, y murió en su ciudad, el 29 de octubre de 1677. Poeta y músico.

El sitio www.hmong.es publicó este recordatorio.

Charles Coypeau (16 de octubre de 1605 París - 29 de octubre de 1677, París) fue un músico francés y poeta burlesco. A mediados de la década de 1630 comenzó a usar el nom de plume D'Assouci o Dassoucy.

La vida

Desde los ocho o nueve años, Charles Coypeau comenzó a huir de casa. Luego, su padre lo colocó en el Colegio Jesuita de Clermont, donde adquirió una sólida educación en los clásicos y la doctrina cristiana; pero el chico siempre se escapaba para observar a los titiriteros y los organilleros del Pont-Neuf. Estos contactos con intérpretes y músicos fueron un factor importante en la formación del talento musical y poético de Charles, y alentaron su inclinación por lo "burlesco".

Cuando tenía 17 años, Charles había dejado París y había comenzado su larga vida de vagabundeo, ganándose la vida componiendo, cantando para las élites locales y enseñando el laúd. A mediados de los 20, aparentemente se había dirigido a Italia; a principios de la década de 1630, dominaba el teorbo italiano, un instrumento aún raro en Francia.

En 1630, mientras estaba en Grenoble, Charles conoció a Pierre de Nyert , el talentoso cantante. Poco después, se fue a Inglaterra y actuó en la corte de Carlos I, y luego en los Países Bajos, donde tocó y cantó para la exiliada Marguerite de Lorraine, duquesa de Orleans. En 1636, Charles, que ahora se hacía llamar "Charles Coypeau, señor de Assoucy" (o simplemente "d'Assoucy"), vivía en París. Presentado a Luis XIII, pronto entretuvo a la corte francesa y escribió poemas para la familia real. Durante más de una década, d'Assoucy participó en numerosos conciertos de la corte, después de haber sido nombrado "músico ordinario del Rey" (musicien ordinaire du Roi).

En 1642, conoció a Claude-Emmanuel L'Huillier, conocido como "Chapelle", el hijo natural de un rico financiero. A través de esta conexión con los L'Huilliers, d'Assoucy se convirtió en parte de un grupo de "espíritus libres" (libertinos) en torno al filósofo Pierre Gassendi. Otros miembros del círculo eran Cyrano de Bergerac, Tristan l'Hermite, Saint-Amant, Paul Scarron y un joven dramaturgo que se hacía llamar "Molière". Saint-Amant y Scarron ya habían introducido en Francia la parodia o parodia burlesca, un género poético distintivo escrito en coplas de rima de ocho sílabas salpicadas de juegos de palabras y alusiones eróticas, que trataban temas mitológicos o históricos de una manera cómica, en lugar de la habitual heroicidad, o manera épica. D'Assoucy pronto escribió en este estilo "burlesco": su primera parodia fue Le Jugement de Pâris (1646-1647); El segundo fue Ovide en belle humeur , una parodia de Ovid 's Métamorphoses (1649).

D'Assoucy se mantuvo activo musicalmente. En 1647, tocó theorbo en Fontainebleau con un grupo de músicos italianos para el Orfeo de Luigi Rossi . En 1648, el Théâtre du Marais le pidió que pusiera música a los aires de La grande journée ou le mariage d'Orphée et Eurydice, una pièce à machines ("juego con máquinas"), que es una obra de teatro con música, baile y especial efectos. Pierre Corneille le encargó que escribiera música para Andromède (1650), un "juego con máquinas" (pièce à machines), y d'Assoucy fue aclamado como "uno de los maestros más famosos del arte [musical]". Ese mismo año vio la creación y publicación de Les Amours d'Apollon et de Daphné de d'Assoucy, la primera comédie en musique, un nuevo género que fue el precursor de las óperas en francés que Lully comenzaría a escribir a principios de la década de 1670.

A finales de la década de 1640, el círculo de "espíritus libres" había comenzado a desintegrarse: d'Assoucy y Scarron se habían peleado en 1648, y en 1650 d'Assoucy y Cyrano se atacaban mutuamente con sus plumas. La disputa involucró una serie de textos satíricos. Bergerac escribió Contre Soucidas (un anagrama del nombre de su enemigo) y Contre un ingrat ("Contra una persona ingrata"), mientras que d'Assoucy contraatacó con Le Combat de Cyrano de Bergerac avec le singe de Brioché au bout du Pont-Neuf ("La batalla entre Cyrano de Bergerac y el mono de Brioché en el puente Pont-Neuf"). Se ha sugerido que d'Assoucy era el amante de Cyrano. Poco después de esta disputa, d'Assoucy rompió con Chapelle.

Acompañado de dos "páginas musicales", d'Assoucy partió en el verano de 1650 hacia Turín, con cartas de presentación a "Madame Royale", regente de Saboya. (Recientemente había comenzado a señalar a los jóvenes adolescentes talentosos, "pajes", a quienes les enseñaría el teorbo y el canto.) Madame Royale aparentemente estaba menos que encantada, y en diciembre de 1651 d'Assoucy estaba de regreso en el sur de Francia, donde los Estados de Languedoc se estaban reuniendo. Allí renovó su amistad con Molière, cuya tropa teatral actuaba para los Estados. De vuelta en París a finales de 1652, d'Assoucy le recordó a Luis XIV el puesto que había ocupado en la música real, cobró lo que le correspondía de su pensión y tocó ocasionalmente para el rey. También compuso y publicó canciones, impartió lecciones de laúd y teorbo y escribió poemas, entre ellos el Ravissement de Proserpine (abril de 1653).

En 1655, d'Assoucy comenzó más de una década de deambular que relató en sus Rimes redoublées y en sus dos volúmenes Aventures des voyages du Sieur d'Assoucy, donde los hechos se codean con la hipérbole y, quizás, con la pura ficción. A principios del verano de 1655, partió hacia Turín con otra "página" musical, un chico talentoso llamado Pierre Valentin, conocido por los lectores de d'Assoucy como "Pierrotin" y por los amantes de la música italiana como "Pietro Valentino". Las razones de su apresurada partida solo pueden adivinarse: ¿acreedores? la ultra devota Compagnie du Saint Sacrement, que consideraba inmorales las parodias? ¿juego? ¿Sus relaciones de larga data con los "librepensadores"? su persistente interés en los niños pequeños? ¿Quizás un poco de todos ellos? En Lyon se encontró de nuevo con Molière y fue con él al Languedoc, donde la tropa actuó para los Estados. Mientras estaba en Montpellier, d'Assoucy fue encarcelado, aparentemente por motivos morales.

Después de vagar de ciudad en ciudad durante dos años, d'Assoucy y su paje llegaron a Turín en junio de 1657. Una vez más, el intento de d'Assoucy de unirse a los músicos de Madame Royale fracasó, probablemente porque a la anciana y piadosa duquesa le repugnaban sus versos equívocos, y su mala conducta. En 1658, él y su paje habían abandonado Turín, esperando el patrocinio de la corte de los Gonzaga en Mantua. Cautivado por los talentos de Pierrotin, de trece años, el duque de Mantua trató de comprarlo, y cuando eso falló, secuestró al niño y lo llevó a Venecia, donde fue castrado y estudió con el famoso maestro Giovanni Bicilli. d'Assoucy siguió el rastro de Pierrotin durante un año completo, deteniéndose en Venecia, Módena, Florencia y, a principios de 1662, Roma.

Durante la mayor parte de sus seis años en Roma, d'Assoucy fue relativamente próspero. Recibió importantes obsequios de los diversos nobles para los que escribió poemas o interpretó música. Por ejemplo, a principios de 1666, estuvo brevemente en contacto con la reina Cristina de Suecia, y en 1666-1667 estuvo a sueldo del embajador francés y contribuyó a varios espectáculos musicales lujosos en el Palacio Farnese donde residía el embajador. Quizás fue en el Farnese, en 1667, donde d'Assoucy conoció a Marc-Antoine Charpentier y le ofreció "mi pan y mi compasión". En ese momento, el propio D'Assoucy estaba en apuros económicos. Había recuperado Pierrotin en 1664 y durante tres años había gastado la mayor parte de sus ingresos en el cantante, que se había convertido en un borracho y un ladrón. En noviembre de 1667, el endeudado d'Assoucy hizo arrestar al joven; y en diciembre él mismo fue encarcelado por el Santo Oficio. Liberado en el otoño de 1668, partió rápidamente hacia Francia.

De regreso a París en el otoño de 1670, renovó su amistad con Molière, quien propuso que d'Assoucy escribiera música para su próxima pièce à machines, la Malade imaginaire. Alrededor de septiembre de 1672 Molière renegó de la oferta y le dio el encargo a Marc-Antoine Charpentier.

En marzo de 1673, d'Assoucy fue nuevamente encarcelado. A los cinco meses fue liberado y absuelto gracias a la intervención de Luis XIV, quien no solo lo nombró músico de la casa real, sino que también le otorgó una pensión. Continuó escribiendo poesía circunstancial, particularmente en honor al rey. El 29 de octubre de 1677 murió en su alojamiento de la Île de la Cité.

D'Assoucy, el escritor

La posición de D'Assoucy en la literatura francesa fue resumida por Charles E. Scruggs (págs. 55-56):

"D'Assoucy fue influenciado por algunos de los librepensadores más liberales de su época, desde la filosofía epicuriana de Gassendi y La Mothe le Vayer hasta el hedonismo ilimitado de su amiga íntima Chapelle. No atraído por la especulación seca, Dassoucy estaba mucho más en sintonía a Chapelle que a los epicúreos. Su sensibilidad artística se refleja en el círculo literario parisino vagamente asociado de los años cuarenta. Este grupo, entre los que se encontraban Cyrano, Tristan, Scarron, Chapelle, d'Assoucy y Le Royer de Prade, expuso una obra literaria teoría que iba en contra de la estética 'clásica' gobernada por reglas que se estaba desarrollando rápidamente".

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Dulces objetos de mis sentidos, en la versión del Ensamble Faenza, dirigido por Marco Horvat.

Tu - Sergio Dalma

Charles W. Clark

Charles William Clark nació en Van Wert, Ohio, Estados Unidos, el 15 de octubre de 1865, y murió en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 4 de agosto de 1925. Barítono y profesor de canto.

El sitio www.kripkit.com publicó este recordatorio.

Charles W. Clark

Charles William Clark (15 de octubre de 1865 – 4 de agosto de 1925) fue un barítono estadounidense. Es considerado como uno de los barítonos más grandes de todos los tiempos y el primer barítono estadounidense en hacerse famoso en Europa. Cantó con gran éxito en los principales teatros de Europa y América, interpretando diferentes papeles en los repertorios italiano, francés y alemán, desde el lírico hasta el dramático.

Estudió canto en Chicago con Frederick W. Root y más tarde en Londres en la Royal Academy of Music bajo la dirección de Alberto Randegger y George Henschel. También estudió en Múnich con Eugen Gura. En 1902 se estableció en París, haciendo su debut en el Conservatorio Nacional de música de París, un honor que no se había concedido, durante 70 años, a un estadounidense. Sus giras en Europa y América fueron muy exitosas: seis giras en Estados Unidos, varias en Alemania, Inglaterra, Francia, Irlanda, Escocia, Italia y Portugal. Cantó en el Festival de Birmingham con la Orquesta Filarmónica de Liverpool, la Orquesta Halle y las principales orquestas y Filarmónicas de la época. Solo en Londres participó en más de 50 conciertos. Clark cantó acompañado por los músicos y virtuosos más famosos de su tiempo, como Claude Debussy, Pablo Casals, Ignacy Paderewski y Georg Schumann. Los críticos en ese momento afirmaron que Clark poseía una de las mejores voces de barítono que un cantante estadounidense ha tenido. Era admirado por su hermosa y varonil voz, su fraseo y clara dicción. Como cantante Wagneriano, Clark sobresalió en su tiempo. Su temperamento, su dramático fervor, su espléndida sinceridad lo hizo natural al estilo Wagneriano. Su voz tenía el poder y el alcance del típico cantante Wagneriano, pero no tenía la dureza que a menudo se asocia con la representación wagneriana de los cantantes de entonces y de hoy. Clark fue jefe del departamento vocal en el Conservatorio Bush en Chicago, donde influyó y guio a muchos estudiantes. Murió de un ataque al corazón el 4 de agosto de 1925.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el aria Es ist genug, so nimm nun, Herr, meine Seele, cantado en inglés, del Oratorio Elías de Felix Mendelssohn. Grabación realizada el 15 de septiembre de 1913.

Wolfgang Amadeus Mozart. Concierto para Clarinete y Orquesta en La Mayor K. 622. Pietro Tagliaferri.

Hadi Karimi

A continuación, de Wolfgang Amadeus Mozart, el Concierto para Clarinete y Orquesta en La Mayor K. 622, en la versión de Pietro Tagliaferri, junto a la Orquesta de Cámara "A. Vivaldi" de Valle Camonica, dirigida por SIlvio Maggioni.

Rafael Puyana

Rafael Antonio Lázaro Puyana Michelsen, más conocido como Rafael Puyana, nació en Bogotá, Colombia, el 14 de octubre de 1931, y murió en París, Francia, el 1 de marzo de 2013.​ Clavecinista.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio.

Rafael Puyana

(Bogotá, 1931 - París, 2013) Clavecinista colombiano. Desde su tierna infancia mostró un extraordinario talento musical. A los trece años ofreció su primer concierto en el Teatro Colón de Bogotá, con la interpretación de una sonata de Joseph Haydn. Amplió su formación en Estados Unidos, primero en el Conservatorio de Boston y luego, durante ocho años, en Connecticut, como discípulo de la profesora Wanda Landowska.

Rafael Puyana

Pronto se distinguió como virtuoso del clavecín y se trasladó a París para participar en el taller de composición de Nadia Boulanger. A partir de 1955 su fama empezó a extenderse por Europa y Estados Unidos, hasta acabar por atraer la atención de los especialistas. Compositores como Frederic Mompou y Xavier Montsalvatge escribieron conciertos para él, y también grabó con grandes intérpretes como Andrés Segovia, Yehudi Menuhin y David Oistrakh.

En el año 1985 grabó para la BBC de Londres las treinta y tres sonatas de Domenico Scarlatti, uno de los compositores preferidos de Puyana. Considerado uno de los mejores intérpretes de este instrumento, su repertorio no se limitó a los grandes maestros del Renacimiento y del Barroco, en los que fue consumado especialista y máxima autoridad, sino que se extendió a las composiciones para piano del siglo XVIII y a las piezas para clave de autores contemporáneos.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con su interpretación de la Sonata K 175, de Domenico Scarlatti, en el Clave Hieronymus Albrecht Hass, de 1740.

Tania

Ana Luciano Divis, más conocida como Tania, nació en Toledo, España, el 13 de octubre de 1908, y murió en Buenos Aires, Argentina, el 17 de febrero de 1999. Actriz y cantante.

El sitio www.cultura.gob.ar publicó este recordatorio.

Tania, "la Gallega" del tango

12 DE OCTUBRE DE 2020

MÚSICA

Nació en España, arrancó como cupletista y terminó siendo una de las voces emblemas del tango. Apasionada, temperamental, musa y compañera de Enrique Santos Discépolo, Tania hizo brillar nuestra música popular.

Nacida en Toledo, España, en 1908, pero con un recorrido artístico y personal casi por completo en Argentina, la recordada actriz y cantante de tangos Ana Luciano Divis, más conocida como Tania, hubiese cumplido años este 13 de octubre. No sé sabe cuántos con exactitud, porque “la Gallega” -como le decían- preservaba mucho este dato, pero se cree que nació entre 1893 y 1895.

Arropó el costado artístico de muy jovencita. El seudónimo de Tania Mexican se lo ganó por su primer esposo, el bailarín Antonio Fernández Rodríguez, que integraba el Trío Mexican, con el que visitó la Argentina por primera vez en 1923 como parte de una gira. 

Tania junto a Eduardo Bergara Leumann en "La Botica del tango".

En esos años, ya demostraba temperamento tanto arriba como abajo del escenario. Comenzó como cupletista y terminó siendo una de las voces femeninas más influyentes del tango. No había nacido para ser ama de casa, ni para ser una madre a tiempo completo. Era distinta y se notaba, se había propuesto triunfar como artista y lo consiguió. Se instaló en Buenos Aires y empezó a cantar. Integró varias orquestas, como la de Roberto Firpo y Osvaldo Fresedo, entre otras, y hasta fue parte del elenco estable de un cabaret.

Carismática y talentosa, Tania iluminaba cada lugar que pisaba. Eran frecuentes sus incursiones en programas del género, como la recordada “Botica del tango”, que conducía Eduardo Bergara Leumann en los años ochenta.

Discépolo, su gran amor

De sonrisa amplia, cabellera abultada y mirada fuerte, Tania no pasaba desapercibida fácilmente. Enrique Santos Discépolo fue su gran amor. Para el compositor “la Gallega” fue su musa y compañera. Juntos protagonizaron una de las historias románticas más recordadas de esa época. Terminaron casados pero hubo muchos desencuentros en el medio.

"Con Enrique nunca habíamos pensado en casarnos. No lo necesitábamos… Como solíamos decir, el pueblo ya nos había casado", solía decir Tania.

Tania y Discépolo, protagonizaron una de las historias de amor de la época más recordadas.

Maravillosa y polémica

El cantante Guillermo Fernández recuerda a Tania, a quien admiró profundamente y junto a quien compartió sus últimos cuatro cumpleaños: “Fue una mujer maravillosa y polémica. Era una artista brillante, la Madonna de los años treinta como ella misma se llamaba; fue cupletista, bailarina, actriz y en su voz aparecieron por primera vez los principales tangos de Discépolo, ese hombre al que ella amo a su manera, rara, egoísta y generosa a la vez. Fue una mujer de espíritu libre que no quiso sentirse atada pero, a la vez, no toleró la idea de que estuviera con otra mujer en México. Siempre los encantos de Tania fueron el infierno y el cielo para Discépolo. Tania fue amor, pasión, encanto, ternura, castigo, dulzura, amargor. Creo que en la frase Sueños de juventud, Enrique Santos Discépolo pudo resumir lo que Tania fue en su vida: `lírico amor primero, caricia y ternura, castigo y dulzura de mi amanecer´”.

Guillermo Fernández, cantante.

Amable, generosa y simpática

Edmundo Rivero (hijo) también tuvo palabras de reconocimiento hacia Tania: “La conocí a muy temprana edad, después con los años me fui acercando cada vez más porque un cantante de ese momento que se llamaba Gabriel Reynal cantaba en Cambalache, en el local que ella tenía sobre la calle Libertad, frente al Teatro Cervantes. Abría todos los días, era una época donde era otro Buenos Aires, la ciudad que nunca duerme, y por lógico el tango tallaba muy fuerte. Ahí tocaba un amigo mío, el gran pianista Carlos Figal. Yo cantaba en Cambalache y si bien ya conocía a Tania a partir de ese momento se fue profundizando la amistad; me acuerdo que me pedía que no vaya los viernes y sábados porque ella llenaba esos días, Tania quería que vaya los días de semana que estaba más flojo y por mi apellido sabía que podía atraer más público. Siempre se la notaba nerviosa a eso de las tres y pico de la madrugada porque a esa hora aparecían todas las amistades que venían de cantar de otros lugares y hasta las cinco o seis de la mañana era un lleno total, pero se ponía nerviosa porque no tenía espacio tan grande y podían aparecer artistas como Beba Bidart, Pedrito Quartucci, Mercedes Simone, Alfredo Dalton y muchísimos más, y por lógica a esa gente había que invitarla porque eran colegas y compañeros de trabajo. Tania siempre fue muy gentil, muy amable, muy simpática, rezongaba pero siempre terminaba contenta invitando a la gente amiga aunque los números no le cerraran, siempre fue muy generosa”.

Edmundo Rivero (h), cantante. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Tormenta. 

Luís de Freitas Branco

Luís de Freitas Branco nació en Lisboa, Portugal, el 12 de octubre de 1890, y murió en su ciudad, el 27 de noviembre de 1955. Compositor.

Fue educado en el medio familiar, y pronto mostró interés por la música, y estudió violín, piano y órgano. A los 14 años compuso varias canciones que alcanzaron una gran popularidad, y a los 17 años empezó su trabajo como crítico musical en el Diário Ilustrado. En 1910 se instaló en Berlín, donde estudió composición, música antigua y metodología de la historia de la música. En mayo de 1911 viajó a París, donde conoció a Claude Debussy y la corriente estética impresionista. En 1916 fue nombrado director del Conservatorio de Lisboa. A partir de 1940 dejó el cargo y se dedicó a la radio y a sus discípulos. En 1945 descubrió en la Biblioteca Municipal de Évora de la primera ópera hispana compuesta en 1660, Celos aun del aire matan, con libreto de Pedro Calderón de la Barca y música de Juan Hidalgo. Desarrolló su actividad en diversas áreas de la vida cultural, y se relacionó con diferentes personalidades como el economista Bento de Jesus Caraça, y el escritor y ensayista António Sérgio.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Suite Alentejana Nº 1, en la versión de la Orquestra Filarmónica de Lisboa, dirigida por Miguel Madaleno.

El Mirador Nocturno – Radio / Música Programática - César Franck, Poema sinfónico El cazador maldito; Ernest Chausson, Poema sinfónico Vivianne Op. 5; Nikolái Rimsky-Korsakov, Scheherezade Op. 35.

Hoy les presento el 2º programa de La Música de Todos Los Tiempos, dedicado a la Música Programática, de César Franck, el Poema sinfónico El cazador maldito; de Ernest Chausson, el Poema sinfónico Vivianne Op. 5; y de Nikolái Rimsky-Korsakov, la Suite sinfónica Scheherezade Op. 35.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Tom Zé

Antônio José Santana Martins, más conocido como Tom Zé, nació Irará, Bahía, Brasil, el 11 de octubre de 1936. Cantautor y multinstrumentista.

El sitio www.elpais.com publicó esta entrevista realizada por Joana Oliveira.

Tom Zé, el último tropicalista: “La música brasileña actual me enorgullece”

A los 84 años, el cantautor trabaja en un musical y un disco sobre la lengua portuguesa confinado en su apartamento de São Paulo

JOANA OLIVEIRA

São Paulo - 09 MAY 2021 - 18:28 ART

Tom Zé, en su casa en São Paulo, el pasado abril. LELA BELTRÃO

— ¡Tom Zé! ¡Tom Zé! ¡Tom Zéeeee!

Neusa, su mujer y representante, tiene que llamarlo cinco veces para que finalmente se ponga al teléfono. Tom Zé, nacido en Irará hace 84 años, estaba tomando notas. Desde marzo del año pasado, cuando estalló la pandemia de la covid-19 en Brasil, el cantautor ha trabajado mucho. Suele acostarse temprano, sobre las nueve de la noche —un poco más tarde cuando hay algún partido de fútbol— y se levanta a las tres de la mañana. A las cuatro comienza su proceso creativo, que compagina con el cuidado de las plantas de su apartamento en el barrio de Perdizes (São Paulo), una afición que tiene desde hace muchos años. Su próximo disco, que nace de un musical en el que está trabajando con el dramaturgo Felipe Hirsch, será un estudio de la lengua brasileña.

”Como la pandemia estaba retrasando las fechas del musical, [Hirsch] me llamaba y me decía: ‘Tom Zé, vamos a aprovechar para escribir más canciones, vamos a hacer que el musical sea más musical’. Como soy lento para hacer música, aproveché. Ya he hecho más de 50 canciones. Cumplo con mi deber”, se ríe. Y su deber incluye una meticulosa investigación de los obstáculos históricos, políticos y culturales de la lengua, en un viaje que va desde el cancionero celta hasta los pormenores de la dinastía carolingia. Un conocimiento que vierte en casi dos horas de conversación con EL PAÍS.

”Todo esto nació del verso de Olavo Bilac La última flor del Lacio, inculta y bella. La última flor es la lengua portuguesa, considerada la última de las hijas del latín. En la Edad Media, Roma invadió toda Europa y todo se convirtió en gótico romano, pero la canción brasileña proviene del gótico árabe. Primero, procede del chantalon, que es la música religiosa de la civilización celta y que alcanzó los grados más altos de la nobleza. Luego, recibió la influencia de los cancionistas árabes, en el siglo VIII”, explica.

Tom Zé defiende fervientemente la tesis de que la tropicalia nació justamente de esta tradición mozárabe (de los cristianos hispanos que vivían en territorio conquistado por los musulmanes), que también ve reflejada en varios pasajes de su infancia y juventud en el sertão, la región semiárida del interior de Bahía. Por eso es El último tropicalista, como dice el título de su biografía, escrita por el periodista italiano e investigador de música brasileña Pietro Scaramuzzo. Durante casi un año, ambos hablaron todas las semanas por teléfono y videollamadas para repasar los recuerdos e inspiraciones del artista brasileño. Y eso que Tom Zé dice que apenas sabe encender un teléfono móvil.

“La tienda de mi padre, en Irará, fue mi primera educación, porque los clientes eran los hombres del campo. Hasta los ocho años, fui educado sin Aristóteles y solo con la cosmovisión mozárabe, que es la que circula allí, a través de las danzas y las fiestas populares”, recuerda Tom Zé, refiriéndose a tradiciones culturales como la chegança y el bumba meu boi. “Aprendía de lo que veía. Realmente, soy un nordestino muy nordestino”, se ríe.

Tom Zé, que creció entre la tienda de su padre y los almuerzos con “muchos tíos comunistas”, solo descubrió a Aristóteles a los ocho años, en la escuela primaria, y este encuentro fue definitivo para que otros —principalmente con Gilberto Gil, Caetano Veloso, Rita Lee y los demás tropicalistas— fueran fructíferos. Después de recorrer 163 kilómetros en la parte trasera de un camión para ir a la escuela en Salvador, Toinzé, como se le conocía en Irará, ya no era el mismo cuando regresó a la pequeña ciudad.

”Era raro cuando el profesor abría la boca, porque yo entendía lo que decía, pero en casa el pensamiento era diferente. Recuerdo que me pasé tres días sentado en una escalera de casa que daba a una vegetación precabralina, por así decirlo, y de espaldas a la ciudad, donde estaba esa civilización que fui a ver el primer día de primaria, y pensaba: ¿el mundo será así? Era solo Aristóteles, Aristóteles, Aristóteles. Defiendo la tesis de que Caetano y Gil tomaron estas reflexiones, que fueron un tiro al hipotálamo, para construir en Brasil la tradición de un arte más fuerte”, dice Tom Zé.

Para él, los genios son solo Gil y Caetano. Él ni siquiera se ve como un intelectual. “Soy una persona sencilla, quizás inteligente. Trabajo, hago música, pero lo que vi hacer a esos hombres, hija mía, es de otro mundo. Incluso espero que mi capacidad pueda dar crédito a esa afirmación”. La admiración es tan grande que Tom Zé no está resentido por haber tenido, en el apogeo del tropicalismo, menos éxito comercial que sus colegas. Irónicamente, el último tropicalista obtuvo más éxito cuando David Byrne, líder de los Talking Heads, descubrió su música en Bahía en 1989 y la llevó al mundo.

“Convivíamos principalmente en el apartamento de Caetano, en el centro de São Paulo. Yo escribía por la noche y ellos no se despertaban hasta la una de la tarde, yo me levantaba temprano y escribía un poco más, siempre intercambiábamos las canciones”, recuerda. Es lo que ocurrió, por ejemplo, con 2001, originalmente titulada Astronauta libertário, que Tom Zé escribió, pero la rechazó y se la pasó a Rita Lee: “Entonces Rita hizo algo sensacional. Hizo con esta canción lo que Kubrick hizo con 2001: una odisea del espacio. Prácticamente se convirtió en una canción caipira europea.

Para alguien que tuvo que esquivar la censura de la dictadura militar brasileña, Tom Zé se sorprende por el tipo de autoritarismo que ve hoy en el Brasil, que, según él, es diferente al de entonces, pero aún más agudo debido a internet. “En la época del impeachment de Dilma [Rousseff] hice algunas canciones contra [el expresidente] Michel Temer y, un día, Neusa se metió en el ordenador y había más de 3.000 mensajes de amenazas. Se puso a temblar de miedo por las cosas increíbles que me decían y me pidió que dejara de escribir eso, porque no quería perder a su marido. Eso funciona como la censura. Una censura que, en 1973, no impidió la publicación del disco Todos os olhos, en cuya portada se ve una canica en el centro de un orificio que parece ser un ano, pero que, en realidad, es la boca de una mujer.

“Décio Moraes, publicista, en realidad tuvo la idea de poner un ano femenino, y la novia de su socio aceptó hacer la foto. Pero era tan difícil conseguir el ángulo correcto para la imagen que decidieron poner labios alrededor de la canica. Tuvo tanto éxito que las tiendas lo exhibieron en los escaparates. A veces, nos poníamos otra ropa para que no nos reconocieran y bromeábamos: “Voy a ver un ano en la Praça da República”, se ríe.

Lejos de ser un músico nostálgico, Tom Zé ve la misma irreverencia, talento e innovación en la música brasileña contemporánea. No es casualidad que, en los últimos años, haya colaborado con artistas como Emicida, Mallu Magalhães y el grupo O Terno, por citar algunos. “La música brasileña actual me enorgullece, es digna del tropicalismo. Esta generación sabe cómo tomar cualquier referencia, cómo obtener cualquier información de cualquier parte del mundo. Escuchan cosas de Londres y Estados Unidos, absorben esas referencias y las transforman en algo tan auténtico que esa misma gente de Estados Unidos y Londres luego les compra. Es increíble. ¡In-cre-í-ble! Brasil siempre ha sido así en la música.

El maestro del contrapunto

Si hoy Brasil tiene a Tom Zé es gracias a un tal Renato Portela, un auténtico Platón que le metió ideas metafóricas en la cabeza desde los 10 años, A los 17 años, Portela le presentó la guitarra. “El día que tocó la guitarra delante de mí en la plaza del pueblo tuve una intuición, perdí el conocimiento. ¡Me encantó! No es de extrañar que me convirtiera en un estudiante fanático del contrapunto. Ese día decidí estudiar guitarra y empecé a hacer música”, cuanta Tom Zé.

El contrapunto —nota contra nota, que, en movimiento opuesto, se considera la perfección— es una de las pasiones de su vida. Descubrirlo despertó en él el mismo asombro y encanto que cuando vio encenderse una bombilla por primera vez en 1950. Y en la Facultad de Música de la Universidad Federal de Bahía perfeccionó ese amor durante cinco años. También fue allí donde conoció a Moraes Moreira, de quien fue profesor de guitarra. ”Se presentó allí con ropa de chico de interior. Le dije que no podría pagar mis clases, que eran muy caras. Pero insistió en aprender, porque era un compositor. Le pedí que cantara y, cuando abrió la boca, decidí darle clases gratis. Moraes aprendió en dos meses, porque estudió tanto que volvía a clase sabiendo más que yo”.

Tom Zé habla mucho. Pero, tal vez, por ese escepticismo que destila hacia su propio intelecto prefiere hablar más de sus colegas que de su propia obra. Maestro en salir del paso, recurre una vez más a la cultura popular para evitar dar detalles de lo que bulle en su cabeza y que se traducirá en sus próximas canciones: “En Bahía dicen: la mujer que habla demasiado pierde a su amor. Parece que el secreto forma parte de la fuerza para trabajar”.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus éxitos: Menina Amanhã de Manhã.

Johnny Green

 

John Waldo Green, más conocido como Johnny Green, nació en Nueva York, Estados Unidos, el 10 de octubre de 1908, y murió en Beverly Hills, California, Estados Unidos, el 15 de mayo de 1989. Cantautor, compositor, arreglador musical, director de orquesta y pianista.

El sitio www.harvardmagazine.com publicó este recordatorio firmado por Sol Hurwitz.

John Waldo Green

Breve vida de un músico en conflicto: 1908-1989

por SOL HURWITZ

MARZO-ABRIL 2010

CON POCO MÁS DE VEINTE AÑOS, Johnny Green escribió la música de unas dos docenas de éxitos, incluidos "I Cover the Waterfront", "Out of Nowhere", "I Wanna Be Loved" y, sobre todo, la cautivadora balada "Body and Soul". Sus canciones de la era de la Depresión tocaron a millones con su apasionado sentido de anhelo y esperanza.

Él “escribió con tanta alma y emoción como cualquiera en la calle”, comentó Wilfrid Sheed en su historia de la música popular estadounidense, The House That George Built. Green también fue un pianista, director de orquesta, arreglista y productor excepcional, que combinó el talento musical con el estilo de un showman y la dureza de un gerente corporativo. De 1949 a 1958, fue director musical general y ejecutivo a cargo de la música en Metro-Goldwyn-Mayer, responsable de muchas de las partituras musicales y cinematográficas más importantes del estudio. En una entrevista de Variety de 1955, abogó por reemplazar el exuberante y formulado "sonido de Hollywood" de las décadas de 1930 y 1940 con una música "escasa y lineal" y un estilo más individual. Nominado 14 veces a un Premio de la Academia, ganó por sus orquestaciones de Desfile de Pascua, Un americano en París, West Side Story y Oliver! Luciendo su característico clavel blanco, se desempeñó durante 17 años como director de orquesta y director musical de Oscar Night e introdujo la práctica de entonar el tema musical apropiado en el instante en que se anuncia un ganador.

Green tenía un encanto magnético y un sentido del humor exuberante; era un elegante vestidor cuyo ideal sartorial era Fred Astaire y un narrador que practicaba sus bromas frente a un espejo. Pero también tenía una enorme necesidad de ser tomado en serio. Los suicidios de una madre cariñosa y un amado hermano menor, y las expectativas inflexibles de un padre duro, un magnate inmobiliario y banquero, crearon tensiones internas durante gran parte de su vida. Buscó el prestigio otorgado a los compositores y directores clásicos, pero sus logros siguen arraigados en Tin Pan Alley y Hollywood. Sus fracasos duelen: quedó devastado cuando su música original aclamada por la crítica para la película de 1957 Raintree County no ganó un Oscar.

La música lo influyó temprano. Ambos padres, neoyorquinos cultos, eran pianistas aficionados y su madre lo llevó a su primer concierto sinfónico cuando tenía cuatro años. (Después dijo que quería pasar su vida no solo haciendo música sino también como director de orquesta). A los 14 años, conoció a George Gershwin e interpretó una melodía de Gershwin en el piano del compositor para mostrarle cómo debía tocarse. Cuando Harvard aceptó a Green a los 15 años, su padre lo presionó para que eligiera la economía en lugar de la música como una concentración, declarando: "Hayningún vagabundo como un artista bastante bueno, y tú eres un artista bastante bueno”. Aun así, Green, como estudiante de primer año, organizó Cambridge Serenaders, una banda de 11 piezas que luego se convirtió en la Harvard Gold Coast Orchestra. Cuando el líder de la banda, Guy Lombardo, escuchó la orquesta, contrató a Green para que escribiera los arreglos para los recién formados Royal Canadians. “Coquette”, que Green compuso para Lombardo el verano anterior a su último año, se convirtió en una sensación de la noche a la mañana, pero se ofendió cuando el Hasty Pudding Club de Harvard no lo invitó a componer para su musical.

Después de un paréntesis de un año como estudiante de posgrado en inglés y empleado en Wall Street, Green decidió de una vez por todas seguir una carrera en la música, formando una sociedad de composición con el letrista Edward Heyman solo unos meses antes de que el mercado de valores colapsara. Desesperadamente necesitado de trabajo, escribió cuatro piezas para la cantante y comediante Gertrude Lawrence, a quien una vez invitó a actuar con los Serenaders en Harvard. Pagó $250 por el lote, uno de ellos “Cuerpo y alma”. Según lo grabado por la Orquesta de Paul Whiteman, la canción fue número uno en las listas durante seis semanas, pero fue prohibida en la radio durante casi un año por su letra sexualmente sugerente, lo que aumentó aún más su popularidad. "Body and Soul" aseguró la incorporación de Green en 1972 al Salón de la Fama de los Compositores: "No escribes 'Body and Soul' a menos que seas una especie de genio.

A principios de la década de 1930, Green se desempeñó como compositor y director de orquesta en los estudios cinematográficos de Paramount en Astoria, Nueva York; más tarde, "Johnny Green, su piano y orquesta" proporcionó música swing sofisticada en hoteles elegantes y programas de radio populares. Nuevas oportunidades lo atrajeron a Hollywood en 1942; Trabajó como compositor y director de orquesta para varios estudios antes de pasar a MGM como director musical. Mientras tanto, hizo realidad su sueño de la infancia como director de la Filarmónica de Los Ángeles en el Hollywood Bowl durante más de 20 temporadas, y en apariciones con otras orquestas sinfónicas, aunque estas favorecían los programas "pop" más ligeros que las obras clásicas serias.

En 1978, después de escribir lo que describió como “muy poca música original de importancia”, recibió un encargo de la Orquesta Sinfónica de Denver para escribir una sinfonía de un movimiento para la inauguración de un nuevo centro de artes escénicas. Green, un judío secular cuya conversión al cristianismo fue inspirada por su tercera esposa, la reina de belleza Bonnie (Bunny) Waters, atribuyó el avance a la intervención divina: “Eso tiene que ser alguien que intenta decirme algo. ¡Y resulta que sé quién es ese Alguien! Tituló la sinfonía "Mis ojos han visto".

Pero la culminación exitosa de la obra también fue un recordatorio del camino que no se tomó. "Es lamentable", admitió Green a sus compañeros de clase hacia el final de su carrera, "que pasé todos esos años (y, lejos de ser casualidad, ¡gané todo ese dinero!) esclavizado por la música de otras personas en lugar de crear la mía".

Sol Hurwitz ha escrito sobre música y artes para el New York Times, el Washington Post, el Christian Science Monitor y JazzTimes.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Body and Soul.

Shalom – Y habitaréis en cabañas durante siete días

Shalom – Y habitaréis en cabañas durante siete días

Sucot, conocida como la Fiesta de las Cabañas, es una de las tres festividades en las que, en la época del Templo de Jerusalem, los judíos peregrinaban a él para entregar su ofrenda a Dios. Su origen se encuentra en la Torá.

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/habitareis-cabanas-durante-siete-dias/6709765/

Chucho Ferrer

José de Jesús Ferrer Villalpando, más conocido como Chucho Ferrer, nació en Guadalajara, México, el 9 de octubre de 1929, y murió en la Ciudad de México, México, el 6 de diciembre de 2011. Compositor y arreglador.  

El sitio www.siempre.mx publicó este recordatorio.

Murió el destacado músico Chucho Ferrer

Diciembre 7, 2011 |

El músico y arreglista mexicano José de Jesús Ferrer, más conocido como “Chucho” Ferrer, falleció este miércoles en Ciudad de México, a los 82 años, informó la Secretaría de Cultura del gobierno del Distrito Federal.

Siendo hijo de padres músicos, desde pequeño Chucho demostró inquietud por la música. Su formación formal se compone de estudios de armonía, composición musical e instrumentación en el Conservatorio Nacional de Música. Actualmente, Chucho Ferrer se considera un ícono de historia de la música popular en México, ya que ha compuesto más de 8000 arreglos musicales para artistas de diversos géneros que van desde el bolero, el rock, el ranchero, la balada y música clásica entre otros. Chucho Ferrer ha sido orquestador en las siguientes Orquestas Sinfónicas: Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, La Orquesta de Cámara de Bellas Artes, La Orquesta Nacional de Música de la UNAM, La Orquesta del Instituto Politécnico Nacional, La Orquesta Sinfónica de Guadalajara, La Orquesta Sinfónica de Guanajuato, La Orquesta Sinfónica de Puebla, La Orquesta Sinfónica de Xalapa y La Orquesta Sinfónica de Vancouver, Canadá.

Chucho Ferrer fungió durante 13 años como director artístico de la Orquesta de solistas de Agustín Lara, también participó como musicalizador en los primeros programas de la televisión mexicana y fue pionero de la emblemática estación de radio en México, la XEW.

No obstante, el mayor reconocimiento del público lo tuvo al ser durante 20 años el director musical del Festival OTI Nacional y 13 años como director musical del Festival OTI Internacional. Entre los artistas a los cuales les realizó arreglos musicales están: Agustín Lara, Pedro Infante, Toña la Negra, Armando Manzanero, Fernando Valadés, Alejandro Fernández, Chamin Correa, Franciso Gavilondo Soler (Cri cri,) Eugenia León, Emmanuel, Estela Núñez, Guadalupe Pineda, Lupita Dalessio, Domingo Trimarchi, José Alfredo Jiménez, José José, Juan Gabriel, Luis Miguel, Marco Antonio Muñíz, Vicente Fernández, Rocío Dúrcal, Olga Guillot, Roberto Cantoral, Manoella Torres ,Imelda Miller, César Costa, Los Hermanos Castro, Aida Cuevas, Carlos Cuevas, Imelda Miller, Napoleón, Yoshio, Bronco, El mariachi Gallos de México, María Medina, Gualberto Castro, Mariachi Nacional de México, Plácido Domingo, Lucero, Angélica María, María Félix, Daniela Romo entre otros muchos artistas.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Te Voy a Enseñar a Querer, en la versión de Manoella Torres.

Samba Pa Ti - Santana

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Israel Aviram.

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Israel Aviram.

Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se emite por Radio Sefarad.

Israel Aviram: Kipur, mi propia plegaria

TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON CECILIA LEVIT – Israel Aviram (Kliski) nació en 1926 en Lodz, Polonia. Cuando tenía 13 años, estalló la Segunda Guerra Mundial. En 1940, Israel y su familia fueron deportados al gueto, donde se unió al movimiento juvenil sionista. En agosto de 1944, Israel fue enviado al campo de concentración y exterminio de Auschwitz-Birkenau. Su madre fue asesinada en el campo y su hermana fue enviada a un campo de trabajo. Israel y su padre fueron trasladados al campamento de Yebozhno, donde trabajaron en la minería del carbón. En enero de 1945 fueron puestos en libertad en el campo de Blechhammer. Después de meses de vagar entre los distintos países europeos y tras reencontrarse con su hermana Hania, los tres arribaron al puerto de La Spezia en Italia como parte del kibutz «Bonei HaNeguev». En 1946 emigraron a Israel en el barco Dov Hoz y estuvieron entre los fundadores del kibutz Ramot Menashé. Israel tiene tres hijos y nueve nietos.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Clarence Williams

Clarence Williams nació en Plaquemine, Luisiana, Estados Unidos, el 8 de octubre de 1898, y murió en Queens, Nueva York, Estados Unidos, el 6 de noviembre de 1965. Pianista, cantante y director de orquesta.

El sitio www.apoloybaco.com publicó este recordatorio.

Clarence Williams.

Pianista y compositor, hijo del contrabajista, Dennis Williams, Clarence Williams, empezó a tocar el piano a los ocho años y a los doce abandonó su ciudad natal con el grupo de Billy Kersand’s y su Minstrel Show. En 1913 fue contratado por Armand Piron, a cuya orquesta pertenecía entonces Sidney Bechet. Después de una breve gira con el grupo de W. C. Handy, se trasladó a Chicago en 1917 donde abrió una nueva casa musical cerca del Vendome Theatre. A principios de 1920 decidió afincarse definitivamente en New York donde contrajo matrimonio con la cantante Eva Taylor y fundo la C. Williams Music. Co. Inc. que pronto se convertiría en una de las mas prestigiosa empresas musicales, demostrando la habilidad para los negocios de Clarence.

Su fama y su experiencia le permitió actuar en las salas más elegantes de New York como pianista y cantante y dio comienzo su importante carrera discográfica, primero acompañando al piano a famosas cantes de blues como por ejemplo ocurrió con la gran Bessie Smith, y posteriormente al frente de los Blue Five entre 1923 y 1925 con la extraordinaria colaboración de Louis Armstrong, Sidney Bechet, Buster Bailey, Charlie Irvis, Thomas Morris y Buddy Christian. El encuentro entre Armstrong, Clarence y Bechet fue un paso decisivo y extraordinario en el devenir del jazz ya que dio lugar a originalísimos arreglos y marco el camino a seguir en la década siguiente con la era del swing. A finales de los años veinte, la producción discográfica de Clarence Williams siguió una senda ascendente y al frente, esta vez de los “Washboard Jive” produjo auténticas joyas discográficas.

En 1928, en plena madurez estilística de Clarence Williams, se unió al grupo, el cornetista, Joe King Oliver, y junto a Ed Allen, el otro trompetista de la orquesta, compusieron otro ramillete de espléndidas composiciones. Contratado por el sello Okeh para dirigir la producción musical de la serie “Race Records” de la discográfica, Clarence encontraba tiempo para seguir explorando nuevos caminos al frente de su piano. Su última aparición en público fue en 1945 cuando actuó como cantante en la orquesta de Howard McGhee. En Mayo de 1956 fue atropellado por un coche perdiendo la vista y dejando en él fuertes secuelas de carácter mental que le condujeron a la muerte.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Cake Walking Babies From Home, junto a The Blue Five, y la voz de Eva Taylor.

Wolfgang Amadeus Mozart. Concierto para Clarinete y Orquesta en La Mayor K. 622. Robert Pickup.

Hadi Karimi

A continuación, de Wolfgang Amadeus Mozart, el Concierto para Clarinete y Orquesta en La Mayor K. 622, en la versión de Robert Pickup, y la Orquesta La Scintilla, dirigida por Ada Pesch.

Charles Crozat Converse

 

Charles Crozat Converse nació en Warren, Massachusetts, Estados Unidos, el 7 de octubre de 1832, y murió en Englewood, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 18 de octubre de 1918. Abogado y compositor.

El sitio www.imdb.com publicó este recordatorio.

El abogado y compositor Charles Crozat Converse nació el 7 de octubre de 1834 en Warren, Massachusetts. Asistió a la academia en Elmira, Nueva York y estudió música en Leipzig, Alemania. Converse regresó a Massachusetts en 1857 y se graduó de la Facultad de Derecho de Albany en 1861. Charles trabajó como abogado en Erie, Pensilvania. Además, Converse escribió composiciones musicales bajo los seudónimos de C.O. Nevers, Karl Reden y EC Revons; dichas composiciones incluyen "Nuevo método para guitarra" en 1855, "Ramo musical" en 1859, "El salmo ciento veintiséis" en 1860 y "Sweet Singer", "Church Singer" y "Dichos de los sabios" en 1863 En 1868, Charles escribió una melodía para acompañar el poema "Ora sin cesar" de Joseph M. Scriven y retituló la composición "Qué amigo tenemos en Jesús". "What a Friend We Have in Jesus" se ha convertido en un himno evangélico clásico muy respetado que ha sido versionado por muchos artistas de todo el mundo. Converse también publicó un arreglo de "La muerte de Minnehaha" con palabras de Longfellow y propuso el uso del pronombre neutral de género "Thon". Recibió su LLD de Rutherford College en 1895. Charles murió a los 84 años el 18 de octubre de 1918 en Highwood, Nueva Jersey.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con What a Friend We Have in Jesus, o Qué amigo tenemos en Jesús, en la versión del Coro del Santuario de la Primera Iglesia Metodista Unida, de Houston, Texas, con John Gearhart, en órgano, dirigidos por el Dr. Terry Morris.